Мясоедов, савицкий, Максимов

Одним из типичных представителей жанровой живописи 70-х годов был Г.Г. Мясоедов (1835-1911). Лучшим его произведением является картина «Земство обедает» (1872). В ней он показал лицемерный, антинародный характер «крестьянской» реформы, отнюдь не уничтожившей сословных перегородок, делящих общество на господ и мужиков.

Другую особенность жанровой живописи семидесятников Стасов определял как ее «хоровой» характер. И действительно, в жанровых картинах передвижников отсутствует индивидуальный герой, замененный героем коллективным. Эта особенность жанровой живописи передвижников связана с их стремлением обратить внимание на положение угнетенной народной массы.

«Хоровое» начала жанровой живописи передвижников выступает с особой ясностью в творчестве К.А. Савицкого (1844-1905). Героем его картины «Встреча иконы» является всё - от мала до велика - население небольшой деревни. Оно высыпало навстречу чудотворной иконе, ожидая от нее избавления от тягот своей жизни. Картина Савицкого замечательна правдивостью отражения настроений русского крестьянства того времени, которое в своей подавляющей массе «плакало и молилось» и не знало иного пути к облегчению своей участи.

Классиком крестьянского передвижнического жанра был В.М. Максимов (1844-1911). Максимов сам происходил из крестьян и по окончании академии вернулся в деревню, чтобы отдать свой талант воспроизведению ее жизни. Слава Максимова началась с появления его картины «Приход колдуна на крестьянскую свадьбу» (1875). В этом произведении он стремился раскрыть поэзию крестьянской жизни, связывая эту поэзию с патриархальным укладом. Этнографическая экзотика крестьянского быта, выдвинутая здесь на первый план, несколько заглушила внутреннюю душевную тему картины. В дальнейшем Максимов преодолел увлечение этнографией и перенес свое внимание в сферу внутренней жизни крестьянства («Больной муж»).

ЯРОШЕНКО

В середине 70-х годов в ряды передвижников вступил Н.А. Ярошенко (1846-1898), начавший свой жизненный путь в качестве военного инженера на петербургском патронном заводе. Это позволило художнику наблюдать жизнь индустриального предприятия. Ярошенко узами личной дружбы был связан с кругами народнической интеллигенции. Став первым художником, обратившимся к пролетарской теме, он в своей картине «Кочегар» (1878) изобразил старого героя передвижничества-крестьянина, попавшего в город, на фабрику.

Наибольшей художественной высоты Ярошенко достиг в портрете великой русской актрисы П.А. Стрепетовой (1884). Трагическое дарование Стрепетовой раскрылось ярче всего в исполнении женских ролей русского репертуара. Но в Стрепетовой Ярошенко мы видим не замечательную исполнительницу роли Катерины из «Грозы» Островского, но как бы саму Катерину с ее страстной душой и внутренней мукой.

Существует распространенное мнение о передвижничестве как искусстве, пренебрегающем красотой и поэзией, целями самого искусства ради целей общественной борьбы. Справедливо в этом лишь то, что передвижники не отделяли в себе художников от граждан своего времени и видели цели искусства в служении интересам общества. Критерием красоты и поэзии искусства являлся для них критерий истины. Поиски истины, как истины о человеке, поиски человеческого в мире своекорыстия - это и было в передвижничестве поисками поэзии и красоты. Передвижники отрицали лжепоэзию и лжекрасоту современного им академического искусства. Но справедливо также и то, что художники 70-х годов смотрели на мир с позиции обездоленного крестьянства, разочарованного результатами реформы, глазами народническими. Отсюда - мир в их воспроизведении выступал в окраске пессимистического чувства, или, как говорил Крамской, их мысль устремлялась «все в сторону мрака, печали и всяческих отрицаний». Отсюда — с палитры передвижнической живописи исчезли все светлые, радостные краски, исчезла поэзия как «улыбка природы навстречу солнечному лучу» (Белинский), а поэзия искусства 60-х годов, поэзия светлого чувства заменилась поэзией безысходной печали. Но последнее относится по преимуществу к жанровой живописи семидесятников. В образах передвижнического портрета выразилась человеческая непримиренность с существующей действительностью, непрекращающаяся работа человеческой мысли в поисках выхода из кричащих противоречий жизни.

ПЕЙЗАЖНАЯ ЖИВОПИСЬ

1870-е годы, став в истории русского реализма временен нового расцвета портретного искусства, ознаменовались и новым расцветом пейзажной живописи.

В дореформенном русском искусстве пейзажная живопись развивалась под знаком романтизма. В романтическом искусстве мир природы противопоставлялся, миру цивилизации. Скучной прозе мира, основанного на трезвом расчете, романтические художники противопоставляли стихийную жизнь природы, игру ее необузданных сил. Не случайно их особенно привлекала морская стихия.

АЙВАЗОВСКИЙ

Как романтический поэт моря начал свой путь знаменитей И.К. Айвазовский (1817-1900). Лучшей его картиной позднего периода является «Черное море» (1881). Но поэзия моря в этой картине Айвазовского - это уже не поэзия разбушевавшейся воды, вздымающейся бешеными волнами, сокрушающей корабли и несущей в неверном Свете луны обломки мачт со спасающимися на них людьми.

Это море - величественное в своей свободе и ритмическим колыханием волн, говорящее не о порывах налетевшей на него бури, но о вечном и могучем движении, идущем из его собственной пучины. Дух времени нашел свое выражение в этой картине, в стремлении отойти от романтических эффектов, в стремлении к новому, реалистическому пониманию поэзии природы.

Выше мы отмечали как характерную черту передвижничества его преимущественный интерес к внутреннему миру человека, его психологизм. Но в передвижничестве существовала и другая тенденция, тенденция к беспристрастному отражению действительности, что некоторыми его представителями рассматривалось как объективность. Эта тенденция имела своим источником тот пиэтет перед положительными науками, который принес с собой XIX век, век технического прогресса.

ШИШКИН

 

Отсюда даже в пейзажной живописи этого времени возникло какое-то «потребительское» отношение к природе, взгляд на нее как на источник ресурсов общественного благоденствия. Таким именно и являлся взгляд на природу И.И. Шишкина (1832-1898). Выступая художником русских лесов и полей, он видел в лесах «корабельные рощи», в полях - урожаи «сам-сто». Он понимал пейзажную живопись как чистое природоведение, и в этом был полной противоположностью пейзажистам-романтикам.

Но чисто природоведческие стремления Шишкина в его лучших картинах побеждались поэтическим ощущением размаха русской природы, высоты русского неба, дальности горизонтов земли, сумрака чащ непроходимых прикамских лесов. К этим лучшим картинам Шишкина принадлежат представленные в альбоме «Полдень. В окрестностях Москвы» (1869) и «В лесу графини Мордвиновой» (1891).

Значение Шишкина в истории русской пейзажной живописи исключительно велико, ибо именно он освободил ее от романтической риторики и открыл для нее ту дорогу, по которой пошел в дальнейшем Левитан.

Близким к Шишкину в своем восприятии русской земли был художник М.К. Клодт (1832-1902), автор известной картины «На пашне» (1872).

ВАСИЛЬЕВ

Среди предшественников Левитана должен быть назван Ф.А. Васильев (1850-1873). Ученик Шишкина, он напоминает своего учителя внимательным отношением к формам живой природы. Но в отличие от своего учителя Васильев искал поэтическое в природе. Пейзажные образы Васильева - это образы, запечатленные в его душе. Он видел их настолько ясно, что мог создавать свои картины по памяти. Принужденный из-за болезни жить в Ялте, он хранил в своей памяти образы русской природы. Вдали от нее он создал одну из лучших своих картин «Мокрый луг». Поэзия этой картины - поэзия жизни природы, как вечно непрекращающегося в ней дыхания этой жизни.

