От греч. xemeto — смешиваю; либо phingitis — «блестящий камень». 16 страница

 

КАРЛА II СТИЛЬ — см. реставрации Стюартов стиль.

 

КАРЛА IV СТИЛЬ (чешек. Karel IV styl) — чешская готика. Карл IV — король чешский, император германский (1346-1378), покровительствовал искусствам, много сделал для строительства своей столицы — Праги. Карл IV воспитывался во Франции и поддерживал связи с этой страной, прежде всего в вопросах храмового строительства. При нем сложился мощный, монументальный стиль зрелой чешской готики. Не случайно, строительство собора Св. Вита в Праге Карл поручил мастеру Матье из Арраса, а затем знаменитому архитектору и скульптору П. Парлеру, следовавшему традициям франко-фламандского стиля. Придворным живописцем короля Карла был готический мастер Теодорих, работавший под итальянским влиянием (см. также «мягкий стиль»; «прекрасные мадонны»).

 

КАРЛА V СТИЛЬ (франц. La Style de Charles V) — французская Готика. Французский король Карл V Валуа (1364-1380) был страстным библиофилом и меценатом. Он предпринял перестройку ряда замков, в том числе и Лувра, где разместил огромную по тем временам библиотеку в девятьсот томов. Особенно большое место в ней занимали произведения античных авторов. К своему двору король привлекал художников: скульпторов, миниатюристов; собирал дорогую мебель, шпалеры. С правлением Карла V связан расцвет французской Готики (см. также парижская школа).

 

КАРЛА VII СТИЛЬ (франц. La Style de Charles VII) — стиль последнего периода развития Готики во Франции, начало проторенессанса (см. «пламенеющая готика»). Совпадает с годами правления французского короля Карла VII (1422-1461).

 

КАРЛА VIII СТИЛЬ (франц. La Style de Charles VIII) — переходный стиль от французской Готики к эпохе Ренессанса. Французский король Карл VIII Валуа (1483-1498) после похода в Италию (1494) вернулся в Париж с двадцатью двумя итальянскими мастерами, «чтобы использовать их ремесло на итальянский манер». Так элементы итальянского искусства впервые соединились на французской земле с местными, еще очень прочными в XV столетии традициями «пламенеющей готики». Однако чаще, что особенно характерно для стиля Карла VIII, новые мотивы просто накладывались на позднеготические формы и это создавало эклектический эффект. «Переходный стиль» — как его стали называть позднее — проявился наиболее ярко в орнаменте, резном декоре мебели, архитектуре замков Амбуаз и Блуа, завершенных при Людовике XII.

 

КАРЛА X СТИЛЬ (франц. La Style de Charles X) — художественный стиль французского искусства периода второй Реставрации Бурбонов после империи Наполеона. Совпадает с годами правления короля Карла X (1824-1830, см. Неорококо, или Второе рококо, стиль Реставрации; см. также легитимистский стиль).

 

КАРОЛИНГСКОЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ (франц. Les Carolingiens Renaissance; см. Возрождение) — период интенсивного развития средневековой культуры Центральной Европы, наивысшего подъема романского искусства при императоре франков Карле Великом (768-814). В VIII в. государство франков, объединив огромные территории современной Франции и Германии от Барселоны до Эльбы и Дуная, а также значительную часть Италии, стало империей. Император Карл, прозванный Великим, по свидетельству современников, обладал красноречием, знал несколько языков, в том числе латинский и греческий, покровительствовал ученым и художникам. После завоевания Италии вместе с ее столицей Карл Великий не захотел довольствоваться титулом короля франков и в 800 г. папа Лев III короновал его как «императора римлян». Новый император подчинил себе римскую церковь и пытался возродить великую Римскую империю. Процветавшие при дворе Карла художники ориентировались на возрождение древнеримской — «романской» культуры, ее истории, литературы, архитектуры, скульптуры и живописи. Наследники Карла Великого, основавшего династию «каролингов», старались продолжать политику возрождения античной культуры, отсюда название этого периода в развитии франкского искусства VIII-IX вв. При каролингах велось интенсивное церковное и монастырское строительство. Типичными стали базилики с башнями, несколькими апсидами и алтарями. Внутри они украшались фресками или мозаиками, часто на темы истории Древнего Рима, поскольку все каролинги считали себя потомками римских императоров. Монастырские комплексы, помимо церкви, включали большой внутренний двор — клуатр и множество помещений с обязательными библиотекой и скрипториями — помещениями для переписывания книг античных авторов. Термин «Каролингское Возрождение» условен. По мнению многих специалистов, этот период нельзя считать Возрождением в полном смысле этого слова, поскольку связь романской культуры с античностью не порывалась никогда. Почти через столетие после смерти Карла норманны осаждали Париж, и они применяли те же осадные орудия, при помощи которых римляне овладели Галлией девять веков назад. До этого в раннехристианском искусстве широко использовались образы античной мифологии, в архитектуре — строительные приемы древних римлян.

