Denis М. Theories. Paris, 1920, p. 16. 23 страница

В 1887 г. было основано московское отделение фирмы, выпускавшее более дешевые изделия, рассчитанные на массовый спрос. Особую популярность имели безделушки с миниатюрными росписями по эмали Ф. Рюкерта, повторявшими известные картины К. Маковского, В. Васнецова в «русском стиле».

Мастера фирмы постоянно импровизировали с ретроспективными мотивами, сочетая романтику «исторических стилей» с элементами Модерна. Дом Фаберже называли «культурной губкой», настолько многообразно он ассимилировал культуру различных стран и эпох. Это был продуманный, целенаправленный историзм, петербургский парафраз «стилей всех Людовиков», Готики, Ампира, Рококо с оттенками Ар Нуво, веяний арабского Востока, Индии, Китая, Японии, Персии. «Стиль Дома Фаберже основывался на продуманной ассимиляции ранних «исторических стилей, обогащенных русским чувством, легкостью, элегантностью и уникальной виртуозностью исполнения. Таков был «стиль Фаберже» ³. Этот необычайный стиль с отсутствием ярко выраженных на-

3Габсбург Г. фон. История Дома Фаберже.— В кн.: Фаберже: Придворный ювелир. СПб.-Вашингтон, 1993, с. 29.

циональных черт мог возникнуть только в Петербурге, городе-космополите, находящимся «между Западом и Востоком». Недаром мастера Фаберже называли себя «гражданами мира».

Однако в этом чисто петербургском явлении, наряду с его блестящими сторонами, были и свои слабости, может быть, именно в силу отсутствия национального стиля. В 1900 г. изделия Фаберже имели большой успех на Всемирной выставке в Париже. Но этот успех не был безоговорочным. Интересно, что по воспоминаниям В. Набокова, в его семье вещи Фаберже «не очень ценили за гротескную безвкусицу», а французские критики парижской выставки упрекали фирму за «провинциальную отсталость, изживший себя ретроспективизм, недостаток художественного вкуса и... ощущения собственного стиля». По словам критика, большинство изделий Фаберже — «игрушки, не являющиеся произведениями искусства, хотя и выполнены безукоризненно.., изобретательность Фаберже... остается зажатой в тисках воспоминаний»1. Такая суровая оценка становится понятной, если вспомнить, что как раз в эти годы Париж переживал всеобщее увлечение стилем Ар Нуво и всяческие стилизации, перепевы историзма, казались французской публике безнадежно устаревшими. И даже некоторые вещи Фаберже, исполненные в безукоризненно чистом, европейском Ар Нуво и Ар Деко, с которыми парижане познакомятся лишь на выставке 1925 г., не могли исправить общее впечатление.

К 1914 г. фирма Фаберже создала около ста тысяч предметов. В это время наряду со старыми мастерами в ней работали все четверо сыновей Карла Фаберже: Евгений (1874-1960), Агафон Младший (1876-1951), Александр (1877-1952) и Николай (1884-1939). Первая мировая война нанесла сильный удар по деятельности фирмы, революция 1917г. уничтожила ее совсем. Карл Фаберже в 1918 г. тайно эмигрировал в Швейцарию, где и скончался. Уехали и другие мастера — Ф. Бирбаум, X. Вигстрём. Наследники семьи пытались восстановить прерванное дело в Париже и Женеве, но былой славы достичь уже не

1Габсбург Г. фон. История Дома Фаберже.— В кн.: Фаберже: Придворный ювелир. СПб.-Вашингтон, 1993, с. 123-124.

удалось. Многочисленные подделки, поя-вившися еще во времена Карла Фаберже, количество которых особенно увеличилось в 1960-1970-е гг., получили оригинальное название «Фальшберже» («Falsberge»).

