Значительное место в творчестве Константина Сомова занимают портреты, которые в корне отличаются от остальных его полотен. Портреты М. В. Добужинского, М. А. Кузьмина, Е. Е. Лансере, Ф. К. Сологуба, А. А. Блока и многих других отличаются реализмом и лаконизмом изображения, мастерской техникой исполнения. При их написании Сомов использует карандаш, с подсветкой акварелью, гуашью и белилами.
Константин Сомов является также и известным общественным деятелем. Он принимал активное участие с создании журнала «Мир искусства», создавал обложки и иллюстрации к книгам (среди них произведения Н. Гоголя, пушкинский «Граф Нулин», многие зарубежные произведения, такие как «Манон Леско» А. Прево и пр.).
Многогранный талант К. Сомова распространялся не только на живопись, но и на скульптуру. Он создаёт изысканные фарфоровые статуэтки: «Влюблённые», «Граф Нулин» и др.
Константин Сомов еще при жизни получил известность всей Европы, экспонируя свои произведения на зарубежных выставках. И всё же в жизни талантливого художника присутствовала трагическая нота. После октябрьской революции в России, в период всеобщей разрухи и сумятицы некому было оценить утончённую изысканность его творчества, он становится непонятым и невостребованным. Вскоре Сомов уезжает в Париж, где и остаётся до самой смерти. Сомов никогда больше не приезжал в Россию, где по нему лишь после смерти осталась вечная память благодаря его бессмертным полотнам.
Граф Анри́ Мари́ Раймо́н де Тулу́з-Лотре́к-Монфа́ 24 ноября 1864, Альби — 9 сентября 1901— французский художник-постимпрессионист из графского рода Тулуз-Лотреков, мастер графики и рекламного плаката. Вдохновлялся искусством импрессионистов, в особенности творчеством Поля Сезанна, Эдгара Дега, и японскими гравюрами. В 1882 г. приехал в Париж, а в 1884 г. обосновался на Монмартре, где прожил до конца своих дней. Одним из первых всерьёз занялся рисованием афиш (литографией). Часто рисовал проституток и жизнь монмартрских кабаре, вёл соответствующий образ жизни. Его моделями были танцовщицы «Мулен Руж» Луиза Вебер (Ла Гулю) и Жанна Авриль, клоунесса Ша-У-Као, поэт и театральный деятель Аристид Брюан, танцор Валентин Бескостный, певица Иветта Гильбер.
В любви ему не везло, низкий рост (152 см) и внешность инвалида вызывали насмешки, все его серьёзные романы заканчивались неудачно. Умер от алкоголизма и сифилиса в родовом замке на руках матери, не дожив до 37 лет[1].
При жизни критика была в основном настроена недоброжелательно по отношению к Тулуз-Лотреку и его творчеству. Признание к Лотреку пришло через несколько лет после его смерти.
О́бри Ви́нсент Бёрдслей— английский художник-график, иллюстратор, декоратор, поэт, один из виднейших представителей английского эстетического движения 1890-х гг. Прожив очень короткую жизнь — всего двадцать пять лет — Бердсли оставил неизгладимый след в истории европейского изобразительного искусства. Развивая в своем творчестве символистские тенденции поздних прерафаэлитов, он оказал большое влияние на графику стиля модерн. Творческий путь
С этого времени только искусство стало заполнять всю жизнь Бердсли. В 1891 он занимался в Вестминстерской художественной школе. Попал под влияние У. Морриса, а также Э. Берн-Джонса — по мнению Бердсли, «величайшего художника Европы». Изучал собрания Британского музея и Национальной галереи, а также японские гравюры, что привело его к созданию в собственных рисунках удивительного синтеза Запада и Востока.
Профессиональная деятельность Бердсли как художника началась в 1892, когда он получил заказ проиллюстрировать книгу Мэлори «Смерь короля Артура». Рисунки Бердсли, отличающиеся виртуозной игрой силуэтов и линий в сочетании с черными и белыми пятнами, за короткий срок сделали его всемирно известным художником. Размышляя в одном из писем о современной живописи, он писал: «Как мало сейчас понимается важность линии! Именно это чувство гармонии линии выгодно отличало старых мастеров от современных. Похоже, нынешние художники стремятся достичь гармонии одного только цвета».
