Специфика театрального искусства

Театральное искусство - синтетический (или синкретичный) вид искусства. Театр - это синтез многих видов искусств, ь торые вступают во взаимодействие друг с другом (литература, изобразительное искусство, архитектура, музыка, хореография, ь но, пантомима и др.). Подобный синтез в театре возможен, когда каждый вид искусства будет выполнять свою определенна функцию.

Театральное искусство - способ художественного отражения действительности и познания окружающего мира, эстети» ского воспитания масс. Отражение действительности, изображение характеров, событий, конфликтов, их трактовка, оценка, утве ждение идей происходят в театре посредством драматического действия, которое возникает в процессе игры актера перед ny6j кой.

Окружающая действительность, события, характеристика персонажей отражаются через систему образов. Единый обр: ный строй спектакля создается гармонией всех его элементов: драматургия, стилистическое и жанровое решение спектакля, акте ское мастерство, организация сценического действия во времени (ритм, темп, настроение, подъем и спад эмоционального напрям ния и т.п.) и пространстве (построение мизансцен, декорации и т.п.).

Театр - искусство коллективное. Главенствующую роль здесь играет творческий союз режиссера - драматурга - актера.

Основой театрального искусства является драматургия. В основе драматического представления лежит текст (пьеса), результате переноса драматургического текста на сцену литературное слово становится словом сценическим.

Происхождение театра. Годом рождения мирового театра принято считать 534 г. до н.э. (год постановки трагедии афv ского поэта Феспида). В разные исторические периоды театральное искусство выполняло различные функции: магическ обрядовую, проповедническую, пропагандистскую, воспитательно-образовательную, развлекательную, гедонистическую, худой ственно-эстетическую.

Высокое художественное, воспитательное и эстетическое значение театральные представления имели в Древней Грец^ Древнем Рийе.

В эпоху Средневековья (V-XV вв.) применительно к театру выдвинули определение Theatrum Mundi (лат. «мир в театре Сценическое пространство мыслилось как модель мироздания, где актерам следовало разыграть, повторить таинство творения. Средние века развитие театра у европейских народов началось как бы заново, с искусства бродячих актеров - шпильманов, мене< релей, также с религиозных действ (литургическая и полулитургическая драма) и площадных фарсов.

В эпоху Возрождения (XIV - 1/3 XVII вв.) происходит бурный расцвет европейского театра. Появляются крупнейш драматурги (Кальдерон, Jlone де Вега, Шекспир), развиваются театральные жанры и формы. Театр проникается идеями гуманизл обретает философскую направленность. В эпоху Возрождения основной задачей театра было исправление пороков человека и f правление его на путь истинный и достойный:

Театр эпохи Классицизма (XVII в.) - театр нормативной эстетики и рационализма. В этот период происходит секуляри: ция сюжетов, выработка канонов, норм и законов постановки. Драматургия Корнеля, Расина, Мольера утверждала идеальных ref ев.

В эпоху Просвещения (XVIII в.) искусство сцены оценивалось высоко: оно очищало нравы и поощряло добродетель. В ' атре нашли отражение просветительские идеи Дидро, Руссо, Лессинга. Искусство обрело реалистический характер.

В XIX веке театр демократизируется. Развиваются массовые формы. Возникают театры для простонародья (бульварны В первой половине XIX в. зарождается романтический театр, который отличается повышенной эмоциональностью. Театр XIX ве - это актерский театр. В 1830-е гг. в литературе зарождается критический реализм (Гоголь, Островский, Чехов, Шоу, Ибсен). Tea становится глубоко национальным. Центом театрального искусства становится Россия. Русское сценическое искусство - это теа реализма.

В XX в. театр становится трибуной свободы. XX век - век режиссерский.

В своем развитии театральное искусство прошло через различные художественные течения - классицизм, сентимен' лизм, романтизм, реализм, символизм, сюрреализм, экзистенциализм и др.