Карл Великий стремился лишь укрепить образование в своей стране, поддержать науку и искусство. При нем впервые в средневековье резко обозначились различные художественные школы, придворная в г. Аахене и реймская, славившаяся резьбой по кости, ювелирными изделиями и книжной миниатюрой. Именно в это время был изобретен, сменивший запутанное и сложное меровингское письмо, ясный и легко читаемый «каролингский минускул» (от лат. minusculus — очень маленький), начертания букв которого строились на основе древнеримского шрифта. Наряду с типичными для предшествующей меровингской эпохи изоморфическими инициалами и геометрическим орнаментом вводятся красочные иллюстрации — миниатюры, в стиле которых соединились традиции античного и византийского изобразительного искусства.

Каролингское Возрождение свидетельствовало о том, насколько сильно сохранилась в веках память Древнего Рима. Исследователь европейского средневековья Э. Панофский писал, что Каролингское Возрождение было «великолепным, стремительным и неожиданным», но за ним «последовало около ста лет брожения и вызревания... которые выразились... в разнообразии и противоречивости романского стиля» 1.

 

КАРТЕЗИАНСКАЯ МОЗАИКА — см. Чертоза, чертозианская мозаика, чертозианский стиль.

¹ Цит. по Богословие в культуре средневековья. Киев: Путь к истине, 1992, с. 53.

 

КАРТЬЕ (Cartier) — известная французская ювелирная фирма. Ее основатель Луи Франсуа Картье (1819-?) работал в Париже с 1847 г. в стиле Второй Империи (см. Второй Ампир). С 1874 г. в фирме сотрудничал его сын Альфред, а с 1898 г.— внук Луи Картье Младший. Отвергая эклектизм, но также и Модерн, в конкуренции с Фаберже, художники дома Картье обратились к Неоклассицизму Людовика XVI, они использовали элементы египетского искусства и экзотики стран Дальнего Востока: Китая, Японии, Индии. С 1907 г. изделия фирмы становились все более строгими и геометричными и в 20-х гг. представляли своеобразное геометрическое течение стиля Ар Деко — «белый Ар Деко» — монохромный стиль с использованием алмазов, жемчуга и платины, «стиль пантеры», «стиль гирлянды», «цветы и фрукты». Фирма существует до настоящего времени, ее изделия стали символом строгого, элегантного, рационального, почти дизайнерского стиля в ювелирном искусстве.

 

КАСЛИНСКОЕ ЛИТЬЁ — традиционный вид художественного ремесла — литья мелкой скульптуры и других изделий из чугуна — развивавшийся на Урале в XIX столетии. Чугунолитейный завод в деревне Каслй на восточных склонах Уральских гор был основан в 1747 г. и вскоре куплен Демидовыми, которые перевели туда своих лучших мастеров. В первой половине XIX в. Каслинский завод стал главным центром художественного литья в России. Каслинское литье славилось своей тонкостью. На заводе изготовляли посуду и утварь, архитектурные детали, садовые решетки, кресла, вазы, надгробия, подсвечники, корпуса для часов. Первые удачи в скульптуре связаны с именем П. Клодта, его знаменитые кони с Аничкова моста в Петербурге повторялись бесчисленное количество раз в уменьшенной модели. К концу столетия выработался и своеобразный стиль каслинских изделий: это были небольшие камерные вещи, настольная скульптура, детали украшения интерьера, создававшие уют и дополнявшие эклектичный облик большинства жилых интерьеров того времени. Возможность дешевого тиражирования сообщали этим изделиям демократический дух, иногда даже с простонародными чертами. Популярные образы скульптуры русского классицизма часто низводились каслинскими мастерами до уровня народного ремесла. Некоторые изделия такого рода граничили с дешевыми, рыночными поделками, но лучшие образцы создавались по оригинальным моделям и отливались тщательным образом с великолепной моделировкой формы, чувством материала и тонкой обработкой поверхности. Высшим достижением камерной скульптуры и каслинского чугунного литья являются работы 1880-1890-х гг. Е. Лансере, который был выдающимся анималистом. На заводе также делались отливки по специальным моделям, выполнявшимися скульпторами Н. Бахом, Н. Либерихом, А. Обером. Событием в художественной жизни завода стала отливка «чугунного павильона» для Всемирной выставки в Париже 1900г. по проекту архитектора Е. Баумгартена. После 1917г. качество каслинского литья заметно упало, что привело к потере его художественного значения, а затем и прекращению производства (сравн. Сан-Галли).

