Тенденции развития искусства. 2 страница

Творчество гениального Рембрандта (1606—1669) — одна из вершин мировой живописи. Необычайная широта тематического диапазона, глубочайший гуманизм, одухотворяющий произведения, подлинный демократизм искусства, постоянные поиски наиболее выразительных художественных средств, непревзойденное мастерство давали художнику возможность воплощать самые глубокие и передовые идеи времени. Колорит картин Рембрандта зрелого и позднего периода, построенный на сочетании теплых сближенных тонов, переливающихся тончайшими оттенками, свет, трепещущий и концентрированный, как будто излучаемый самими предметами, способствуют необычайной эмоциональности его произведений. Но особую ценность сообщают им высокие, благородные чувства, которые придают будничным вещам поэтичность и возвышенную красоту. Рембрандт писал картины исторические, библейские, мифологические и бытовые, портреты и пейзажи; он был одним из величайших мастеров офорта и рисунка. Но в какой бы технике Рембрандт ни работал, в центре его внимания всегда стоял человек, с его внутренним миром, его переживаниями. Своих героев Рембрандт часто находил среди представителей голландской бедноты, в них раскрывал лучшие черты характеров, неисчерпаемое духовное богатство. Веру в человека художник пронес через всю жизнь, невзгоды и испытания. Она помогла ему до последних дней создавать произведения, выражающие лучшие устремления голландского народа.

Одну за другой пишет Рембрандт большие религиозные композиции, подобные полному динамики и патетики «Жертвоприношение Авраама», парадные портреты. Его увлекают героико-драматические образы, внешне эффектные построения, пышные причудливые одеяния, контрасты света и тени, резкие ракурсы. Рембрандт часто изображает Саскию и самого себя, молодого, счастливого, полного сил. Таковы «Портрет Саскии» (около 1634, Кассель, Картинная галерея), «Автопортрет» (1634, Париж, Лувр), «Автопортрет с Саскией на коленях» (около 1636, Дрезден, Картинная галерея). Рембрандт много работал в области офорта, увлекаясь жанровыми мотивами, портретами, пейзажами, создал целую серию изображений представителей социальных низов.

Уже к концу 1630-х годов обнаружилось тяготение художника к реалистическим образам в картинах большого масштаба. Необычайно жизненное и убедительное решение приобрела мифологическая тема в картине «Даная».

Глубокой внутренней значительности полны образы графических работ Рембрандта — рисунков и офортов. С особой силой демократизм его искусства выражен в офорте «Христос, исцеляющий больных». Поразительна проникновенность трактовки образов больных и страждущих, нищих и бедняков, которым противопоставлены самодовольные, богато одетые фарисеи. Подлинный монументальный размах, живописность, тончайшие и резкие контрасты светотени, тональное богатство отличают его офорты и рисунки пером, как тематические, так и пейзажные.

Последнее десятилетие — самая трагическая пора жизни Рембрандта; объявленный несостоятельным должником, он поселяется в беднейшем квартале Амстердама, теряет своих лучших друзей и близких. Но обрушившиеся на него несчастья не могли остановить развития творческого гения художника. Самые глубокие и прекрасные произведения им были написаны именно в это время. Групповой портрет «Синдики» завершает достижения художника в этом жанре. Его жизненная сила — в глубине и характерности каждого из портретируемых, в естественности композиции, ясной и уравновешенной, в скупости и точности отбора деталей, в гармонии сдержанного цветового решения и вместе с тем в создании цельного образа группы людей, объединенных общностью интересов, которые они защищают. Необычный ракурс подчеркивает монументальный характер изображения, значительность и торжественность происходящего.

Влияние искусства Рембрандта было громадным. Оно сказалось на творчестве не только его непосредственных учеников, из которых ближе всех подошел к пониманию учителя Карель Фабрициус, но и на искусстве каждого более или менее значительного голландского художника. Глубочайшее воздействие оказало искусство Рембрандта на развитие всего мирового реалистического искусства впоследствии.