«Эта от первого плана убегающая тень, этот ветерок, побежавший по воде, эти деревца, еще поливавшиеся последними каплями дождя, это русло, начинающее зарастать, наконец, небо, то есть тучи, туда уходящие со всею массою воды, весенняя зелень, яркая, одноцветная, невозможная, варварская для задачи художника...» - так писал Крамской о своем впечатлении от «Мокрого луга».

САВРАСОВ

Равным Шишкину по своему значению в истерии русской пейзажной живописи был А.К. Саврасов (1837-1884).Он начал свой творческий путь еще в 50-е годы, но свое лучшее произведение «Грачи прилетели» написал в 1871году. Именно эта картина стяжала ему славу поэта русской природы и родоначальника русского лирического пейзажа.

Саврасову было присуще стремление приблизить природу к человеческому миру. В картине «Грачи прилетели» мир природы и мир человеческой жизни слиты в неразделимое целое. Строения и заборы деревенской окраины, шатер белой церкви входят в пейзажный образ картины Саврасова на равных правах с березами, снегом, весенним светом, грачами, полевыми далями.

Ни в одной из картин Саврасова мы не встретимся с человеком. Но в каждой из них мы встретимся с Саврасовым. Ибо каждая картина Саврасова родилась из его души, и его душа живет в каждом из созданных им пейзажных образов.

Появление саврасовских «Грачей» было, воспринято в свое время как открытие русской природы, в особенности ее поэтического обаяния. Секрет картины Саврасова состоял в том, что он ответил своими «Грачами» ощущению поэтического, свойственного русскому искусству этого времени в целом, его ощущению как внутренней, затаенной жизни, скрытой за будничной прозаичностью вещей и явлений. «Мне не нужно ни богатой природы, ни великолепной композиции, ни эффектного освещения, никаких чудес... дайте мне хотя лужу грязную, да чтобы в ней правда была, поэзия, а поэзия во всем может быть, это дело художника». Так, в словах основателя Третьяковской галереи был сформулирован символ поэтической веры русского реализма пореформенной, разночинной эпохи. В дальнейшем в русской пейзажной живописи наметилось сближение объективной шишкинской и лирической саврасовской линии.

ПОЛЕНОВ

Этапным произведением на этом пути явилась картина В.Д. Поленова (1844-1927) «Московский дворик» (1878).Эта картина Поленова написана с мыслью о том, что «поэзия может быть повсюду».

Продолжая Саврасова в стремлении слить воедино мир человека и мир природы, Поленов отнюдь не случайно «забрел» в московский дворик. В Москве, в ее укромных переулках еще продолжали существовать дворики, поросшие зеленой травой, с колодцами, с перевешивающимися через заборы деревьями соседнего сада, дворики, в которых привольно себя чувствовали дети и куры. Посреди сутолоки большого города художник нашел островок живой природы.

Поэзия «Московского дворика» - это поэзия сияющего солнечного дня, поэзия света. «Московский дворик» Поленова был одним из первых шагов русского реализма 2-й половины XIX века «навстречу солнечному лучу».

ВЕРЕЩАГИН

Характеристика русского искусства 70-х годов была бы далеко полной без упоминания о творчестве В.В. Верещагина (1842-1904). Он был одним из немногих значительных художников втор половины XIX века, не вошедших в Товарищество передвижных художественных выставок.

Верещагин был страстным поборником реализма. Но он признав реализмом лишь такое отражение жизни, при котором не играл в какой роли субъективный фактор, то есть «симпатии и аппарат человека, осевшие в глубине его сердца под влиянием жизненных впечатлений и опыта» (Крамской).

Не допуская возможности проявления в искусстве своего отношения к фактам, полагая, что это явится нарушением объективное в их изображении, Верещагин одновременно не считал реализмом искусство, лишенное идейного содержания. И поскольку самые идеи мыслились им существующими вне фактов, как продукт человеческого разума, то возможность выражения их в искусстве представлялась Верещагину лишь как их иллюстрирование фактами. Верещагин, воспитывавшийся в морском кадетском, корпусе, во время учебных плаваний познакомился с жизнью европейских стран и имел возможность сопоставить эту жизнь с положением в России. Он увидел высокий уровень развития европейской цивилизации, основанной на достижениях положительных наук. Причиной всех зол русской жизни Верещагин считал ее технико-экономическую отсталость. В этом выводе Верещагин был укреплен чтением сочинения английского социолога Бокля «История цивилизации в Англии». Под влиянием Бокля у Верещагина явилась идея, что отсталость России является следствием ее долгого пребывания под татарским игом и влияния азиатской цивилизации. Это было одно из причин, по которой у Верещагина вспыхнул горячий интерес к Азии, превратившей художника в ее исследователя. Тема Азии, азиатской цивилизации стала одной из главных тем искусства Верещагина. Но Верещагин стяжал себе славу художника-баталиста, впервые выступившего в батальной живописи в роли разоблачителя войны как пережитка средневекового варварства в современной цивилизации.

Первоначально тема Азии и тема войны выступали в искусстве Верещагина тесно переплетенными.

На основании зарисовок и этюдов, сделанных в Туркестане во время военных действий русских войск, он создал впоследствии серию «Варвары», в которой трактовал войну как одно из страшнейших проявлений азиатского варварства. Картина «Апофеоз войны» (1879) завершает эту серию. Она изображает пирамиду человеческих черепов, которые, по преданию, сооружал знаменитый азиатский завоеватель Тимур в память о своих набегах. В годы, когда Верещагин завершил свою работу над серией «Варвары», в самом центре Европы разразилась франко-прусская война. Верещагину представился случай убедиться в том, что «варварская жестокость» достаточно прочно связана и с европейской цивилизацией. Поэтому, дабы придать картине значение более широкое, чем разоблачение варварства древнего азиатского завоевателя, Верещагин поместил на раме картины надпись: «Посвящается всем великим завоевателям, прошедшим, настоящим и будущим».

В «Апофеозе войны» изображенная художником огромная груда черепов послужила символом для обозначения общей идеи. В данном случае - идеи войны.

Одна из лучших картин Верещагина на тему Азии - «Двери Тимура». Эта картина была в свое время высоко оценена Крамским, писавшим, что она дает лучшее представление о неподвижной восточной цивилизации, чем многие, написанные об этом книги.

Е ГОДЫ

Начало 1880-х годов внесло серьезные перемены в жизнь русского искусства. Ситуация, сложившаяся в русской жизни, если не повторяла в точности ситуацию, которая сложилась в странах Европы после революции 1848 года, то была к ней в некоторых отношениях близка. Близость эта состояла в том, что теперь и в России умирала революционность буржуазной демократии, превращаясь в буржуазный либерализм, а социалистическая демократия переживала «утробный период» своего развития.

Крах народничества и наступление победоносцевской реакции поставило русское искусство перед новыми вопросами, требуя от него пересмотра некоторых из своих старых позиций. Если передвижничество 70-х годов в поисках положительного идеала сосредоточило свое внимание на человеке, печалящемся о народе, то в 80-е годы оно перенесло свое внимание на самый народ.

80-е годы стали временем расцвета таланта И.Е. Репина (1844-1930), художника, еще в 70-е годы начавшего в русской живописи тему силы и мощи народа.

Первым самостоятельным произведением Репина, написанным еще до окончания Академии, явилась картина «Бурлаки на Волге» (1872). Вначале картина эта была задумана Репиным в духе обличительного искусства 60-х годов. Но в процессе наблюдения и изучения жизни бурлаков он увидел, что при всей беспримерной тяжести их труда бурлаки представляют собой не просто страдающих людей, но людей, обладающих мужественной силой, разнообразием характеров, яркостью типов. И поставленная Репиным задача из обличительной превратилась в задачу утверждения духовной и физической мощи народа.

