Оперное искусство Италии в 1-ой половине XIX века

   Итальянская музыкальная культура XIX века была тесно связана с освободительной борьбой народа за национальную независимость.

   Начиная с XVI века, Италия находилась под властью иностранных завоевателей – Испании, Франции, Австрии. Страну истощали постоянные войны, которые привели к экономическому упадку и отразились на духовной и культурной жизни. Мощным толчком, пробудившим силы народа, послужила французская буржуазная революция 1789 года, которая позволила объединить все демократические слои общества и провозгласить лозунг о «единой и неделимой республике».

    Процесс освободительной борьбы насчитывал несколько периодов. Первая волна была связана с движением карбонариев (угольщиков), которое завершилось восстанием в начале 20-х годов. В 30-х годах началась вторая волна, возглавляемая организацией «Молодая Италия». В 40-х годах освободительное движение вступает в последнюю стадию. Это движение получило название Рисорджименто и выдвинуло таких ярких представителей как Мадзини и Гарибальди. Этот последний период завершился в 1871 году образованием единого итальянского государства.

     Борьба за независимость и государственное воссоединение привела к повышенному интересу к национальной культуре, в том числе и к музыке. Развитие национального музыкального искусства означало в первую очередь развитие оперного жанра. Расцвет итальянской оперы первой половины XIX века связан с именами Россини, Беллини, Доницетти, а позднее Верди.

     В начале XIX века итальянская опера испытывала затяжной кризис. Опера-seria и опера-buff перестали отвечать запросам времени. Опера-seria постепенно переродилась в «концерт в костюмах», а опера-buff стала бездумной и развлекательной. В такой сложной и противоречивой обстановке рождалась новая оперная школа, создателем которой был Россини.

 

       ДЖОАККИНО РАССИНИ (1792 – 1868) сыграл важнейшую роль в развитие итальянской оперы 1-ой половины XIX века. Уважая традиции оперного театра Италии, он стремился возродить старые оперные жанры – buff и seria. В оперу-buff он внес современную тематику, стремительность и динамизм действия, непринужденное веселье; оперу-seria наполнил новым героическим звучанием. В каждом из этих жанров он оставил великие творения – оперы «Севильский цирюльник» и «Вильгельм Телль».

        Слушателей всегда восхищало чувство непринужденности и остроумие музыки Россини. Пушкин сравнивал его произведения с золотыми брызгами шампанского. Но в музыке Россини звучат не только радость и беззаботность, в ней присутствует и героизм, и патриотическая страстность. Это позволило Бальзаку сказать, что, слушая музыку Россини, он как бы присутствовал при освобождении Италии.

         Оперное искусство Россини вобрало лучшие качества итальянской оперы: ее мелодизм, сочетание яркой выразительности и виртуозности, лиризм, доступность самым широким массам слушателей.

 

 

ОПЕРА «СЕВИЛЬСКИЙ ЦИРЮЛЬНИК»

     «Севильский цирюльник» - высшее достижение композитора в жанре оперы-buff. Произведение написано на сюжет первой части одноименной комедии французского драматурга Бомарше. Либретто принадлежит Стербини.

     Опера была написана в очень короткий срок – примерно за 20 дней. Премьера состоялась 20 февраля 1816 года и успеха не имела, была неожиданно освистана публикой. Скандал устроили друзья и почитатели старейшего итальянского композитора Паизиелло. Они считали, что молодой композитор совершил кощунство, написав оперу на сюжет, уже использованный их кумиром, и решили не допустить успеха новой оперы. Однако следующие представления сопровождались настоящим триумфом.

      Пьеса Бомарше появилась незадолго перед французской буржуазной революцией и была направлена против феодально-абсолютистского режима.

      Либреттист и композитор сохранили всех главных персонажей и основную сюжетную линию пьесы. Тем не менее, в опере есть некоторые отличия от литературного первоисточника:

      1) добавлено несколько новых комедийных сцен и ситуаций, например, интродукция оперы;

      2) в соответствии с оперной спецификой были сокращены длинные монологи;

      3) во многом изменилась идейная направленность. Если комедия Бомарше – острая антифеодальная сатира, то либретто Стербини – типично итальянская комедия нравов.