 

 

ФАНАГОРИЙСКИЕ СОСУДЫ (от греч. Phanagoria) — древнегреческие расписные керамические фигурные сосуды, изготовлявшиеся в мастерских Боспорского царства в V-IV вв. до н. э. и найденные в некрополе близ города Фанагории, в Северном Причерноморье, отсюда название. Наиболее известные из них — небольшие по размеру флаконы в виде сфинкса и Афродиты в раковине, расписанные белой, розовой, голубой красками с позолотой. Фанагорийские сосуды представляют собой яркий образец позднеантичного стиля с элементами восточного влияния, предвещающего расцвет искусства эллинизма.

 

 

ФАХВЕРК (нем. Fachwerk — каркасная работа) — особая строительная конструкция, распространенная в архитектуре средневековых западноевропейских городов, главным образом, хозяйственных и жилых зданий. Произошла от старинной галло-римской техники кладки стен. Заключалась в возведении каркаса из деревянных балок и последующего заполнения его камнем, щебнем или кирпичом с цементным раствором, причем структура деревянного каркаса не маскировалась, а образовывала на внешней поверхности стены своеобразный узор из пересекающихся вертикальных, горизонтальных и диагональных линий. В ряде случаев, в особенности в архитектуре Англии и Германии, рисунок фахверка принимал чрезвычайно сложные и изысканные формы. Он во многом определял неповторимый стиль средневекового европейского города. «Стиль фахверк» существовал параллельно с развитием романской и готической архитектуры, проявившейся, главным образом, в возведении храмов. Благополучно пережил Классицизм и эпоху Барокко (сравн. бюргерский стиль; хайматкунст).

 

 

ФАЮМСКИЙ ПОРТРЕТ (от коптск. faium — озеро) — тип живописного погребального портрета, существовавший в I-III вв. в эллинистическом Египте. Фаюмские портреты выполнялись на деревянных досках в технике энкаустики — живописи восковыми красками. Большинство из них найдено в районе Фаюмского оазиса, отсюда название. Наиболее ранние из фаюмских портретов чрезвычайно близки античным росписям, образцы которых обнаружены в Помпеях (см. помпейский стиль). Отличаются внутренней теплотой и одухотворенностью, особенно в сравнении с холодным и претенциозным римским скульптурным портретом того же времени. Происхождение фаюмского портрета связано с искусством Древнего Египта. В V-IV вв. до н. э. постепенно утрачивалось искусство мумифицирования, процедура захоронения упрощалась, и взамен дорогой погребальной маски на лицо усопшего стали одевать гипсовую расписную, а затем укладывать простую дощечку с портретом.

В поздних фаюмских портретах живописная манера уступала более условной графичной. Восковые краски заменялись темперой. К III-IV вв. темпера полностью вытеснила технику энкаустики. Это произошло в связи с эволюцией стиля. Если восковая живопись наилучшим образом соответствовала задачам выявления объемности, материальности формы, то темпера — жидкая краска на яичном желтке и воде — придавала живописи более плоскостной характер. Внешние черты портретируемого: цвет лица, блеск глаз, фактура волос и сияние украшений — постепенно теряли привлекательность для художника, поскольку он сосредоточивал внимание на внутренней, духовной стороне. Портрет утрачивал материальность, естественный цвет, объемность. Блеск глаз уступал место «сверканию души». Такой стиль изображения получил название «иератического» (от греч. hieratikos — ритуальный, священный, культовый). Строгая фронтальность, сдержанные, символически трактованные краски, подчеркнутые пропорции эмоционально настраивали на углубленное созерцание. Так фаюмский портрет стал одним из прототипов искусства иконописи (см. Византии искусство).

 

ФАЯНСЫ ГЕНРИХА II — см. Сен-Портера фаянсы.

