«Мир искусства» - объединение художников, созданное в Петербурге в конце XIX века, заявившее о себе журналом и выставками, от имени которых получило своё название. В «Мир искусства» входили в разное время чуть ли не все передовые русские художники. Мирискусники «первого эшелона» - это Бенуа, Сомов, Лансере, Бакст, Добужинский – яркие индивидуальности, но каждый шёл своим путём, поэтому это объединение не представляло какого-либо художественного течения, направления или школы, просто это было творческое содружество по общим интересам. Лозунгом этого объединения было «искусство для искусства» в том смысле, что художественное творчество само в себе несёт высшую ценность и не нуждается в идейных предписаниях со стороны. Этими установками они противопоставляли себя передвижникам. В начале XX века в Петербурге мирискусниками был организован постоянный салон «Современное искусство», где экспонировались произведения декоративного и прикладного искусства и оформление интерьеров, отражающие новые веяния Модерна. В 1904-1914 гг. под лозунгом «Мира искусства» Сергей Дягилев в Париже устраивал художественные выставки и балетные спектакли. Художники объединения были по преимуществу графиками, иллюстрировали художественный журнал «Мир искусства», выполняли театральные афиши, эскизы театральных декораций, станковые картины небольших размеров в графических техниках. Все они были против дидактики, назидательности искусства, литературности сюжетов, что было характерно для передвижничества. Для всех мирискусников была характерна ретроспективность художественного мышления и «пиетет к культурности», к художественным стилям прошлого. Интересы их творчества в выборе сюжетов фокусировались в области французской и русской истории XVII, XVIII веков. Время Петра I, Людовика XIV и Людовика XV с галантными сценами, красивыми регулярными парками, в которых на фоне партеров и боскетов прогуливается или флиртует придворная публика, лёгкий налёт эротизма, ирония по поводу происходящего, ощущение игры – вот круг образов названных мирискусников.
Организатором домашнего кружка, из которого образовалось общество мирискусников, был Александр Николаевич Бенуа – живописец, график, историк искусства, художественный критик, очень эрудированный человек из семьи художников и архитекторов. Учился у частных мастеров. Фактически именно он был направляющей силой в этом объединении. В работах Бенуа как художника ярко проявился его дар стилиста, он прекрасно чувствовал стиль и атмосферу выбранного им времени. Известны его большие графические серии «Версаль» (листы «Прогулка короля», «Фантазия на версальскую тему»), в которых тонкая ирония перемежается с тайным восхищением изображённым временем, его бытом, традициями. Драматичная серия работ создана Бенуа в качестве иллюстраций к «Медному всаднику» Пушкина. Передать дух времени, проникнуться переживаниями главного героя – те задачи Бенуа, с которыми он блестяще справляется.
Бакст Лев Самойлович известен прежде всего как художник театральных костюмов, в чём он достиг подлинного артистизма в трактовке образов, в передаче сценического характера. Вызывающе яркие, динамичные, созданные с великолепным стилизаторским чувством, эскизы его костюмов, приобретшие самостоятельную художественную ценность, всегда современны (работы к балету Римского-Корсакова «Шехерезада», балету Стравинского «Жар-птица»). Его «Ужин» - само воплощение эстетики модерна.
СомовКонстантин Андреевич был в объединении профессиональным художником, так как учился в АХ, затем в Париже. Это художник элегического мироощущения с пристрастием к пасторальным мотивам. Одновременно с этим он очень ироничен, порой саркастичен и насмешлив. Его мир – это маркизы, кокетки, Арлекины и Пьеро, очаровательные любовные сценки, смесь игры и ретроспективности («Арлекин и дама»). Сомов силён в портретах, в которых он в полной мере проявил свою прекрасную подготовленность и чувство современности («Дама в голубом», «Портрет А. А. Блока»).
Большая заслуга всех мирискусников в том, что они обогатили русское искусство своего времени новым художественным видением, новыми сюжетами и оригинальными композициями своих работ. Они подняли значение журнальной и книжной графики на небывалую высоту и пропагандировали элитарность искусства вообще, показывая пример широкой эрудированности и высокого уровня внутренней культуры.