      «Севильский цирюльник» относится к жанру оперы- buff со стремительным развитием действия, обилием комедийных ситуаций, переодеваниями, неузнаваниями, одурачиванием.

       Музыка оперы отличается изяществом, юмором, напевностью и виртуозностью. Метко и ярко выписаны музыкальные характеристики действующих лиц.

        Главный герой, душа всей оперы – Фигаро – умный, ловкий, неистощимый на выдумки, умеющий преодолевать любые препятствия. Он является выразителем взглядов наиболее передовых слоев общества. В его образе воплощены типичные черты представителей третьего сословия – жизненная энергия, оптимизм, предприимчивость. Его автопортретом является знаменитая каватина из 1-го действия.

       Розина – юная прелестная воспитанница доктора Бартоло. Ее образ полон грации, изящества, кокетства. В то же время Розина настойчива и решительна, она умеет бороться за свое счастье, поэтому в ее партии много волевых, решительных интонаций.

       Граф Альмавива показан в опере искренне влюбленным, пылким юношей, готовым на любые проделки, лишь бы добиться руки возлюбленной. Он умеет прекрасно притворяться и предстает то в образе грубого пьяного солдата, то благочестивого, смиренного монаха. Соответственно меняется музыка, характеризующая Альмавиву: то нежная, поэтичная с томными вздохами, то короткая, отрывистая, то однообразно повторяющаяся, заунывная.

        Доктор Бартоло – скупой, сварливый старик, опекун Розины, ради корысти стремящийся жениться на ней. В его партии часто звучат ворчливые, раздраженные интонации.

        Базилио – интриган, плут и взяточник. Он помогает Бартоло в борьбе против Альмавивы. Но природная жадность заставляет его встать на сторону влюбленных. Базилио принадлежит один из знаменитых номеров оперы – ария «Клевета».

        В «Севильском цирюльнике» композитор с наибольшей яркостью применил излюбленный прием крещендо, который вводит как в ансамблевых номерах, так и в сольных. Иногда Россини злоупотреблял этим приемом, за что заслужил прозвище «Синьор крещендо».

        Большой выразительностью отличается оркестр «Севильского цирюльника». Это хорошо слышно уже в увертюре. История ее любопытна. Увертюра первоначально была написана на основе испанских народных мелодий, но она затерялась. Тогда композитор решил использовать другую, ранее написанную увертюру. Она была сочинена к опере «Аврелиан в Пальмире», а затем использована в опере «Елизавета, королева английская». Но там она не произвела впечатления. В «Севильском цирюльнике» она зазвучала по-новому, свежо и стала органической частью оперы. 

        В соответствии с традициями итальянского искусства, в «Севильском цирюльнике» господствует сольное пение. Оркестровая партия, несмотря на яркость и выразительность, все же уступает вокальной стороне произведения. Ее фактура близка бытовому инструментальному стилю, в частности гитарному. Гармонический язык, в целом, прост и прозрачен. В этом также проявляется преемственность с национальными музыкальными особенностями. Но иногда композитор использует необычные модуляции, связанные с неожиданными поворотами в развитии действия. По этому поводу современники Россини говорили: «Вместо того, чтобы пройти в дверь, он прыгает в окно».

      Большим совершенством отличается драматургия оперы, в которой композитор соединил традиции с новаторством. Он сохраняет типичную структуру оперы, состоящую из двух актов, каждый из которых завершается большими финалами. Он также привычно чередует речитативные сцены с песенными завершенными номерами. Но, используя традиционные оперные формы, Россини обогатил их и преобразил. Это в первую очередь относится к огромным финалам, которые представляют собой цепь последовательно нарастающих волн. Композитор умело чередует разнообразные эпизоды – ариозные, речитативные, сольные, ансамблевые, и создает крупные театральные сцены.

       Чайковский, покоренный музыкой этой оперы писал: «Севильский цирюльник» останется навсегда неподражаемым образцом своего рода… Той непритворной, беззаботной, неудержимо захватывающей веселости, какою брызжет каждая страница «Цирюльника», того блеска и изящества мелодии и ритма, которыми полна эта опера, - нельзя найти ни у кого».

