От греч. xemeto — смешиваю; либо phingitis — «блестящий камень». 20 страница

 

 

ЛИМОЖСКИЕ ЭМАЛИ (от франц. Limoge — название города в центре Франции) — вид художественных изделий, составляющий важную часть искусства французского Ренессанса. Техника выемчатой эмали 1 по золоту и меди, в отличие от перегородчатой византийской, была характерна для древнего искусства кельтов. В XII-XIII вв. она сконцентрировалась в мастерских г. Лиможа. В X1V-XV вв., ве-

¹ Франц. email от лат. smaltum — плавленый, роспись или любое покрытие сплавляющимися после обжига красками, стеклообразными составами.

роятно под влиянием мастеров-витрариев 1, расписывавших стекло, итальянской майолики и ренессансных гравюр, лиможцы перешли к более сложной живописной технике. Медные пластины расписывались эмалевыми красками с многочисленными промежуточными обжигами — от десяти до пятнадцати раз с определенной температурой для каждой краски. Вскоре мастера настолько усовершенствовали эту технику, что расписные эмали для Франции XVI в. приобрели такое же значение, как майолика и венецианское стекло для Итальянского Возрождения. Иногда для большего эффекта росписи украшались крупными, округлой формы застывшими каплями прозрачной эмали — кабошонами, ² под которые подкладывалась золотая или серебряная фольга. В качестве оригиналов для сложных сюжетных — мифологических и библейских — композиций использовались гравюры немецких и фламандских художников. В технике расписной эмали изготавливались складни-триптихи, реликварии, кувшины, тарелки, плакетки. С начала XVI в. мастерами так называемой «новой школы» стали изготавливаться вещи в технике гризайль³ — белой эмалью по черному или темно-синему фону, в подражание гравюре. С этих пор лиможские эмали обрели свой неповторимый, известный всему миру стиль. Сложность изобразительных композиций, чрезвычайная насыщенность фигурами, заимствованная от Маньеризма итальянцев и фламандцев, соединилась в них с условностью и декоративностью тональной моделировки, свойственной кроющей полупрозрачной технике эмалевой росписи. Сочность цвета и блеск красок были удивительны! Ни в одной из других техник это было бы невозможно, разве что итальянская майолика оставалась вне конкуренции. Поэтому все же не случайно, когда в XVII столетии стиль росписи лиможских эмальеров несколько измельчал, их изделия были вытеснены расписной керамикой. Наиболее известные лиможские мастера: Ж. Лимозен, Л. Лимозен, члены семьи Пенико, К. Нуайе, Ж. Кур, С. Кур, П. Куртейс, П. Реймон.

1 Лат. vitrarius — стеклодел, vitrum — стекло.

² Франц. cabochon — круглый от caboche — голова, башка.

³ Франц. grisaille от gris — серый — монохромная, одноцветная роспись.

 

 

ЛИНЕАРНОСТЬ (от лат. linea — льняная нить, отсюда линия) — обобщающее название качеств формы художественного произведения, в которой преобладающее значение получают графические средства выражения: линия, контур. Шире — графичность или графическое начало в искусстве, геометрическая структура композиции (см. также конструктивизм). В этом смысле линеарными можно назвать все геометрические стили или архаические формы любого исторического стиля, так как на первых, начальных стадиях развития в них всегда преобладает графическая основа. Эту тенденцию впервые подметил и теоретически обосновал Г. Вёльфлин. Иногда «линейный» — близко понятию «кантабилъный стиль». Поэтому, если в одних случаях линеарность — признак архаичности, ранней стадии развития того или иного художественного стиля, его «незрелых», недостаточно развитых форм, то в иных ситуациях линеарность является следствием обобщения, абстрагирования, остроты аналитического мышления художника и свидетельствует о преобладании в его творчестве рационального, интеллектуального начала. Линеарность также — итог художественного синтеза, качеств декоративности формы, например в графическом стиле художников «Мира искусства» или флореальной орнаментике Ар Нуво. Противоположное линеарности понятие — живописность (сравн. силуэт).