Собранию Третьяковской галереи принадлежит вариант репинской картины - «Бурлаки, идущие вброд». (1872). В 1878 году, на VI передвижной выставке появился знаменитый репинский «Протодиакон» (1877).

Несмотря на совершенно иную тему, это произведение Репина близко «Кочегару». «Протодиакон» - тоже портрет-тип. Но типизация образа решалась Ярошенко путем отвлечения от индивидуальности его модели. Репин же стремился раскрыть социально-типическое в его проявлении в ярко-индивидуальном. Отсюда гораздо большая сила жизненной убедительности и полновесность образа протодиакона, по сравнению с образом «Кочегара».

Любопытство к жизни, во всем ее многообразии, было всегда присуще Репину. Репин называл сам себя «человеком 60-х годов». Чувство своей принадлежности к этому времени сказывалось в творчестве Репина стремлением к обличительству. Но сила искусства Репина состояла в объективности его реализма, в жизненной убедительности его образов.

Огромное впечатление произвела на Репина казнь народовольцев. Он отозвался на это событие рядом своих произведений, непосредственно посвященных теме революционного движения. Но главное воздействие этого события на Репина сказалось в возникшей у него потребности ответить на вопрос, который мучил Крамского и который он поставил и перед Репиным, в одном из обращенных к нему писем: «Мы находимся в полных потемках: что мы делаем? Нужно ли это кому-нибудь: наконец, так ли мы делаем, как желает русский человек?»

Вопрос о том, чего желает сам русский человек, ради которого совершили свой подвиг герои «Народной воли», встал перед Репиным, когда он увидел, как эти герои были одиноки среди народа, как они были не поняты народом.

«КРЕСТНЫЙ ХОД
В КУРСКОЙ ГУБЕРНИИ»

Картина Репина «Крестный ход в Курской губернии» (1880-1883) также явилась своеобразным откликом на события 1881 года.

В этой картине нет индивидуального героя. В ней тоже действует «хор». Но «хор» здесь обнимает собою все сословия пореформенной России. Картина эта живописует русское «общество», вполне удовлетворенное своим существованием и представляющее собою самодовольное царство российской обывательщины. Его спокойствие поставлено под надежную охрану полицейских урядников. Нужно ли кому-нибудь в этом царстве то, что делали художники-передвижники? И не следует ли русскому художнику капитулировать перед царством обывательской пошлости, перестать вмешиваться в его жизнь, предоставив ее своему течению? Может быть, русский художник и свернул бы на эту дорогу в эпоху «безвременья», если бы он не видел, что народ состоит не из одних самодовольных обывателей. Если бы он забыл о другой части русского народа, продолжающей испытывать горе и нужду, вынужденной нищенствовать и скитаться по большим дорогам. Эта нищая, крестьянская Россия составляла постоянный предмет передвижнической жанровой живописи 70-х годов. Мы ее уже видели в картине Савицкого «Встреча иконы».

Нищие странницы на картине Репина участвуют в движении крестного хода более по привычке, чем в порыве религиозного чувства. Этим чувством охвачен только один человек во всей картине - особо обиженный судьбой, калека-горбун. Он вырвался на своем костыле из толпы, устремленный всем своим существом к чудотворной иконе. Этюд «Голова горбуна» (1881), написанный для картины «Крестный ход в Курской губернии», входит в число шедевров репинского искусства.

В этом этюде вполне сказалась объективность Репина. «Голова горбуна» не несет на себе отпечатка того сокрушенного чувства, с которым изображала обездоленных передвижническая живопись 70-х годов. «Горбун» интересовал Репина сам по себе. Ему было важно проникнуть в его душевный мир.

Картина Репина «Крестный ход в Курской губернии» пронизана солнечным светом. Толпа движется по дороге, окруженная маревом знойного воздуха, насыщенного пылью. В огромной массе людей художник видел каждого человека. Двинувшись «к свету, воздуху, краскам», Репин не потерял интереса к жизни людей, и она никогда не исчезала из его поля зрения.

Репиным была создана огромная галерея портретов, охватывающая все слои русского общества, начиная с мужиков и кончая сановниками. Но главным в портретном искусстве Репина оставалась тема передвижнического портрета 70-х годов - «люди, дорогие нации».

Портреты Репина поражают прежде всего их несходством друг с другом, богатством и разнообразием характеристик. К числу лучших портретов Репина принадлежат «Портрет писателя А.Ф. Писемского» (1880) и «Портрет композитора М.П. Мусоргского» (1881).

Эти два портрета контрастны друг другу: один представляет человека желчного, саркастического, а другой - человека детски чистой и богатырски широкой души. Портреты противоположны друг другу и в своем колорите. Репин не только не считал цвет посторонним задаче психологической выразительности, но считал его могущественным средством ее решения.

Уже в «Протодиаконе» его жаркий колорит связан с внутренним содержанием образа. В еще большей степени «психологичность» репинского цвета можно почувствовать в светлой цветовой гамме портрета Мусоргского.

Картина Репина «Отдых» (1882) изображает жену художника В.А. Репину. Это один из наиболее поэтических образов репинского искусства, удивительный для его времени своей гармоничностью.

«НЕ ЖДАЛИ»

«Не ждали» (1884) - произведение Репина, связанное с главным вопросом, ставшим перед русским искусством в годы «безвременья» - о дальнейшей судьбе русского революционного движения. Картина изображает сцену возвращения из ссылки революционера-народника в свой родной дом, в круг своей семьи. По тому, какой неожиданностью оказалось его возвращение, можно думать, что он отсутствовал очень долго.

Для чего он вернулся? Для того ли, чтобы продолжать революционную борьбу или для того, чтобы, изверившись в ней, примириться с существующим общественным строем и стать обывателем? Репин несколько раз переписывал лицо вошедшего, очевидно, сам колеблясь в ответе на этот вопрос. Но в конце концов он придал ему выражение вопросительного ожидания. Ему не ясно - найдется ли для него место в том мире, куда он вернулся после долгих лет отсутствия.

Сам этот мир предстал перед ним как мир, продолжавший жить своей привычной жизнью все годы, пока он находился в ссылке. Его самоотверженный подвиг не принес в этот мир значительных перемен. И только портреты Шевченко и Некрасова на стене и между ними гравюра с картины Штейнбена «Голгофа» напоминают о некогда пережитом им высоком стремлении пожертвовать собой в борьбе за новые идеи.

Репин искал в современной ему жизни ответа на волнующие его вопросы, о тех силах, которые смогут избавить Россию от неисчислимых бедствий. Другой великий живописец В.И. Суриков (1848-1916) искал эти ответы в историческом прошлом.

СУРИКОВ

 

Обращаясь к истории, Суриков прежде всего стремился найти в ней ответ на вопрос, который так остро встал перед русской общественной мыслью того времени - вопрос о роли личности и народных масс в истории.

Суриков происходил из старинного казацкого рода и до 20 лет прожил в Сибири. Сибирь никогда не знала крепостного права, и это наложило свой отпечаток на характер сибиряков - мужественный, стойкий, самобытный. Именно Сибирь сформировала представление Сурикова о русском народном характере.

В Сибири XIX века Суриков наблюдал бытовой уклад русской жизни, сохранившийся с XVII века. Но не сибирские впечатления сами по себе сделали его историческим живописцем. Чувство истории пробудилось в Сурикове при столкновении его сибирских наблюдений с впечатлениями от Петербурга. Он как бы пережил поступательное движение истории, приехав из Красноярска в Петербург. В новом укладе русской жизни он увидел работу прогрессивных сил истории, выведших Россию из состояния патриархальной замкнутости и включивших ее в процесс мирового исторического развития.

