Собор в Шатре. Фрагмент портала

Образ Христа во славе в композиции тимпана центрального портала исполнен сосредоточенности, энергии и душевной мягкости. Моделировка форм пластически выразительна. Колонны западного портала, задуманные (как это было принято) в виде статичного абриса человеческой фигуры, вдруг оживляются легким движением вверх, тонкой моделировкой индивидуализированных лиц пророков, царей и предков Христа. Привлекает образ молодой царицы, точно внезапно встрепенувшейся, сбросившей с себя оковы сна. Неуловимое движение, скользящее по ее чистым чертам, таящееся в наивных, чуть припухших губах и глазах миндалевидной формы, предвещает улыбку.

9. Готический стиль. Общая характеристика.

Массивные и прочные детали экстерьера и интерьера относят к Готическому стилю. Но центральная тема, которая характеризует всё – фантастичность. Центром любого Готического интерьера обычно выступает огонь в виде камина или печи. Очень распространен такой элемент как “готическая роза”.

Готика (Готический стиль) – исторический художественный стиль, господствовавший в западноевропейском искусстве в период с XIII по XV века.

Общая характеристика стиля Готика

Готика – в основном архитектурный стиль, но и в дизайне интерьера ему свойственны очень существенные отличия от других стилей, свое собственное и ни с чем не сравнимое “лицо”: огромные окна, многоцветные витражи, световые эффекты. Гигантские ажурные башни, подчеркнутая вертикальность всех конструктивных элементов.

Характерными элементами в дизайне интерьеров становятся стройные колонны, сложные формы сводов, ажурные орнаменты, окна в форме розы и стрельчатые своды, оконные стекла в свинцовом обрамлении, из выпуклого стекла, но без занавесей.

Фантастичные, превосходящие все существующие до сих пор конструкции готики преодолевают громоздкость камня. Вследствие этого основными чертами могут считаться иррационализм, дематериализация, стремление вверх, мистика, легкость, экспрессивность.

 

История стиля Готика

Готами древние римляне называли варварские племена, вторгавшиеся с севера в пределы империи в III-V вв. Термин появился в эпоху Итальянского Возрождения как насмешливое прозвание “варварской”, примитивной, уходящей в прошлое средневековой культуры. Вначале его применяли к литературе – для обозначения неправильной, искаженной латыни. Средневековую архитектуру тогда называли общим словом “tedesca” (итал. “немецкая”). Есть предположение, что слово “готика” впервые употребил Рафаэль, знаменитый художник эпохи Возрождения.

Готика – венец средневековья, это яркие краски, позолота, сияние витражей, экспрессия, взлетающие в небо колючие иглы шпилей, симфония света, камня и стекла… Готический стиль характеризует заключительную стадию развития средневекового искусства Западной Европы. Факт рождения готического стиля можно считать кульминацией романского и вместе с тем – его преодолением. Долгое время элементы того и другого стиля сосуществовали, а переходное время XII в. носило возрожденческий характер».

Место рождения нового стиля – Париж. Здесь в 1136-1140 годах под руководством аббата Сугерия (Сюжера) были возведены два пролета главного нефа церкви аббатства Сен-Дени. Но строительство готического храма – задача для поколений. Собор Парижской Богоматери (Notre Dame de Paris), заложенный в 1163 году, строился более двухсот лет. Римский собор (длина – 150 метров, высота башен – 80 метров) строился с 1211 года до начала XIV века, Миланский собор – до XIX.

Немного позже,в XVIII-XIX веках, вкусы Запада стали вновь обращаться к романтичным направлениям дизайна Средневековья. Это и привело к возрождению готического стиля в этот период. Возрождение готики совпадает по времени с появлением викторианского стиля интерьеров.

Парадоксальной особенностью готического стиля, совершенные формы которого демонстрируют иррационализм, дематериализацию и наивысшую, мистическую экспрессию, является то, что поводом (но не причиной) его возникновения послужили технические достижения – рациональное совершенствование строительной конструкции. История готической архитектуры – это история нервюры и аркбутана. Освобождение стен от нагрузки позволяло прорезать их огромными окнами –это стимулировало искусство витража. Интерьер храма становился высоким и светлым.

Особенности стиля Готика

Интерьеры с дизайном в готическом стиле отличаются величием и изяществом. Стены перестают быть конструктивным элементом, становятся более легкими, облицовываются деревом или украшаются стенной росписью ярких цветов, настенными гобеленами. Дощатые и каменные полы раннеготического интерьера позднее также застилались коврами. Характерными элементами становятся ажурные орнаменты, каменное кружево резьбы, стрельчатые своды. Над входом, как правило, красуется огромное витражное окно-роза. Оконные стекла в свинцовом обрамлении, из выпуклого стекла, но без занавесей. Потолки деревянные балочной конструкции или с открытыми оформленными стропилами; возможна декоративная роспись на потолке.

Типичные мебельные изделия готического стиля дизайна интерьера: высокие двустворчатые шкафы с четырьмя, шестью или девятью филенками, а также буфеты на высоких ножках, высокие спинки стульев и кроватей, имитирующие архитектурные детали крепостных замков и церквей. Позже это влияние сказалось и на орнаментике: столярному мастерству была навязана точная геометрическая орнаментика, противоречащая самой фактуре дерева. Основным видом мебели, как в замках рыцарей, так и у простых горожан был сундук, из которого со временем сформировался сундук-скамья. Сундуки служили столами, скамьями и кроватями. Часто сундуки ставили один на другой, украшая при этом всю конструкцию стрельчатыми сводами – так получился шкаф. Стол в готическом интерьере имел глубокий выдвижной ящик и сильно выступающую столешницу, основанием которой были две торцовые опоры. Под откидной столешницей находилось множество отделений и маленьких ящичков. Кровать, если она не была встроена в стену, имела балдахин или большой, подобный шкафу, деревянный каркас, а в южных странах Европы – дощатую конструкцию с архитектурным членением, резьбой и цветной отделкой.

Стиль Готика, Собор Парижской Богоматери (Notre Dame de Paris), фото

В строительстве и отделке готических зданий использовались в основном камень, мрамор, дерево (дуб, орех и ель, сосна, лиственница и кедр европейский, можжевельник). В декоре использовалась плиточная мозаика, майолика; сундуки обтягивали кожей, использовалась богатая металлическая (железная и бронзовая) фурнитура, мотивы сталактитов, выточенные бруски. Фигурная лепнина подчас расписывалась и покрывалась позолотой.

Цветные витражи в виде стрельчатых арок – одна из самых узнаваемых особенностей стиля готики. Огромные окна, для которых стены служат лишь легким каркасом, многоцветные витражи, световые эффекты, наконец, прекрасное окно-роза – все это и создает неповторимое “лицо” стиля готики.

Теологи приписывали витражам способность просветлять душу человека и удерживать его от зла. Истоки этого вида изобразительного искусства восходят к поздней античности.

Уникальные эффекты витража объясняются прозрачностью его основы – цветного стекла; использовавшаяся же для прорисовки контуров черная краска была непрозрачной. В орнаментальных зонах витража доминируют красный и синий тона, в сюжетных – белый, различные оттенки фиолетового, желтый и зеленый.

“Готические розы”, красочные витражи, раскрашенная скульптура – все это говорит об особой роли цвета в средневековье. В дизайне интерьеров готического стиля использовались насыщенные красные, синие, желтые, коричневые оттенки, а также золотые и серебряные нити. Для контрастных деталей использовались пурпурные, рубиновые, иссиня-черные, гвоздично-розовые, зеленые оттенки.