Во французском искусстве 17 столетия нашли наиболее полное отражение представления о человеке и его месте в обществе, порожденные временем формирования в Европе централизованных монархий. Классическая страна абсолютизма, обеспечившего рост буржуазных отношений, Франция переживала экономический подъем и стала могущественной европейской державой. Философ Декарт разработал теорию воли, провозгласив господство человеческого разума. Рационализм стал характерной чертой французской культуры.В творчестве Корнеля и Расина достигла апогея французская классическая трагедия. В своих драмах Мольер воссоздавая «человеческую комедию». Франция переживала расцвет национальной культуры, не случайно Вольтер назвал 17 век «великим».

Французская культура 17 столетия формировалась в условиях утверждения абсолютизма. Однако ее многообразие и противоречивость определили широкое движение за национальное объединение. На этой почве рождались утопии, мечты об идеальном обществе, основанном на законах разума и справедливости, и вольнодумная критика абсолютизма.

Пуссен Никола (Poussin Nicolas) (1594-1665), французский живописец и рисовальщик. С 1620-х годов живописец Никола Пуссен создавал картины высокого гражданственного звучания, заложившие основы классицизма в европейской живописи (картина “Смерть Германика”, 1626-1627 годы, Институт искусства, Миннеаполис), поэтические композиции на литературные и мифологические темы, отмеченные возвышенным строем образов, эмоциональностью интенсивного, мягко сгармонизированного колорита (“Ринальдо и Армида”, “Танкред и Эрминия”,). Господствующий в произведениях Никола Пуссена 1630-х годов ясный композиционный ритм воспринимается как отражение разумного начала, придающего величие благородным поступкам человека (“Аркадские пастухи”, около 1629-1630, собрание герцога Девонширского, Чатсуорт; “Нахождение Моисея”, 1638, Лувр, Париж). С 1650-х годов в творчестве Пуссена усиливается этико-философский пафос. Обращаясь к сюжетам античной истории, уподобляя библейских и евангельских персонажей героям классической древности, художник добивался полноты образного звучания, ясной гармонии целого (“Отдых на пути в Египет”,.Развивая принципы идеального пейзажа, Никола Пуссен делает природу воплощением целесообразности и совершенства (“Пейзаж с Полифемом”, серия пейзажей “Времена года”, 1660-1664, “Аполлон и Дафна). Вводя в пейзаж мифологические персонажи, олицетворяющие различные стихии, используя в них эпизоды библейских сказаний, Пуссен выражал идеи высшей необходимости или судьбы, как начала, регулирующего взаимоотношения человека и мироздания.

Классический пейзаж обрел новое содержание у Клода Желле, прозванного Лорреном (1600— 1682). Уроженец Лотарингии, он с детства попал в Италию, где в дальнейшем связал свою творческую жизнь с Римом. Вдохновляясь мотивами итальянской природы, Лоррен преобразует их в идеальные образы; однако он воспринимает величественную природу Римской Кампаньи более непосредственно, созерцательно, сквозь призму личных переживаний. Его пейзажи мечтательны и элегичны. Лоррен обогащает пейзажи множеством свежих наблюдений, тонко чувствует световоздушную среду, изменения природы в различные моменты дня: восхода или заката солнца, предрассветного тумана или сумерек.

К лучшим пейзажам относится цикл его картин в Государственном Эрмитаже: «Итальянский пейзаж» (1648), «Полдень» (1651), «Вечер» (1663), «Утро» (1666) и «Ночь» (1672). Свежестью и покоем веет от самой поэтической из них — «Утро». Изображая безграничные дали моря, открытые широкие просторы, Клод Лоррен помещал источник света в глубине картины, у горизонта, или высоко, как бы за пределами картины, оставляя среднюю часть картины свободной, объединяя ее отдельные элементы.