Столкновение в эпоху петровских преобразований старой Руси и новой России и стало одной из главных тем исторической живописи Сурикова. Первой значительной картиной Сурикова было «Утро стрелецкой казни» (1881). Действие картины происходит на Красной площади в Москве. Красная площадь, Кремль, собор Василия Блаженного, Лобное место, стрельцы, приведенные сюда для казни, воплощают прошлое России. Петр I и его преображенцы - ее будущее.

Стрельцы в картине Сурикова - носители лучших черт русского народного характера. Это красивые, яркие, мужественные, сильные духом люди. В то же время стрельцы - это необузданная слепая стихия бунта и мятежа. В образе рыжебородого стрельца эта стихия особенно отчетливо противостоит Петру. Сила Петра, превосходящая силу стрельцов, - это сила самой истории, сила исторического прогресса. История раскрывается в этой первой картине Сурикова в ее трагическом аспекте: поступательное движение ее осуществляется путем мучительной ломки устоев народной жизни, на костях и крови народа.

Суриков отодвинул в сторону фигуру Петра, преображенцев, виселицу и кремлевскую стену и разместил на первом плане стрельцов и рядом с ними их матерей, жен и детей. Все свое внимание он уделил характеристике людей из народа, заставил в них зазвучать не тему покорного смирения, а тему непримиримой ненависти. Он соединил образ стрелецкой толпы с образом храма Василия Блаженного, в своей русской красоте говорящего о красоте русского народного характера.

По-другому трагический ход истории отражен в следующей знаменитой картине Сурикова «Меншиков в Березове» (1883). В далекой, холодной Сибири, в тесной избе в Березове заканчивает свои дни один из сподвижников Петра - Меншиков, сосланный сюда после смерти царя.

Центральный образ картины - образ самого Меншикова. Это одни из «птенцов гнезда Петрова», силой своих способностей и воли поднявшийся к вершинам власти и богатства. Могучий характер Меншикова родствен тем великим трагическим характерам, которые предстают перед нами в хрониках Шекспира.

«БОЯРЫНЯ МОРОЗОВА»

Сюжетом для следующей картины Сурикова «Боярыня Морозова» (1887) послужило событие, связанное с религиозным движением раскольников в России в середине XVII века. Одну из главных представительниц раскола - боярыню Федосью Морозову с позором провозят по Москве в место ее заточения, подмосковный монастырь, где она, как гласит предание, погибла голодной смертью, так и не приняв новой веры.

Интересен этюд головы боярыни Морозовой, который сам по себе является жемчужиной в творчестве Сурикова. Образ Морозовой более экспрессивен на нем, чем на картине. Желая найти правильное соотношение образа героя и толпы, Суриков смягчил эту экспрессивность в картине.

Какие же чувства вызывает Морозова в толпе? Сидящий прямо на снегу юродивый и старуха нищая видят в ней защитницу правого дела и, словно эхо, повторяют жест боярыни. Позади них - большая группа горожан. Их лица говорят о сочувствии Морозовой. Но оно выражается не столь решительно и последовательно, как у юродивого и нищей старухи. Это группа соболезнующих свидетелей. Дальше видны в толпе люди, лица которых выражают просто испуг, равнодушное любопытство и, наконец, недоброжелательство. Враждебность к боярыне достигает своего наиболее сильного выражения в фигуре издевательски смеющегося священнослужителя. Так, в столкновении страстей, в напряжении острейшего конфликта показывает Суриков народную массу.

ВАСНЕЦОВ

Третьим большим художником, утверждавшим мысль о мощи и величии русского народа, о его богатырских силах, был В.М. Васнецов (1848-1926). Он опирался в своем творчестве на произведения народного искусства - на легенды, предания, сказки, на народное декоративное искусство. В искусстве Васнецова есть элементы стилизации. Но в лучших своих вещах он достиг большого художественного мастерства, создал произведения, отмеченные целостностью образа.

Удивительны сочетанием сказочности и живых наблюдений декорации и костюмы Васнецова к опере «Снегурочка» в постановке Мамонтовской частной оперы. Сам сюжет оперы подсказывал Васнецову обращение к формам народного зодчества и народного ремесла. Такова «Свобода берендеев», воспроизводящая деревянную русскую архитектуру на фоне северорусской природы со светлыми красками ее земли и неба.

Работа над иллюстрациями к «Песне о купце Калашникове» Лермонтова привела Васнецова к образу Грозного и побудила создать картину «Царь Иван Васильевич Грозный» (1897). Царь Иван выступает в картине Васнецова как образ мрачный, но полный силы и величия, чуждый того внутреннего раздвоения, которое является главным содержанием этого образа в творчестве Антокольского и других русских художников. Грозный каратель, вершитель суда над изменой - вот каким мы видим здесь Ивана IV. Создавая этот образ, Васнецов опирался на народные песни о грозном царе, где он выступает как фигура героическая и поэтическая. Центральным произведением Васнецова является картина «Богатыри» (1881-1898). Илья Муромец - воплощение силы и мощи, Добрыня Никитич - отваги и прямоты и Алеша Попович - народной смекалки, ума и лукавства. Васнецов увидел в трех богатырях образы, в которых сам народ обобщил наиболее существенные стороны своего характера. Былинный сюжет использован им для того, чтобы подытожить и свои собственные наблюдения над русским народным характером.

Пейзаж, составляющий фон картины, - это любовно и правдиво изображенная природа средней полосы России.

В 80-е и 90-е годы в рядах передвижничества работали и художники, которые в той или иной степени капитулировали перед безвременьем.

Н. ГЕ

В творчестве Н.Н. Ге, одного из инициаторов организации Товарищества передвижных художественных выставок и старейшего среди передвижников по возрасту художника, эта капитуляция выступила в форме краха нравственного идеала, связанного с христианской религией.

Об этом свидетельствует представленная в альбоме картина «Голгофа» (1892). В час ожидания смерти Христос, изображенный на картине Ге, переживает страшные душевные страдания. Их источником является не страх смерти и не предчувствие ужасных физических мук, но осознание своего бессилия перед человеческой злобой, сознание того, что его проповедь и его жертва были напрасны. Ге долгое время находился под влиянием толстовских идей. В картине «Голгофа» отразилась несостоятельность толстовской проповеди. В повышенной экспрессивности «Голгофы» не случайно улавливаются те художественные тенденции, которые получили свое развитие в русском искусстве начала XX века.

В. МАКОВСКИЙ

В творчестве некоторых передвижников в эпоху безвременья проявилось стремление к примирению с существующей действительностью. Эта тенденция была отражением жизненной позиции того обширного слоя так называемых «маленьких людей», которых более точно обозначают словом «обыватель». Эти «маленькие люди» часто выступали в качестве героев искусства В.Е. Маковского (1846-1920). Изображая жизнь обывателя, погруженного в свои маленькие заботы, Маковский пытался найти в этой жизни некое поэтическое начало.

Но Маковский был неизмеримо талантливее других художников этого типа. Ему свойственна была зоркая наблюдательность, умение подметить новое в жизни. В этом смысле наиболее показательна его картина «На бульваре» (1887). Один из ее персонажей - мужчина, живущий в городе и работающий, очевидно, на заводе, оказывается совершенно чуждым своей деревенской семье. Умение раскрыть большие противоречия русской жизни в ее малых явлениях, которое проявил автор картины «На бульваре», составляло сильную сторону его дарования.

Другие художники этого направления, менее одаренные, чем В. Маковский, так и остались в плену пошлой действительности, опустились до сентиментальности, до идеализации тех «малых дел», которыми была занята земско-либеральная общественность.

С. КОРОВИН

Среди представителей позднего передвижничества особое место занимает фигура С.А. Коровина (1858-1907). Всю жизнь он был предан крестьянской теме, изображению деревенской жизни. Он сумел подметить в жизни деревни новые стороны - расслоение крестьянства (картина «На миру»).