ВИДЫ ТЕАТРА

Первые театральные представления включали в себя слово, пение, танец и движение. Они отличались синкретизмом (от гр «синкретисмос» - «соединение»), то есть такой степенью слитности составных частей, что зритель не мог вычленить их в сво сознании и оценить каждую форму отдельно. Постепенно синкретизм сменился синтезом - намеренным соединением разных фор:

Самый древний исторически сложившийся вид - драматический театр. Его главным выразительным средством являет слово. Смысл происходящих на сцене событий, характеры действующих лиц раскрываются с помощью слов.

Музыкальный театр

• Опера [ит. opera, лат. opera - произведение, сочинение] - музыкально-драматическое произведение, содержан которого воплощается в сценических музыкально-поэтических образах и выражается с помощью инструме тальной (оркестровой) и вокальной (сольной, хоровой) музыки. Опера сложилась в Италии на рубеже Х\ XVII вв. Опера является самостоятельным видом театрального искусства.

• В XVI в. в европейском придворном искусстве сложился балетный театр [фр. ballet, ит. ealetto, ср.-лат. ballari танцевать] - вид театрального искусства, сочетающий хореографию, музыку и драматургию. Сформировался основе придворных и народных танцев. В балете события, взаимоотношения персонажей показываются в де жении и танце. В балетных спектаклях заняты солисты, а также корифеи (в русском театре так называли глав! го артиста кордебалета, танцевавшего на первой линии), кордебалет (участники массовых сцен). Балетный оперный спектакль имеет либретто (содержание).

• Оперетта [итал. operetta - маленькая опера] как самостоятельный вид музыкального театра сложилась в 185(гг. во Франции. Оперетта является и музыкальным жанром, и самостоятельным видом театрального искусст Оперетта, как вид театра, занимает промежуточное положение между оперой и драмой. Оперетта - музыкалы сценический показ, в котором музыкально-вокальные и музыкально-хореографические номера чередуются с ра говорными сценами. Основу музыкальной драматургии определяют формы массово-бытовой и эстрадной муз] ки (главным образом куплетная песня и танец). В оперетте используются и специфические оперные форм (ария, ансамбль, хор, увертюра), простейшие по своему строению, что вместе с общедоступным характером м зыки отличают оперетту от комической оперы с разговорными диалогами. Музыкальные и хореографическ] номера в оперетте драматургически взаимосвязаны и являются основными носителями драматического действ! и идейно-образного смысла. Сюжеты оперетт обычно комедийные, легкие, развлекательные, где разговори! диалоги чередуются с пением и танцами.

• Мюзикл [от англ. Musical - музыкальный, мелодический] - сокращенная форма понятий «musical comedy» (м зыкальная комедия) и «musical play» (музыкальная пьеса, музыкальное представление). Мюзикл - музыкальн сценический жанр, использующий выразительные средства эстрадной и бытовой музыки, драматического, х реографического и оперного искусства. Мюзикл - основан на синтезе музыки, драмы и хореографии на свобо. ных (автономных) началах. Эта характеристика позволяет относить мюзикл к смешанным (синтетическим) жа! рам. Мюзикл имеет жанровые разновидности: мюзикл-опера, мюзикл-оперетта, мюзикл-драма и др. Жанр мь зикла сформировался в конце XIX в. в США. Мюзикл, также как и опера, балет, оперетта, является и жанром и в дом музыкально-театрального искусства. Определяющими жанра мюзикла являются три главных компонента текст, музыка и хореография. Сюжет мюзикла может быть как комическим, так и драматическим, а мелодии част становятся шлягерами. Свое широкое развитие мюзикл получил в 1920-х гг. в США. а после Второй мировс войны - на сценах Англии, Австрии, Франции. Наиболее удачные мюзиклы были экранизированы («Кабаре «Иисус Христос - суперзвезда», «Звуки музыки», «Призрак оперы» и др.).