 

«ФЕДЕРАЛЬНЫЙ СТИЛЬ» (англ. «Federal Style» от лат. foederatio — союз, объединение и см. стиль) — условное название разновидности колониального стиля в искусстве США, главным образом в оформлении интерьера и мебели, распространившегося после Гражданской войны между Севером и Югом 1861-1865 гг. в процессе объединения страны (отсюда название). Строгий и аскетичный «федеральный стиль» не носил оригинального характера. В нем использовались формы английской архитектуры и мебели республиканского, или пуританского, стиля времен революции Кромвеля, европейского Классицизма, французского стиля Консульства и английского «викторианского стиля».

 

ФЕДОСКИНСКАЯ МИНИАТЮРНАЯ ЛАКОВАЯ РОСПИСЬ — русский народный промысел. В 1798 г. купец П. Коробов организовал недалеко от Москвы в селе Данилкове, позднее слившегося с соседним Федоскиным, первое в России предприятие по производству лакированных табакерок из папье-маше с миниатюрной масляной росписью по примеру пользовавшихся в то время большим спросом немецких, изготавливавшихся в г. Брауншвейге. Предполагают, что первыми мастерами на фабрике Коробова также были немцы. Однако на русской почве эти изделия быстро приняли новый вид. Расширился выбор форм, возник оригинальный стиль росписи по черному фону, получивший название «лукутинского» по имени нового хозяина фабрики с 1820-х гг. — П. Лукутина. В качестве оригиналов для сюжетных миниатюр народными мастерами использовались как западноевропейские гравюры, так и рисунки русских художников: А. Орловского, Р. Жуковского, главным образом пейзажи и сцены из крестьянской жизни. Роспись производилась в несколько приемов. Каждый слой просушивался и покрывался лаком. Писали масляными красками, сначала по папье-маше, позднее по дереву, на черном или золотом фоне. Особую гордость федоскинцев составляло «письмо по-сквозному», выполнявшееся лессировками по подкладке из фольги, сусального золота или перламутра, что заставляло прозрачные краски необычно сверкать. Все миниатюры отличались тонкостью исполнения, а черный фон придавал им декоративность. Внутренняя поверхность шкатулок и табакерок окрашивалась в ярко-красный цвет. В лучших изделиях федоскинских мастеров проявился оригинальный стиль, соединивший элементы профессионального изобразительного искусства и крестьянской живописи, русского лубка. Наследники П. Лукутина расширили дело, организовали специальную рисовальную школу, посылали своих мастеров учиться в Москву, в Строгановское училище (см. строгановская школа). В изделиях конца XIX в. чувствовались отголоски второго рококо. Фабрика просуществовала до 1904г. В 1920-х гг. традиции федоскинской лаковой миниатюры продолжили мастера Палеха.

 

 

ФЕРДИНАНДИНО (ferdinandino) — неостиль в искусстве Испании XIX в., который следует отличать от оригинального стиля испанского искусства XVI в. (см. исабеллино). Получил название по имени короля Фердинандо VII (1820-1833). В своих основных чертах сходен с современными ему французским стилем Реставрации (см. Неорококо, или Второе рококо) и английским ридженси (см. Регентства стиль в Англии). Неостиль фердинандино известен главным образом мебелью с пышной барочной резьбой и позолотой, обитой красным бархатом или парчой, тяжелыми картинными рамами, занавесями с бахромой и кистями, панелями резного дерева в интерьерах. Элементы этого стиля развивались далее, также во вторичном стиле исабеллино.

 

ФЕРНИАНИ (итал. Ferniani) — фабрика итальянской майолики, основанная в г. Фаэнце в 1693 г. мастером-керамистом Аннибале Карло Ферниани. Просуществовала до 1900 г. В изделиях фабрики варьировался стиль, разработанный мастерами эпохи Возрождения и Маньеризма.