КАСАТКИН

Рядом с Коровиным должно быть поставлено имя Н.А. Касаткина (1859-1930). Касаткин начал свой творческий путь с традиционных деревенских тем. В 90-е годы он обратился к изображению жизни пролетариата. Много лет он посвятил изучению жизни шахтеров, быт и труд которых наблюдал в Донбассе. Работа эта завершилась созданием большой картины «Углекопы. Смена».

Интересны этюды к ней, написанные с натуры. Один из лучших - «Шахтерка» (1894). Это образ молодой женщины, представительницы рабочего класса. Шахтерка отличается от деревенских женщин своим психологическим обликом - внутренней самостоятельностью, отсутствием выражения покорности, душевной бодростью. Создав образы людей из рабочего класса, передвижник Касаткин расширил социальные горизонты русского искусства.

Измельчание некоторой части передвижничества, вырождение его гражданственного пафоса в либерализм вызвало критическое отношение к нему у нового поколения художников, вошедших в русское искусство в конце 80-х годов. Наиболее талантливые художники этого поколения стали искать новые пути дальнейшего развития искусства. Наиболее талантливыми из них были Левитан, Серов, Нестеров, К. Коровин, Врубель.

ЛЕВИТАН

 

 

И.И. Левитан (1861-1900), признанный классик русского пейзажа, был учеником Перова, затем перешел в мастерскую Саврасова и стал его непосредственным продолжателем. Но Левитан испытал на себе влияние и Шишкина и Поленова. Начав с интимного восприятия природы в духе Поленова, Левитан вскоре подошел к решению пейзажной темы, как темы родины. В поисках образа, отвечающего его идее русской природы, он поехал на Волгу - реку, текущую «посередине русской земли».

В числе лучших работ Левитана, посвященных Волге, картина «После дождя. Плес» (1889). Поэзия этой картины - это поэзия обновленной и помолодевшей природы. Дождь, смывший пыль с крыш домов, с кустов у реки, увлажнивший землю и бока старых лодок и барж, сообщил свежесть и глубину краскам природы. В картине «Вечерний звон» (1892) природа полна той же торжественности, которая разливается в воздухе вместе со звуками «вечернего звона».

В том же году Левитаном была написана одна из самых его выдающихся картин «Владимирка». В ней, быть может, как ни в одной другой картине, дано ощущение беспредельности русского пространства. Но здесь оно создает настроение тоски и печали, так как та даль, в которую уводит Владимирка,— это даль каторги. О картине «Над вечным покоем» (1894) Левитан писал Третьякову: «В ней я весь со всей моей психологией, со всем содержанием». Содержание этой картины - мысль о бесцельности человеческого существования, о канувших в вечность поколениях. Эта идея картины родилась под воздействием неподвижности русской жизни эпохи безвременья.

Пессимистической идее, мысли «о тщетности» и «ненужности» человеческих усилий, противостоит идея о непрерывно продолжающейся жизни природы. Над маленьким позабытым кладбищем - полное бурного движения небо. Ветер - это воплощение живого дыхания природы - порывами налетает на землю и уносится вдаль. В 1895 году Левитан вступает в новый период своего творчества. В 1897 году он пишет картину «Весна - большая вода». Это один из самых поэтических образов русской природы, созданных Левитаном. Доминирует в картине небо. Оно как бы существует дважды: вверху и в своем повторении в зеркале большой воды. Прозрачность рисунка с ритмически повторяющимися очертаниями березовых стволов дополняется в картине воздушностью колорита, в котором отсутствуют весомые краски земли. Поэтическая тема Саврасова, тема неслышной жизни природы - получила свое развитие в этой картине его ученика.

Левитан почувствовал здесь особую прелесть русской природы, русского пейзажа.

НЕСТЕРОВ (1862-1942) Рисовал жизнь в моностырях, скитах, жизнь человека вне суеты мира, изображая отшельников и схимников; видя природу их глазами. «Видение отроку Варфоломею»

СЕРОВ

Крупнейшей фигурой в русском искусстве этой поры был В.А. Серов (1865-1911).

Ученик Репина, Серов выступил как прямой продолжатель его традиций и вместе с тем сразу внес в искусство и нечто новое. Исследуя творчество Серова, Грабарь сопоставлял девочку из картины Репина «Не ждали» с шедевром Серова «Девочка с персиками» (1887). Серова сближает с Репиным художественная объективность, реализм, стремление раскрыть в образе девочки поэзию жизни. Серов ищет прежде всего гармонии. Он раскрывает поэзию, заключенную в этом юном существе, еще не столкнувшемся со скверной жизни. Он обращается здесь к пленеру, он ищет живописного единства образа своей героини с образом природы.

Другую линию поисков художника представляет его портретное искусство. Героем русского портрета 70-х годов был прежде всего писатель, мыслящий человек, занятый решением мучительных загадок русской жизни. Главный герой портретов Серова - артист. И это не случайно. Артист-художник воплощает в себе идею свободного в своей деятельности человека, человека творческого труда. Серов исходит в характере своей живописи из характера изображаемого им человека. Портрет Коровина - самый «коровинский» по своей форме портрет Серова.

Это же можно сказать и о знаменитом портрете русской артистки Марии Николаевны Ермоловой (1905), актрисы героического плана, человека большой чисто русской сдержанности и целомудрия. Облик Ермоловой в портрете - облик величественный и строгий. Серов избегает яркого цвета, он сдержан в колорите, строя его на сочетании черного и серого.

У Серова были и другие портреты, на которых он изобразил представителей светского круга, аристократов, фабрикантов. Эти люди в представлении Серова были людьми, живущими не настоящей жизнью. Образам этих портретов в искусстве Серова противостоят детские образы, в которых он любовался естественной грацией детей. Пейзажная живопись Серова - это живопись деревенской природы. В его пейзажах на первый план выступает тема естественности жизни деревни в отличие от никчемной, искусственной жизни господствующих классов.

«Октябрь. Домотканово» (1895) - замечательное поэтическое произведение. Осенняя порыжевшая природа, пасущаяся лошадка, деревенский пастушок - все это в изображении Серова проникнуто ощущением тонкой поэзии дня поздней осени, пленяет жемчужной красотой своей живописной гаммы.

Серов очень любил писать животных. Он выполнил прекрасные иллюстрации к басням Крылова.

Искусству Серова была чужда политическая тенденция, и тем не менее он показал себя художником-гражданином. Это с особенной очевидностью обнаружилось в период революции 1905-1907 годов. Когда 9 января царское правительство расстреляло безоружных рабочих, а расстрелом руководил великий князь Владимир Александрович - президент Академии художеств, Серов вместе с Поленовым отказался от звания академика.

Рисунок «После усмирения» характеризует его политические взгляды того времени. Это карикатура на палачей революции. Огромное впечатление на художника произвело знакомство с греческой культурой: он пережил увлечение античностью. Одним из лучших произведений Серова на античный сюжет является его «Навзикая» (1910). Обращаясь к античности, Серов словно хотел приблизиться к началам гуманистической культуры. Замечательный рисунок Серова «Портрет балерины Карсавиной» (1909) поражает своей лаконичностью и вместе с тем полнотой и жизненностью образа.

К. КОРОВИН

Яркой фигурой среди художников поколения 80-х годов был К.А. Коровин (1861-1939).

Коровин владел блестящим даром - чувством декоративной красоты цвета. Его картина «У балкона. Испанки Леонора и Ампара (1886) более чем психологической ситуацией привлекает к себе удивительной красотой колорита, изящной гаммой серых, черных и коричневых тонов.

В дальнейшем в искусстве Коровина намечается приближение к импрессионизму. В качестве образца его творчества этого периода может служить картина «Париж ночью. Итальянский бульвар» (1908).

Весьма важным жанром становится для Коровина натюрморт («Рыба, Вино и фрукты. 1916). Коровин был первым русским художником, вставшим на путь обнажения живописного приема. Уже не красота самих предметов выступает на первый план в его произведениях, но темперамент художника.

