Барокко
В конце XVI в. в Италии возник новый стиль - барокко. Это название проще всего объяснить с помощью слова «необычное». Стиль барокко получил преимущественное распространение в католических странах, затронутых процессами Контрреформации. Сущность барокко шире вкусов католической церкви и феодальной аристократии, которая стремилась использовать эффекты грандиозного и ослепляющего, свойственные барокко, для восславления могущества, пышности и блеска государства, мест обитания лиц, приближенных к трону. Стиль барокко с особой остротой выражает кризис гуманизма, ощущение дисгармоничности жизни, бесцельных порывов к неведомому.
В XVII в. складывается еще одно направление в искусстве - это реализм. Вершиной голландского реализма является творчество Рембрандта (1606 –1669 гг.). Талант Рембрандта таков, что позволяет превратить любое полотно в философское обогащение, в героический образ эпохи и общества, в многогранную характеристику человеческой личности. Главным выразительным средством у художника выступают цвет и свет. Творчество Рембрандта, проникнутое стремлением к глубоко философскому постижению жизни, внутреннего мира человека со всем богатством его душевных переживаний, знаменует собой вершину развития голландского искусства XVII в., один из пиков мировой художественной культуры. Художественное наследие Рембрандта отличается исключительным многообразием: он писал портреты, натюрморты, пейзажи, жанровые сцены, картины на исторические, библейские, мифологические темы, был непревзойденным мастером рисунка и офорта.
1630-е гг. - период семейного счастья и огромного художественного успеха Рембрандта. Картина «Урок анатомии доктора Тюлпа», в которой художник новаторски разрешил проблему группового портрета, придав композиции жизненную непринужденность и объединив портретируемых единым действием, принесла Рембрандту широкую известность. В написанных по многочисленным заказам портретах он тщательно передавал черты лица, одежду, драгоценности («Портрет бургграфа»). Но более свободны и разнообразны по композиции его автопортреты и портреты близких ему людей, в которых художник смело экспериментировал в поисках психологической выразительности. Искания этого периода завершил знаменитый «Автопортрет с Саскией». Библейские композиции 1630-х гг. («Жертвоприношение Авраама») несут на себе печать воздействия живописи итальянского барокко, которое проявляется в несколько форсированной динамике композиции, остроте ракурсов, светотеневых контрастах. Особое место в творчестве Рембрандта 1630-х гг. занимают мифологические сцены, в которых художник бросил смелый вызов классическим канонам и традициям («Похищение Ганимеда»). Ярким воплощением эстетических взглядов художника стала монументальная композиция «Даная», в которой он как бы вступает в полемику с великими мастерами Возрождения: обнаженную фигуру Данаи, далекую от классических идеалов, он выполнил со смелой реалистической непосредственностью, а чувственно-телесной, идеальной красоте образов итальянских мастеров противопоставил красоту духовности и теплоты человеческого чувства.
В 1640 – 50 гг. Рембрандт сосредоточивает внимание на лице и руках, выхваченных из темноты мягким рассеянным светом, едва уловимая мимика лица отражает сложное движение мыслей и чувств; то легкие, то пастозные мазки кисти создают переливающуюся красочными и светотеневыми оттенками поверхность картины. В середине 1650-х гг. Рембрандт обрел зрелое живописное мастерство. Стихии света и цвета, независимые и даже отчасти противоположные в ранних работах художника, теперь сливаются в единое взаимосвязанное целое. Горячая красно-коричневая, то вспыхивающая, то гаснущая трепетная масса светоносной краски усиливает эмоциональную выразительность произведений Рембрандта, как бы согревая их теплым человеческим чувством. Созданные Рембрандтом в 1660-е гг. библейские композиции подводят итог его размышлениям о смысле человеческой жизни. В эпизодах, выражающих столкновение темного и светлого в человеческой душе, насыщенная теплая гамма, гибкая пастозная манера письма, напряженная игра тени и света, сложная фактура красочной поверхности служат раскрытию сложных коллизий и душевных переживаний, утверждению торжества добра над злом. В последний год жизни Рембрандт создал свой главный шедевр - монументальное полотно «Возвращение блудного сына», воплотившее всю художественную и морально-этическую проблематику позднего творчества художника. С поразительным мастерством он воссоздает в нем целую гамму сложных и глубоких человеческих чувств, подчиняет художественные средства раскрытию красоты человеческого понимания, сострадания и прощения. Кульминационный момент перехода от напряжения чувств к разрешению страстей воплощен в скульптурно выразительных позах, скупых жестах, в эмоциональном строе колорита, ярко вспыхивающего в центре картины и гаснущего в затененном пространстве фона.