Борисов-МусатовВиктор Эльпидифорович – русский художник конца XIX-начала XX века, живописец элегического стиля, символист. Родился в Саратове. Учился в МУЖВЗ, затем в АХ. По своим творческим устремлениям оказался близок французским символистам периода модерна, поэтому предпринял поездку в Париж для продолжения обучения там. Борисов–Мусатов входил в художественное объединение «Голубая роза», в котором кроме него были: Кузнецов, Сапунов, Сарьян, Судейкин и др. Эта группа являлась оппозицией Санкт-петербургским мирискусникам, хотя их символизм органичен времени и максимально близок эстетике модерна. Художники «Голубой розы» по своей природе декораторы, мистики, театралы. Выставки их произведений всегда проходили по строгому сценарию, в котором были задействованы поэты-символисты, читающие свои стихи, звучала музыка Скрябина, залы поражали изысканным убранством с живыми цветами, да и сами картины напоминали панно-гобелены, производящие впечатление неких сакральных молитвенных знаков. В творчестве Борисова-Мусатова ретроспективные настроения этого объединения выразились наиболее полно. Его настроения и образы – это трогательная нежность и щемящая грусть, ностальгия по уходящему дворянскому быту, по романтике старинных русских усадеб с мезонинами и деревянными колоннами, с заброшенными парками и заросшими прудами, это женщины в пышных платьях, как таинственные призраки, невысказанные любовные признания, угасающие надежды. Неповторимость мироощущения Борисова-Мусатова, своеобразие эмоционально-эстетического восприятия реальности, постоянное ощущение одиночества и печали, идущее от его работ, во многом связаны с его болезнью, развившейся с детства в результате травмы позвоночника, что привело к появлению горба и полностью подорвало его здоровье. Прожил Борисов-Мусатов тридцать пять лет. Стиль Борисова-Мусатова очень индивидуален и оригинален, поэтому его произведения всегда легко узнаются. Глубоко личные настроения этот удивительный художник воплотил в своеобразную живописную форму, стилизованную под старинный гобелен. Как истинный живописец, мыслил красочными пятнами, ритмами живописной фактуры, ощущал гибкую пластику линии. Его палитра тяготеет к изысканным сочетаниям приглушённого зелёного, голубого, сиреневого. «Автопортрет с сестрой», «Водоём», «Изумрудное ожерелье», «Весна», «Осенний мотив», «Призраки», «Дама в голубом».
Сарьян Мартирос Сергеевич– армянский живописец XX века. Учился в МУЖВЗ у Серова и Коровина. В короткий период существования объединения «Голубая роза» (с 1907 по 1910) был его членом, разделяя с голуборозовцами увлечение декоративизмом Востока. Сарьян много путешествовал по Турции, Египту, Ирану, находя в культуре и обычаях этих стран то, что его привлекало, что манило жаркой красочностью, солнцем, светом. Все эти качества станут основными характеристиками яркого национального стиля Сарьяна, отличавшегося обобщённостью формы и декоративностью. Он жил в Ереване, красота армянских нагорий, пастбищ, речных долин неизменно притягивала художника, давая ему возможность реализации своих творческих импульсов. Он писал пейзажи, натюрморты, портреты. В своей палитре Сарьян тяготел к ярким сочетаниям чистого открытого синего с жёлтым, достигая при этом удивительной гармонии колорита. Его пейзажам свойственна какая-то замедленность действия, в чём видится особая мудрость отношения к природе («Улица. Полдень. Константинополь», «Финиковая пальма», «Долина Арарата», «Гора Абул и проходящие верблюды»). Очень много у Сарьяна поразительно красивых, декоративных по своей сути натюрмортов с неизменным участием полевых цветов, с частым включением в композицию изображения масок, какие он видел в странах Востока. В натюрмортах он иногда очень лаконичен, просто минимален, но, тем не менее, достаточно убедителен, но чаще очень щедр на краски и формы («Цветы с Чамлыча»). Модели портретов Сарьяна – это представители творческой интеллигенции, его земляки или люди, близкие ему по духу. В портретах он прибегает к тем же декоративным приёмам, что и в натюрмортах («Автопортрет «Три возраста», «Портрет поэта Егише Чаренца»).