Впечатление широты пространства, движения вглубь достигается последовательным высветлением планов по мере их удаления, посредством тончайших оттенков и переходов от затененных силуэтов деревьев первого плана к пронизанным нежным светом далям. Мягкая живописная манера и гармоничный колорит усиливают чувство безмятежного покоя, которым полна природа. Лоррен включает в свои пейзажи эпизоды из легендарных сказаний. Но они не играют той важной роли, что у Пуссена. Впервые во французской живописи Лоррен изобразил французские гавани и ввел в них жанровые сцены из жизни рыбаков. Исполненные тушью рисунки Лоррена на римские сюжеты еще более романтичны и эмоциональны, чем его живописные работы. Создав классическую форму пейзажа, Лоррен оказал большое влияние на последующее развитие этого вида пейзажа во Франции и других странах Западной Европы.

 

 

БИЛЕТ 10

XVIII век в истории мысли не случайно называют эпохой Просвещения: научное знание, ранее бывшее достоянием узкого круга ученых, теперь начало распространяться вширь, выходя за пределы университетов и лабораторий в светские салоны Парижа и Лондона, становясь предметом обсуждения среди литераторов, популярно излагающих последние достижения науки и философии. Уверенность в мощи человеческого разума, в его безграничных возможностях, в прогрессе наук, создающем условия для экономического и социального благоденствия, - вот пафос эпохи Просвещения.

Эти умонастроения сформировались еще в XVII веке, были продолжены и углублены в XVIII столетии, которое осознавало себя как эпоху разума и света, возрождения свободы, рассвета наук и искусств, наступившую после более чем тысячелетней ночи средневековья. Однако есть здесь и новые акцепты. Во-первых, в XVIII веке значительно сильнее подчеркивается связь науки с практикой, ее общественная полезность. Во-вторых, критика, которую в эпоху Возрождения и в XVII веке философы и ученые направляли главным образом против схоластики, теперь обращена против метафизики. Вслед за Ньютоном в науке, а за Локком – в философии началась резкая критика метафизической системы, которую просветители обвиняли в приверженности к умозрительным конструкциям, в недостаточном внимании к опыту и эксперименту.

Наиболее обобщено и систематично механистическое мировоззрение материализма эпохи Просвещения выражено в работе Гольбаха П. «Система природы». Гольбах прямо заявляет, что мы можем объяснить физические и духовные явления, привычки с помощью чистого механицизма. В мире ничего не совершается без причины. Всякая причина производит некоторое следствие, не может быть следствия без причины. Следствие, раз возникнув, само становится причиной, порождая новые явления. Природа это необъятная цепь причин и следствий, беспрерывно возникающих друг из друга. Общее движение в природе порождает движение отдельных тел и частей тел, а последнее, в свою очередь, поддерживает движение целого. Так складывается закономерность мира.

Сенсуализм материалистов XVIII века не находится в противоречии с общей рационалистической установкой философии эпохи Просвещения. Сущность реальности, с их точки зрения, может быть познана только разумом. Чувственное непосредственное познание является лишь первым шагом на этом пути. Уму свойственно наблюдать, обобщать свои наблюдения и извлекать из них заключения – писал Гельвеций в своем трактате «Об уме».

Признание подобия мира и человеческой жизнедеятельности предопределяет и гносеологический оптимизм материализма XVIII века. Его представители убеждены в неограниченности познавательных возможностей человека. Не существует ничего, чего люди не могли бы понять – заявляет Гельвеций. Оптимизм Просвещения был исторически обусловлен тем, что он выражал умонастроение поднимающейся и крепнущей буржуазии. Не случайно родиной Просвещения стала Англия, раньше других вставшая на путь капиталистического развития.

В Англии философия Просвещения нашла свое выражение в творчестве Дж. Локка, Дж. Таланда, А. Коллинза, А. Э. Шефтсбери; завершают английское Просвещение философы шотландской школы Т. Рид, затем А. Смит и Д. Юм. Во Франции плеяда просветителей была представлена Ф. Вольтером, Ж. Ж. Руссо, Д. Дидро, Ж. Д'Аламбером, Э. Кондильяком, П. Гальбахом, Ж. Ламетри. В Германии носителями идей Просвещения стали Г. Лесслинг, М. Гердер, молодой Кант. Первой философской величиной среди плеяды английских просветителей был Дж. Локк (1632-1704), друг Ньютона, чья философия, по убеждению современников, стояла на тех же принципах, что и научная программа великого физика. Основное сочинение Локка «Опыт о человеческом разуме» одержало позитивную программу, воспринятую не только английскими, но и французскими просветителями.К неотчуждаемым правам человека, согласно Локку, принадлежат три основных права: на жизнь, свободу и собственность. Правовое равенство индивидов является необходимым следствием принятия трех неотчуждаемых прав. Как и большинство просветителей, Локк исходит из изолированных индивидов и их частных интересов; правопорядок должен обеспечить возможность получения выгоды каждым, с тем, чтобы при этом соблюдались также свобода и частный интерес всех остальных.