Величайшим художником фламандской (бельгийской) живописи был Питер Пауэл Рубенс. Уже в его первых картинах проявилось стремление к переработке итальянских впечатлений в духе национальных художественных традиций. Созданные им в начале 1610 гг. монументальные религиозные композиции «Водружение Креста», «Снятие с Креста» отмечены характерными для живописи барокко театральностью композиции, драматизмом, бурным движением, яркими цветовыми контрастами. Вместе с тем в них уже угадываются черты полнокровного, жизнеутверждающего реализма, полностью раскрывшегося в последующем творчестве художника. В 1612 – 1620 гг. складывается зрелый стиль Рубенса. Обращаясь к темам, почерпнутым из Библии и античной мифологии, он трактовал их с исключительной смелостью и свободой. Фигуры людей, античных божеств, животных, изображенные на фоне цветущей и плодоносящей природы или величественной фантастической архитектуры, сплетаются в его картинах в сложные композиции, то гармонически уравновешенные, то пронизанные буйной динамикой. Со страстным «языческим» жизнелюбием Рубенс воссоздает полнокровную красоту обнаженного человеческого тела, воспевает чувственную радость земного бытия Постепенно отказываясь от характерного для его ранних работ локального цвета, художник достиг исключительного мастерства в передаче тончайших градаций света и цвета, воздушных рефлексов; теплые и свежие тона его картин мягко перетекают один в другой, телесно-розовые, жемчужно-серые, красно-коричневые и мягкие зеленые оттенки сливаются в ликующую праздничную гамму. К концу 1610-х гг. Рубенс получил широкое признание и известность. Обширная мастерская художника выполняла по заказам европейской аристократии многочисленные монументально-декоративные композиции, в том числе цикл картин «История Марии Медичи» для французского королевского двора, в котором Рубенс мифологические и аллегорические фигуры совместил с реальными историческими персонажами. Особой виртуозностью и лиричностью отличаются интимные портреты Рубенса, в том числе «Портрет камеристки инфанты Изабеллы», в котором он с помощью прозрачных цветовых переходов и мягких рефлексов передает поэтическое обаяние и трепетную жизненность модели. Около 1611 – 1618 гг. Рубенс выступил и в качестве архитектора, построив отмеченный барочной пышностью собственный дом в Антверпене. Существенное место в творчестве Рубенса занял пейзаж: ландшафты с гнущимися по ветру могучими деревьями, вздымающимися холмами, зелеными рощами и долинами, стремительно несущимися облаками он населял мирно пасущимися стадами, идущими, едущими на повозках или беседующими крестьянами. В «стеновский» период живопись Рубенса становится более интимной и задушевной, колорит его картин утрачивает многоцветность и строится на богатстве красочных оттенков, выдержанных в горячей, эмоционально насыщенной красно-коричневой гамме. Виртуозностью живописи, строгостью и лаконизмом художественных средств отмечены поздние работы художника – «Елена Фаурмент с детьми», «Три грации», «Вакх», автопортрет. Тонкой наблюдательностью, лаконизмом, мягкостью и легкостью штриха отличаются многочисленные рисунки Рубенса, зарисовки голов и фигур, изображения животных, эскизы композиций и др. Исполненное страстного жизнелюбия, многогранное и виртуозное по мастерству, творчество Рубенса оказало огромное воздействие на фламандских живописцев, на множество художников XVIII – XIX вв. (А. Ватто, Ж. О. Фрагонара, Э. Делакруа, О. Ренуара и др.).
В XVII в. оформляются национальные школы в искусстве. Кроме итальянской, фламандской, голландской и французской, очень влиятельной художественной школой была испанская.
В XVIII в. центром духовной жизни Европы становится Франция. Наступившая после смерти Людовика XIV эпоха Регентства внешне выглядит как резкая смена декораций. Эта эпоха породила стиль рококо. Часто об этом стиле говорят как о вырождающемся барокко, как о стиле изысканном и весьма легковесном. В рококо причудливо соединяются гедонизм, прихотливость, пренебрежение к разуму, пренебрежение естественным ради эстетства, экзотики, и - блестящая художественная культура. Рококо - выражение тенденции к отрицанию устоявшихся, ставших бесплодными форм и противопоставление им новых, пусть не бесспорных, но весьма своеобразных подходов.
В XVIII в. искусство становится преимущественно светским: исчезает принципиальная несовместимость культур различных религиозных конфессий, светское зодчество впервые берет верх над церковным. «Обмирщение» идет в живописи и скульптуре, где жанровое направление завоевывает одно из главных мест. Театр и музыка стали ведущими видами искусства. Парадный портрет сменяется камерным, интимным, развивается «пейзаж настроения», в нем усиливаются романтические тенденции. Главным результатом развития искусства XVIII в. было рождение основ художественной культуры грядущих столетий.