 

КАТАЛОНСКАЯ ГОТИКА, КАТАЛОНСКИЕ «ФРЕСКИ» (от исп. Catalan — каталонец, житель восточной и юго-восточной части Пиренейского полуострова, возм. от лат Gotolunia — вестготское королевство; см. Готика). Коренные жители восточной, присредиземноморской части Испании в течение многих веков испытывали кельтское, финикийское, затем греческое влияние. В I в. они подверглись сильной романизации, с 713г. были завоеваны арабами, а в конце VIII в. — франками. Каталонцы — искусные мореплаватели и торговцы. Через столицу Каталонии г. Барселону в Испанию проникали новые веяния. Вместе с включенной в нее южной частью Франции, Каталония, «Испанская марка», в IX-XII вв. стала страной высокой художественной культуры. В искусстве каталонцев соединились Карфаген и Рим, темперамент арабов и железная воля норманнов, художественные традиции греков, византийцев и галлов. Каталонцы имели свои владения на Корсике, в Сардинии и Сицилии. В городах процветали ремесла: резьба по дереву, ковка изделий из металла, стекло, расписная керамика, производство облицовочных плиток, кожи, шелка, сукна. В XV в. в результате реконкисты — отвоевания Испании у мавров — Каталония была объединена с Валенсией и Арагоном (см. испано-мавританское искусство). В развитии романского и готического искусства Каталонии большую роль сыграли испанские мосарабы (искаж. арабск musta'rib — арабизировавшийся) — христиане, долгое время жившие на территории, завоеванной маврами1, а также мастера Клюни.

Архитектура каталонской готики XIII-XIV вв., в сравнении с французской, отличалась ясностью, простотой и даже некоторым рационализмом. Характерно ее стремление к однонефности и зальному типу интерьера, что вообще было ново для того времени. Так, готический собор Барселоны имеет центральный неф, намного превосходящий боковые и одну высокую башню с небольшими боковыми шпилями, доведенными до завершения лишь в конце XIX в. Романтику каталонской готики отразил в своем «каталонском модернизме» на рубеже XIX-XX вв. гениальный уроженец этого края А. Гауди.

Особую известность получили каталонские «фрески» XII в. (правильней — росписи, так как только первый слой писался по сырой штукатурке)². Их своеобразный стиль был частью западноевропейского романского искусства, но впитал в себя арабские влияния. Он отличается крайним аскетизмом, жесткостью, суровостью и экспрессией. Каталонские «фрески» мистически возвышенны и монументальны, позы и жесты изображенных на них фигур значительны. Формы предельно геометризованы, пропорции гипертрофированы до гротеска. Это своеобразный средневековый экспрессионизм. Цвет локален и символичен. Преобладают ярко-красные, красно-коричневые, охристые, желтые и зеленые тона. Контуры обведены черной краской. Не эти ли фигуры вдохновляли великого Эль Греко? Огромное влияние стиль каталонских «фресок» оказал на молодого П. Пикассо.

 

«КАТАЛОНСКИЙ МОДЕРНИЗМ» (исп. «Catalan modernismo») — национальное течение в архитектуре и декоративном искусстве Испании периода Модерна, созданное в Барселоне Антонио Гауди. В нем

1Каптерева Т. Искусство Испании. М.: Изобраз. искусство, 1989, с. 70-71. ² Фреска (итал. fresco — сырой) — техника стенной росписи водяными красками, при которой все красочные слои наносятся на сырую штукатурку.