Подружившись с Оскаром Уайльдом, он проиллюстрировал его «Саломею» (1894).
В 1984 начал работать в журнале The Yellow Book («Желтая книга») и вскоре стал его художественным редактором. В The Yellow Book были опубликованы его рисунки, стихи и эссе. Под влиянием Бердсли сложилась эротическая направленность журнала, однако в 1895 он был закрыт (связано это было с арестом Оскара Уайльда и заключением его в тюрьму по обвинению в гомосексуализме). Оставшись без работы, Бердсли некоторое время сотрудничал в журнале «Савой» (1896), перебивался случайными заработками, пока ему не предложили проиллюстрировать Ювенала и Аристофана («Лисистрата», 1896). Эти рисунки, предназначенные для частных или подпольных изданий, шокировали и удивляли современников. Повышенный интерес художника к гермафродитам, эротике, а также абсолютная раскованность в рисунках послужили основанием для обвинения Бердсли в гомосексуализме, что впоследствии не подтвердилось. Незадолго до смерти художником овладела глубокая религиозность (он был католиком) и, раскаиваясь, он просил уничтожить свои эротические («неприличные», как он их называл) рисунки и гравировальные доски к ним.
Альфо́нс Мари́а Му́ха (24 июля 1860 — 14 июля 1939) — чешский живописец, театральный художник, иллюстратор, ювелирный дизайнер и плакатист, один из наиболее известных представителей стиля «модерн». В нашей стране имя знаменитого чешского художника Альфонса Мухи мало известно. А между тем оно стало буквально символом живописи конца «золотого», – начала «серебряного» веков... Его стиль (в живописи, архитектуре, малых декоративных формах) так и назвали (и называют поныне) – «стилем Мухи». Или – «модерн», «югендстиль», «сецесьон». Название пришло из Франции. Да и самого художника в Европе порой считают французом. Но это не так.
Альфонс Муха - выдающийся чешский художник, мастер театральной и рекламной афиши. Один из ярчайших представителей стиля модерн.
Родился художник 24 июля 1860 в Иванчице (Моравия). Получил первичное художественное образование в Брно. В 1880 работал в Вене сотрудником фирмы театральных декораций. С1881 года Альфонс Муха был придворным художником графа П.Куэна (1881–1885) и исполнил декоративное оформление части интерьеров его замка в Грушовани (Моравия). Затем учился в Академии художеств в Мюнхене (1885–1887) и академии Р. Жюльена в Париже. В 1887–1922 жил в основном в Париже. Несколько раз (начиная с 1903) посетил США, где работал как живописец и педагог.
Выдвинулся своими афишами для спектаклей театра «Ренессанс», парижского театра С.Бернар (Жисмонда, 1894; Дама с камелиями, 1896; Лорензаччо А.де Мюссе, 1896; Медея по мотивам Еврипида, 1898). Частично Альфонс Муха выступал и как дизайнер этих постановок: по его эскизам создавались не только платья, но и сценические ювелирные украшения.Альфонс Муха стал одним из ведущих художников французской рекламы; его композиции печатались в журналах либо в виде плакатов – с неизменной фигурой или головой томной дамы, погруженной в орнаментально-пестрый мир роскоши и неги. В том же «стиле Мухи» создавались и красочные графические серии (Времена года, 1896; Цветы, 1897; Месяцы, 1899; Звезды, 1902; все работы – акварель, тушь, перо), которые до сих пор тиражируются в виде арт - постеров.
26) От «Хрустального дворца» Пекстона и «Башни» Эйфеля к «Башне» Татлина. Зарождение конструктивизма и функционализма.
Конструктиви́зм — советский авангардистский метод (направление) в изобразительном искусстве, архитектуре, фотографии и декоративно-прикладном искусстве, получивший развитие в 1920 — первой половине 1930 годов. Характеризуется строгостью, геометризмом, лаконичностью форм и монолитностью внешнего облика. Применительно к зарубежному искусству термин «конструктивизм» в значительной мере условен: в архитектуре он обозначает течение внутри функционализма, стремившееся подчеркнуть экспрессию современных конструкций, в живописи и скульптуре—одно из направлений авангардизма, использовавшее некоторые формальные поиски раннего конструктивизма (скульпторы И. Габо, А. Певзнер)
Появление конструктивизма
Конструктивизм принято считать русским (точнее говоря, советским) явлением, возникшим после Октябрьской революции в качестве одного из направлений нового, авангардного, пролетарского искусства, хотя, как и любое явление в искусстве, он не может быть ограничен рамками одной страны. Так, провозвестником этого стиля в архитектуре явилась ещё Эйфелева башня, сочетающая в себе элементы как модерна, так и оголённого конструктивизма.