Элементы декора готического стиля интерьера. Картинами для украшения комнат в готике пользуются редко. В то же время, эпоха готики – это время расцвета книжной миниатюры и появления станковой живописи, время высокого подъёма декоративных искусств. В готическом стиле наблюдается расцвет цехового ремесла: в резьбе по камню и дереву, в мелкой скульптуре из слоновой кости, в керамике и стеклоделии, в многообразных металлических изделиях, украшавшихся камнями и эмалью, в тканях и шпалерах – всюду изощрённость фантазии и щедрое богатство декора сочетаются с блестящим мастерством и тщательностью отделки.

Ключевой момент готической архитектуры – свет, вечно льющийся Божественный свет – символ просветления и мудрости. Поэтому готика – звездный час витражей.

Готика – первый общеевропейский стиль. По яркости, экспрессивности и парадоксальности ее можно сопоставить разве что с барокко. В ХХ веке готика становиться интернациональным эпитетом. Все удлиненное, заостренное, тянущееся вверх изо всех сил воспринимается нами как “готическое”: древнерусские шатровые храмы, экспрессионизм новгородских икон и, даже, американские небоскребы.

10. Готический собор.

Готический стиль в Западной Европе достиг вершин (высокая готика) в 13 веке.
Угасание приходится на 14-15 века (пламенеющая готика). Строительство осуществляется не только церковью, но и общиной (организованными в цехи профессиональными ремесленниками и архитекторами). Между строительными артелями, странствовавшими из города в город, существовали связи,обмен опытом и знаниями. самые значительные сооружения, и прежде всего соборы, возводились на средства горожан. Часто над созданием одного памятника трудились многие поколения. Грандиозные готические соборы резко отличались от монастырских церквей романского стиля. Они были вместительны, высоки, нарядны, зрелищно декорированы.
Динамичность, легкость и живописность соборов определяет характер городского пейзажа. Вслед за собором устремлялись вверх и городские постройки. В замысле городского, а не монастырского собора проявились и новые идеи католической церкви, возросшее самосознание горожан, новые преставления о мире. Динамическая устремленность ввысь всех форм храма была порождена идеалистическим устремлением души к небу. Готический собор по сравнению с романским новая ступень в развитии базиликального типа постройки, в которой все элементы стали подчиняться единообразной системе. Главное отличие готического собора - устойчивая каркасная система, в которой конструктивную роль выполняют крестово-реберные стрельчатые своды, провезенные сетью выступающих ребер, выложенных из камня, арки стрельчатой формы, определяющие во многом внутренний и внешний облик соборы.
Классическое выражение готический стиль получил во Франции. Величайшее сооружение - собор Парижской богоматери (заложен 1163 г, достраивался до середины 13 века). Зрелая готика отмечена дальнейшим нарастанием ветрикализма линий, динамической устремленностью ввысь. Реймский собор - место коронования французских королей одно из самых цельных произведений готики, замечательный синтез архитектуры и скульптуры. Главные черты, характеризующие готическую скульптуру, могут быть сведены к следующему: во-первых, на смену господству в художественных концепциях абстрактного начала приходит интерес к явлениям реального мира, религиозная тематика сохраняет свое доминирующее положение, но ее образы меняются, наделяются чертами глубокой человечности.
Одновременно усиливается роль светских сюжетов, и важное место, хотя не сразу, начинает занимать сюжет, Во-вторых - появляется и играет доминирующую роль круглая пластика, хотя рельеф существует также.
Одним из самых распространенных сюжетов в готике остался "Страшный суд", однако иконографическая программа расширяется. Интерес к человеку и влечение к анекдотичности рассказа нашли выражение в изображении сцен из жизни святых. Выдающийся пример изображения легенд о святых является датируемый последней четвертью 13 века тимпан "История святого Стефана" на портале собора Парижской богоматери.
Включение реальных мотивов характерно и для множества небольших рельефов. Как и в романских храмах, большое место занимают в готических соборах изображения чудовищ и фантастических существ, так называемых химер.

11. Французский готический витраж.

Несмотря на то что витражи принадлежат к числу самых прекрасных и привлекательных произведений средневекового искусства, долгое время им не придавали такого значения, как фрескам или произведениям станковой живописи. Создавать монументальные картины из цветного стекла придумали вовсе не в готическую эпоху: истоки этого вида изобразительного искусства восходят к поздней античности. Уникальные эффекты витража объясняются прозрачностью его основы - цветного стекла; использовавшаяся же для прорисовки контуров черная краска была непрозрачной. Средневековые художники, работавшие в области монументальной и станковой живописи, напротив, накладывали краски на непрозрачную основу, а свет передавали с помощью золотых и осветленных белой краской тонов.

Как и всякий художник, витражист начинал свою работу с эскиза. Эскиз изготавливался в соответствии с пожеланиями заказчика и представлялся последнему на одобрение. Если композиция устраивала донатора, витражист переходил к главной части работы. Как писал в своем трактате начала 12 века монах Теофил Пресвитер, витражисты прежде всего переносили эскиз на деревянные панели тех же размеров, какие должен был иметь готовый витраж. Затем они наносили на этот рисунок основные контуры, по которым куски стекла предстояло скрепить свинцовыми полосами, и подбирали краски для стекла. Далее неокрашенное стекло разрезали на фрагменты в соответствии с эскизом и, наконец, окрашивали. В зависимости от традиции, сложившейся в той или иной мастерской, на стекло наносили сначала либо контуры, либо жидкую краску. И уже в последнюю очередь художник придавал форму и глубину складкам одежд, лицам, рукам персонажей и предметам.

Вплоть до начала 14 века в качестве основы для краски витражисты располагали только черной или коричневой гризайлью. Но затем в среде придворных французских живописцев была заново открыта серебряная краска (которая, впрочем, уже давно была известна исламским художникам). Из Франции это новшество быстро распространилось в соседние страны - в Англию и на юго-запад Германии.

Как только окраска всех фрагментов стекла, подобранных для витража, завершалась, их обжигали в печи. Благодаря этому краска, состоявшая из толченого стекла с металлическими пигментами, фиксировалась на гладкой поверхности стекла. Если обжиг проходил успешно, то роспись могла сохраняться под открытым небом веками. Серебряная краска представляла собой сплав толченого серебра и сурьмы, к которому добавляли желтую охру и воду. Ее всегда наносили на внутреннюю поверхность стекла; при обжиге она сплавлялась со стеклом, окрашивая его в желтый цвет. Эта новая техника позволяла совмещать на одном фрагменте стекла два цвета.

После обжига куски стекла выкладывали на деревянную панель с эскизом и скрепляли свинцовыми полосками длиной около 60 см, с профилем, имеющим форму положенной на бок буквы 'Н'. Получали их отливкой по шаблону. В 15 веке эта техника была усовершенствована, что позволило увеличить размеры шаблона. Мягкие свинцовые полоски, легко принимавшие форму контуров стекла, спаивали друг с другом, и они образовывали сетчатую несущую конструкцию, в которой удерживались все фрагменты витража. Наконец, эту конструкцию укрепляли тонкой арматурой и вставляли в оконную раму.

Первые прототипы средневекового витража, обнаруженные в церквях монастырей Джарроу и Монкуирмот на северо-востоке Англии, датируются 7 веком. Здесь уже использованы орнаментальные и фигурные стекла, хотя и не окрашенные. Возможно, старейшим из дошедших до нас фрагментов витражей с полноценной росписью является голова из лоршского монастыря (ныне хранится в музее земли Гессен в Дармштадте). Датируют этот фрагмент по-разному, однако, вероятнее всего, он был создан во второй половине 9 века. Вплоть до начала 12 столетия витражи встречались редко, хотя в письменных источниках сообщается, что церкви уже украшали выполненными из цветного стекла сценами из Библии и житий святых, а также монументальными портретами отдельных исторических и легендарных лиц. Вскоре после 1100 года монах Теофил составил трактат об изящных искусствах, в который было включено и описание техники изготовления витража. Поскольку техника эта представляется достаточно зрелой, можно предположить, что на рубеже 11 - 12 веков искусство витража уже вошло в эпоху расцвета, а вовсе не было новоизобретенным, несмотря на скудость сохранившихся до наших дней образцов.