соединились черты средневековой католической экзальтации, Готики, Барокко, флореальной стилизации Ар Нуво, символизма и даже сюрреализма.

 

 

«КАФЕДРАЛЬНЫЙ СТИЛЬ» (франц. «La Style Cathedrale» от cathedrale — собор) — одно из названий французской Неоготики 1830-х гг. В эти годы во Франции «в стиле готических соборов» оформлялись парадные интерьеры, изготавливалась деревянная резная мебель, витражи, книжные переплеты (сравн. «готическое возрождение»; «дантеска»; «трубадур стиль»).

 

«КАШМИРЫ» (Cashmere по названию индийского штата Кашмир) — общее наименование изделий восточного происхождения, в основном привозимых из Индии. Кашмирские квадратные или прямоугольные платки большого размера из шерсти или шелка накидывались на плечи. В конце XVIII в. такие шали начали вывозиться англичанами из Индии, главным образом из штата Кашмир (см. Индии искусство), отсюда также «кашемир» — тонкая, легкая шерстяная или полушерстяная ткань восточного происхождения. Кашмирские шали вошли в моду во Франции в начале XIX в. после Египетского похода Наполеона, так как ассоциировались с восточной экзотикой, были популярны в период Второго Ампира и Бидермайера.

В XVII в. «кашмирами» называли изделия делфтских фаянсов, по форме и декору особенно подражающих китайским, в основном комплекты из трех ваз с крышками, рифленым туловом и двух узких, «флейтообразных».

 

КИКЛАД ИСКУССТВО (греч. kyklades — кругообразно расположенные) — искусство древних жителей Кикладских островов в Эгейском море. Его расцвет относится к эпохе бронзового века (3-2-е тыс. до н. э.). Кикладское искусство развивалось в тесном взаимодействии с культурой Крита и Микен, а в конце 2-го тысячелетия непосредственно вошло в сферу влияния Критского царства (см. крито-микенское искусство). Для кикладской культуры характерны изделия из камня — сосуды с тончайшим образом выточенными стенками и геометрическим орнаментом в виде кругов и спиралей — солярных знаков, а также керамические изделия с гравировкой и росписью. Особенно интересны «кикладские идолы» — мраморные изваяния, некоторые из них достигают человеческого роста. Их форма предельно обобщена, голова представляет собой обтекаемую яйцевидную форму, на которой лишь небольшими выступами отмечены нос или уши. Этот стиль был найден древними скульпторами постепенно, доведен до совершенства и затем в течение веков практически не развивался. Обобщенная форма, сохраняющая пластику каменного блока, тщательно полировалась, что не допускало появления мелких деталей. «Изваяние было законченным как формула, а манера исполнения приобретала изощренную отточенность. Силуэт статуи, полировка поверхности, очертания условных объемов становились поистине изысканными... Здесь ничего нельзя ни прибавить, ни убавить... Искусство «кикладских идолов», означавших собой высшее достижение скульптуры эпохи неолита, а одновременно и его предел и даже тупик, не нашло себе прямого продолжения...»1.

 

КИНЕМАТИЧЕСКОЕ ИСКУССТВО (от греч. kinema — движение) — искусство движущихся объемных, скульптурных или архитектонических композиций. Одно из течений авангардного, как правило абстрактного, искусства. «Кинематические скульптуры» предвосхищал в своем творчестве французский художник Л. Сюрваж, но наибольшее распространение они получили в США. В 1931 г. американский скульптор А. Колдер создал конструкции из жести и проволоки, приводимые в движение моторами или ветром. Американцам они очень понравились и вызвали множество повторений у самого Колдера и его подражателей в 1950-1960-х гг. Кинематические скульптуры органично входили в ансамбль интерьера или экстерьера конструктивистской архитектуры, что объясняет их успех. Однако эстетика подобных произведений, как и абстрактного искусства вообще, является чисто конструктивной и не поднимается до уровня художественно-образной выразительности.