ВРУБЕЛЬ

Особый путь выбрал в искусстве один талантливейших представителей русскою искусства конца XIX века М.А. Врубель (1856- 1910). Ему свойственно стремление к необычному. В этом его искусство составляет контраст искусству Серова и Левитана. Мечтая об искусстве большого стиля, Врубель искал вдохновляющих его образов в мире фантазии.

Демон - центральный образ искусства Врубеля. Одно из самых значительных его произведений на эту тему - «Демон сидящий» (1890). Демон Врубеля - существо, наделенное титанической силой. Он похож на каменную глыбу, его фигура как бы является продолжением скалы. Но его обессилевшие руки беспомощно сжаты, и преувеличенно большие глаза выражают тоску.

Поза демона похожа на позу Христа в картине Крамского. Однако герой Крамского хочет преодолеть внутреннее сомнение, найти силы для борьбы со злом; демон Врубеля выражаем лишь безнадежность, разочарование, отчаяние, усталость, ощущение надломленной воли. «Демон сидящий» позволяет заметить у Врубеля стремление к монументальности. Картина его напоминает фриз, предназначенный для украшения стены. Но объемность и пластика приходят в противоречие с чисто декоративными задачами, которые ставит перед собой художник.

Врубель много работал в области портрета. Он искал в современном ему человеке характера под стать человеку Ренессанса. Он не случайно обратился к изображению С.И. Мамонтова. Это действительно был необыкновенный человек. Крупный предприниматель и меценат Мамонтов был художественно щедро одарен. Врубель чувствовал мощь и размах личности Мамонтова. Он написал его широко, резко, как бы высеченным из камня.

Знаменитый врубелевский «Пан» (1889) пересекается с поэзией символизма, с творчеством раннего Блока. В картине Врубеля образ Пана - это персонифицированное пантеистическое воплощение души природы.

Такова же его замечательная картина «К ночи» (1900). Освещение в картине возникает как бы из-под земли, словно там горит огонь, который светится в цветах чертополоха и накладывает на всю картину красноватый отблеск. Воздух напоен тревогой. Во всем ощущается присутствий чего-то таинственного.

В последующих своих произведениях Врубель обходится без метафор и олицетворений.

Врубель работал в разных техниках. Его привлекала не только масляная живопись, но и акварель, и рисунок, и скульптура. Врубель очень интересен как рисовальщик, самобытен как скульптор. Он работал главным образом в майолике.

«МИР ИСКУССТВА»

В самом конце 90-х годов небольшая группа художников и любителей искусства образовала объединение «Мир искусства». Идея «чистого искусства» стала платформой журнала «Мир искусства», начавшего выходить в 1899 году под девизом «скована жизнь - свободно искусство». Журнал этот превратился в новый центр русской художественной жизни, определивший одно из основных направлений русского искусства последнего дореволюционного периода.

Идея «чистого искусства» приводила это направление к необходимости разрушить мосты, связывающие искусство с обществом. А.Н. Бенуа писал: «Почва для русского искусства была приготовлена, но эта почва во многих отношениях оказалась каким-то отгороженным и оторванным от прочей земли русской пространством, доступ к которому возможен очень немногим».

Одной из особенностей, определявшей характер творчества художников «Мира искусства», составляла его камерность. Ограничение творчества камерными масштабами превращало мир собственно искусства в игрушечный мир, что иной раз вызывало ироническое отношение самих художников к своему творчеству. Художники основного ядра «Мира искусства» были убежденными западниками, хотя высоко ценили народно-национальную традицию русского искусства. Им был присущ интерес к русской культуре «петербургской» эпохи.

Художники «Мира искусства» развивали музейную деятельность в России и пробуждали интерес к памятникам культуры XVIII века. Подобно тому, как люди Возрождения явили миру красоту античной классики, они явили равнодушному взору представителей современного буржуазного общества красоту искусства Рокотова, Левицкого, Боровиковского.

Художники «Мира искусства» сыграли большую роль в развитии многих видов графики, искусства книжной иллюстрации, театрально-декорационного искусства.

Самым значительным деятелем «Мира искусства» был А.Н. Бенуа (1870-1960). Творчество Бенуа-художника чрезвычайно разнообразно. Он был великолепным иллюстратором. Ему принадлежат, в частности, лучшие иллюстрации к произведениям Пушкина. Именно в иллюстрациях реалистические стороны дарования Бенуа выступили особенно отчетливо.

Картина «Прогулка короля» (1906) относится к числу наиболее характерных произведений художника. Бенуа искал и находил поэтическое в его воплощении в памятниках искусства прошлого. Художественный ансамбль Версаля, резиденции французских королей, с его парками, беседками, фонтанами и статуями занимает большое место в его творчестве.

Бенуа передает самый дух искусства того времени, и в этом духе - характер человека того времени.

Талантливейшим художником «Мира искусства» был К.А. Сомов (1869-1939). Сомова, как и Бенуа, привлекал XVIII век. Но его отношение к этой эпохе отличалось от отношения Бенуа. Сомов никогда не писал современную жизнь. Для раскрытия некоторых ее сторон он прибегал к историческому маскараду.

В альбоме представлена одна из лучших вещей Сомова «Дама в голубом» (портрет художницы Мартыновой. 1897-1900). В портрете нет точного воспроизведения эпохи. Героиня портрета - нервическая, одухотворенная женщина, несет на себе печать своего XX века. Она не принадлежит к людям XVIII столетия, но она далека и от того современного мира, в котором живет.

Сомов в портретах часто обращался к графической технике и пастели. Он оставил нам портреты современных поэтов. Один из самых лучших - портрет А.А. Блока (1907).

В отличие от Врубеля и Коровина, Сомов искал в своих портретах скульптурности, отчетливости форм, а не живописной фактуры. Его образы завершены и закончены. Это холодные, словно фарфоровые портреты.

К основному ядру «Мира искусства» примыкал и более молодой по возрасту художник Е.Е. Лансере (1875-1946). Лансере близок Бенуа характером своего ретроспективизма. Он стремился не столько к стилизации форм, сколько к тому, чтобы уловить дух времени через его искусство. Лансере привлекала эпоха Петра I и его ближайших преемников. Картину «Императрица Елизавета на прогулке в Царском Селе» (1905) он написал как иллюстрацию к книге Бенуа «Царское Село в царствование императрицы Елизаветы». В этой картине чувствуется ирония художника по отношению к изображенным персонажам. Елизавета - дебелая баба, одета в костюм, который может быть воспринят только как маскарадный. Красота времени, изображенного на картине Лансере, не в людях, а в образах искусства - например, в образе великолепной архитектуры царскосельского дворца.

Картина Лансере «Корабли Петра I» (1911) проникнута созидательным пафосом петровского времени. На бурных водах Финского залива качаются корабли первого русского флота.

Замечательная художница, связанная с «Миром искусства», А.П. Остроумова-Лебедева (1871-1955) работала в технике акварели, ксилографии, линогравюры и посвятила свое искусство теме городского пейзажа. Она рисовала Петербург - его памятники, сооружения, его небо и каналы. Мотив каналов, отражающих небо, характерен и для Венеции. Этот прекрасный город также привлекал внимание художницы.

Особое место среди художников «Мира искусства» занимал М.В. Добужинский (1875-1957). Он отличался от других представителей этой группы своим обращением к современному ему человеку и современному городу. В отличие от Остроумовой-Лебедевой его интересует не Петербург классических ансамблей, но Петербург доходных домов и фабричных труб, при этом не с парадной стороны, а, так сказать, с «черного хода». «Человек в очках» (1905-1906) - одна из самых знаменитых картин Добужинского. В картине за окном раскрывается городской пейзаж. Это задворки промышленного города. Огороды, поленницы дров и далее хаотическое нагромождение строений, домов и фабричных корпусов. Тема картины - одиночество человека, живущего среди огромного скопления людей.