Почти до середины 12 века окна в храмах оставались сравнительно небольшими, поэтому в них могли поместиться лишь маленькие витражи с изображением нескольких сценок или одной крупной фигуры. Но после 1150 года начался процесс постепенного 'растворения ' стены: размеры окон неуклонно увеличивались. В конце концов гладких стенных поверхностей осталось так мало, что архитектура, по существу, свелась к каркасу для окон. Первым пиком развития этой тенденции стали возведенные в конце 12 столетия соборы в Суассоне, Бурже и Шартре (Франция) и в Кентербери (Англия). Огромные окна этих зданий были украшены пластинами цветного стекла, образующими повествовательные циклы, многочисленные эпизоды которых создавали единую геометрическую структуру. Правда, витражи в окнах верхнего яруса центрального нефа по-прежнему содержали только одну-две сцены или одну фигуру.

Средневековым сознанием свет воспринимался как олицетворение божества, а следовательно, сверкающие картины из цветного стекла казались ошеломляющими и неудержимо притягательными иллюстрациями Слова Божьего. Теологи приписывали витражам способность просветлять душу человека и удерживать его от зла. Излюбленным сюжетом витражей на рубеже 12 - 13 веков стала притча о блудном сыне. Из этой нравоучительной истории можно было извлечь несколько уроков. Во-первых, она предостерегала верующего от гордыни, роскоши, пьянства, азартных игр и женщин легкого поведения, ибо подразумевалось, что именно эти пороки в конечном счете доводят человека до беды. А во-вторых, поведение отца из этой притчи намекало на то, что свернувший с пути истинного, но затем одумавшийся и покаявшийся будет прощен и принят.

На витраже из собора в Бурже изображено начало притчи о блудном сыне. Герой библейской притчи представлен здесь в облике типичного аристократа 13 века. Он восседает на серой лошади и держит на запястье ловчего сокола. Его длинное фиолетовое одеяние струится мягкими складками, на плечи наброшен роскошный плащ с меховой подбивкой. Дальнейшие события притчи изображены в серии сцен, вписанных поочередно в большие квадрифолии и маленькие медальоны. Промежутки между этими сценами заполнены сплошным орнаментом, а весь витраж обрамлен бордюром из пальметок. Данная трактовка библейской притчи рассчитана на восприятие представителя правящих классов. Аристократу той эпохи падение блудного сына до жалкой участи свинопаса должно было внушать ужас и отвращение.

В орнаментальных зонах этого витража доминируют красный и синий тона, в сюжетных - белый, различные оттенки фиолетового, желтый и зеленый. Персонажи помещены либо у нижней границы обрамления, на слегка неровной полоске земли, либо на своего рода помостах - в зависимости от того, разворачивается ли сцена в интерьере или под открытым небом. В сцене отъезда блудного сына разноцветные полоски под ногами героя означают, что путешествие совершается по суше. У всех персонажей буржского витража тонкие, изящные фигуры и крупные головы с выдающимися костями черепа.

Мир средневековой знати предстает перед нами и в сцене с витража 'Святой Евстафий', украшающего окно северного нефа собора в Шартре. Этот витраж составлен из больших и маленьких медальонов, сгруппированных вокруг центральных квадратов. Как и в Бурже, в палитре декоративных областей этого витража преобладают красные и синие тона, а цветовая гамма сюжетных композиций основана на сочетании зеленого, фиолетового, белого и желтого. Первая сцена в квадрате изображает святого Евстафия, выезжающего на охоту. Бордюр, обрамляющий ее, одновременно служит опорой под ногами оленя, спасающегося бегством от охотников, которые как бы врываются в композицию слева. Создатель этой сцены, мастерски оперируя линиями контуров и сочетаниями тонов, добился того, что драпировка одежд не скрывает, а, напротив, подчеркивает мощное телосложение всадников.

Строительство соборов в Бурже и Шартре началось в 90-е годы 12 века. По-видимому, заказчики уже тогда намеревались остеклить окна и открыли с этой целью мастерские. Однако оба описанных выше образца датируются первым десятилетием 13 века. Ни имен, ни биографий их создателей история не сохранила. Предполагают, что мастер 'Святого Евстафия' приехал в Шартр с севера Франции, возможно, из Сен-Кантена. О буржском витражисте не известно ничего. Высокое мастерство, с которым оформлены изящные складки одежд персонажей, позволяет включить витражи из Буржа и Шартра в контекст искусства Северной Франции и области Мааса второй половины 12 века. Драпировки такого рода встречаются на раннеготических витражах вплоть до 30-х годов 13 века и представляют собой отличительную особенность так называемого стиля 'плоских складок', или 'классицизирующего' стиля.

Искусство витража быстро завоевало популярность также в Англии и в немецкоязычных областях, граничивших с Францией. После разрушительного пожара 1174 года в соборе Кентербери было решено реконструировать здание. Сначала восстановили монастырский хор, затем - капеллу за главным алтарем (капеллу Святой Троицы). Окна нижнего яруса снабдили сюжетными витражами, а окна верхнего яруса - витражами с изображением предков Христа, восседающих на престолах. Позднее витражи убрали с окон, но в свое время эта грандиозная иконографическая программа украшала все окна нефа вплоть до юго-западного рукава трансепта и большое западное окно, где, в частности, помещалась фигура Аминадава. И здесь могучее тело библейского персонажа облегают мягкие, струящиеся складки драпировки.

Более поздний вариант раннеготического стиля отражен во фрагментах витража, первоначально украшавшего позднероманский собор во Фрайбурге-им-Брайсгау (1509), перенесенного на окно позднеготического хора, а затем - на окна южного фасада трансепта. Патриарх Иаков, держащий в левой руке табличку со своим именем, а в правой - лестницу, ведущую на Небеса, принадлежит к ансамблю 'Древа Иессея', т. е. к родословной Христа. Это понятие восходит к пророчеству Исаии: 'И произойдет отрасль от корня Иессеева, и ветвь произойдет от корня его' (Ис., 11,1). На основе этого текста сформировался образ спящего Иессея, из груди которого вырастает древо. На ветвях 'Древа Иессея' изображались предки Богоматери и Христа, а по бокам его - пророки и патриархи. Завершенный, вероятно, до 1218 года, витраж из собора Фрайбурга никак не связан с верхнерейнскими образцами трактовки 'Древа Иессея'. В ходе недавних исследований было выдвинуто предположение, что фрайбургский витраж 'Древо Иессея' был создан в одной из маасских мастерских, где зародился классицизирующий стиль в скульптуре. Фигура Иакова отличается той же монументальностью, что и фигура Аминадава из Кентербери, но пропорции ее более гармоничны, а выражение лица - более сдержанно.

Окно-роза, украшающее южный рукав трансепта собора в Лозанне (Швейцария), сохранило значительную часть великолепной витражной композиции с изображением структуры мироздания представлениях 13 века. Солнце, Луна, Земля, знаки Зодиака и четыре стихии олицетворяют Вселенную. Образы времен года и трудов, связанных с месяцами, символизируют течение времени. Женщина в элегантном одеянии, обозначающая зодиакальный знак Девы, сочетанием хрупкого, изящного тела с крупной головой напоминает изображения блудного сына с буржского витража, однако цветовая гамма, в которой она выдержана, сближает ее, скорее, с шартрским витражом 'Святой Евстафий'. Сравнение этой композиции с витражами в Бурже и Шартре позволяет сделать вывод, что окно-роза в Лозанне, возможно, было создано в первое десятилетие 13 века, т. е. раньше, чем предполагали исследователи до недавнего времени.