 

«КИРПИЧНАЯ ГОТИКА» (см. Готика, готический стиль) — историко-региональная

1Полевой В. Искусство Греции: В 3-х т. Т. 1. М.: Искусство, 1970, с. 22.

разновидность готического стиля в архитектуре XIII-ХV вв. северных областей Германии, Нидерландов, Польши, Прибалтики. Из-за недостатка камня кафедральные соборы в этих странах возводились из кирпича, что определяло их сравнительно небольшие размеры, простую, лаконичную внешнюю форму, лишенную ажурной резьбы и скульптурного декора. В поздних сооружениях этого стиля использовались фигурный кирпич и цветные глазурованные плитки, создававшие полихромный узор.

 

 

«КИРПИЧНЫЙ СТИЛЬ» — течение русской рациональной архитектуры конца XIX в., характерное использованием эстетических качеств прочного и дешевого облицовочного глазурованного кирпича взамен традиционной штукатурки. Кирпичная кладка часто использовалась для создания рельефного или цветного орнаментального декора на поверхности стены. Однако, несмотря на свою рациональность, «кирпичный стиль» развивался в общем русле архитектуры периода эклектики второй половины XIX в. и лишь предвещал рационалистическое течение архитектуры Модерна. В фасадах зданий произвольно сочетались разностильные мотивы измельченного декора, восходящего к романским, готическим, мавританским, византийским и древнерусским прототипам. Поэтому для обозначения подобного стилистически неотчетливого явления и возник такой странный термин «кирпичный стиль». Наиболее известные представители этого течения в Петербурге: И. Китнер, К. Шмидт, В. Шретер.

 

 

КИТАЯ ИСКУССТВО (древн. русск. Китай от татарск. kytai — средний, срединный, китайск. K'itan — тунгусо-маньчжурская народность, завоевавшая страну в Хв.). Искусство Китая, как и других стран Востока, существенно отличается от европейского. В древности, благодаря природной восприимчивости, китайцы легко ассимилировали достижения иных культур: Месопотамии, азиатских кочевых народов, Сасанидского Ирана, буддийской Индии, эллинизированных ближневосточных племен. Однако постепенно, в силу географических условий, особенностей этнического и религиозного развития эта страна замкнулась в себе, и в течение почти двух тысяч лет ее искусство практически не претерпевало принципиальных изменений. Отгородившись с III в. до н. э. на севере Великой Китайской стеной, а со всех других сторон неприятием чуждых ей культур, эта страна, как позднее и Индия, вступила в период неподвижности, господства иератических и догматических узконациональных представлений, что и вызвало ее отставание, к примеру, от динамичной европейской цивилизации. И это несмотря на множество опережающих другие страны и народы открытий!

Главной особенностью искусства Китая является его эзотеризм и консерватизм. Не менее важным фактором стало созерцательное отношение китайцев к природе. В наиболее древних верованиях китайцев и японцев — синтоизме — обожествлялись любые объекты природы: деревья, камни, ручьи, водопады. Религия на Востоке считалась искусством жизни, а созерцательное мироощущение требовало полного слияния с природой. Восточные мудрецы утверждают, что если для европейца, увидевшего высокую гору, нет большего удовольствия, чем покорить ее, забравшись на вершину, то для человека Востока наибольшее счастье — созерцать ее у подножья. Буддизм, распространявшийся в V в. до н. э.-VI в. н. э. в странах Центральной и Юго-Восточной Азии (см. буддийское искусство), также способствовал укреплению созерцательного пантеизма — обожествления природы — в психологии китайцев. Поэтому центральное место в китайском искусстве занимает пейзаж — изощренная техника рисования кистью и тушью гор, водопадов, растений и животных с потрясающим натурализмом и точностью в передаче деталей. Причем объектом изображения становится не сам пейзаж, а неуловимо меняющееся состояние природы, которому придается особый смысл. Человек же, даже если он изображен в самом пейзаже, выглядит сторонним наблюдателем. Символизм китайской живописи выражается в опоэтизированной конкретности. Например, на китайском пейзаже может быть такая надпись: «Весною озеро Сиху совсем не то, что в другие времена года». Подобное название трудно представить в европейском искусстве.