 

 

ЛИОНСКИЕ ШЕЛКА (франц. Lyon — название города на юго-востоке Франции). Шелк — натуральное волокно, отличающееся красивым матовым блеском — был изобретен в Китае еще во втором тысячелетии до н.э. С IV в. до н.э. шелк экспортировался на Ближний Восток, а позднее через страны арабского мира и Византию попадал в Венецию и Флоренцию, которые в XV-XVI вв. сами стали центрами производства шелковых тканей. В 1531 г. французский король Франциск I, желая завести шелкоткачество у себя, издал указ, освобождающий ткачей г. Лиона от налогов и разрешающий иностранным мастерам заниматься там своим ремеслом. Первоначально производство лионских шелковых тканей находилось в руках итальянцев, копировавших венецианские образцы. Известно, что Рафаэль по заказу Франциска I делал рисунки для шелка, по которым вышивка дополнялась еще и росписью кистью, имитировавшей живописные валеры 1. В начале XVII в. мастер К. Дангон стал первым наиболее известным французским ткачом. Он совмещал талант технолога-изобретателя и художника. Дангон создал новую атласную ² ткань с мелким растительным декором, затканным золотыми и серебряными нитями. Эта ткань пользовалась успехом в течение целого столетия. К концу XVII в. рисунок лионских тканей стал более разнообразным, на ярком цветном фоне изображались крупные цветы, гирлянды, букеты, архитектурные мотивы руин или детали кораблей в соответствии с духом «Большого стиля» Людовика XIV. В эпоху Рококо использовались рисунки А. Ватто и Ф. Буше с тончайшей светотеневой моделировкой нежно-голубых и розовых тонов. В орнаментальных мотивах преобладали волнистые линии, трельяж,³ «цветы в разброску» с изяществом и легкостью, достойными французского искусства. Была разработана и особая текстура из тончайших полосок, позволявшая, пользуясь блеском ткани, создавать игру тональных переходов. Лионские шелка пользовались заслуженной славой по всей Европе. Во второй половине XVIII в., в период французского Неоклассицизма, лионские шелковые ткани связывались с именем Филиппа де Ласалля.

 

 

ЛОЖНАЯ ГОТИКА (см. Готика, готический стиль) — устаревшее название Неоготики. Как и термины: «ложный классицизм», «ложный ренессанс», «ложное барокко», не соответствует современному пониманию генезиса и художественного содержания неостилей и поэтому в настоящее время не употребляется.

 

 

ЛОМБАРДСКАЯ ШКОЛА (итал. от франц. Lombardia — Ломбардия — область Северной Италии с городами Милан, Ман-туя, Бергамо, Павия, Брешиа, в 568 г. захваченная германским племенем ланго-

1Франц. valeur — ценность, качество — тональные градации, нюансы одного и того же цвета по светлоте.

² От арабск. atlas — гладкий, ткань с особо тонким переплетением нитей, создающим гладкую, блестящую лицевую поверхность.

3 Франц. treillage — решетка, орнамент в виде косой сетки.

бардов — отсюда название). Понятие ломбардской школы условно объединяет различные явления в истории итальянского искусства. В XIII-XV вв. широкую известность получила пышная ломбардская Готика, главное произведение которой — знаменитый Миланский собор — (на его строительстве работали и германские мастера) — возводился вплоть до XIX столетия и в его облике, наряду с готическими, нашли применение элементы архитектуры Классицизма, Маньеризма и Барокко.

Ломбардские живописцы проторенессанса и Итальянского Возрождения: Джотто, Пизанелло, А. Мантенья из Падуи, феррарцы К. Тура, Ф. Касса, Ф. Франчьа, Э. Роберти и его ученик Л. Коста создали суровый, острый, графичный, доходящий до гротеска в традициях североитальянской Готики стиль. Особое течение архитектурного Маньеризма с необычайным сочетанием элементов готического и ренессансного стилей развивалось в картезианских монастырях близ Павии (см. Чертоза). В конце XIV — начале XV в. в павийской Чертозе работали три ломбардских живописца под именем Боргоньоне, которые, как и знаменитый Я. Понтормо, создали особый маньеристически-экспрессивный стиль «Готического Возрождения». Родом из г. Брешии были живописцы Андреа дель Брешианино и А. Гандини, выработавшие, как и многие уроженцы этого города, художники Террафермы, острый гротескный стиль. В конце XV — начале XVI вв. в творчестве ломбрардских художников при дворе миланских герцогов Лодовико, прозванного Моро (итал. того — мавр, 1494-1508) и его сына Франческо II Сфорца (1521-1535, итал. sforza — «взломщик», «насильник»), Брамантино, А. Филарете, В. Фоппа, возобладали классицистические тенденции, свойственные флорентийской школе. К ломбардской школе принадлежали живописцы Маньеризма Б. Луини, Дж. Прокаччини, Г. Феррари, братья Кампи. В 1482 г. в Милан приехал из Флоренции Леонардо да Винчи, вокруг которого образовалась своеобразная школа «леонардесков», его учеников и последователей. Однако после Леонардо начался быстрый упадок, проявившийся уже в работах его учеников, развивавших лишь самые слабые стороны стиля своего учителя. «Ломбардцы живописцы по природе, — писал Г. Вёльфлин,— но им недостает чувства архитектоники» 1. Иногда художников ломбардской школы именуют «медиоланцами» (от лат. Mediolan — Милан). Уроженцем Ломбардии был и Микеланжело да Караваджо (см. также караваджисты).