Раннеготический стиль с характерными для него 'текучими' складками драпировки, блестящими, яркими красками и богатым орнаментальным декором удерживал господствующие позиции во Франции вплоть до 30-х годов 13 века. Первым признаком смены стиля стали витражи работы мастера Каронуса (мэтра де Сен-Шерона), а также композиции из цветного стекла, украсившие окна трансепта в Шартре. При этом шартрские мастера не были непосредственно вовлечены в процесс развития нового типа витража, начинавшийся в Париже - колыбели большинства художественных инноваций той эпохи. Возможно, новый витражный стиль сформировался в Шартре под влиянием приезжих парижских скульпторов. Но как бы то ни было, к 40-м годам 13 века на родине французской готики в области изображения человеческой фигуры возобладал зрелый готический стиль, для которого были характерны изящество пропорций и крупные, четко обрисованные складки одежд.

Судя по витражам, украсившим парижскую часовню Сент-Шапель, переход к новому стилю совершался постепенно, поскольку над одним масштабным проектом могли работать бок о бок и молодые, и старые мастера. Среди образцов, свидетельствующих об окончательном переходе к зрелой готике, - витражный цикл, изображающий деяния ветхозаветной героини Есфири. Фигуры на этом витраже примечательны своими гармоничными пропорциями и элегантной осанкой. Сент-Шапель, строительство которой началось в 1239 году, стала одним из самых совершенных образцов 'лучистого' стиля зрелой готики. Все это здание пронизано многочисленными ажурными окнами: оконные проемы целиком заполнили промежутки между несущими конструкциями, благодаря чему часовня превратилась в изысканную 'стеклянную клетку'.

Перед витражистами здесь встала задача, с которой не сталкивались мастера в Шартре и Бурже, а именно - разработать сцены, которые подошли бы для очень высоких и узких ланцетных окон. Решено было разделить каждое окно на геометрически правильные поля для сюжетных сцен, а пространство между ними заполнить сплошным орнаментом. Однако из-за того что окна были слишком узки, поля пришлось значительно уменьшить в размерах и увеличить в числе, что затруднило восприятие иконографической программы. Эта программа включает несколько сотен сцен и охватывает всю историю мира от Сотворения вплоть до прибытия в Париж процессии со священными реликвиями Страстей Христовых, которые приобрел для Сент-Шапель Людовик 9 (1236 - 1270). Сцены всего этого цикла изобилуют аллюзиями на французскую монархию, устанавливая ассоциативные связи между королями Франции, с одной стороны, и ветхозаветными царями и Христом - с другой. Витражные иллюстрации к житию и деяниям царицы Есфири выполняли аналогичную функцию применительно к французским королевам.

В первой половине 13 века в немецкоязычных областях сформировался и наряду с вариантами ранней французской готики вошел в употребление особый живописный стиль, во многом основанный на традициях византийского искусства. Произведения, выдержанные в этом стиле, изобилуют резкими линиями и острыми углами, из-за чего сам стиль получил название 'угловатого'. Во второй половине 13 столетия 'угловатый' стиль постепенно приблизился по характеру к зрелой готике, сложившейся во Франции.

Эти перемены можно проследить на примере витража, украшающего западный хор собора в Наумбурге (после 1250). Одновременно с создателями этого витража в соборе работал Наумбургский мастер - возможно, величайший из немецких скульпторов готической эпохи. Здесь он изваял лучшие свои произведения - гробницу епископа Дитриха в восточном хоре и знаменитые статуи донаторов, помещенные при входе в западный хор. Наумбургский мастер работал в стиле начального периода зрелой готики, характерном для восточных областей Франции (к примеру, для Реймса). Витражисты заимствовали у него принципы моделировки фигур, объединив их с элементами 'угловатого' стиля.

Фигура святого Себастьяна помещена в декоративное обрамление из двух пересекающихся квадрифолиев на фоне пышного сплошного орнамента. Этот тип композиции, чрезвычайно попу- лярный в немецком и австрийском витражном искусстве 13 века, позволял мастеру вписывать в одно поле несколько самостоятельных фигур, располагая их друг над другом. Облик и жесты святого Себастьяна связывают его со статуями донаторов в западном хоре, однако моделировка складок одежды и такая характерная деталь, как скрещенные ноги, остаются всецело в традиции 'угловатого' стиля и его романских истоков. В цветовой гамме этого витража важную роль снова играют красный и синий тона, но, сочетаясь с зеленым и желтым, они образуют палитру, типичную для готического витража немецкоязычных областей.

Вскоре после остекления западного хора в Наумбурге началась работа над витражами для верхнего ряда окон центрального нефа в Страсбурге. На примере этих витражей, создававшихся между 1250 и 1275 годами, можно шаг за шагом проследить процесс перехода от 'угловатого' стиля к зрелой готике французского образца. Двойными квадрифолиями обрамлены только фигуры на крайнем восточном витраже южной стены. Фигуры эти занимают почти всю область окна, поэтому орнаментальный фон здесь отсутствует: оставлено лишь место для обрамления. В витраже, расположенном на северной стене, перед нами предстает принципиально новый тип композиции: поля для фигур здесь обрамлены арками с балдахинами. Теперь витражисты уже не изобретали художественные формы, а просто копировали их с архитектурных чертежей готических зданий. Фигура святого Арбогаста, помещенная на третьем окне северной стены, служит прекрасным образцом того, насколько живо и правдоподобно изображены на этих витражах святые. Святой Арбогаст повернут в профиль и стоит на пьедестале. Обрамляющий его двойной бордюр с лиственным орнаментом отделяет фигуру от каменной рамы окна. Богато украшенные одежды святого многослойны: из-под тяжелых чашеобразных складок ризы видны вертикальные складки туники и изящно струящаяся драпировка альбы. Несмотря на то что фигура эта выдержана в традициях зрелой готики, выразительное лицо святого достаточно индивидуализировано. Волосы, борода, глаза и губы резко контрастируют по цвету с телесными тонами лица и шеи.

Масштабные проекты строительства соборов в Страсбурге (возведение центрального нефа началось в 40-е годы 13 века) и Кельне (работы начались с хора в 1248 году) стали важным фактором популяризации французской готики в немецкоязычных областях. Тесные контакты с Францией поддерживали также монахи францисканского и доминиканского орденов.

Витраж 'Святая Гертруда', предоставленный для экспонирования Музею Вестфальских земель в Мюнстере графом фон Канитцем, некогда украшал снесенную ныне церковь доминиканского женского монастыря в Кельне. Вместе с 'Библейским витражом' из доминиканского монастыря в Кельне, позднее перенесенным в собор, это произведение олицетворяет окончательное торжество французской зрелой готики в прирейнских землях. Благодаря тесной связи с новаторской архитектурой Кельна и Страсбурга, витраж быстрее, чем другие виды изобразительного искусства, адаптировал формы зрелой готики, открыв тем самым потенциал для дальнейшего развития живописных стилей. На витраже 'Святая Гертруда' Богоматерь стоит под дарохранительницей, балдахин которой чрезвычайно похож на тот, что венчает страсбургский витраж с изображением святого Арбогаста. Это архитектурное обрамление заполнено синим фоном с ромбовидный орнаментом и окружено орнаментальным бордюром, в котором преобладает красный цвет.

У ног изящной Мадонны, жесты и поза которой восходят к французским моделям, изображен коленопреклоненный монах-доминиканец Игбрандус. Не исключено, что он был донатором этого витража. Возможно также, что этот витраж был преподнесен монастырю как часть традиционного дара, вручавшегося по случаю ежегодного торжественного богослужения в годовщину смерти донатора. В дополнение к письменному договору, заключавшемуся в подобных случаях между донатором и монастырем, такое подношение само по себе служило монахиням постоянным напоминанием о необходимости молиться за упокой души дарителя. В Средние века даже витраж приносили в дар не как предмет, обладающий самостоятельной художественной ценностью, а как 'пропуск на Небеса'.