 

 

ФЕРРАРСКАЯ ШКОЛА. Феррара (Ferrara) — город на северо-востоке Италии близ устья реки По, соперник Венеции. В эпоху Итальянского Возрождения искусство Феррары «достигло самых чистых форм выражения» и имело свои особенности. Оно было связано с феодально-аристократическим укладом жизни, готическими традициями и, несмотря на сильные нидерландские и тосканские влияния, оставалось во многом консервативным. Художники феррарской школы всецело находились под покровительством аристократической семьи герцогов д'Эсте. Это было по преимуществу «Rinascimento signorile» (итал. «Возрождение господ»). В 1391 г. маркиз Альберто д'Эсте основал в Ферраре университет. Распространению гуманистических идей способствовала дочь герцога Эрколе д'Эсте Изабелла, известная по портрету Леонардо да Винчи. Она вышла замуж за мантуанского герцога Франческо Гонзага. При дворе был принят латинский язык. Как заметил шутя один из современников, в Ферраре было «столько латинских поэтов, сколько лягушек в ее болотистой земле». Но в изобразительном искусстве феррарских художников почти не ощущалось влияния античности. В аристократической придворной среде, пронизанной средневековыми рыцарскими идеалами, ренессансные идеи и духовное возрождение личности отражалось в формах интернациональной готики.

Расцвет феррарской школы связан с периодом чистого и радостного кватроченто. «Феррара... была зерном, откуда выросло все, что было красивого при дворе Людовиков. Она есть отечество той мечты о вечном празднике придворной жизни, которую так настойчиво преследовали потом поэты и художники на протяжении трех столетий»1.

Искусство Феррары было удивительно многообразно. Именно в этом городе получил развитие связанный с традициями античных медалей профильный портрет, а также экспрессивные алтарные композиции. «Большую роль играли... связи Феррары с другими феодальными центрами — Миланом, Болоньей, Мантуей и далекой Бургундией... Несомненно воздействие на феррарских живописцев драматических и экспрессивных образов падуанских рельефов Донателло. Позднее сильно сказалось влияние Мантеньи и Пьеро делла Франческа. Очень важное значение имели связи Феррары с нидерландским искусством и, прежде всего, с Рогиром фан дер Вейденом, который, хотя и не бывал в Ферраре, как предполагалось до недавнего времени, но работал по заказам феррарского двора. Из документов известно, что в Ферраре работали нидерландские, французские и немецкие живописцы и ремесленники. Все это создавало очень своеобразную художественную атмосферу, и не случайно именно в Ферраре процветало искусство миниатюры» ².

Первым крупным феррарским живописцем был К. Тура, портреты и алтарные картины которого отличаются острой графичностью. Его стиль характеризует внутренняя напряженность, типичная для Готики резкая изломанность форм в сочетании с натуралистическими элементами, наивной перегруженностью композиции разнообразной символикой, аллегориями, ювелирной проработкой мельчайших деталей. Многие картины художника напоминают готическую раскрашенную деревянную скульптуру. А изображенные им сцены Распятия поражают искренним трагизмом. К. Тура работал при феррарском

1Муратов П. Образы Италии. М.: Республика, 1994, с. 80.

²Гращенков В. Портрет в феррарской живописи раннего Возрождения.— В кн.: Классическое искусство за рубежом. М.: Наука, 1966, с. 32.

дворе с 1451 г. В 1486 г. его сменил Эрколе деи Роберти. Другой живописец Франческа дель Касса прославился фресками в загородном дворце д'Эсте так называемым «феррарским циклом», удивительно тонком воплощении идиллической мечты феррарского кватроченто о «ясной радости простой жизни». Продолжателем этой традиции в Ферраре был ученик Коссы живописец Л. Каста, работавший также в Болонье и Мантуе. Однако к началу XVI столетия под влиянием академизма болонской и римской школ в творчестве таких художников, как Гарофало или Ф. Франчьа, особенности феррарской и других североитальянских школ утратили свое значение.