 

 

ФРИДЕРИК ШОПЕН (1810 – 1849)

     В первой половине XIX века расцветают музыкальные культуры многих европейских стран: Польши, Венгрии, Чехии, России и др. Подъему общественной и культурной жизни во многом способствовали освободительные войны против Наполеона и иностранного владычества. Так, Польша долгие годы вела борьбу за национальную независимость против царской России, Пруссии и Австрии. Еще в конце XVIII века она перестала существовать как самостоятельное государство, и польский народ попал под жесточайшее иностранное иго. Все крупные польские восстания завершались трагическими неудачами: первое – в 1830-31 годах, второе – в 1846 году, третье – в 1863 году.

      Рост национального самосознания проявился не только в освободительной борьбе, но и в повышенном интересе к народному творчеству, национальному искусству. Художественную жизнь Польши этого времени представляют многие деятели культуры – композиторы Огиньский, Эльснер, Курпиньский, пианистка Шимановская, скрипачи Липиньский, Венявский, поэт Адам Мицкевич и др. Но самым выдающимся представителем польского искусства, ставшим гордостью нации, является Фредерик Шопен.

      Шопен – яркий национальный композитор. Главная тема его творчества - тема Родины, ее прошлое и настоящее. Национальный характер проявляется:

      1) в использовании польских народных танцев (мазурки, полонеза, оберека, куявяка и пр.);

      2) в подражании народному инструментализму, например, волынке;

      3) в использовании ладов народной музыки (лидийского, дорийского, миксолидийского лада и др.).

      Образы Шопена также нераздельно связаны с Польшей. Это и зарисовки народного быта, народных праздников, гуляний, и картины исторического прошлого, когда Польша была сильным и независимым государством, и красочное описание родной природы. Патриотический дух шопеновских произведений чутко уловил Шуман, назвав их «пушками, спрятанными в цветах». В одной из статей Шуман писал: «Если бы могущественный самодержавный монарх севера знал, какой опасный враг угрожает ему в шопеновских произведениях, в простых мелодиях его мазурок, он запретил бы его музыку».

       Шопен – ярчайший композитор-лирик. В его произведениях передана вся гамма человеческих чувств и переживаний. Его творчество по праву относят к романтической эпохе. Но в стиле Шопена проявляются не только романтические черты, но и классические. С классиками связывает строгая обдуманность каждой детали, завершенность и ясность мысли, четкость формы, с романтиками – яркая эмоциональность, свежесть и новизна выразительных средств, национальный колорит.

        Основой шопеновской музыки является мелодия, которая отличается необычайным разнообразием. В ней сочетаются песенность и речитативность, т. е. шопеновские мелодии не только «поют», но и «говорят». Для них характерны орнаментальность, затейливый извилистый рисунок, богатство интонаций. Эмоциональный строй многих мелодий определяется непереводимым польским словом «жаль».

        Мелодическая орнаментальность тесно связана с ритмическим рисунком. Ритм Шопена - гибкий, свободный, часто с особыми видами ритмического деления (триоли, квартоли. квинтоли, секстоли и др.). Ритмическое своеобразие многих тем определяется их танцевальной основой.

        Большой выразительностью отличаются ладо-гармонические средства. Композитор вводит обилие хроматизмов, далекие тональные сопоставления, энгармонизм. Все это рождает ярко романтический гармонический язык.

         Форма шопеновских произведений, с одной стороны, четкая, симметричная, с ясным делением на отдельные построения, с другой – сочетает разные структуры, что приводит к свободным смешанным формам.

          Шопенписал произведения, в основном, только для одного инструмента – фортепиано. Именно здесь он смог полностью реализовать себя, раскрыть свои чувства, мысли, проявить свой неповторимый исполнительский стиль. Шопен был прекрасным пианистом, тончайшим интерпретатором собственных сочинений, поэтому к нему быстро пришли слава и известность. Исполнительская манера Шопена отличалась салонностью, камерностью, что было связано не только с характером композитора, но и с его здоровьем.

          Композитор писал для фортепиано как крупные сочинения, так и миниатюры, хотя некоторые из них выходят за рамки малых пьес и приближаются к крупным формам. К крупным жанрам относятся 4 баллады, 4 скерцо, 3 сонаты, 2 концерта, к малым – 25 прелюдий, 27 этюдов, 20 ноктюрнов, 15 вальсов, около 60 мазурок, 20 полонезов и др.