Стиль французской зрелой готики в витражном искусстве вскоре проник и в Англию, хотя изящные пропорции фигур и крупные складки одежд получили там повсеместное признание лишь около 1270 - 1280 годов. Крупнейшие английские соборы (в Солсбери, Йорке и Линкольне) и Вестминстерское аббатство были украшены преимущественно витражами в технике гризайль - иными словами, монохромными орнаментальными пластинами стекла наподобие тех, какими, по идеологическим соображениям, ограничивались в декоре оконных проемов цистерцианцы. Это обеспечивало прекрасное освещение, позволявшее продемонстрировать все пышные детали ранней английской готики и пришедшего ей на смену 'украшенного' стиля. Важную роль в развитии зрелой готики в английском витражном искусстве сыграли еще два заимствования из Франции - ажурное окно и фигура под балдахином, почерпнутые из репертуара архитектурных форм. Благодаря ажурной работе восточные стены и западные фасады соборов в Йорке, Эксетере и Глостере превратились в сплошные стеклянные плоскости. В результате при рассмотрении из хора вся восточная стена превращалась, по существу, в гигантский заалтарный образ.

Витраж с восточного окна собора в Эксетере украшен великолепной фигурой пророка Исаии. Исаия стоит в изящной позе, слегка изогнув торс, и указывает правой рукой на свиток (с цитировавшимся выше пророчеством о 'Древе Иессея'), который держит в левой руке. Одежда пророка задрапирована крупными, свободно лежащими складками, лицо обрамлено волнистыми волосами и бородой. Как и на описанной выше панели с изображением Богоматери с витража 'Святая Гертруда', фон заполнен синим ромбовидным орнаментом, оттеняющим архитектурное обрамление поля, которое, в свою очередь, окружено бордюром с натуралистическим лиственным орнаментом. Согласно архивным источникам этот самый ранний из витражей восточного окна собора в Эксетере датируется 1301 - 1304 годами. (Фигура Исаии сохранилась до наших дней в оригинальном виде, но архитектурное и лиственное обрамление в 1884 - 1896 годах подверглись реставрации.)

Следующим этапом в развитии французской зрелой готики стал цикл витражей, украсивший хор аббатства Сент-Уэн в Руане (1325 - 1338). Уже отмечалось, что при работе с ажурными окнами витражисты столкнулись с целым рядом новых проблем, поскольку теперь необходимо было строить композицию в расчете на высокий и узкий оконный проем. В то же время детализированность и орнаментальность 'лучистого' стиля требовали хорошей освещенности интерьера, без которой посетителю храма было бы трудно оценить все достоинства этого варианта готики. В ответ на это последнее требование витражисты стали делать более тонкие и прозрачные стекла и пользоваться более яркими красками. В конце концов они перестали заполнять весь проем окна цветным стеклом и ограничивались теперь яркими цветными вставками в прозрачную бесцветную основу.

Что касается проблемы узких оконных проемов, то первоначально она решалась несколькими различными способами. Каждый из витражей хора в соборе Труа, выполненных целиком из цветного стекла, разделен на три секции, расположенные одна над другой. Каждая секция заполнена сценами или фигурами, помещенными в рамку из живописной архитектуры или в двойной квадрифолий. Хор собора в Туре, окна которого были остеклены в третьей четверти 13 века, все еще украшен по преимуществу полноцветными витражами. И только мастера, создавшие около 1260 года витраж 'Каноники из Лоша', впервые открыли способ украшать узкие, высокие ланцетные окна эстетически приемлемыми цельными картинами из цветного стекла, не удлиняя при этом фигуры, как поступили создатели витража на центральном окне хора в соборе Амьена. Это открытие позволило также повысить освещенность интерьера. Суть его состояла в том, что значительная часть оконного проема теперь заполнялась бесцветным стеклом, в которое вставляли горизонтальную цветную полосу. Эта техника получила развитие в декоре коллегиальной церкви Сент-Урбен в Труа и, около 1280 года, в соборе в Се, после чего заняла господствующее место во французском витражном искусстве вплоть до середины 14 века.

В ходе работ над остеклением хора руанского аббатства Сент-Уэн техника сочетания бесцветного и цветного стекла была стандартизирована. В капеллах деамбулатория оконные проемы заполнены бесцветным стеклом с цветным бордюром и центральным цветным включением. Бесцветное стекло выложено ромбовидными пластинами, образующими сетку, которая походит на шпалеру, увитую изящными стеблями растительного орнамента. Центральные полноцветные включения, занимающие около половины высоты окна, образуют в совокупности широкую цветную полосу, охватывающую весь нижний ярус хора.

На северо-восточном окне центральной капеллы (капеллы Богоматери) помещена сцена Благовещения. Дева Мария стоит под пышным балдахином, который расположен на красном фоне с лиственным орнаментом. Позу ее отличает характерный Я-образный изгиб; свободно ниспадающие складки одежды скрывают плотные, округлые формы тела. Мастерство, проявленное витражистом в тонкой игре светотени, придает объемность складкам драпировки, лицу и рукам: кажется, будто фигура Богоматери выступает вперед на фоне стекла, как рельеф. Оттенки желтого и синего тонов в сочетании с насыщенным красным цветом придают этой композиции теплое свечение, резко отделяя ее от серебристых пластин бесцветного стекла, обрамляющих сцену Благовещения сверху и снизу. Стиль изображения фигур на руанских витражах связан с последними достижениями парижских живописцев, в первую очередь - с учениками и последователями иллюстратора Жана Пюселя. Эта стилистическая близость к парижскому искусству периода около 1325 года позволяет предположить, что настоятель аббатства Сент-Уэн пригласил для остекления своей церкви мастеров из столицы.

Еще один выдающийся образец витражного искусства той эпохи сохранился до наших дней в хоре собора в Эвре (к юго-западу от Руана). Верхний ярус этого хора вскоре после завершения строительных работ был украшен витражами по инициативе епископа Жоффруа ле Фаз. Если в хоре Сент-Уэн монументальные цветные картины были помещены на бесцветном фоне, то в Эвре три окна восточной стены целиком заполнены цветным стеклом. На центральном окне изображена Мадонна с Младенцем (собор посвящен Деве Марии) и Иоанн Креститель, который был святым покровителем предыдущего епископа, Жана дю Прата. В левом окне помещено монументальное Коронование Марии, а в правом - Благовещение. В нижней зоне каждой из трех композиций изображены коленопреклоненные донаторы и их гербы. Изящество, отличающее витражи эвреского деамбулатория, достигает здесь такой степени великолепия, что назвать эти шедевры простой имитацией руанского стиля уже невозможно: перед нами оригинальное достижение витражного искусства.

Цикл витражей, сопоставимых по качеству с композициями из Сент-Уэн и Эвре, был создан в 1325/1330 - 1340 годах для хора церкви аббатства в Кенигсфельдене (Швейцария). Этот двойной францисканско-клариссинский женский монастырь основали на том самом месте, где в 1308 году король Альбрехт 1 пал от руки своего племянника, две представительницы династии Габсбургов - королева Елизавета и королева Агнесса, не поскупившись на пышную отделку своего детища. В центре остекленного хора помещены витражи с эпизодами из евангельской истории, в частности - с 'Поклонением волхвов'. Каждая сцена этого повествовательного цикла, занимающего все три секции окна, заключена в архитектурное обрамление. Младенец Христос, сидящий на коленях Марии, протягивает руки к гостям, принесшим богатые дары. Объемность трона Богоматери и частично перекрывающие друг друга фигуры центральной секции - первые робкие признаки тенденции к передаче пространства в живописном изображении. Концепция объемности в живописи, зародившаяся в Италии, к северу от Альп впервые стала систематически использоваться в Париже в 20-е годы 14 века. Где именно были изготовлены роскошные кенигсфельденские витражи, неизвестно (возможно, их создали мастера в Базеле).