 

 

ЛОТАРИНГСКАЯ ШКОЛА (франц. Lorraine, нем. Lothringen от лат. Lotharii regnum — царство Лотаря). Лотарингия — область на северо-востоке Франции, между реками Рейном, Маасом и Соной. В IX в. — владение римского императора Лотаря I (840-855), отсюда название. В 921-942 гг. была присоединена к Германии. В эпоху средневековья, развития романского и готического искусства, а также Северного Возрождения XVI в. художники Лотарингии соединяли в своем творчестве романские и германские влияния и работали в стиле близком старым нидерландским мастерам. В начале XVII в. Лотарингию прославил своим архаичным, провинциальным, но выразительным стилем Жорж де Ла Тур. Манъеристические и барочные влияния нашли отражение в гравюрах выдающихся лотарингцев Ж. Белланжа и Ж. Калло.

В период французского Неоклассицизма второй половины XVIII в. под влиянием открытий античного искусства в Италии, раскопок Геркуланума и Помпеи, в моду стали входить статуэтки из красной неглазурованной глины-терракоты, наподобие античных (см. танагрская скульптура). Их производство сконцентрировалось в Лотарингии, в г. Люневилле. В популярном жанре «лотарингских глин» работали известные скульпторы-классицисты П.-Л. Сиффле и Клод Мишель, прозванный Клодионом. Успех статуэток вызвал их повторение в бисквите² на Севрской фарфоровой мануфактуре. Аналогичные статуэтки из терракоты изготавливались и в России скульпторами Петербургской Академии художеств.

 

 

ЛУБОК, ЛУБОЧНЫЙ СТИЛЬ — см. русский лубок.

 

 

ЛУВР (франц. Louvre от Louverie, лат. Luparia — «Волчий лес» от lupus —

1 Вёльфлин Г. Классическое искусство. СПб., 1912, с. 35.

² От франц. biscuit — сухарь, изделие из неглазурованного фарфора, имеющее матовую белую поверхность.

волк) — первоначально охотничий замок, построенный под стенами Парижа архитектором Раймоном дю Тампль для короля Франции Карла V Валуа (1364-1380). При Франциске I (1515-1547) и Генрихе II (1547-1559), в эпоху французского Ренессанса, Лувр был отстроен заново П. Лесы и Ж. Гужоном, а позднее, Ж. Лемерсье. В 1664-1674 гг. в «Большом стиле» Людовика XIV была возведена знаменитая восточная «Колоннада Лувра» по проекту К. Перро. В период французской революции, в 1792 г., Конвент постановил открыть в залах опустевшего королевского дворца художественный музей, коллекции которого, первоначально принадлежавшие Бурбонам, постепенно расширялись. В настоящее время в Лувре собрано огромное количество экспонатов, иллюстрирующих всю историю мирового искусства от глубокой древности, античной Греции и Рима до знаменитой «Джоконды» Леонардо да Винчи, картин П. Рубенса, Н. Пуссена, Ж.-Д. Энгра, Ж.-Л. Давида, Э. Делакруа, Ф. Гойи, Г. Курбе.

 

 

ЛУКУТИНСКИЙ СТИЛЬ — см. федоскинская миниатюрная лаковая роспись.