Из Англии идеи Ньютона и Локка были перенесены во Францию, где встретили восторженный прием. Благодаря прежде всего Вольтеру, а затем и другим французским просветителям философия Локка и механика Ньютона получают широкое распространение на континенте.

Человек в философии XVIII века предстает, с одной стороны, как отдельный, изолированный индивид, действующий в соответствии со своими частными интересами. С другой стороны, отменяя прежние, добуржуазные формы общности, философы XVIII века предлагают вместо них новую – юридическую всеобщность, перед лицом которой все индивиды равны. Во имя этой новой всеобщности просветители требуют освобождения от профессиональных, национальных и сословных границ. В этом отношении характерно творчество немецких просветителей, в частности Лессинга.

Одной из важнейших характеристик философии эпохи Просвещения является рационализм. В отношении учения Декарта термин рационализм употребляется для характеристики гносеологических и логинометодо логических установок. Рационализм трактуется как гносеологическое учение, утверждающее, что основным инструментом познания является разум, ощущения и опыт имеют в познании вторичное значение. В этом смысле рационализм противостоит сенсуализму и эмпиризму. Сенсуализм отдает решающее значение человеческим чувствам, ощущениям и восприятиям, а эмпиризм на первое место в познании выдвигает опыт.

Для него характерны возвеличивание человеческого индивида, как активного, свободного и равноправного существа, исторический оптимизм, вера в безграничные возможности человека в познании и преобразовании природы.

В этом смысле противоположным рационализму понятием является иррационализм. Иррационализм выдвигается на авансцену истории в период кризиса общественных структур. Представителям иррационализма в большей мере присуща пессимистическая оценка познавательных и деятельно-преобразовательных возможностей человека, отрицание исторического и социального прогресса, скептицизм и агностицизм. Об иррационализме речь пойдет при характеристике философии конца XIX середины XX веков. Для философии эпохи Просвещения, как уже отмечалось ранее, характерно умонастроение рационализма.

Тенденции развития искусства.

Искусство революционной поры, яркая страница художественной культуры, логически вписалось в художественный контекст Просвещения, с которым генетически связано основными своими идеями. В его эстетических потребностях и критериях полно и разносторонне отображены антифеодальный пафос Просвещения, его философские, социальные и моральные засады, своеобразное понимание «природного человека», природы, ума. На вере в общечеловеческое единство, общность кардинальных заданий, возможность быть «гражданином мира» основывалось искусство.

Вместе с тем просветительское движение неоднородное, в середине него кипели страсти, продолжалась борьба между разными течениями. Богоборство Вольтера, которое осуждал Галлер, было вполне осмыслено сравнительно с радикализмом Руссо, который в свою очередь отступал перед смелой позицией Мелье, Морелли, Мабли, Дюлорана. Своеобразный отклик эти процессы получили в просветительской эстетике: в спорах апологетов классицизма с его принципиальными противниками, Руссо – с энциклопедистами, Гердера – с Кантом. К тому же взгляды на искусство изменялись даже в пределах одной творческой биографии, как это случилось с Гетте и Шиллером, которые перешли с позиции «Бури и давления» на платформу веймарского классицизма.

Творческая индивидуальность большинства мастеров того времени складывалось в недрах барокко. Барочными были образы коллизии опер Генделя, его инструментальная музыка, но мощность фантазии, сила чувств, зримость образов в сочетании с эпической величиной и героическим оптимизмом зрелого этапа его творчества преодолели границы концепции барокко. Работая в Англии, немецкий органист и композитор оказался в той революционной атмосфере, героическое напряжение которой вдохновляло на поиск соответственных сюжетов. Их источником для Генделя стала Библия, сюжеты которой определили около тридцати его монументальных ораторий.