Визуальной объемностью отличаются изображения трех витражных циклов, созданных приблизительно в тот же период на юго-западе Германии: на центральном окне хора впоследствии снесенной доминиканской церкви в Страсбурге (витражи ныне находятся в капелле Святого Лаврентия в соборе этого города), на центральном окне хора францисканской церкви в Эслингене и на кенигсфельденских окнах.

Секция монументального Распятия, украшающего хор собора Санкт-Стефан в Вене, с изображением Богоматери и святого Иоанна была воспроизведена также в декоре другого здания, выстроенного по заказу Габсбургов. При герцоге Альбрехте 2 Австрийском хор в стиле зрелой готики был наконец достроен и в 1340 году освящен. По-видимому, работа над Распятием завершилась незадолго до этого события. Эмоциональное напряжение, исходящее от фигур Богоматери и святого Иоанна, подчеркнутое темно-красным фоном, - весьма красноречивое проявление характерной для того периода глубины религиозных чувств.

Вторая половина 14 столетия стала настоящим золотым веком витража в немецкоязычных областях. Крупным центром производства витражей была Прага, где в 15 веке гуситы уничтожили все плоды этого искусства. Влияние пражских мастеров распространялось на Австрию (Вена), Восточную Германию (Эрфурт), Франконию (Нюрнберг), Швабию (Ульм), верхнерейнские земли (Шлеттштатд) и даже Англию. Во Франции многие витражи также погибли во время Столетней войны (1337 - 1453) и религиозных войн 16 века. К концу 14 столетия художественные стили, преобладавшие в двух важнейших центрах витражного искусства - Париже и Праге, - во многом сблизились между собой, и в результате, как это уже случалось на рубеже 13 - 14 веков, на заре 15 столетия сформировался интернациональный стиль, который историки искусства называют 'мягким стилем' или 'интернациональной готикой'.

Выдающимися образцами этого стиля являются Королевское окно в хоре собора Эвре (1390 - 1400) и большое окно в приемной люнебургской ратуши (ок. 1410). Витраж, поднесенный в дар собору Карлом 6, был, по-видимому, изготовлен в парижской мастерской. В центре этого витража, разделенного на четыре секции, помещена фигура монарха. Он изображен коленопреклоненным в небольшой, перекрытой сводом часовне. Вместе со стоящим рядом святым Дионисием король обращен лицом к Богоматери. Виртуозное мастерство, с которым выполнена эта композиция, превосходит все известные произведения французского витражного искусства той эпохи. А в люнебургской ратуше сохранился от начала 15 века один из редчайших образцов монументального витража на светскую тему. 'Девять великих', к числу которых относились Карл Великий и король Артур, считались в эпоху позднего Средневековья идеальными правителями, а потому изображения их нередко встречались в ратушах.

К середине 15 века витражное искусство стало испытывать все более заметное влияние фламандской станковой живописи - ведущей школы того периода. В 1451 году богатый французский купец Жак Кер, которому было пожаловано дворянство, внес щедрое пожертвование на витражный декор своей капеллы в соборе Буржа. Витраж Жака Кера отмечен несомненной печатью стиля Яна ван Эйка. Как и в Эвре, центральная сцена распределена здесь между двумя секциями. В одной помещена фигура архангела Гавриила, принесшего Марии благую весть, в другой - сама Дева Мария. Как и в Эвре, в других двух секциях изображены святые покровители донатора и его супруги. В просветах ажурного орнамента парят ангелы с гербами королевского дома, на службе у которого состоял Жак Кер. Этот витраж выполнен в художественных традициях парижской школы, но по эскизу фламандского художника. В соответствии с традицией монументального витража фигуры помещены на переднем плане и не занимают все доступное пространство.

До сих пор, за исключением окон люнебургской ратуши, мы рассматривали только витражи, украшавшие соборы и роскошные постройки, связанные с придворными кругами. Однако со второй половины 14 века витражи все чаще использовались и в декоре городских приходских церквей. Витражисты стали приезжать в города, где прежде не существовало традиций витражного искусства, - например в Ульм, где в 1390 - 1420 годах был заново остеклен хор собора. Около 1430 - 1431 годов были изготовлены витражи для капеллы семейства Бессереров на южной стороне хора. Мастер, выполнявший заказ Бессерера, был, несомненно, знаком с произведениями фламандского художника Робера де Кампена (Флемальского мастера). Используя новейшие стилистические достижения, он превратил ульмскую мастерскую в одну из самых передовых в Южной Германии, что принесло ему немало заказов в других городах (например, в Констанце, Блаубойрене и Берне).

Именно в этой ульмской мастерской был изготовлен в 1441 году первый витраж для готического хора собора в Берне. В 1447 году капитул собора решил препоручить дальнейшую работу по остеклению хора местным мастерам. Результатом стал витраж Поклонение волхвов на северной стороне хора, оплаченный семейством Рингольтингенов. Этот витраж выполнен по эскизу художника или нескольких художников, работавших в традициях Верхне- рейнского мастера (см. франкфуртский 'Райский сад'). В цикле картин из цветного стекла находится редкий для витражного искусства сюжет - история волхвов, завершающаяся великолепной сценой поклонения Младенцу Христу.

С середины 15 столетия художественное развитие французского витража определялось фламандскими влияниями. В 1474 году герцог Жан 2 де Бурбон отдал распоряжение о постройке новой коллегиальной церкви (ныне собор) рядом со своим замком в Мулене. (В 1527 году работы были приостановлены, и церковь достроили только в 19 веке.) Около 1480 года в возведенной на тот момент части церкви остеклили окна. Одно из этих окон украсил великолепный витраж Распятие, выполненный по заказу кардинала-архиепископа Лионского Карла де Бурбона. Он выдержан в стиле фламандского живописца Хуго ван дер Гуса, но в лучших традициях витражного искусства разделен на три самостоятельные сцены.

Приблизительно с того же времени под влияние фламандской станковой живописи попадает и немецкий витраж. Ведущим представителем этого нового стиля в Эльзасе был Петер Геммель, руководивший мастерской в Андлау. Его произведения настолько пришлись по вкусу современникам, что на четыре года Геммелю пришлось объединить под своим началом еще четыре мастерские: только так удавалось справляться с большим количеством заказов.

В 1481 году Геммель создал великолепный цикл витражей для капеллы семейства Фольккамеров в хоре нюрнбергской церкви Санкт-Лоренц - одну из лучших своих работ, выполненных за годы совместной деятельности с другими мастерами. В центре этой композиции изображено 'Мистическое бракосочетание Святой Екатерины'. Элегантный стиль изображения фигур сочетается здесь с блестящей техникой витражного искусства. К сожалению, витражи Фольккамеров стали последним шедевром, вышедшим из мастерских Геммеля, - однако их можно назвать вполне достойным финалом истории позднеготического витража.

12. Готическая скульптура Франции.