Самым древним видом театральных представлений является пантомима [от греч. «пантомимос» - «подражание»]. Иску ство пантомимы зародилось в эпоху Античности. Пантомима представляет собой спектакль без слов, либо короткие номера ил даже развернутое сценическое действие с сюжетом. В XIX в. появляются имена известных актеров этого вида искусства: англж ский клоун Джозеф Гримальди (1778-1837). французский Пьеро - Жан Гаспар Дебюро (1796-1846). В XX в. - Этьен Декру (189: 1985), Жан Луи Барро (1910-1994), знаменитый французский мим Марсель Марсо (род. 1923 г.).

В 1870-е гг. в европейских странах - Франции, Германии. Австрии и других - получили развитие театры-кабаре. Этот т соединил формы театра, эстрады, короткие драматические сценки, пародии, песни. В конце XIX в. в Европе самыми популярными теа рами-кабаре были «Черная кошка» (Париж), «Одиннадцать палачей» (Мюнхен), «Пропади все пропадом» (Берлин), «Кривое зеркало» (П< тербург).

Особым видом театрального представления является кукольный театр. Первые упоминания о кукольных спектаклях, к(торые разыгрывались в домах знати, относятся к эпохе Античности. В эпоху Средневековья спектакли кукольного театра устраив; лись на городской площади или улицах (между деревьями или столбами натягивалась занавеска, за которой происходило действо В XIX в. для кукольных спектаклей были выстроены специальные помещения, так как представления кукольного театра требук специального сценического оборудования.

В каждой национальной культуре сложились свои кукольные герои. Куклы отличаются не только по внешнему виду, но по устройству и особенностям управления ими. Исторически сформировались следующие типы кукол: куклы, которыми управл) ют с помощью ниток (марионетки), перчаточные («петрушечные»), тростевые куклы, теневые, планшетные, механические и др.

К специфическим видам театрального искусства можно отнести театр миниатюр (в репертуаре театра преобладают прс изведения малых форм - одноактовые пьесы-шутки, пародии, интермедии, монологи, куплеты, музыкальные, эстрадные и цирке вые номера и т.п.).

Монотеатр (театр одного актера)

Театр теней.

Пластический театр и др.

ТЕАТР ЭПОХИ АНТИЧНОСТИ

Античным [от лат. «antiquus» - «древний»] театром называют сценическое искусство Древней Греции и Древнего Рима которое существовало в период с VI в. до н.э. по IV-V вв. н.э. Греческий театр достиг своего расцвета в V в. до н.э., расцвет рим ского театра - III-II вв. до н.э.

ДРЕВНЯЯ ГРЕЦИЯ. Основой мировоззрения древних греков (до принятия христианства) была мифология. Мифологи выросла из стремления понять и объяснить окружающий мир. Греческие мифы разнообразны по содержанию: в них рассказываете о происхождении мира, о греческих богах и героях, явлениях природы, возникновении обрядов и обычаев, музыкальных инстру ментов. У древних греков и римлян сформировался свой пантеон богов. В честь богов устраивались обрядовые праздники с эле ментами карнавализации.

В Пантеоне греческих богов особое место отводится Дионису, или Вакху (бог растительности, виноградарства и виноде лия. позднее стал богом поэзии и театра). Диониса сопровождали сатйры (демоны плодородия, козлоногие существа, которые прс славляли подвиги и страдания бога). Истоки древнегреческого театра и драмы - в магических обрядах в честь бога Диониса. Н праздниках пели торжественные и веселые карнавальные песни. Участники шествия мазали лицо винной гущей, надевали маски облачались в козлиные шкуры. Из обрядовых игр в честь Диониса выросли три жанра древнегреческой драмы: трагедия (трагос «козел» и одэ - «песнь», то есть «песнь козлов»). Название происходит от спутников Диониса - сатиров; комедия (комос - шестви толпы ряженых, которая с шутками и насмешками выступали на празднике в честь бога Диониса и «одэ», то есть «песнь комоса»' сатировская драма (название происходит от хора сатиров). Сатировская драма имела веселый игровой характер и счастливый кс нец. Ее ставили как заключение к трагедии.