Барокко, драматический, контрастный, психологически-острый стиль, углубляет, развивает и перерабатывает Бах, изменяя тематику, трактовку форм, средства музыкального выражения. Он практически создает собственный стиль, не похожий на пышную, тяжелую манеру старых мастеров, возносится к вершинам искусства полифонии, наполняя свои множественные произведения гуманистическими идеями, живыми образами, жанровыми эпизодами. Апогеем творчества Баха становятся Евангельские легенды («Страсти по Иоанну», «Страсти по Матфею»), их образы избавляются от мистического ореола, приближаются к людям жизненностью своих страданий. В этих величественных трагедиях (написанных для трех хоров и двух органов) возродилась к новой жизни прекрасное наследие народа. В этой музыке слышалось все: и хождение Христа, который шел на смерть, и боль рыдающего Петра, и ненависть, страх и раскаяние толпы. Но все превышала, окрыляя человеческие души, красота духовного подвига.

В русле классицизма, что поднялся в революционную эпоху и имел огромные возможности идейных и художественных обобщений, развивалось творчество Моцарта, которая глубже отображала жизненные противоречия. Их основное содержание – человеческая драма, столкновение сильных характеров, раскрытие психологии борьбы ради утверждения гуманистического идеала. Моцарт всегда воспевает красоту жизни и наличие в трагическом видит поэзию, ища равновесие между верованиями пристрастий и гармонией мира.

Основой на котором позже всходят побеги Просвещения, было искусство рококо (франц. rococo, от rocaille – декор, мотив в виде черепашки), подчеркнут светский характер которого стал победоносным аргументом в борьбе с религиозным искусством. Более камерное и интимное, искреннее связанное с бытом человека, оно изменило барокко, совпало с чувством шаткости существования, тревоги за будущее, предсказанием тяжелых, грозных времен, желанием успеть взять все от жизни, которые охватили общество в первые десятилетия XVIII столетия.

Последующая природа этого своеобразного стиля проявилась в живописи Жана-Антуана Ватто, Франсуа Буше, Жанна-Оноре Фрагонара.

В поисках идеала человека, который отвечал бы новым реалиям эпохи, происходит активное обращение к таким понятиям, как духовная природа, совершенство, красота. В одну концепцию их объединил немецкий историк искусства Винкельман, яркий представитель эстетики Просвещения.

Изменение акцентов происходит в трагедии. Содержание, только формально сориентированный на авторитет Буало и художественные образцы Корнеля и Расина, под влиянием творчества Вольтера начинает разворачиватся не в идеализированном, а в реальном обществе, где составные – реальные личности. Истинно новаторской на кануне революции становится драма, которая делает своим героем простого человека, избавляя ее такой привычной для всех немоты.

Весь рационализм при построении философской теории исходит из установки о подобии и конечном совпадении результатов человеческой деятельности. Мир предстает в рационалистических системах законообразным, самоупорядоченным, самовоспроизводящимся.

Важную роль в философии нового времени играла идеология Просвещения, представленная в XVIII веке в Англии, прежде всего Локком, во Франции – плеядой материалистов: Вольтером, Дидро, Гольбахом и другими, а в Германии – Гердером, Лессингом. Критика религии, теологии и традиционной метафизики составляла основной пафос просветителей, идейно подготовивших Французскую буржуазную революцию.