 

ФИКЕЛЛУРА (итал. ficellura — возм. от лат. figulus — гончарный, горшечный) — тип росписи древнегреческих керамических сосудов VII—VI вв. до н. э., главным образом с о. Самос, широкотелых амфор, амфорисков, гидрий, с изображениями атлетов или танцующих негров, расположенных горизонтальными поясами и ритмично «обегающих» вокруг сосуда. Декор часто дополнялся характерными элементами орнамента в виде полумесяца. Сосуды типа «фикеллура» относятся к чернофигурному стилю росписи.

 

ФИЛЭЛЛИНСТВО — см. «греческое возрождение»; античный классицизм.

 

ФЛАМАНДСКАЯ, ФЛАМАНДСКО-ФРАНЦУЗСКАЯ МАНЕРА (итал. flamenco, flamenco-francese maniera — см. фламандское барокко) — региональная разновидность стиля интернациональной готики в искусстве Нидерландов и Бургундии XV-XVI вв. (см. бургундская школа; валлонская школа). Термин «фламандская манера» использовался главным образом итальянскими художниками для обозначения «объективного метода» живописцев Северного Возрождения, Картины северян отличала предельная иллюзорность, тончайшая выписанность самых мелких деталей, натурализм. Такая манера, воспринимавшаяся современниками как чудо, была впервые применена братьями фан Эйк в Нидерландах вместе с техникой лессировок масляными красками. Она оказала сильное воздействие на художников итальянского кватроченто — раннего Возрождения. Однако позднее, в конце XV — начале XVI в., итальянские мастера, в частности, Микеланжело, призывали «преодолевать фламандскую манеру» и переходить от натурализации к идеализации в искусстве.

 

ФЛАМАНДСКОЕ БАРОККО (от нидерл. Vlaanderen, франц. Flandres — Фландрия, flamand, ст.-франц. flamenc — фламандский; см. Барокко) — оригинальный художественный стиль, сложившийся в XVII в. в южной части Нидерландов. В 1585 г. испанским наместником Александром Фар-незе был захвачен Антверпен, а в 1609 г. в ходе войны за независимость Нидерландов от испанской короны было заключено перемирие с северными провинциями — Голландией (см. голландский стиль), в результате которого южная часть Нидерландов осталась под владычеством Испании и стала именоваться Фландрией, по названию одной из крупнейших ее провинций. На территории Фландрии стал развиваться особый художественный стиль.

Центром художественной жизни стал Антверпен. Здесь были сильны традиции старой нидерландской живописи XVI в., оказавшей в свое время столь сильное воздействие на художников Итальянского Возрождения. Позднее возникло и обратное влияние итальянской живописи на фламандскую, выразившееся в течении романизма. Мощное воздействие караваджизма повлекло за собой создание целой школы «утрехтских караваджистов» в Голландии, повлиявшей и на искусство фламандцев. Для фламандских живописцев стало правилом совершать путешествие в Италию. Такое сочетание влияний испанского Барокко, итальянского Классицизма с природной жизнерадостностью антверпенцев создало уникальный стиль, названный впоследствии «фламандским стилем», или «фламандским барокко». Его главные черты: жизнелюбие, эмоциональная приподнятость, материализм, пышность, изобилие форм. Наиболее ярко стиль фламандского барокко воплотил гений великого живописца П. Рубенса. Его влияние было настолько велико, что XVII столетие иногда называют «веком Рубенса». Рядом с ним работали другие выдающиеся живописцы: А. ВанДейк, Я. Йордане, Д. Тенирс, Ф. Снейдерс. Особенности «фламандского стиля» в оформлении интерьеpa и мебели демонстрирует «дом Рубенса» в Антверпене, оформленный им самим. Вместе с этим в искусстве фламандского барокко ясно различаются два основных течения: «аристократическое», представленное Рубенсом, и «простонародное», демократическое, в котором соединился стихийный натурализм и барочная экспрессия живописной манеры Ф. Снейдерса, Ф. Халса. Фламандское барокко выходило за пределы Фландрии, его влияние коснулось многих голландских, английских, французских живописцев и даже такого великого мастера, как Рембрандт, стоявшего вне течений и стилей своего времени.