О характере ранней готической скульптуры Франции можно судить по группе, расположенной на портале южного трансепта собора в Шартре, принадлежащей первой четверти 13 века (св. Стефан, св. Климент, св. Лаврентий и др.). От романского стиля в них сохранились строгая фронтальность постановки, удлиненные пропорции, полная подчиненность форм монолитности каменного блока и симметричность как в общих контурах, так и в расположении складок. Новыми являются интерес к психологической выразительности изображенных персонажей. Дальнейшую ступень в развитии готической скульптуры Франции представляет великолепная группа трех святых: св. Мартина, св. Иеронима и св. Григория на другом портале того же трансепта. Фигуры отличаются здесь простыми очертаниями, но для них характерны менее удлиненные пропорции, большая устойчивость поз и более сильная моделировка, сообщающая им значительно больше достоверности. Великолепно переданы волевое начало и энергия в образе св. Мартина — воина, неутомимого деятеля церкви и главного распространителя христианства в Галлии. Не менее тонко прочувствован характер двух других святых, на этот раз церковных писателей и богословов, людей книги, привыкших к созерцанию и философскому мышлению. Наиболее ранним готическим статуям присущи сохранившиеся от романского периода известная напряженность позы и строгий параллелизм в постановке ног. Постепенно фигуры трактуются более свободно. Некоторое отклонение от строгой фронтальности, легкий сгиб в коленях и перемещение тяжести тела на одну ногу сообщают фигурам большую непринужденность. Приемы эти получили дальнейшее развитие на замечательных порталах западного фасада амьенского собора, где в первую очередь следует отметить три группы на правом боковом портале: «Благовещенье», «Встреча Марии и Елизаветы» и «Принесение во храм». Одухотворенность идеализированных образов является одной из характернейших черт этой скульптуры. Дальнейшая эволюция направлена в сторону усиления рельефности в моделировке и искания эффектов живописного порядка. Одна из лучших статуй всей французской скульптуры 13 века фигура св. Фирмена, находящаяся на середине посвященного ему портала Амьенского собора, наглядно выявляет эти черты. Скульптура отличается строгой симметричностью контуров и складок широкого епископского облачения. И, несмотря на это, о скованности форм нет и речи. Фигура торжественна, полна жизни так же, как живет и ее проникнутое выражением глубокой человечности уверенно моделированное лицо. Вершина достижения готической скульптуры — фигура Христа среднего западного портала все того же Амьенского собора. Показанный в рост, фронтально, с одной ногой, чуть выдвинутой вперед, Христос попирает льва и дракона — символы антихриста и дьявола. Готическая скульптура здесь сочетает естественность, почерпнутую из наблюдений действительности, с чертами идеализации образа. Голова Христа, устремившего взгляд в пространство, выражает просветленное спокойствие, доброту и отрешенность от мира. Ее лепка широкими обобщенными планами, обычная на этом этапе, как нельзя лучше отвечает задачам монументальности образа. Стиль драпировок, отличающий Христа Амьенского собора, становится к середине 13 века господствующим. Тогда же достигает полного развития мотив постановки фигур с неравномерным распределением тяжести корпуса на обе ноги. Бедро той, на которую фигура главным образом опирается, несколько выступает, другая нога, чуть согнутая в колене, немного отставлена. Очертания статуи приобретают благодаря этому небольшой дугообразный изгиб, сообщающий фигуре подобие сильно удлиненной латинской буквы S. В некоторых случаях такая постановка внутренне обоснована. Так, в аллегорическом изображении Синагоги она сообщает фигуре ощущение неустойчивости. В результате Синагога как бы противопоставляется твердо стоящей, торжествующей фигуре Церкви. Еще более мотивирована эта поза в фигуре стоящей Мадонны с младенцем на руках. Здесь она обусловлена желанием создать противовес поддерживаемой тяжести. Во второй половине 13 века такая постановка получает, однако, самое широкое распространение, приобретая характер моды, которая будет держаться более столетия. Большим достоинством готической скульптуры первой половины 13 века является единство содержания и формы. Серьезности ставившихся церковью тем отвечали строгие и значительные образы. С середины века интерес художников направлен, главным образом, на решение формальных проблем. Наряду с некоторыми чертами стилизации усиливается реалистическая направленность. Позитивные элементы слагающейся культуры буржуазного общества находят постоянное и явственное отражение. Для представления о характере отмеченных тенденций чрезвычайно важный материал дает главный портал собора в Реймсе (ок. 1260). Из его многочисленных фигур наиболее интересны те, в которых, как в св. Иосифе и в св. Анне из группы «Принесение во храм», отчетливо выступает новая стилистическая манера. Живописно ниспадающие складки, элегантность удлиненных фигур с маленькими головами, изящество поз и жестов сообщают им почти светский облик. Кокетливость Анны, самодовольство Иосифа, изображенного с каким-то особенно лукавым выражением лица, далеко уводят нас от серьезности религиозного искусства предшествующего этапа. Улыбка становится как бы обязательной, но мало варьируется в оттенках экспрессии и придает в дальнейшем лицам общность выражения и манерность. Почти с назойливостью эти черты повторяются в фигурах ангелов реймского собора (ангел в группе «Благовещение» и др.). В ином стилистическом плане выполнены более ранние фигуры из сцены Встречи Марии и Елизаветы, помещенной в среднем портале (1225—1240). Общий характер, пропорции и драпировки, слагающиеся в крупные массы, обилие живописных деталей свидетельствуют об изучении памятников античности. Декоративность и сильный налет светской культуры становятся во французской скульптуре с третьей чертверти 13 века широко распространенным явлением. Для стилистической характеристики этой ступени важны статуарные изображения апостолов из Сен Шапель в Париже (ок. 1248), равно как и так называемая «Золоченая Мадонна» на портале южного трансепта в Амьенском соборе (ок. 1288). Последняя фаза скульптуры 13 века характеризуется усилением реалистических элементов. Насколько интерес к окружающей действительности становится силен, красноречиво говорит появление монументальной скульптуры чисто светского характера. Выдающимся памятником ее представляются пять фигур музыкантов, изображенных в натуральную величину, сидящих в нишах второго этажа на фасаде дома цеха музыкантов в Реймсе (последняя четверть 13 в.). Процесс стилистической эволюции готической скульптуры за 13 столетие, прослеженный на памятниках статуарной пластики, находит свое отражение и в рельефах. К шедеврам рельефов периода расцвета готического стиля относится тимпан левого портала на западном фасаде собора Парижской Богоматери, посвященный теме «Коронования», и «Страшный суд» на портале южного трансепта в Шартре (оба 1210—1220). Они отличаются благородством форм, серьезностью подхода к теме и глубокой одухотворенностью образов. В формальном отношении новшеством является разделение плоскости тимпана на горизонтальные зоны. Прием этот, обусловленный стремлением к более реалистическому, чем в романском искусстве, изображению фигур одной и той же композиции в одинаковом масштабе, становится с этих пор общим для рельефов, украшающих тимпаны. Со второй четверти 13 века в иконографии «Страшного суда» начинают играть все большую роль изображения резверзающихся гробниц и встающих из них мертвецов, а также сцены блаженства праведников и мучений грешников. Наблюдения окружающей жизни получают здесь яркое отражение в позах фигур и характеристике душевных переживаний. Следует отметить также, что тема «Воскресения мертвых» давала чуть ли не единственный повод для изображения обнаженного тела и, вглядываясь в памятники, можно видеть, как идет овладение знанием человеческой фигуры в ее разнообразных положениях и, порой трудных для передачи, ракурсах. Особенно наглядно все это выступает в «Страшном суде» собора в Бурже (последняя четверть 13 в.).Интерес к человеку и влечение к анекдотичности рассказа нашли у художников готики свое выражение также в изображении сцен из жития святых. Обширный сборник легенд, составленный во второй половине 13 века доминиканцем, впоследствии генуэзским епископом, Яковом из Вираджо, получивший известность под названием «Золотой легенды», явился главным источником, откуда черпались соответственные сюжеты. Выдающимся примером памятников, посвященных изображению легенд о святых, служит датируемый последней четвертью 13 века тимпан с «Историей св. Стефана» на портале его имени собора Парижской Богоматери. Реалистические тенденции проявляются со всей определенностью и во множестве небольших рельефов, дополнявших убранство порталов. Особый простор давали в этом отношении художникам упоминавшиеся календарные изображения времен года в виде отдельных жанровых фигур или сценок. Действующими лицами являются, как правило, крестьяне, занятые полевыми работами. Костюмы, приемы работы, подробности быта передаются правдиво и живо. К особенно художественным изображениям принадлежат великолепные фигуры крестьянина, точащего косу, охотника с соколом и других на косяках западного портала собора Парижской Богоматери (первая половина 13 в.). Не меньше наблюдательности и свежести в передаче человека и бытовых мотивов встречается в аллегорических сценах, изображающих добродетели и пороки, причем последние дают скульпторам повод проявить и тонкое чувство юмора. Цоколи главных фасадов соборов в Амьене и Пари же представляют опять-таки отличные тому примеры: любопытна, например, сцена, где сидящая гневная дама толкает ногой неугодившего ей слугу. Что касается, наконец, всевозможных фантастических образов, то отличные примеры так называемых «химер» (чудовищ, сидящих по карнизам и на парапетах башен), а также гаргулей дают соборы в Амьене и Реймсе. 14 век ознаменован в целом качественным снижением монументальной скульптуры. «Столетняя война» с Англией, в результате которой значительная часть территории Франции оказывается занятой неприятелем, в сильной мере замедляет темпы развития французского искусства. При всем том с середины 14 века в его истории наблюдается очень важное явление — быстрый рост реалистической портретной скульптуры. Ее начало связывается с распространением еще в конце романского периода надгробных монументов, в лежащих фигурах которых проявляются искания портретного сходства. Укоренившееся в 13 веке обыкновение снимать маску с лица усопшего наряду с общими реалистическими тенденциями эпохи приводит к появлению чисто портретных фигур, ставящихся на порталах церквей и, еще чаще, украшающих замки королей и крупных феодалов. Типичнейшими являются некогда украшавшие портал церкви целестинцев в Париже, ныне же находящиеся в Лувре, стоящие фигуры короля Карла V и его жены Иоанны Бурбонской (ок. 1370). Уже не молодая чета представлена с необычайным реализмом, не останавливающимся перед правдивостью передачи- и далеко не красивого профиля Карла, и отяжелевших форм королевы. Готическая скульптура Бургундии и Нидерландов. В конце 14 века важную роль в истории искусства начинают играть Нидерланды (области, расположенные в низовьях рек Рейна, Мааса и Шельды). Объединенные с французским вассальным княжеством — Бургундией, они, под властью бургундских герцогов, образуют в первой половине следующего, 15, столетия независимое централизованное государство, бывшее в экономическом отношении одним из передовых в тогдашней Европе. Во второй половине 14 века во французской и нидерландской скульптуре отчетливо выступают новые черты, контрастирующие со стилем первой половины века. Хрупкость и изящество уступают место энергии и силе, фигуры приобретают массивность, ярко выступает стремление к индивидуализации черт лица. Крупнейшим мастером этого направления был Клаус Слютер (?—1406), уроженец Гарлема, приглашенный в 1385 году в Дижон, где он был привлечен к работам по скульптурному убранству основанного Филиппом Смелым монастыря Шанмоль. Портал церкви украшен коленопреклоненными статуями Филиппа Смелого и его жены, за которыми возвышаются фигуры Иоанна Крестителя и св. Екатерины, представляющие герцогскую чету Мадонне. Статуя последней помещена на центральном столбе. Остро охарактеризованы индивидуальные особенности лиц; под глубокими складками одежды ощущается тело. Самое знаменитое произведение Слютера — так называемый «Колодец пророков», служивший основанием для большой группы «Голгофа» во дворе монастыря (не сохранилась). Шесть статуй пророков, помещенных в плоских нишах по сторонам шестигранного столба, отличаются выразительностью пластической формы и яркостью образов. Особенно большой славой пользуется статуя Моисея, сурового и могучего старца.