Итак, культура XVIII в. наследует основные черты культуры предшествующего столетия, такие как рационализм, сциентизм, антропоцентризм и др. Вместе с тем, она привносит ряд новых моментов, иначе расставляет акценты в решении основных мировоззренческих проблем.
Искусство классицизма
Другой влиятельнейший стиль характеризуемой эпохи - классицизм. Абсолютистским государствам не могла не импонировать идея величавого порядка, строгой соподчиненности, внушительного единства. Претендующее на «разумность» государство стремилось к тому, чтобы в нем видели уравновешивающее, объединяющее, героически возвышенное начало. В противовес барокко классицизм выражал стремление к разумному гармоничному строю жизни, а эти стремления были присущи не только монархам, но и народному сознанию, с его идеалами мира, покоя, сплочения страны. Помимо того, привлекательной стороной классицизма выступал его нравственный пафос, гражданская направленность.
Одной из важнейших черт классицизма было обращение к формам античного искусства - как к идеальному эстетическому и этическому эталону. Ориентация на разумное начало, на непреходящие образцы определила твердую нормативность этических требований (подчинение личного общему, страстей - разуму, долгу, законам мироздания) и эстетических запросов классицизма, регламентацию художественных правил. Закреплению теоретических доктрин классицизма способствовала деятельность основанных в Париже Королевских академий - живописи и скульптуры (1648 г.) и архитектуры (1671 г.). В архитектуре классицизма, которую отличают логичность планировки и ясность объемной формы, главную роль играет ордер, тонко и сдержанно оттеняющий общую структуру сооружения (постройки Ф. Мансара, К. Перро, Л. Лево, Ф. Блонделя). Со 2-й половины XVII в. французский классицизм вбирает в себя пространственный размах архитектуры барокко (работы Ж. Ардуэн-Мансара и А. Ленотра в Версале).
В XVII – начале XVIII вв. классицизм сформировался в архитектуре Голландии, Англии, где он органично сочетался с палладианством (И. Джонс, К. Рен), Швеции (Н. Тесин Младший). В живописи классицизма основными элементами моделировки формы стали линия и светотень, локальный цвет четко выявляет пластику фигур и предметов, разделяет пространственные планы картины (отмеченные возвышенностью философско-этического содержания, общей гармонией произведения Н. Пуссена, основоположника классицизма и крупнейшего мастера классицизма XVII в.; «идеальные пейзажи» К. Лоррена).
Классицизм XVIII – начала XIX вв. (в зарубежном искусствознании он часто именуется неоклассицизмом), ставший общеевропейским стилем, также формировался преимущественно в лоне французской культуры, под сильнейшим влиянием идей Просвещения. В архитектуре открылись новые типы изысканного особняка, парадного общественного здания, открытой городской площади (Ж. А. Габриель, Ж. Ж. Суфло), поиски новых, безордерных форм архитектуры, стремление к суровой простоте в творчестве К. Н. Леду предвосхищали зодчество поздней стадии классицизма - ампира. Гражданский пафос и лиричность соединились в пластике Ж. Б. Пигаля и Ж. А. Гудона, декоративных пейзажах Ю. Робера. Мужественный драматизм исторических и портретных образов присущ произведениям главы французского классицизма, живописца Давида.
Интернациональным центром европейского классицизма XVIII – начала XIX вв. стал Рим, где в основном господствовали традиции академизма со свойственным им сочетанием благородства форм и холодной идеализации (немецкий живописец А. Р. Менгс, пластика итальянца А. Кановы и датчанина Б. Торвальдсена). Для архитектуры немецкого классицизма характерна суровая монументальность построек К. Ф. Шинкеля, для созерцательно-элегичной по настроению живописи и пластики - портреты А. и В. Тишбейнов, скульптура И. Г. Шадова. В английском классицизме выделяются антикизирующие сооружения Р. Адама, палладианские по духу парковые усадьбы У. Чеймберса, изысканно-строгие рисунки Дж. Флаксмена и керамика Дж. Уэджвуда. Собственные варианты классицизма развивались в художественной культуре Италии, Испании, Бельгии, скандинавских странах, США; выдающееся место в истории мирового искусства занимает русский классицизм 1760 – 1840-х гг. В конце первой трети XIX в. ведущая роль классицизма почти повсеместно сходит на нет, он вытесняется разнообразными формами архитектурного эклектизма. Оживает художественная традиция классицизма в неоклассицизме конца XIX – начала XX вв.