Фламандское барокко стилистически менее цельно, чем итальянское или испанское. В нем разрушающе действуют противоречивые тенденции: материализм простонародного духа фламандцев, их жизнелюбие и аристократический идеализм в соединении с католическим мистицизмом, привнесенный испанским влиянием.

В различных видах искусства этот стиль также проявился неравномерно. В наибольшей степени — в живописи, менее известна фламандская архитектура и практически отсутствует скульптура. Зато в декоративном, в частности в орнаментальном искусстве, существует ярко выраженный стиль фламандского барокко. В резьбе по дереву, чеканке по металлу и гравюре во Фландрии XVII в. родились причудливые формы кнорпельверка, или кнорпеля, и ормушля. Кнорпельверк (от нем. Knorpel — хрящ и Werk — работа) представляет собой невероятно трансформированный барочный картуш, в котором угадываются очертания хряща, маски, морды фантастического чудовища либо гребень морской волны. Ормушль (нем. Ohrmuschel — ушная раковина) — тот же мотив еще более фантастического вида. Эти формы бесспорно возникли под влиянием итальянского Маньеризма, но были преображены фламандским стилем. Считается, что изобретателем кнорпеля был утрехтский златокузнец и ювелир Адам фан Фианен, брат знаменитого живописца, гравера и медальера. Но наибольшее признание этот мотив получил в творчестве гравера-орнаменталиста К. Флориса, отчего иногда фламандский барочный орнамент называют «стилем Флориса». В 1630-1660-х гг. мотивы кнорпеля и ормушля в сочетании с растительными элементами, итальянскими картушами и бандельверками получили широкое распространение в работах златокузнецов Нюрнберга и Аугсбурга (см. немецкое художественное серебро), отсюда их немецкие названия.

 

ФЛАМБЭ (франц. flambee — яркое пламя, вспышка от лат. flamma — пламя, огонь) — французское название особого красочного эффекта знаменитой китайской глазури «бычья кровь», глубокого красного или темно-вишневого цвета с голубовато-фиолетовой дымкой, появляющейся после обжига от восстановления окиси меди. Изделия с глазурью «бычья кровь» были характерны для китайского фарфора времени правления маньчжурской династии Цин (1662-1796), отсюда более широкое понятие «стиль фламбэ», которым иногда определяют особенности этих изделий.

 

ФЛАМСКИЙ, ФЛЕМСКИЙ СТИЛЬ (ис-каж. от нидерл. vlaamsch — фламандский, см. фламандское барокко) — название фламандского стиля, распространенное в России в конце XVII — начале XVIII вв. Так, было известно фламское, т. е. фламандское, полотно или «флемская» золоченая резьба иконостасов, стиль которой впитал традиции «русского маньеризма» XVII в. (см. «нарышкинское барокко») и влияния фламандского искусства. «Флемская резьба» представляет собой сложный орнамент из кружевной резьбы, разорванных картушей, переплетений виноградной лозы, листьев, плодов, цветов и лент с рядами «гребешков» и перлов (жемчужин) по краям. «Флемская резьба» в XVI-XVII вв. была широко распространена в искусстве Германии, Украины и Польши, откуда и пришла в Москву (сравн. фряжский стиль).

 

ФЛОРАЛИЗМ, ФЛОРЕАЛЬНОЕ ТЕЧЕНИЕ, СТИЛЬ (от лат. florealis — растительный, floris — цветок). Флорализм — явление или тенденция преобладания в композиции художественного произведения растительных — флореальных мотивов. Растительные формы широко использовались в искусстве Древнего Египта и Месопотамии, античном искусстве, орнаментике Классицизма, в Готике, Барокко, Рококо. В искусстве Модерна на рубеже XIX-XX вв. эта тенденция оформилась в самостоятельное флореальное течение. Именно это течение в Бельгии и Франции отождествляется с Ар Нуво. Выдающимися мастерами «флореального стиля», или Ар Нуво, были В. Орта, Э. Гимар, X. Обрист, А. Гауди, Э. Галле, художники «школы Нанси», фирмы «Даум».