 

 

11 вопрос

АМПИР (франц. empire — империя от лат. imperium— командование, власть) — художественный стиль, созданный во Франции в начале XIX в., в эпоху империи Наполеона Бонапарта. Хронологические рамки оригинального французского "Стиля Империи" ограничены очень небольшим отрезком времени: от конца правления Директории (1799) или года коронации Наполеона (1804) до реставрации династии Бурбонов (1815). Тем не менее, в столь короткий период

Классицизм, усиленный идеологией Просвещения и естественного интереса к античности, успевает переродиться в холодный, помпезный, напыщенный и искусственно насаждаемый властью стиль. Его основные элементы, почерпнутые из античного искусства, уже содержались в классицизме Людовика XVI

(Неоклассицизм) и были кристаллизованы в "стиле Директории". Однако Ампир коренным образом отличается от Классицизма. Мягкую и ясную гармонию стиля

Людовика XVI и демократическую строгость "стиля Директории" сменили парадное великолепие и театральный пафос "Стиля Империи". Наполеон стремился к блеску и ореолу славы римских императоров. Поэтому, если свободно возникший Классицизм в своих идеалах ориентировался на демократические Афины и греческую древность, то художникам французской империи было строго приказано брать за основу формы искусства Древнего

Рима. Это существенное различие часто опускают, когда говорят о преемственности стилей и об Ампире как о высшей стадии развития

Классицизма. Последнее утверждение равносильно признанию того, что искусство Рима — высшая стадия искусства Афин.

Ампир — стиль жесткий и холодный. П. Верле определил его как

"затвердевший стиль Людовика XVI" в. Курбатов также отмечал, что

"появление стиля Ампир не было переворотом в последовательном развитии французских стилей, а видоизменением все тех же классических элементов, которые были известны во Франции со времен Людовика XIV или даже Франциска

I". Но император Наполеон желал пышности и великолепия. и формы античной классики или французского классицизма здесь не совсем годились. В 1812г. вышло в свет сочинение придворных архитекторов Наполеона Ш. Персье я П.

Фонтена "Собрание эскизов для украшения интерьера и всех видов обстановки", ставшее "Библией нового стиля". В 1786-1792 гг. Персье и Фонтен работали в

Италии, и хотя они подчеркивали "возможность использования самых разных стилей всех времен и народов", что уже было, по своей сути, декларацией эклектики, все же на первом месте для них был "величественный стиль римлян". В следовании этому стилю придворные художники Наполеона доходили до абсурда в своей театральности. Так, спальня императрицы Жозефины во дворце Маль-мезон была превращена в некое подобие походной палатки римского полководца, а одетые в "римские туники" женщины мерзли от зимнего холода в плохо отапливаемых парижских салонах и в заснеженном Петербурге, во всем подражавшем французской столице. Поистине, говоря словами самого Наполеона,

"от великого до смешного один шаг".

Декоративные мотивы стиля Ампир состоят в основном из элементов древнеримского военного снаряжения: легионерских знаков с орлами, связок копий, щитов, пучков стрел, дикторских топоров. Наряду с римскими можно заметить и мотивы египетского искусства. Это объясняется тем, что еще в эпоху поздней римской империи вместе с древними культами Исиды и Гора элементы орнаментики и скульптура Древнего Египта проникали в Рим. После

Египетского похода Наполеона (1798-1799) в искусстве французского Ампира египетские мотивы получили еще более широкое распространение. Однако это не перешло в эклектику, поскольку формы искусства империи египетских фараонов, римских императоров и французского диктатора, имея аналогичную идеологию, взаимодействовали целостно и органично.

Существуют и иные отличия Ампира от Классицизма. Если в Классицизме объемная форма и декор связаны пластично и не имеют четких границ, то в

Ампире композиция строится как правило на сильном контрасте чистого поля поверхности стены, мебели, сосуда и узких орнаментальных поясов в строго отведенных местах, подчеркивающих конструктивные членения формы. Для

Классицизма характерны мягкие, приглушенные цвета, для Ампира яркие — красный, синий, белый с золотом.

Примечательно, что ведущая роль в формировании нового стиля принадлежала не архитектору, а живописцу Ж.-Д. Дмиду. Еще накануне революции этот художник в своих картинах прославлял героические эпизоды из истории Древнего Рима: "Клятва Горациев" (1784), "Врут" (1789). Для работы над этими картинами Давид заказал Ж. Жакобу мебель по рисункам, сделанным им с этрусских, как их тогда называли, ваз. Слава художника превратила его в придворного живописца, и он прославлял военные подвиги Наполеона так же, как до того — великих римлян. Давид разрабатывал эскизы мебели, деталей оформления интерьера, диктовал моду в одежде. В 1800г. Давид написал портрет знаменитой парижской красавицы мадам Рекамье в античной тунике и на кушетке с плавно изогнутым изголовьем, наподобие античных, выполненной Ж.