 

 

ЛУРИСТАНСКИЕ БРОНЗЫ, «ЛУРИСТАНСКИЙ ЗВЕРИНЫЙ СТИЛЬ» (от древн. перс. Luristan — «горная страна» или от названия племени луров — «горных людей», область на юго-западе Иранского нагорья). В X-VII вв. до н. э. в Луристане создавались в большом количестве бронзовые предметы: вооружение, детали конской сбруи, вотивные³ скульптуры характерного архаичного стиля с объемными рельефными изображениями зверей, фантастических существ, мотивами «древа жизни». Это стиль был настолько ярким и своеобразным, что возникла даже версия о мистификации, о том, что все эти вещи — искусно выполненная современными мастерами подделка. «Луристанский звериный стиль» оказал в дальнейшем значительное влияние на персидское искусство периода Ахеменидов, искусство скифов и формирование интернационального «звериного стиля» возрожденного в III-VII вв. н. э. в искусстве Сасанидов.

3 От лат. votivus — торжественно обещанный, посвященный. Культовые изображения божеств, приносимые в дар, по обету.

 

 

ЛУЧИЗМ — авангардное течение в русской живописи начала XX в., основанное М. Ларионовым. После кратковременного увлечения импрессионизмом и примитивизмом этот художник в 1912 г. показал картины, композиция которых строилась на пересечении разноцветных лучей, создающих игру света и цвета. В опубликованной в 1913 г. брошюре «Лучизм» Ларионов изложил теорию о том, что человеческое зрение воспринимает не сами предметы, а лишь лучи света, отражаемые ими, и потому живопись должна также изображать именно эти лучи, их динамику и цветность, Так в русском искусстве возникло течение, абстрактное по существу, которое, однако, в отличие от абстрактивизма В. Кандинского и К. Малевича, было теснее связано с впечатлениями от света и цвета в природе. Вслед за Ларионовым идеи лучизма разделяли Н. Гончарова, Т. Богомазов, К. Зданевич, С. Романович. В своем лучизме Ларионов пытался соединить живописность импрессионизма с конструктивностью кубизма, чтобы отойти от «натурализма всей предшествующей истории живописи». В этом его творческие поиски противостояли беспредметничеству Малевича и Кандинского, и потому картины Ларионова называли «реалистическим лучизмом». Характерно, что предвосхищением находок Ларионова в некотором смысле можно считать живописную манеру М. Врубеля, помощником которого одно время работал Ларионов.

 

«ЛУЧИСТЫЙ СТИЛЬ» — см. руанские фаянсы.

 

ЛЮДОВИКА XI СТИЛЬ (франц. style Louis XI) — поздняя французская Готика, проторенессанс. Совпадает с годами правления французского короля Людовика XI (1461-1483). Стиль Людовика XI является переходным между стилями Карла VII и Карла VIII.

 

ЛЮДОВИКА XII СТИЛЬ (франц. style Louis XII) — переходный стиль от поздней французской «пламенеющей готики» к эпохе Ренессанса Франциска I (см. Фонтенбло стиль, школа). Совпадает с годами правления короля Людовика XII (1498-1515). Два военных похода короля Людовика в Италию способствовали проникновению в архитектуру Франции мотивов итальянского Классицизма, ордерной декорации фасадов. Но они причудливо соединялись с готической строительной конструкцией и средневековой, замковой планировкой дворцов, Поэтому настоящий французский Ренессанс наступил лишь в годы правления Франциска I (1515-1-547) и Генриха II (1547-1559).

 

ЛЮДОВИКА XIII СТИЛЬ (франц. style Louis XIII) — стиль французского искусства переходного времени от позднего Ренессанса — стиля Генриха IV к «Большому стилю» Людовика XIV, совмещающего в себе элементы Классицизма и Барокко. В годы правления Людовика XIII (1610-1643) было завершено строительство парижского Лувра и охотничьего замка короля в Версале — сооружения в стиле позднеготической архитектуры с мотивами ренессансного декора. Характерным элементом резной мебели Стиля Людовика XIII была «алмазная грань». В оформлении интерьера — покрытые красочной росписью гротесками деревянные балки потолков и резные панели по стенам, а так же тканые ковры — шпалеры. Мебель импортировалась из Италии, Германии и Испании. Своей почти не производили.

 

ЛЮДОВИКА XIV СТИЛЬ — см. «Большой стиль».

 

ЛЮДОВИКА XV СТИЛЬ — см. Рококо.

 

ЛЮДОВИКА XVI СТИЛЬ — см. Неоклассицизм.

 

ЛЮДОВИКА XVIII СТИЛЬ — см. Неорококо, или второе рококо, стиль Реставрации.