 

ФЛОРЕНТИЙСКАЯ ГОТИКА (см. Готика, готический стиль; флорентийская школа) — течение в искусстве г. Флоренции XIII-XIV вв., развивавшее местные готические традиции. Его главные представители А. Пизано, А. Орканья, Л. Гиберти, Т. Гадди. В конце XIV в. стиль флорентийской готики сменился так называемым стилем «интернациональной готики», в отличие от первого — не имеющего конкретной национальной ориентации. В XV в. готическое течение, взаимодействуя с тенденциями Классицизма, определило своеобразие искусства флорентийской школы эпохи Итальянского Возрождения. Осуществление этой роли флорентийской готики оказалось возможным благодаря ее совершенно особому характеру: ясности, конструктивности, рациональности (см. Тосканское Возрождение). Именно поэтому взамен искусственного понятия итальянской готики более правильны определения особенных ломбардской, пизанской, флорентийской готики, в отличие от готики французской или немецкой.

 

ФЛОРЕНТИЙСКАЯ ШКОЛА (итал. Firenze, франц. Florence от лат. flos, итал. fiore — цветок, «florentia» — «цветущая» — название города Флоренции, оттого, что на его гербе изображен цветок лилии. По другой версии: первоначальное название Fluenzia от fluente — текучий, так как город расположен на р. Арно) — название широкого круга художников, работавших в г. Флоренции, или происходивших из него — чаще в эпоху Итальянского Возрождения, — индивидуальные стили которых имеют ряд существенных общих черт.

В X-VIII вв. до н. э. на берегу р. Арно существовало поселение древней культуры Вилланова, затем ее сменила культура этрусков. Римляне назвали это место «Castra Florentia» — «Процветающий лагерь», откуда, по одной из версий, возникло имя города. В IV в. Флоренция стала христианской. Жители города, занимавшиеся ремеслом, торговлей и банковскими операциями, образовали независимую коммуну. С XII в. они стали особенно заботиться о его украшении, уделяя внимание архитектуре, росписям и скульптуре. Фасады восьмигранного в плане Баптистерия Св. Иоанна Крестителя, построенного еще в 488 г., облицевали белым и темно-зеленым мрамором, положив начало столь характерному для Флоренции «инкрустационному стилю». В искусстве флорентийского проторенессанса XII-XIII вв. возникали также мотивы античного коринфского ордера, венецианской мозаики. В XIII в. жители города начали строительство большого собора, который посвятили Богоматери — «Santa Maria del Fiore» (собор «Святой Марии с цветком лилии»). Этот собор должен был стать символом богатства и мощи Флоренции. Первым его архитектором был Арнольфо ди Камбио. Облик средневековых домов-крепостей сохранило главное административное здание Флоренции Палаццо Веккьо (итал. «Palazzo Vecchio» — «Старый дворец») с высокой сторожевой башней, машикулями и «гибеллиновыми» зубцами для стрелков из лука, по имени рыцарей-феодалов рода Гибеллинов. Арноль-фо ди Камбио был также одним из первых флорентийских скульпторов.

В период раннего Итальянского Возрождения XIV-XV вв. во Флоренции, ставшей столицей Тосканы (см. Тосканское Возрождение), сложился оригинальный художественный стиль.

Не получив дальнейшего продолжения, этот стиль остался в истории мирового искусства совершенно неповторимым, уникальным явлением.