Китайская архитектура сливается с природой. Из-за обилия дождей в Китае издавна применялась высокая крыша с крутыми скатами. Дом с несколькими крышами, одна над другой, свидетельствовал о знатности владельца. Применяя выгнутые стропила, китайцы создавали оригинальные формы криволинейных скатов с приподнятыми углами, чтобы навес не препятствовал доступу света. Эта конструкция все более усложнялась. Часто под стропила подводилось несколько рядов коротких брусков, создававших ступенчатый выступ с нашивными деревянными украшениями и силуэтами драконов, что придавало архитектуре вычурный вид. Фигурные кронштейны покрывались ярко-красным лаком и позолотой. Прорезной геометрический орнамент и фигурная резьба сплошным кружевом покрывали декоративные части здания: ограды, навесы. Влияние искусства Сасанидов в III-VII вв. привело к широкому распространению «звериного стиля». На фоне красного и черного лака с бронзой и позолотой выгодно смотрелись инкрустации перламутром, расписной шелк и фарфор. Характерной чертой китайского сада являются сильно выгнутые висячие мосты. Однако вся эта красота — не столько строительство в европейском смысле слова как способ укрытия от стихии, а наоборот, создание средствами искусства наилучших условий для созерцания природы. Китайские пагоды не тектоничны, а органичны в своем единстве с окружающим пейзажем, они вырастают из земли также просто и естественно, как деревья, цветы или грибы после дождя. Силуэты тибетских храмов напоминают формы гор или пологих холмов, на которых они находятся.

Китайское искусство отличается целостностью. Оно никогда не подчинялось религии, философии или политике, не следовало математическим расчетам или претензиям отдельной личности, как это было в Западной Европе. Скорее напротив, художественное мироощущение китайцев определяло их религию, философию, науку, мораль и право. Поэтическое, художественное мышление формировало стиль жизни. Поэтому в китайском искусстве нет крайностей и не существует контрастных художественных направлений, течений и стилей, таких как западноевропейский Классицизм, Романтизм или символизм. Традиционный китайский стиль — это все вместе: натурализм и идеализм, реализм и экспрессионизм. В китайском искусстве более всего важна традиция и целостный национальный стиль. А отдельные стили живописи в Китае различались не по устремлению художника, а по состоянию изображаемой природы: «бегущий поток», «бамбуковый лист», «небеса, прояснившиеся после снегопада». Различалось восемнадцать видов контурных линий и шестнадцать видов мазков в изображении гор.

Следующая важнейшая особенность — проникающая во все виды искусства декоративность, главный принцип которой — осмысление художественного произведения как части более широкого целого. Любая вещь, предмет, деталь изображения мыслится пространственно, во взаимосвязи с окружающей средой. Поэтому, к примеру, декор на китайских изделиях не подчиняется форме, ее конструктивным членениям, а располагается свободно, «перетекая» с одной поверхности на другую.

Пантеистическое мышление китайцев, соединяясь с традиционностью уклада их жизни, порождало удивительную устойчивость форм, которым издавна придавалось символическое значение. Таковы, например, дракон — символ дождя, птица феникс — символ силы, красоты и высшего блаженства. Очень своеобразное, чисто китайское изображение облаков и молний — символ благодатного дождя, важного для земледельцев. Каждый месяц года символически связывался с определенным цветком: хризантема — символ осени, дикая слива — зимы, пион — весны, лотос — лета. Символическое значение придавалось цвету. В символику включалась и каллиграфия, отдельные иероглифы имели одновременно декоративное и символическое значение, ими украшались вазы, шкатулки, ширмы и свитки.