Как писал Владимир Маяковский в своём очерке о французской живописи: «Впервые не из Франции, а из России прилетело новое слово искусства — конструктивизм…»
Как же возникло это принципиально новое направление?
В условиях непрекращающегося поиска новых форм, подразумевавшем забвение всего «старого», новаторы провозглашали отказ от «искусства ради искусства». Отныне искусство должно было служить производству, а производство — народу.
Большинство тех, кто впоследствии примкнул к течению конструктивистов, были идеологами утилитаризма или так называемого «производственного искусства». Они призывали художников «сознательно творить полезные вещи» и мечтали о новом гармоничном человеке, пользующемся удобными вещами и живущем в благоустроенном городе.
Так, один из теоретиков «производственного искусства» Борис Арватов писал, что «…будут не изображать красивое тело, а воспитывать настоящего живого гармоничного человека; не рисовать лес, а выращивать парки и сады; не украшать стены картинами, а окрашивать эти стены…»
«Производственное искусство» стало не более чем концепцией, однако, сам по себе термин конструктивизм был произнесён именно теоретиками этого направления (в их выступлениях и брошюрах постоянно встречались также слова «конструкция», «конструктивный», «конструирование пространства»).
Помимо вышеуказанного направления на становление конструктивизма оказали огромное влияние футуризм, супрематизм, кубизм, пуризм и другие новаторские течения 1910-х годов в изобразительном искусстве, однако социально обусловленной основой стало именно «производственное искусство» с его непосредственным обращением к современным российским реалиям 1920-х годов (эпохи первых пятилеток).
Функционализм — направление в архитектуре XX века, требующее строгого соответствия зданий и сооружений протекающим в них производственным и бытовым процессам (функциям). Возник в Германии (школа «Баухауc») и Нидерландах. Используя достижения строительной техники, функционализм дал обоснованные приёмы и нормы планировки жилых комплексов (стандартные секции и квартиры, «строчная» застройка кварталов торцами зданий к улице).
«Пять признаков функционализма»:
Использование лапидарных прямоугольных форм.
Основной материал — монолитный и сборный железобетон, стекло, реже — кирпич. Использование крупных нерасчленённых плоскостей одного материала. Отсюда и преобладающая цветовая гамма — серый (цвет неоштукатуренного бетона), жёлтый (любимый цвет Ле Корбюзье) и белый. Отсутствие орнаментации.
«Плоские, по возможности, эксплуатируемые кровли» — идея Ле Корбюзье.
Для промышленных и, частично, жилых и общественных зданий характерно расположение окон на фасаде в виде сплошных горизонтальных полос — так называемое «ленточное остекление», — идея Ле Корбюзье.
Широкое использование образа «дома на ножках» — идеи Ле Корбюзье, состоящей в полном или частичном освобождении нижних этажей от стен и использовании пространства под зданием под общественные функции. В отличие от конструктивизма функционализм лишен монолитности. При детальном рассмотрении дом распадается на отдельные блоки.
Ба́шня Та́тлина — проект монументального памятника, посвящённого III Интернационалу, разработанный советским архитектором Владимиром Евграфовичем Татлиным. Строительство башни-монумента планировалось осуществить в Петрограде-Ленинграде, после победы Октябрьской революции 1917 года. Железный грандиозный монумент предназначался для высших органов всемирной рабоче-крестьянской власти (Коминтерна), которым предлагалось разместиться в семиэтажных вращающихся зданиях[. Однако возведение монумента осуществлено не было, по причине охлаждения руководства страны к авангардизму в конце 1920-х годов.