Происхождение древнегреческого театра. Историк Плутарх писал, что в 534 г. до н.э. на празднике Великих Диониси состоялась постановка афинского трагического поэта Феспида (VI в. до н.э.). Название самой трагедии не сохранилось. Год ее пс становки принято считается годом рождения мирового театрального искусства. Известно, что Феспид из хора выделил одного ак тера, который исполнял роль Диониса, также по ходу действия изображал различных персонажей. Действие трагедии строилось н диалоге актера и хора, причем роль актера была не велика. Главным действующим лицом являлся хор. Таким образом, ранняя гре ческая трагедия была своеобразным диалогом между актером и хором.

Организация театральных представлений. Театр в Древней Греции был государственным учреждением. Драмы стави лись на великих праздниках в честь бога Диониса - Дионисии (3 раза в год). Первые театральные представления проходили ка состязания (соревнования) драматургов, хорегов и актеров. Государством назначался главный организатор - архонт - высше должностное лицо города, который давал разрешения на постановку пьесы. Все материальные расходы: обучение хора, репетицир костюмы и т.д. брал на себя богатый горожанин - хорег, которого назначал архонт.

В состязаниях участвовали 3 трагических и 3 комических поэта. Порядок выступлений определялся по жребию. Трагиче ские поэты представляли 3 трагедии и 1 сатировскую драму (тетралогия). Комедиографы выступали с отдельными сочинениям[ Состязания драматургов и поэтов продолжались 3 дня. Представления посещали мужчины, женщины и дети, разрешалось даж слугам и рабам. Спектакли были платными. Входными билетами на театральные представления в античном театре служили свиь цовые или бронзовые круглые жетоны (теориконы).

Архитектура театра. Тип театрального здания в Древней Греции сложился под влиянием климатических условий ландшафта. Театральные сооружения не были самостоятельными постройками, они входили в архитектурный ансамбль. Один v древнейших древнегреческих театров был воздвигнут в честь бога Диониса (конец VI в. до н.э.. Афинский Акрополь) и вмещал 1 тыс. зрителей. Позднее был сооружен театр в Эпидавре (середина IV в. до н.э., Арголида). Он вмещал 10 тыс. зрителей и входил святилища бога врачевания Асклепия.

В V в. до н.э. в Греции сложился тип театрального здания - АМФИТЕАТР, характерный для всей эпохи Античности. Ко? струкция театра:

1. Орхестра (от глагола орхеомай - «танцую»),

2. Театром (от глагола теаомай - «смотрю») - места для зрителей

3. Скена («палатка», позже - деревянное или каменное сооружение с колоннами).

Размер театра определялся диаметром орхестры (11-30 м). Скена располагалась по касательной к окружности орхестр! Перед скеной имелась передняя стена - проскений (передняя стена скены или возведенная площадка). Он имел вид колоннады изображал фасад храма или дворца. В эпоху Эллинизма (IV - I вв. до н.э.) на площадке проскения выступали актеры (ее называл также «логейон» - с греч. «лего» - говорю). К скене примыкали два боковых строения - параскении (для хранения декораций театральных костюмов). Иногда на них тоже изображались жилища или храм. Между скеной и зрительскими местами находилш проходы - пароды. Через них зрители входили в зал, вступали на орхестру хор и актеры, "прибывшие издалека". Занавеса в греч'

ском театре не было. В V-IV вв. до н.э. актеры играли на орхестре перед проскением.

Декорации. В ранних трагедиях Эсхила применялись массивные деревянные сооружения (скалы, гробницы). При G ле появились расписные декорации - между колоннами проскения устанавливались разрисованные доски или холсты (пш Античная театральная техника: эккиклема (площадка на низких колесах, которая выдвигалась из центральной двери скены). Н показывали сцены из спектакля, которые происходят внутри помещения; эрорема или л/ел'анэ_(подъемный механизм, с пом< которого герои «взлетали под небеса» или «опускались на землю»).