Жакобом. В 1802г. похожий портрет на такой же кушетке написал Ф. Жерар (см. рекамье). Большое значение в оформлении интерьера в стиле Ампир играли светильники и бронзовые детали мебели. Непревзойденным мастером в этой области был П.-Ф. Томир. Стиль Ампир, в сущности, парадоксален. Несмотря на свою нормативность, жесткую регламентированность, как бы исключающую свободу творческой личности художника, его субъективных переживаний, Ампир начала XIX в. является продолжением художественного Романтизма, начинавшегося еще в середине предыдущего столетия. Неоготика в Англии,

Рококо, а затем Неоклассицизм во Франции составляли начало романтического движения. Ампир его продолжил, прежде всего, в обращении к экзотике

Древнего Рима и Египта. Вместе с тем, с формальной стороны, Ампир антиромантичен и эволюция художественных стилей от Рококо через

Неоклассицизм к французскому Ампиру слишком напоминает, как бы в обратном порядке, развитие, которое происходило в XVI столетии от Классицизма

Возрождения к Маньеризму и Барокко. В дальнейшем "классичность" Ампира снова была подвергнута отрицанию в период Историзма и неостилей.

Характерна еще одна особенность Ампира. Присущая ему регламентированность почти полностью исключила возникновение местных национальных школ. Ампир по своей сути космополитичен, но не интернационален, как, к примеру, Готика, Л откровенно враждебен к народным традициям. Как выражение имперских притязаний Наполеона на мировое господство, ОН насильственно насаждался на чуждую ему почву завоеванных стран. Примечательно. что ни одна из побежденных Наполеоном стран по существу не приняла этого стиля и только единственная страна-победительница

Россия добровольно экспортировала "стиль империи". На это были свои, внутренние причины — Россия также становилась могущественной империей, но еще до исхода Отечественной войны столичная аристократия принялась подражать наполеоновскому Ампиру, как бы добровольно капитулируя перед узурпатором. Настолько был силен гипноз французской моды.

В Европе, таким образом, было две разновидности Ампира: французский и русский. "Русский ампир" был несколько мягче французского. Он также делился на две ветви: столичную и провинциальную. Олицетворением столичного, "петербургского ампира" был К. Росси, он и смягчил своим итальянско-русским вкусом жесткость наполеоновского стиля. Провинциальный

"московский ампир" и стиль подмосковных дворянских усадеб отличался еще большим своеобразием. Поэтому термины "русский ампир" или "московский ампир" можно принять только иносказательно. В Англии стиль Ампир также не получил широкого распространения. "Английским ампиром" иногда условно называют "стиль Георга IV" (1820-1830), наступивший после английского

"стиля регентства", или "ридженси" (см. георгианский стиль; Регентства стиль в Англии). Таким образом, терминологическая строгость обязывает назвать Ампиром только художественный стиль французского искусства начала

XIX века.

Для архитектуры ампира характерны монументальность, геометрическая правильность объемов и целостность (триумфальные арки, колонны, дворцы).

Парадные дворцовые интерьеры богато украшались живописными панно, навеянными помпеянскими росписями, рельефами, напоминающими египетских сфинксов, вазами, мебелью и бронзой античного типа

В России ампир прославлял государственное могущество, выражал патриотические чувства. На первый план вышло строительство крупных общественных зданий. Усилилась тяга к торжественной парадности, подчёркнутой монументальности архитектурных решений. Высшего уровня достигло взаимодействие зодчества с монументальной скульптурой, раскрывавшей и конкретизировавшей идейно-образное содержание сооружений.

Сооружение раскрыто к Невскому пр., организует прилегающие площади, сквозь боковые части его колоннад проходят проезды. В архитектурную композицию органично включена скульптура работы И.П.Мартоса,