Э́йфелева ба́шня — самая узнаваемая архитектурная достопримечательность Парижа, всемирно известная как символ Франции, названная в честь своего конструктора Густава Эйфеля. Сам Эйфель называл её просто — 300-метровой башней. Возведённая башня потрясала дерзким решением своей формы. Эйфель был жестоко раскритикован за проект и одновременно обвинен в попытке создания чего-то артистического и нехудожественного.
Вместе со своими инженерами — специалистами по мостостроению, Эйфель занимался расчётами силы ветра, хорошо понимая, что если они строят самое высокое сооружение в мире, то прежде всего должны убедиться в его устойчивости к ветровым нагрузкам.
27) Ар- Деко, ОХ, основные представители, «нео- ар деко», как современная версия.
Ар-деко
Ар-деко́, варианты: ар деко, арт деко, арт-деко (фр. art déco букв. «декоративное искусство», из Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes — «Международная выставка современных декоративных и промышленных искусств» 1925 г., Париж) — течение в декоративном искусстве первой половины XX века, проявившееся в архитектуре, моде и живописи. Представляло собой синтез модерна и неоклассицизма. Отличительные черты — строгая закономерность, этнические геометрические узоры, роскошь, шик, дорогие, современные материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа, алюминий, редкие породы дерева, серебро). В США, Нидерландах, Франции и некоторых других странах ар-деко постепенно эволюционировал в сторону функционализма.
Арт-деко – это роскошный, утонченный, элегантный, а также элитный стиль. Следует отметить, что впервые этот стиль появился для оформления трансантлатических лайнеров в XX веке. На сегодняшний день стиль арт-деко снова входит в моду.
Расцвет стиля арт-деко пришелся на межвоенный период XX века, а именно: в 1908 – 1912 годах, а своего апогея достиг в период с 1925 по 1935 год. Интересен тот факт, что название этого стиля произошло от своеобразной аббревиатуры международной выставки декоративных искусств и ремесел Exposition Internationale des Art Decoratifs et Industriels Modernes. Эта выставка проходила в 1925 году во Франции. А уже, как художественный стиль, арт-деко возник в 1966 году. Произошло это после возрождения выставки декоративных искусств и ремесел Exposition Internationale des Art Decoratifs et Industriels Modernes. Возрожденная выставка прошла в 1966 году в Париже.
До того, как этот стиль получил свое нынешнее название, его называли не иначе, как «джазовый модерн», «зигзаг модерн», «обтекаемый модерн». Следует отметить, что последним термином наиболее часто обозначали формы, которые основывались на обтекаемости силуэтов кораблей, самолетов и автомобилей.
Следует отметить, что на заре своего зарождения, арт-деко получил широкое распространение в таких странах, как США, Франция. Кроме того, широко использовался и в других крупных европейских странах. Итак, стиль арт-деко гармонично сочетает в себе классические мотивы, прямолинейность и в то же время ассиметричность. А также следует отметить, что арт-деко продолжает превосходные традиции модерна. Это подтверждают использование в этом великолепном стиле извилистые линии, сочетание экзотических и простых материалов, а также изображение фантастических форм и существ. А также стиль арт-деко использует формы волн, зигзагов, раковин, фантастических драконов, лебединых изгибов шей, а также великолепных женщин. Также арт-декор называют художественным стилем, который соединяет несовместимое. Вообще, стиль арт-деко отрицает какое-либо проявление аскетизма и минимализм. Кроме того, арт-деко ориентирован на идеалы прошлого. Этому стилю присуща роскошь, а также нередко здесь используется гармоничное сочетание экзотического и примитивного искусства.
Таким образом, в стиле арт-деко гармонично, а, что самое главное, современно сочетаются восточные, индийские мотивы, элементы старины с совершенно противоположными модерновыми шедеврами современного искусства. Наряду со всем этим в арт-деко используются обтекаемость с неоклассическими формами, а также игривость и грациозность, присущие стилю модерн. Одним словом, стиль арт-декор – это монументальность и в то же время грациозность. Итак, на сегодняшний день стиль арт-деко ассоциируется с роскошью, красотой, функциональностью, эффективностью, а также грациозностью.