 

QQQ

 

М

МАВЕРАННАХРА ИСКУССТВО (от арабск. Maverannehr — «то, что за рекой», заречье от nehr — река) — искусство государства, расположенного в Средней Азии с центром в г. Самарканде, образовавшегося в XVI-XVII вв. после вторжения кочевых узбеков на территорию между реками Окс (Аму-Дарья) и Яксарт (Сыр-Дарья). Искусство Мавераннахра известно прежде всего школой книжной миниатюры. Художественный стиль миниатюры «междуречья» в целом близок персидскому искусству, но отличается некоторыми самобытными чертами. Мастера Мавераннахра были тесно связаны с Индией Великих Моголов периода правления Акбара (см. Индии искусство). Часто они работали совместно, что дает основание специалистам говорить об определенной «индианизации» мавераннахрского искусства, особенно в изображении фигур. Орнаментальные композиции миниатюр отличаются тончайшими плетениями арабесок, каллиграфии и растительных мотивов (сравн. Афрасиаба искусство).

 

 

МАВРИТАНСКИЙ СТИЛЬ (от лат. Mauretania — Мавретания — земля мавров от лат. mauri, греч. mauros — темный) — условное название различных стилизаций и неостилей второй половины XIX в., воспроизводящих особенности арабского и испано-мавританского искусства. В эпоху Историзма считалось романтичным и престижным оформлять в «восточном вкусе» курительные и кофейные комнаты, ванные — под серали. Отели и бары получали название «Альхамбра». Эта мода возникла еще в начале XIX в. во французском Ампире, в связи с увлечениями египетскими мотивами — Египет тогда находился в сфере арабо-мусульманской культуры, а затем в период охватившего всю Европу движения «национального романтизма». Однако мавританский стиль — более правильно неомавританский — был вторичен и эклектичен, так как включал разнородные элементы ближневосточного, турецкого, индийского, персидского и даже китайского искусства. Этот смешанный стиль иногда называли «стилем сарацинов» (от лат. saraceni — античное название жителей Аравии; см. также сарацинские ковры). Другое название — «стиль мореск» (от франц. moresque — мавританский; сравн. «тюркри»).

 

 

МАГИЧЕСКИЙ РЕАЛИЗМ (англ. Magic Realism; см. реализм) — художественное течение в искусстве США 1950-х гг. распространившееся главным образом в живописи как реакция на господство формалистического и абстрактного искусства. Другое название гиперреализм (от греч. hyper — сверх). В 1940-х гг. группа немецких и французских художников, спасаясь от бедствий войны, эмигрировала в США. Среди них были сюрреалисты М. Эрнст и А. Массон. В Америке они передали свой метод молодым живописцам, сумевшим создать свое оригинальное искусство, которое и было названо «магическим реализмом» по контрасту с наиболее распространенным тогда абстрактным экспрессионизмом и представляло собой наиболее консервативное течение. Гиперреалисты стремились к абсолютно точному, до мельчайших деталей, изображению, не уступающему фотографии, которое своей иллюзорностью действительно производило магическое впечатление на зрителя. Однако в лучших произведениях, к каковым относятся практически все картины ведущего художника этого течения Э. Уайета, эта иллюзорность сочеталась, самым парадоксальным образом, с тонким поэтическим ощущением реальности и не превращалась в натурализм. Магический, или гиперреализм, считается частью более широкого художественного течения неореализма. Интересно, что по одной из версий термин «магический реализм» придумал в 1914 г. создатель абстрактного экспрессионизма В. Кандинский, он назвал им живопись примитивиста «таможенника» Руссо. В США магический реализм получил наибольшее распространение не в крупных городах, где процветал абстрактивизм, а, главным образом, в провинции, на Среднем Западе и Юге. Но в 1970-х гг. в новой, модернизированной форме гиперреализма вошел в моду. Отличительной чертой «живописи» гиперреалистов является натурализм, сухость и жесткость трактовки мельчайших деталей, демонстративная случайность «кадрировки», дилетантизм с привкусом коммерции и внешней эффектности. Все это обнаруживает связь гиперреализма с поп-артом, которому это течение программно противопоставлялось. Другие названия: суперреализм, фотореализм, радикальный реализм (см. также «Новая вещественность»). Магическим реализмом также иногда называют искусство немецких живописцев Северного Возрождения первой половины XVI в.