Актеры. В Древней Греции актеры считались людьми уважаемыми и занимали высокое общественное положение. Н ко они выполняли миссию послов. Актером мог быть только свободнорожденный мужчина. Женские роли в театре исполн: мужчинами. Сначала в древнегреческих спектаклях участвовал один актер (протагонист) и хор. Эсхил ввел второго актера (л рагонист), Софокл - третьего (тритагонист). Один актер играл несколько ролей.

Хор. В трагедии хор состоял из 12-15 человек, а в комедии мог включать 24 человека. Участники хора назывались х тами, руководитель хора - корифеем. В комедиях Аристофана появилась особая партия - парабаза - «эпизод», когда хор си маски и от своего лица обращался к зрителям. Хор в комедиях мог изображать животных и мифологические существа. Роль х древнегреческой трагедии: хор всегда являлся коллективным героем; помогал понять философский и человеческий смысл т дии: всегда имел свою точку зрения на происходящее; мог вступать в спор с героем; исполнял плачи, гимны, шествия.

Маски. Греческие актеры выступали в масках. Огромные размеры античных театров привели к необходимости их ис зовать. Маска проникла в греческий театр с культом Диониса, так как жрец, изображавший божество, всегда выступал в iv Маски изготавливались из дерева или полотна, которое натягивали на каркас, заливали гипсом и раскрашивали. Каждая маек ражала определенное состояние (ужас, веселье, спокойствие и т.д.). В соответствии с сюжетом актер в течение спектакля N «лики».

Костюм. Цвет одежды был наделен символическим значением. В пурпурных плащах появлялись цари и императо белых одеждах - царицы. Черный цвет означал траур или несчастье. Особым символом были наделены и предметы в руках п нажей - нож. жезл и т.п. Театральные греческие плащи были двух видов - длинный и короткий. Хитон (одежда из льна в вид< рокой рубашки) - имел длинные рукава и спускался до пят. Хламида - короткий плащ с застежкой на плече. Артистов хора И1 одевали в костюмы животных - лягушки, птицы (персонажи комедий Аристофана). Актеры надевали обувь на высокой под (каблуках) - котурны (их высота от 20 и более см). Они делали фигуру выше, а движения - выразительными.

ДРЕВНЕГРЕЧЕСКАЯ ДРАМАТУРГИЯ

Расцвет древнегреческого театра связан с деятельностью поэтов-драматургов, трагиков - Эсхил, Софокл и Еврипид медиографа Аристофана.

ЭСХИЛ (525-456 гг. до н.э.). Им написано около 80 трагедий и сатировских драм. До нас дошли полностью только 1 гедий и сохранились отрывки других произведений. Эсхил ввел в свои трагедии второго актера, и тем самым открыл возмож! более глубокой разработки трагического конфликта, усилил действенную сторону театрального представления. Это был nepei в театре: персонажи стали сталкиваться на сцене друг с другом, обострился конфликт, действие обрело движение. Ранние траг Эсхила - «Персы», «Просительницы» и др. Трагедия Эсхила «Персы» - единственный дошедший до нас образец древнегрече трагедии, сюжет которой взят из истории (победа греков над персами). Среди др. трагедий Эсхила - «Прометей Прикованны которой мифологический образ Прометея получает героическое осмысление. Единственным дошедшим до нас примером анти трилогии является «Орестея» («Агамемнон», «Хоэфоры», «Эвмениды»), К концу V в. до н.э. трагедии Эсхила устарели. Hi творчество оказало огромное влияние на дальнейшее развитие античной трагедии.