Следует также отметить, что люди, по-настоящему ценящие этот стиль, совершенно игнорируют массовое производство каких-либо предметов интерьера, поэтому они выбирают только ручные, эксклюзивные товары. Любителями стиля арт-деко наиболее ценятся изделия, выполненные из ценных, дорогих материалов. В числе этих материалов следует назвать змеиную кожу, слоновую кость, бронзу, кристаллы, а также экзотическую древесины. А наиболее часто используемыми аксессуарами в стиле арт-деко являются оригинальные предметы различных экзотических культур Египта, Африки и других восточных и европейских стран. В настоящее время наиболее востребованными и популярными экзотическими аксессуарами являются японские и китайские декоративные предметы интерьера.
Характерными чертами стиля арт-деко являются прямые и ломаные линии и в то же время четкость. При пошиве штор и других декоративных элементов в стиле арт-декор используются следующие ткани: вуаль, шелк и многие другие легкие ткани. Кроме того, используется стекло, бронза, керамика, а также ковры с экзотическими орнаментами и узорами.
Ар-деко (от фр. art déco — «декоративное искусство») — это направление в декоративном искусстве первой половины XX века, которое проявились в архитектуре, моде и живописи. Сам термин «ар-деко» появился в Париже в 1925 году, что связано с названием выставки, где были представлены разного рода предметы роскоши французского производства. («Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes» — Международная выставка современных декоративных и индустриальных искусств) Направление ар-деко представляет собой совмещение модернизма и неоклассицизма.
Мастера ар-деко часто использовали такие материалы, как алюминий, нержавеющую сталь, эмаль, инкрустации по дереву, кожу акулы и зебры. Смелое использование форм и элементов в виде зигзагов, широких и энергичных кривых линий, мотивов шеврона и клавиш фортепьяно встречается в дизайне дамской обуви, батарей отопления, лекционных залов Радио Мьюзик Холла и шпиля небоскреба Крайслер билдинг. Основные представители стиля ар-деко — Адольф Мурон Кассандр, Вадим Меллер, Карл Пол Дженневейн, Уильям ван Элен и многие другие известные художники, дизайнеры и архитекторы.
Отличительные черты стиля «ар-деко» заключаются в строгой закономерности использования этнических и геометрических узоров, дорогих и современных материалов, — например, слоновой кости или крокодиловой кожи, алюминия или серебра, редких пород дерева). Благодаря тому, что применяются такого рода решения, стиль ар-деко отличается от всех остальных особенным шиком и роскошью.
В архитектуре стиль ар-деко представлен множеством архитектурных памятников, которые выполнены в этом стиле. Один из самых ярких представителей является знаменитый небоскреб Chrysler Building, построенный в Нью-Йорке в 1928-1930 году. А самый известный пример архитектуры классического Ар-Деко — небоскреб Empire State Building, который возвели в 1930-1932 году. В отделке этих зданий используются материалы, характерные для стиля ар-деко — это сталь, стекло, мрамор, драгоценные камни.
В интерьере, оформленном в стиле ар-деко, пропагандируется благополучие и блеск. Использование самых дорогих материалов, обработанных самым изысканным способом производит впечатление неповторимой группировки «стильных вещей» — элегантной мебели, роскошных тканей, изделий из бронзы и стекла.
В одежде стиль ар-деко — это по-настоящему эклектичный стиль, который объединил в себе множество мотивов. В этом стиле прослеживаются восточные мотивы, африканские нотки, египетская экзотика, китайские тенденции и отголоски авангардного искусства. Развитие каждого мотива привело к появлению в одежде огромного количества элементов отделки — бижутерии, кружева, росписи и декоративных украшений.
Ювелирные изделия, выполненные в стиле ар-деко, представляют собой неповторимые геометрические формы! Украшения в стиле ар-деко — это стремительные, молниеносные и извилистые линии, энергичные формы волн, раковин, различных завитков, а также причудливые формы геометрических рисунков. Эффектность, изысканность, богатство и эксклюзивность — именно этими словами можно наиболее точно охарактеризовать украшения в стиле ар-деко.
Стиль ар-деко создает необыкновенное ощущение легкости и воздушности. Этот стиль привлекает внимание обтекаемостью конструкций, изогнутостью линий в сочетании с насыщенными цветами, дорогими металлами и камнями. Он создает впечатление особенной торжественности, шика и роскоши
28) «Баухауз»- ОТ ЖИЛЬЯ ДЛЯ МАШИНЫ К МАШИНЕ ДЛЯ ЖИЛЬЯ.