 

 

МАГРИБА ИСКУССТВО (арабск. magrib— запад) — обобщающее название искусства арабского запада, стран северо-западной Африки — западной части Арабского халифата, современного Алжира, Туниса, Марокко, в отличие от стран арабского Востока — Леванта (см. арабское искусство; пуническое искусство; мусульманское искусство; сравн. испано-мавританское искусство; мавританский стиль).

 

 

МАДЛЕН — см. каменного века искусство.

 

 

МАЙССЕНСКИЙ ФАРФОР (нем. meissner Porzellan от Meissen — город в Саксонии, близ Дрездена и porzellan — фарфор от итал. porcellino — морская раковина «свинушка», по ассоциации цвета фарфора с блестящей белой поверхность раковины 1) — изделия первой в Европе фарфоровой мануфактуры, действовавшей в г. Майссен с 1710 г.

Знакомый европейцам еще в Средние Века китайский фарфор вызывал всеобщее восхищение и ценился на вес золота. В начале XVII в. благодаря португальским и голландским мореплавателям ввоз китайского фарфора в Европу увеличился, что стимулировало поиски аналогичных материалов, форм и способов декорирования (см. делфтские фаянсы; руанские фаянсы). Многие стремились разгадать «китайский секрет», однако к началу XVIII в. задача получения настоящего фарфора все еще не была решена. Между тем, фарфор будто бы самой судьбой предназначался для стиля Рококо. Белоснежный, легкий, хрупкий, тонкий, слегка просвечивающий черепок,

¹ Русское слово «фарфор» произошло от персидск. fahfuri — императорский.

покрытый прозрачной глазурью, представляющий прекрасный фон для миниатюрной росписи, полностью отвечал идеалам этого стиля. Белый цвет — это цвет Рококо. А пластичность фарфоровой массы открывала перед художником возможности разнообразных, в том числе и рокайльных форм. Все это объясняет не только благоговейное отношение к дорогому китайскому фарфору, но и чувство зависти, испытываемое европейцами к китайским мастерам, строго охранявшим тайну его производства.

История поисков, открытия и производства первого европейского фарфора совпала с распространением стиля Рококо в Саксонии и ее столице Дрездене. В 1704 г. курфюрст Саксонский и король Польский Август II Сильный (см. саксонское искусство) поручил математику и минералогу графу Вальтеру фон Чирнхаузу надзор за содержавшимся тайно под стражей в башне Майссенского замка алхимиком Иоганном Бёттгером. Бёттгер должен был получить золото, крайне необходимое расточительному курфюрсту, но в не меньшей степени его бы устроил и фарфор. Чирнхауз обратил внимание Бёттгера на исследованные им залежи белой глины в окрестностях Дрездена, которая уже давно использовалась для напудривания париков. В начале 1708 г., после всего нескольких месяцев опытов, Бёттгеру удалось получить нужную массу, а еще через год, употребив на глазурь тоже сырье, что и на черепок, он добился необходимого совмещения массы и глазури. В 1710 г. в Майссенской крепости Альбрехтсбург была пущена первая европейская фарфоровая мануфактура. Она принесла Саксонии мировую славу. Первый период деятельности Майссенской мануфактуры (1710-1719), получивший название «бёттгеровского», в художественном отношении не был оригинальным (см. бёттгеровский фарфор). После И. Бёттгера художественным руководителем мануфактуры стал живописец и химик И. Г. Хёрольдт. Он сумел изготовить из окислов металлов широкую палитру красок: красную, фиолетовую, желтую, зеленую, коричневую, голубую, не выгорающих при обжиге, чем открыл новый период в деятельности мануфактуры, названный «живописным» (1720-1745). С 1725 г. в изделиях майссенского фарфора стала применяться позолота, широко использовались восточные мотивы, цветы, птицы (см. «индианские цветы»; «немецкие цветы»). В характерном для Рококо жанре «шинуазери» прославился живописец А.-Ф. Лёвенфинк. С 1735г. получил распространение типично майссенский прием компоновки пейзажных и пасторальных мотивов — иногда в виде силуэта, под Китай — в «резервах» сплошного цветного, чаще голубого фона. Использовались также мотивы немецких и нидерландских гравюр, японского фарфора имари, композиции А. Ватто и Ф. Буше, арабески. В период Рококо на майссенской мануфактуре работали выдающиеся скульпторы — модельеры И. Г. Кирхнер (1727-1733) и И. И. Кендлер (1731-1753). Их помощниками и продолжателями были И. Ф. Эбер-лайн, П. Райнике, Ф. Э. Майер. Кендлер — наиболее прославленный мастер — только с ему одному присущим изяществом выполнял очаровательные по настроению и тонкому юмору фигурки пастушков и пастушек, дам в кринолинах, ремесленников, торговцев, солдат и бродяг, персонажей итальянских комедий, ставших непревзойденными образцами стиля Рококо в это жанре. В 1765-1781 гг. в стиле Неоклассицизма на мануфактуре работал выдающийся скульптор-модельер М.-В. Асье. К концу столетия в продукции Майссена становятся заметными кризисные явления, подражание более популярному в то время фарфору Севра и Вены (см. Марколини период). Изделия XIX столетия лишь повторяют старые образцы.