13. Готическая скульптура Германии.

Монументальная готическая скульптура в Германии пережила расцвет во второй трети XIII в. Своеобразие ее образного строя было обусловлено не только традициями немецкой пластики, но и ситуацией в политической и духовной жизни страны, где в этот период затухала рыцарская культура, а имперские идеи были поставлены под сомнение. В стране, лишенной единства, общенациональные интересы были преданы забвению. Не общее, а индивидуальное привлекало немецких скульпторов.

Программы немецких скульптурных циклов менее обширны, нежели во Франции. Они назидательны, теснее связаны с политическими проблемами времени. В образном строе немецкой скульптуры на первый план выступили черты экспрессии и характерности. Обращение к новым художественным формам раньше всего обозначилось в западных областях, находившихся в непосредственной близости к Франции. В то время как скульптура в Саксонии и Тюрингии находилась еще во власти византизирующего направления, в Страсбурге около 1230 г. начала работать мастерская, воспринявшая стиль шартрских статуй. Мастера были призваны оформлять двухчастный портал южного трансепта собора, который их предшественники построили в тяжелых романских формах. Скульпторы мастерски вписали готические статуи и рельефы в грузное обрамление. Западные врата украшает тимпан, содержащий полную драматической экспрессии сцену «Успение Богоматери». Здесь проявилась любовь страсбургских мастеров к тонкой одухотворенной игре складок и классическим античным образцам. По сторонам двухчастного портала установлены аллегорические фигуры — торжествующей Церкви и поверженной Синагоги. Эта антитеза, имевшая широкое теологическое толкование, неоднократно привлекала в дальнейшем немецких ваятелей. Но страсбургская группа выделяется силой эмоционального накала. Символический смысл статуй раскрывается контрастом душевных состояний. Характерный для готики S-образный изгиб тела получил свое звучание в каждой из статуй: у Церкви — это движение гордо откинутой головы и корпуса, в позе Синагоги звучат горечь поражения и бессилие. Силуэт Церкви обобщен, ниспадающий прямыми складками плащ придает фигуре устойчивость. Абрис Синагоги зыбок, мотив сломанного копья резонирует в изгибе тела, в ломких линиях левой руки, из которой выпадают скрижали Завета. Страсбургские статуи драматизируют разделяющее их пространство, одухотворяют приземистое обрамление.

Иную интерпретацию французских образцов дали мастера Бамберга. «Младшая» скульптурная школа, прошедшая выучку во Франции, начала работать в соборе Санкт-Петер-унд-Георг также около 1230 г. Мастера завершили скульптурную декорацию «Княжеского портала», поместив в тимпане композицию «Страшный суд», создали скульптуру «Адамовых врат», а внутри храма исполнили изображения «Всадника», Марии и Елизаветы. В Бамберге сочетание готических статуй с романским зданием оказалось менее органичным, статуи приобрели самостоятельное значение. Достаточно сильной у бамбергских мастеров оказалась тяга к жанровости и характерности. Но у каждого из трех скульпторов она получила различный оттенок. Автор «Страшного суда» — рассказчик, который заостряет образы до гротеска. Скульптор «Адамовых врат» более сдержан, его влекут к себе значительные образы. Программа портала была связана с политическими и моральными проблемами эпохи. Появление изображений Генриха II и его жены Кунигунды в соседстве с апостолом Петром, Адамом и Евой не только прославляло основателей храма, но косвенно намекало на имперскую политику короля и роль епископа. Создатель «Адамовых врат» был крупной творческой личностью. Изображение обнаженных Адама и Евы явилось смелым новаторством в средневековой скульптуре. Третий скульптор, работавший в Бамберге, создал статуи Марии и Елизаветы и большую фигуру «Всадника». Задуманные для сложного теологического цикла статуи оказались впоследствии разрозненными и современное положение получили в XVII в. Их автор хорошо знал скульптуру Реймса. Но в немецкой работе по-иному расставлены акценты. В группе «Встречи Марии и Елизаветы» на первый план выдвинулся образ Елизаветы. Ее аскетическое лицо пронизано внутренней энергией, сумрачным пафосом пророчества. Не случайно впоследствии статую называли «сивиллой».

«Всадн