(нем. Bauhaus - "дом строительства"),
Высшая школа строительства и художественного конструирования - художественное учебное заведение и художественное объединение в Германии (1919-1933), давшее искусству 20 в. много замечательных идей и ряд выдающихся деятелей. Девиз Баухауза: "Новое единство искусства и технологии". Влияние идей Баухауза наиболее заметно в функциональной архитектуре современных офисов, фабрик и т.п. Кредо Баухауза - художник, ремесленник и технолог в одном лице - оказало глубокое воздействие на прикладное и изобразительное искусство, от книжного иллюстрирования и рекламы до мебели и кухонной утвари. Баухауз был основан в 1919 архитектором Вальтером Гропиусом, объединившим Высшую школу искусства и Школу прикладного искусства в Веймаре. Гропиус отбирал преподавателей из людей, которые разделяли его убеждения относительно единства искусства, ремесла и техники. По его мнению, художники должны конструировать картины как архитекторы, работающие над своими проектами. Машины воспринимались не как неизбежное зло, а считались позитивной силой и наиболее совершенным из инструментов мастера. Гропиус осуществлял надзор за программой занятий, но при этом давал преподавателям значительную свободу. На подготовительном курсе, который занимал 6 месяцев и был обязательным для всех, студенты изучали свойства материалов и основы ремесел, а также теорию формы и рисунка. Постепенно занятия усложнялись и специализировались, и в итоге студенты сосредоточивались на работе в какой-либо одной области: архитектуре, промышленном дизайне, текстиле, керамике, фотографии или живописи. По инициативе правительства преподаватели Баухауза организовали выставку, чтобы продемонстрировать результаты работы школы за первые 4 года. В 1925 Баухауз переехал в Дессау (близ Лейпцига). Здесь Гропиус спроектировал для школы новое здание, которое считается одним из шедевров архитектуры функционализма. После переезда в Дессау в работе школы наметилась тенденция к большему утилитаризму и к машинной эстетике, сложился собственный стиль Баухауза. В 1928 Ханс Майер сменил Гропиуса на посту директора. С 1930 по 1933 Баухауз возглавлял Людвиг Мис ван дер Роэ. В 1932 под давлением властей Баухауз пришлось перевести в Берлин, а менее чем через год он был закрыт нацистами. Многие преподаватели и студенты Баухауза эмигрировали в США и привезли туда свои идеи. Йозеф Альберс стал преподавать в Блэк-Маунтин-колледже в Северной Каролине, Ласло Мохой-Надь открыл в Чикаго школу "Новый Баухауз"; архитекторы Гропиус, Марсель Брейер и Мис ван дер Роэ, художники Клее, Файнингер, Кандинский, Шлеммер, Мухе, скульптор Герхард Маркс продолжали работать, некоторые занимались преподавательской деятельностью. Вальтер Гропиус занял пост декана Школы архитектуры Гарвардского университета, а Мис ван дер Роэ возглавил отделение архитектуры Технологического института Иллинойса.
Культурная среда
В начале ХХ века происходит творческий прорыв – активный рост и развитие новых течений в искусстве. Некоторые из них стали реакцией на послевоенную обстановку хаоса и разрухи (Де Стиль, дадаизм), но Баухауз - явление изначально культурное. Школа была создана как генератор нового – с целью совершить не революцию, а вывести архитектуру и среду в целом на новый эволюционный уровень.