 

МАКАРТА СТИЛЬ — см. Макарт Ханс.

 

МАКЕДОНСКАЯ ЭПОХА, ШКОЛА (от греч. Makedonia — северная часть Эллады, этимология неясна, возможно от Migdonia, по имени народности Мигдонов). Македонской эпохой называют время поздней греческой классики и начала эллинизма, связанное с деятельностью царя Александра, прозванного Македонским (356-323 гг. до н. э.). Окончательное подчинение Эллады Македонии произошло еще в 338 г. при отце Александра, македонском царе Филиппе II. Александр получил первоклассное эллинское образование. Его воспитывал Аристотель, посвятивший молодого царя, по свидетельству Плутарха, в тайные эзотерические знания. Любимой книгой Александра была «Илиада» Гомера. В искусстве скульптуры это время Скопаса и придворного скульптора Александра Македонского Лисиппа, разработавших динамичный, экспрессивный, но менее гармоничный и уравновешенный, чем в Век Перикла, стиль. Главным предметом искусства македонской школы стал не отвлеченный идеал телесной гармонии, а психология, динамика внутреннего мира человека. Отсюда появление жанра портрета в эпоху Александра.

МАКЕДОНСКОЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ (см. Возрождение) — исторический период IX-X вв. в развитии культуры Византии (см. Византии искусство), связанный с правлением Македонской династии, основателем которой был македонянин Василий I (867-886). В этот период росло могущество государства и возрождались античные идеалы. Традиции античности, от которых в IV-VI вв. византийские художники пытались отойти в поисках нового стиля, стали импульсом развития искусства. Окончательно сложился тип крестово-купольного храма. Ясность пропорций и четкость планировки позволяют говорить о своеобразном классицизме македонской архитектуры. После иконоборческого периода при Льве III (726-741) и Константине V (741-775) интенсивно развивалось искусство иконописи и мозаики, и в нем явно проступали античные черты. Характерно, что сами византийские художники, как это видно из литературных источников — эк-фразисов (греч. ekphrasis — высказывание, описание) — описаний произведений искусства, видели «разницу между своими и античными произведениями только в сюжетах, но не в стиле исполнения»1. В 858 г. началось украшение мозаиками, взамен погибших в период иконоборчества, интерьеров храма Святой Софии в Константинополе. Новые образы отличались «спокойным величием» и, вместе с тем, мягкостью, лиризмом, земной одухотворенностью ликов христианских Святых, удивительно напоминавших античные статуи и картины. В миниатюрах рукописей и резьбе по кости часто просто копировались или варьировались античные образцы. Происходило возрождение античного стеклоделия, интенсивно развивалось искусство эмали, ювелирных изделий из золота. Искусство Македонского Возрождения иногда называют первой фазой Византийского Возрождения (сравн. Палеологовский Ренессанс).

 

МАККЬЯЙОЛИ (итал. macchiaioli от macchia — пятно) — школа итальянских живописцев, главным образом флорентийских, второй половины XIX в., творчество которых во многом было сходно с живописью французских импрессионистов. Художники «маккьяйоли» стремились, сохраняя классические традиции искусства Итальянского Возрождения, в то же время «осовременить» живопись пятнами цвета и света, работая широкими мазками — отсюда название. Наиболее известные мастера маккьяйоли: Дж. Фаттори (1825-1908), С. Лега (1826-1895), А. Чечьони (1836-1886), близкие к ним А. Фонтанези и Дж. Больдини (сравн. скапильяти).