Предместье Флоренции — городок Фьезоле (лат. Phezul) прославил живописец проторенессанса Анжелика фра Джованни да Фьезоле. В XIII-XIV вв. переворот в живописи совершил другой знаменитый флорентиец Джотто ди Бондоне. Его близким другом был великий поэт, также уроженец Флоренции, Данте Алигьери, изображенный Д. Микелино на фоне родного города в одной из фресок собора Санта Мариа дель Фьоре. В XIV столетии в связи с ростом городской аристократии в искусстве Флоренции господствовал стиль «интернациональной готики». С 1334 г. строительство собора продолжил Джотто, который возвел рядом с ним высокую колокольню-кампанилу с облицовкой цветным мрамором в инкрустационном стиле. Это уникальное для Италии сооружение высотой 82 м получило вместо обычного готического завершения горизонтальный карниз, что предвещало новые, классицистические тенденции. Во Флоренции работали А. Пизано, А. Орканья. В начале XV столетия ведущее место занимала мастерская Л. Гиберти — ювелира и скульптора, где обучались Донателло, М. Микелоццо, П. Уччелло. Большинство художников работало в это время в традиционном готическом стиле, но, наряду с этим, в творчестве скульптора Донателло и его друга архитектора Ф. Брунеллески появилась и другая, классицистическая линия, ориентированная на античные образцы. Брунеллески был создателем знаменитого купола

¹ Франц. machicoulis от итал. macchia — укрытие, франц. coulissa — подвижной заслон — в архитектуре крепостей и замков закрытая галерея с бойницами в верхней, выступающей части стены.

флорентийского собора (1420-1430), по словам Л.-Б. Альберти, «осенившего народы Тосканы».

В XV в. художественную атмосферу города во многом определяла богатая семья банкиров Медичи, бывших в прошлом лекарями (итал. medici — лекарь), известными аптекарями, сохранившими в своем гербе три шарика-пилюли, напоминавших о профессии их предков. Козимо Медичи Старший был основателем династии герцогов-меценатов. В 1434 г. он стал правителем Флоренции. Его внук Лоренцо (1449-1492) за покровительство поэтам и художникам был прозван Великолепным. При дворе Лоренцо Великолепного культивировалось утонченное, изысканное, аристократическое искусство, близкое идеалам «интернациональной готики». Его главным выразителем был С. Боттичелли. Ему противостояло другое, более демократическое течение, представляемое Донателло, А. Верроккьо, Мазаччьо, Д. Гирландайо. Флорентийская живопись XV в. Б. Гоццоли, Ф. Липпи, П. Уччелло, А. Кастаньо была ведущей в Италии. С 1469г. во Флоренции жил и работал великий Леонардо да Винчи, стиль которого сформировался в мастерской флорентийца А. Верроккьо. Здесь же работал выдающийся теоретик и архитектор Л.-Б. Альберти. В «Садах» Лоренцо Великолепного, бывших одновременно художественной школой и музеем «античных мраморов», учился Микеланжело. Младший сын Лоренцо Великолепного — Джованни Медичи, ставший впоследствии папой Львом X, сумел объединить в Риме силы Леонардо, Микеланжело и Рафаэля, составивших «золотой век» римской школы искусства Италии. Во Флоренции был создан классический тип ренессансного здания, городского дворца — палаццо (см. рустичный стиль).

Характерными чертами флорентийской школы стало соединение элементов специфической флорентийской готики — изысканности линий, утонченности моделировок — и гармонии классических пропорций. В архитектуре античный ордер соседствовал с чертами романского, готического и «инкрустационного стиля». Типичным для флорентийского искусства является то, что все его главные представители — П. Уччелло, А. Верроккьо, Л.-Б. Альберти, Л. Гиберти и, конечно же, Леонардо да Винчи — по складу и методу мышления были учеными, аналитиками, а по широте деятельности художниками. Отсюда то большое внимание, которое уделяли флорентийские живописцы и скульпторы анатомии, оптике, перспективе, в архитектуре — науке о пропорциях. Венецианцы, для сравнения, никогда этим не занимались.