С 1900 по 1930 годы активны и развиваются такие течения, как:
- Движение «Искусств и ремесел» (до 1914 - Великобритания), Японизм (до 1941- Франция), Ар нуво (до 1910 - Европа), Модерн (до 1940 - Европа), Боз-арт (до 1920 - Франция), Югендстиль (до 1910 - Герания), Стиль миссии (до 1920 - США), Сецессион (до 1920 - Австрия, Вена), Wiener Werkstaette (1903 до 1932 – Австрия, Вена), Deutsche Werkbund (1907 до 1934 - Германия), Футуризм (1909 до 1944 - Италия), Ар деко (1910 до 1939- Франция, США), Чешский кубизм (1911 до 1915 - Прага), Вортицизм (1912 до 1915 - Великобритания), Дадаизм (1916 до 1923 - Цюрих, Швейцария), Де Стиль (De Stijl) (1917 до 1931 - Нидерланды), Баухауз (1919 до 1933 - Германия), Американский модерн (1920 до 1940 - США), Конструктивизм (1921 до 1932 – Советский Союз), Сюрреализм (1925 до 1930 - Франция-страна происхождения), Рационализм (1926 до 1945 - Италия). [3]
Самыми близкими по духу к движению Баухауз были Wiener Werkstaette, Де Стиль, конструктивизм и рационализм, а также модерн (рационалистическое направление), который по сути являлся источником всех ранее перечисленных. Архитектура модерна отвергала классическую ордерную традицию, акцентировала внимание на пластике фасада: использование железобетона, кованых металлических деталей, переливающихся стекла и майолики. Модерн делился на иррациональный (Антонио Гауди) и более рациональное его проявление (Анри ван де Вельде, П. Беренс - которые были близко знакомы Гропиусу).
После Первой мировой войны требовалось отстраивать города с разумными финансовыми вложениями, но с максимальными эстетическим и гуманистическим параметрами. Эту задачу могли решить только функциональные, рациональные течения, внимательно относившиеся к пространству, конструкции и пластике. Пропагандировалась эстетика функционализма (не сухой формализм), которая переросла в рационализм (Мис ван дер Роэ), возник новый архитектурный язык – ясный, строгий, состоящий из стекла и каркаса, металлических конструкций, плоскостей, четкой геометрии, создающей новый ритм времени.
Время Баухауза – это время повсеместной машинизации, унификации, индустриального бума, время инженерной реконструкции городов: архитектуре и искусству необходимо было не отставать от промышленности, нужно было прочно занять место необходимого элемента в общем механизме жизни. Индустрия должна быть связана воедино с искусством, а искусство должно выполнять организующую роль.
Гропиус писал в статье «Значение индустриальных архитектурных форм для образования стиля»: «…Движение – решающий мотив нашего времени. …Техническая и художественная форма снова срастаются в органическое единство, так новая развитая форма получает свою исходную точку в произведениях индустрии и техники» [4, стр.330]
Многие гениальные разработки проектировщиков были коммерциализированы, что, естественно, не пошло на пользу образу города.
Художественные и архитектурные идеи
Вальтера Гропиуса в начале его карьеры можно считать представителем стиля Модерн, его постройка «Обувная фабрика Фагуса» совместно с его работодателем Адольфом Мейером – становится одним из основных примеров модерна. Главной идеей Баухауза было сочетание искусства и машинного производства, теории и практики, студенты были обязаны в течении последних семестров проходить практику в мастерских и на заводах (см. Приложение, пункт 3)
Концепция Баухауза трансформировалась в каждый временной этап в зависимости от директора и некоторых ярких преподавателей. Общая функциональная концепция (даже обязанность) состояла в проектировании доступных красивых и удобных (функциональных) предметов широким массам. Эстетическая концепция: строгость, простота и удобство.
Основными идеями можно назвать идею сборного здания, введение научного анализа в проектирование, соединение практического опыта и обучения, приобщение студентов к реальной жизненной ситуации - например, плановая продажа изделий студентов, художественный, абстрактный подход к задачам - акцент на конструкции, фактуре, эстетике. Эти идеи являются результатом времени, эпохи и творческого гения представителей Баухауза.
Вальтер Гропиус был вдохновлен идеей модерна – использование машин, минимум декора, функциональность, сокращение разрыва между промышленностью и дизайном, утилитарность – основные идеи Баухауза на начальном этапе развития, воплощенные как в предметном дизайне, так и в градостроительстве. Его стиль нельзя называть функционализмом или рационализмом - это абстрактные явления, к которым архитектор того времени может быть частично отнесен. Гропиус в «Границах архитектуры»: «Идея рационализма, которые многие считают основной характеристикой новой архитектуры, играет всего лишь очистительную роль. Другой аспект - удовлетворение потребностей человеческого духа – столь же важен, как и материальный. Оба они обретают свое место лишь в том союзе, который есть сама жизнь» [4, стр. 337].