К мирискусстничеству был близок А.Я. Головин (1863-1930), наиболее известный как мастер театральной декорации и портрета. Картина «Шаляпин в роли Олоферна» (1908) как бы объединяет эти две стороны его творчества. Это портрет театрального персонажа. При этом перед нами не просто портрет Шаляпина, но «портрет искусства Шаляпина». В фигуре Шаляпина, в его жесте, в облике его Олоферна мы видим характерные приемы артиста. Мы даже чувствуем, что перед нами бас. Кажется, что сам колорит картины отвечает тембру голоса артиста.

Художница 3.Е. Серебрякова (1885-1967) делала эскизы фресок для украшения Казанского вокзала, писала крестьянские жанры. В ощущении поэтического мира женской души она близка к Серову.

Ретроспективизм, как и стилизация, став характерной чертой творчества художников «Мира искусства», своеобразно преломился и в сфере пейзажной живописи. Художник К.Ф. Богаевский (1872-1943), изображая природу восточного Крыма, видел в ней напоминание о далеком историческом прошлом Земли. В своей работе «Воспоминание о Мантенье» он преобразует природу Крыма в духе пейзажных образов искусства Возрождения.

Основные представители «Мира искусства» обращались к петербургскому периоду русской истории, к послепетровской России. Однако среди «мирискусников» были и художники, увлеченные допетровской Русью. Таким художником был А.П. Рябушкин (1861- 1904). Бенуа говорил, что историческую живопись Рябушкина вернее называть «исторически-бытовой». Тем не менее Рябушкин был родственен Сурикову в своем ощущении прошлого, не как ожившего, но как живого. Картина «Втерся парень в хоровод...» (1902), изображающая сцену из жизни современной деревни, дает ощущение «связи нынешней жизни с вечным, но забытым прошлым» (Бенуа).

К началу XX века стремление оживить в образах искусства прошлое России допетровских времен захватывает все больший круг русских художников.

Художник С.В. Иванов (1864-1910), в 1890-е и 1900-е годы писавший передвижнические картины, посвященные бедственному положению народа, с начала 1900-х годов стал по преимуществу историческим живописцем. Об исторической живописи С. Иванова позволяет судить его картина «Семья» (между 1905 и 1907 годами).

Н.К. Рерих (1874-1947) в своем дореволюционном искусстве был обращен к наиболее отдаленным, героическим временам русской истории. Часто предметом его вдохновения становились древние русские города, со своими стародавними кремлями и храмами («Ростов-Великий»).

Все вышеназванные художники в той или иной мере примыкали к «Миру искусства» и выставлялись на его выставках.

В.Э. Борисов-Мусатов (1870-1905), хотя и не принимал участия на выставках «Мира искусства», но имел с этим объединением много общего. Одно из лучших произведений Борисова-Мусатова - «Водоем» (1902). Перед нами картина, по сюжету напомипающая произведения «мирискусников». Но это не воспроизведение прошлого сквозь призму искусства того же времени. Это - видение прошлого, прошлое, как оно существует в воспоминании. В старом, запущенном, необитаемом парке как бы ожили призраки двух женщин. Эта картина проникнута настроением тоски по прекрасному миру, исчезнувшему навсегда.

«СОЮЗ РУССКИХ ХУДОЖНИКОВ»

В начале XX века образовано другое объединение - «Союз русских художников». Оно возникло в Москве и собрало художников, тяготившихся «диктатурой вкуса». «диктатурой музея», которую олицетворял «Мир искусства». «Союз русских художников» хотел уйти от власти традиции, стать, ближе к современной теме, современной живописи, обновить свой художественный язык. Большое влияние оказал на этих художников импрессионизм. Они стремились оживить русскую живопись с помощью импрессионистических принципов. Важную роль в этом объединении играл К. Коровин. Большинство художников, входивших в «Союз» были пейзажистами, писавшими этюды с натуры.

Одним из крупных художников «Союза» стал Ф.А. Малявин (1869-1939). Искусство Малявина целиком посвящено образам женщин из народа – крестьянкам. Некоторые из его картин имеют жанровый характер. В самой знаменитой картине «Вихрь» (1905-1906) мы видим хоровод крестьянских женщин. Во многих рисунках он изображает русских баб, отмеченных печатью самоуверенной силы. Рисунок Малявина очень характерен для русского рисунка начала XX века. Художник обращается с углем и карандашом как с кистью, линия его похожа на след кисти. Оп словно не рисует, а пишет углем, пишет в сочной манере.

К «Союзу русских художников» был близок и И.Э. Грабарь (1871-1956). По форме своего искусства Грабарь - наиболее последовательный импрессионист из всех русских художников. Но по содержанию Грабарь - художник глубоко русский. Грабарь нашел свою тему в красоте русской зимы. Изображение зимы отвечало также его стремлению к светлой живописи.

Крупным художником, входившим в «Союз», был и А.Е. Архипов(1862-1930). Начал он картинами жанрового типа, основанными на живом наблюдении жизни. Архипов рисовал человеческую жизнь не замкнуто, но в связи с миром природы. Вслед за Серовым, он в этой близости к природе искал гармонических начал образа. Известная картина «Прачки» (1901) составляет некоторое исключение в творчестве Архипова. Художник изображает тяжелый, изнурительный труд женщин.

РЕВОЛЮЦИЯ 1905-1907 ГОДОВ

«Период безвременья» кончился в середине 90-х годов. Начинался новый этап в развитии русского революционного движения. В России рождался новый революционный подъем. В отличие от разночинского периода освободительного движения это была эпоха «движения самих масс».

В России назревала первая буржуазно-демократическая революция, гегемоном которой стал рабочий класс, возглавивший движение всех демократических слоев общества. Этот революционный подъем не мог оставить нейтральными к революции художников того времени. Перед ними в качестве основного вопроса встает вопрос об отношении искусства к революции. Революция 1905-1907 годов вызвала сочувственный отклик всех наиболее значительных русских художников. С. Иванов, Серов, Лансере, Кустодиев, Касаткин, В. Маковский непосредственно обращались в своем творчестве к революционной теме. Многие художники «Мира искусства» были участниками сатирических журналов революционных лет и в своих карикатурах пригвоздили к позорному столбу царский режим.

Революция закончилась поражением. Наступила глухая полоса новой реакции. Эта реакция породила в кругах художественной интеллигенции настроения безнадежности и отчаяния. Разочарование в возможностях революционного преобразования жизни заставило многих художников обратиться к мистике или к созданию «новой реальности», не имеющей ничего общего с действительностью.

«ГОЛУБАЯ РОЗА»

Художники, объединившиеся в направление под названием «Голубая роза», выступили против художников «Мира искусства». Они критиковали их приверженность к классической традиции, сюжетность произведений, определенность их образов. Искусство, по мнению представителей «Голубой розы», должно было выражать неясные ощущения, «внутреннюю музыку души».

Предшественником «Голубой розы» был Борисов-Мусатов с бесплотностью его образов, с его блеклой живописью, с его призраками и видениями. Однако скоро сами голуборозовцы почувствовали тупик, в который они завели живопись, и стали искать возобновления ее жизненной силы путем усиления энергии формы. Одним из самых талантливых среди них был Н.Н. Сапунов (1880-1912). Он писал декорации к спектаклям символистского направления и картины, в которых стремился к повышенной красочности.

П.В. Кузнецов (1878-1968) рано встал на путь возвращения живописи к цветности. Картина «Мираж в степи» (1912) характерна для дореволюционного творчества художника. Степь - его любимая тема. Художник хочет выключить образы своего искусства из бурного потока современности - передать остановившуюся жизнь, нирванну.