Одной из важных особенностей китайского национального стиля является бережное отношение к природным свойствам материала, тщательность его обработки, чистота и ясность технического приема. Эта черта наиболее полно проявилась в искусстве китайского фарфора. Материал в представлении китайцев всегда одушевлен. Поэтому не случайны названия глазурей: «цвет луны», «голубой туман», «цвет неба после дождя», «павлинье перо», «цвет кожи желтой рыбы». Первые изделия из белого фарфора появились в Китае в эпоху династии Тан (618-907), хотя некоторые китайские источники указывают и на более раннее время династии Хань (206 г. до н.э.-220 г. н.э.). Фарфоровые изделия периода правления династии Сун (960-1279) характеризуются мягкостью, пластичностью округлых форм почти без декора, с глазурью белого, голубого оттенков или цвета слоновой кости, иногда с узором «краклэ» или награвированным до глазурования орнаментом. В это же время появляются знаменитые селадоны. В период правления монгольской династии Юань впервые появляется подглазурная роспись синим кобальтом, получившая наибольшее распространение в эпоху династии Мин (1368-1644). Техника работы кистью по фарфору в Китае была связана с многовековой культурой рисования тушью по бумаге. Начиная с эпохи Тан, получает развитие производство расписных и вышитых шелковых тканей. В период правления маньчжурской династии Цин (1662-1796) в особенности в годы императора Канси (K'ang Hsi, 1662-1722), изготавливались как знаменитые селадоны, так и изделия с ярко-красной глазурью «бычья кровь» и фламбэ. Были также распространены многокрасочные росписи фарфоровых изделий, названные европейцами видами «зеленого», «черного» и «розового семейства». Сложный, изысканный декор изделий «розового семейства» с растительным и геометрическим орнаментом аналогичен узорам парчовых тканей того же времени (см. «парчовый стиль»). Интересно, что в отличие от искусства фарфора, стекло в Китае практически не получило развития. На изделиях из бронзы и в резьбе по дереву широко распространен геометрический орнамент, несколько напоминающий греческий меандр, вероятно производный от древнего символа огня — свастики.

Знамениты китайские изделия, в том числе мебель, из лака: расписного, резного, с инкрустациями перламутром — розового, желтого, зеленого, синего, черного цветов. Особенно популярны были резные изделия из красного лака. К искусству росписи по фарфору близки расписные и перегородчатые эмали по металлу (см. клуазонне). При изучении китайского искусства возникает ощущение, что художники находили особую радость в решении самых сложных технических задач. К ним относится тончайшая, словно кружево резьба по нефриту — самому твердому камню, особенно любимому в Китае. На грани разумного, с точки зрения европейца, ажурная резьба костяных шаров, находящихся один в другом. На это у мастеров уходили многие годы.

Искусство Китая оказало решающее влияние на формирование национальных художественных традиций Кореи и Японии (см. Японии искусство). Китайские изделия всегда были очень популярны в Европе. В XVII в. в Голландии и Англии была в моде китайская лаковая и резная мебель (см. голландский стиль, «голландское барокко»; георгианский стиль; Чем-берс Уильям; Чиппендейл Томас; кантонский стиль). Китайский фарфор и шелк ценились на вес золота. Изделиям китайского фарфора подражали мастера делфтских фаянсов и майссенского фарфора. Китайское искусство оказывало воздействие на развитие европейского Рококо (см. сенжери; шинуазери). В эпоху Романтизма конца XVIII — начала XIX вв. и неостилей второй половины XIX в. в «китайском стиле» оформлялись загородные дворцы, парковые павильоны и интерьеры.

Проявления «китайщины» в западноевропейском искусстве были лишь поверхностной, формальной стилизацией. «Оторванные от своей духовной сердцевины — дальневосточной культуры... крупицы чужого искусства... эта модная китайщина приобрела значимость в контексте европейского общества ценой потери своей связи с той изначальной средой, откуда она была насильно вырвана»1.

Но нельзя не отметить и более глубокие связи европейского и китайского искусства. Поэты-символисты отмечали, что

¹ Тойнби А. Постижение истории. М.: Прогресс, 1991, с. 83.

старая китайская живопись «уходит от действительности к снам наяву». Китайские художники привлекали европейцев способностью «зачаровывать предметы», изображать с их помощью чувства, переживания, воспоминания, делая эти часто очень простые, прозаические вещи совсем не тем, чем они кажутся поверхностному взгляду. Как раз этой скрытой трансцендентностью китайское искусство и примыкает к европейской романтической традиции. Вот почему в искусстве Рококо, Бидермайера, Модерна, относящихся к художественному направлению Романтизма, так естественно появлялись китайские мотивы, пусть даже в суррогатной форме. Ведь и стиль Ар Нуво начался с увлечения французских художников японской гравюрой, впитавшей в себя многовековые традиции китайской живописи. А китайский пейзаж «Вечерний звон далекого храма», так ли он далек от картин К. Д. Фридриха?