М.С. Сарьян и Кузнецов были близки друг к другу, но Кузнецов был художником по преимуществу лирического склада, Сарьян был декоративистом. Он обращался к изображению улиц восточных городов, писал натюрморты - плоды, фрукты, растения. Главным образом в предмете его интересовало одно его качество - цвет. При этом он оперировал ярко и ровно окрашенными плоскостями, заключенными в определенные границы. Его любимым сочетанием было созвучие оранжевого и лилового, желтого и синего. Это было одностороннее изображение действительности, но оно опиралось на реальные впечатления от жизни, передавало и зной, и яркий свет, и атмосферу Востока.

«БУБНОВЫЙ ВАЛЕТ»

Дальнейшее развитие модернистских тенденций в русском искусстве связано с объединением «Бубновый валет», возникшим в 1910 году. Название объединения возникло как вызов «Голубой розе» — этому «мистическому цветку любви». Оно имело откровенно антипоэтический смысл.

В противовес той дематериализации живописи, которая характерна для «Голубой розы», представители «Бубнового валета» стремились восстановить в правах материальную весомость формы, восстановить цвет, фактуру. Но при этом многие из них были далеки от мысли вернуться к реальному предметному миру, к поэзии реального. В своем творчестве они искажали, разлагали существующие в жизни формы. Это было понимание задач творчества, противоположное его пониманию в реализме.

Одним из наиболее ярких художников этого времени был П.П. Кончаловский (1876-1956). В альбоме представлено его знаменитое произведение периода «Бубнового валета» - «Сухие краски» (1913). На этом натюрморте изображены банки с красками. Банки эти стеклянные, и краски видны зрителям. Рядом с ними бидоны, предназначенные для растворения красок. В металлических бидонах, изображенных в натюрморте, мы наблюдаем одну особенность. Из форм бидона словно выступает другая форма, находящаяся как бы внутри его. Эта другая форма тяготеет к геометрии. В самом натюрморте как бы идет полемика какое понимание формы надо предпочесть? Прозаическому бидону, серому по цвету, противостоят в картине сухие краски, заключенные в стеклянные сосуды. Именно в этих красках, ни с чем не смешанных и представляющих чистый и ни с чем не спутанный цвет, и заключался, по мысли Кончаловского, источник красоты живописи. В картине есть еще одна интересная деталь. На том месте, где изображен бидон, на картину наклеена реальная этикетка. Для чего сделал это художник? Он хотел показать, что созданная им «реальность» ничем не уступает подлинной реальности.

Другим крупным представителем «Бубнового валета» был И.И. Машков (1881-1944). Его «Синие сливы» не менее знамениты, чем «Сухие краски» Кончаловского. У Кончаловского главную роль играют объемы, у Машкова на первый план выдвинута декоративная задача. Основной компонент его искусства - пятно цвета и сведение формы предмета к такому пятну. Машков не делает попыток дать третье измерение. Но он стремится сохранить целостность каждой отдельной формы, резко оконтуривает цветовые пятна. Таким образом, Машков все-таки сохраняет в основе своих натюрмортов формы реальных предметов.

Русский модернизм, начало которому положила «Голубая роза» и Который получил дальнейшее развитие в деятельности художников «Бубнового валета», двигался дальше. Отказ от познания жизни и его конструированием «новой реальности» нашли свое логическое и историческое завершение в русском абстракционизме. Однако параллельно с развитием модернистских течений в русском искусстве сохранилось и развивалось реалистическое направление. Деятельность последовательных передвижников, Сурикова, Репина, Серова, представителей «Союза русских художников» и лучшей части «Мира искусства» противостояла модернистским направлениям. Это очень важный и многозначительный факт. Накануне революции в русском искусстве действовали и молодые художники, в той или иной, пусть противоречивой форме сохранявшие и развивавшие реализм.

ПЕТРОВ-ВОДКИН

Одним из таких художников был К.С. Петров-Водкин (1878-1939). Официально Петров-Водкин не входил ни в какое объединение, но же близок к «Миру искусства». Петров-Водкин искал путей к возвращению большого Искусства, к освобождению от «житейщины». Для этого он обращался к древнерусскому искусству и искусству эпохи Возрождения. Сочетание этих двух столь непохожих друг на друга типов искусства породило своеобразие его творчества. Петров-Водкин искал решения пространственных задач, стремился к подчеркнутой трехмерности изображения.

Картина «Девушки на Волге» (1915) принадлежит к числу лучших картин Петрова-Водкина. В поисках красоты он обратился к народной жизни. Художник использует здесь традиции древнерусского искусства. Картина подражает иконописи и в своих цветовых созвучиях. Но в живом чувстве красоты человеческого тела - например в изображении очаровательной обнаженной девочки – бесспорно влияние Ренессанса.

ЮОН

В этот период развернулось творчество и других замечательных мастеров. Одним из них был К.Ф. Юон (1875-1958). Будучи членом «Союза русских художников» он по характеру своего творчества близок к «Миру искусства». Юон любит русскую старину. Старые русские памятники, такие как Троице-Сергиева лавра, привлекают его пристальное внимание. Но он показывает древние памятники в атмосфере современной жизни. Старые обычаи, старые традиции, древняя архитектура не противопоставлены у Юона современности, но даны в слиянии с сегодняшним днем. Рядом со старинными сооружениями, памятниками допетровской Руси - современная толп, люди, живущие в ритме современной жизни. Произведения Юона - не ретроспекция. Это и отделяет его от «Мира искусства». Как пейзажист, Юон обращался к теме русской зимы («Мартовское солнце», 1915).

КУСТОДИЕВ

К Юону очень близок Б.М. Кустодиев (1878-1927). В одном посвящении Кустодиев называл Юона «двоюродным братом в искусстве». Кустодиев принадлежал к молодому поколению «Мира искусства».

Обращаясь к народной жизни, он выделял ее праздничные стороны, его привлекало живущее в народе чувство красоты. Он противопоставлял сцены народных гуляний скучной прозе мещанского существования. В картине «Ярмарка» (1906) показаны не только праздничная красота ярмарки, но и полнокровные человеческие типы, кипит живая человеческая жизнь. Кустодиев - замечательный художник, показавший в своем жизнерадостном искусстве жизнь широких слоев России, народную жизнь.

 

Или

Общее

 

РУССКАЯ ЖИВОПИСЬ КОНЦА XIX – НАЧАЛА XX В.

 

Конец 19 – начало 20 в. – важный период в развитии русского искусства. Он совпадает с тем этапом освободительного движения в России, который В.И. Ленин назвал пролетарским.

Какова же общая картина развития русского искусства в этот период? Еще плодотворно работали ведущие мастера критического реализма – И.Е. Репин, В.И. Суриков, В.М. Васнецов, В.Е. Маковский… В 1890-е годы их традиции нашли свое развитие в ряде произведений молодого поколения художников-передвижников, например Абрама Ефимовича Архипова (1862-1930), творчество которого также связано с жизнью народа, с жизнью крестьян. Его картины правдивы и просты, ранние – лиричны (“По реке Оке”, 1890, “Обратный”, 1896), в поздних, ярко живописных, живет буйная жизнерадостность (“Девушка с кувшином”, 1927). В 1980-е годы Архипов написал картину “Прачки”, рассказывающую
об изнурительном женском труде, служащую ярким обличительным документом самодержавию.

К молодому поколению передвижников относятся также Сергей Алексеевич Коровин (1858-1908) и Николай Алексеевич Касаткин (1859-1930). Десять лет трудился Коровин над своей центральной картиной “На миру” (1893). Он отразил в ней сложные процессы расслоения крестьянства в современной ему капитализировавшейся деревне. Важнейшие стороны России сумел выявить в своем творчестве и Касаткин. Он поднял совершенно новую тему, связанную с усилением роли пролетариата. В шахтерах, изображенных в его знам