СОФОКЛ (496-406 гг. до н.э.) - поэт, драматург, государственный деятель, военачальник, актер, выступавший в ci венных трагедиях. Деятельность Софокла сопровождалась успехами. На соревнованиях драматургов Софокл всегда удостаива и II награды. Им написано свыше 120 трагедий. До нас дошло только 7. Если у Эсхила главными героями были боги, то у Соф - люди. Основное внимание в своих произведениях Софокл уделяет человеку, его душевным переживаниям. Софокл рисует бо человека за осуществление своих целей, показывает его мысли, чувства, страдания. Греческая трагедия в творчестве Софокла тигает своего совершенства. Софокл ввел в трагедию третьего актера, увеличил диалогические части трагедии и уменьшил па хора. Действие стало более живым и достоверным. Несмотря на это, хор у Софокла продолжает играть важную роль в трагед) именем Софокла связано введение в театральное искусство декорационной живописи. В числе признанных трагедий драмату] «Антигона», «Эдип в Колоне» (пьеса поставлена после смерти автора). Прославленная греческая трагедия «Царь Эдип» до i дняшнего дня является воплощением самой идеи трагического жанра.

ЕВРИПИД (ок.485-406 гг. до н.э.). Им написано около 70-90 драм. До наших дней сохранились полностью лишь 18 рывков. Драматург расширил сюжетные рамки античной трагедии, приблизив своих героев к действительности. Персонаж! трагедий были наделены мыслями, стремлениями, чувствами, страстями, которые присущи простому человеку. В трагедиях Е пида есть критика религиозных верований, боги оказываются коварными и жестокими. Аристотель назвал Еврипида «траг^ шим» из всех греческих драматургов: Еврипид ставит своих героев в острые драматические ситуации и изображает их глубс шие душевные страдания и противоречия. В трагедиях Еврипида участвуют 3 актера. Хор обладает некоторой самостоятельное иногда песни хора выражают мысли и взгляды самого драматурга. Еврипид значительно упрощает язык персонажей, вносит б вые элементы. Известные трагедии Еврипида - «Медея» (в основе - миф об аргонавтах), «Ифигения в Авлиде» (поставлена п смерти автора). При жизни трагедии драматурга успеха не имели. В них отражались стремление поэта к изображению жизни противоречивости, а также свободное отношение к мифам и религии. Слава пришла к драматургу после смерти.

АРИСТОФАН (ок.446-ок.380 гг. до н.э.) - единственный комедиограф, произведения которого дошли до нас. Им наг но более 40 комедий. До нас дошло только 11. В своих пьесах драматург поднимал различные вопросы: выступал против («Мир»), критиковал государственных лиц («Осы». «Всадники»), новые методы воспитания молодежи («Облака»), noKa3bieaj циальные утопии того времени («Птицы». «Богатство»). Комедии Аристофана были тесно связаны с народными формами театр

Среди известных комедий Аристофана - «Всадники», «Мир», «Лисистрата». Аристофана отличались зрелищностью. этого использовалась бутафория, сложная машинерия.

В эпоху ЭЛЛИНИЗМА (IV - 1 вв. до н.э.) классический греческий театр претерпел существенные изменения в драме гии, актерском искусстве, архитектуре театрального здания. Театр уже не обладал той свободой выбора сюжетов и персона критиковать общественные порядки было запрещено. В эпоху Эллинизма получают развитие:

• мим («воспроизведение», «подражание»). Персонажами мима являлись ремесленники, пастухи, врачи, учи' солдаты, воры, также мифологические персонажи в карикатурном изображении. Мимы разыгрывались на деревянных подмоет В мимах играли и мужчины, и женщины. Актеры играли без масок, занимали низкое общественное положение.

• пантомим (панта - «все» и мим - «воспроизведение», «подражание») - небольшие танцевальные сценки слов, обычно на мифологический текст. Для пантомимы была свойственна пластичность, четкая ритмика, выразительность же<

мимики. Использовались маски, участвовали мужчины. Действие происходило под аккомпанемент флейты.

ДРЕВНИЙ РИМ. Греческая наука и искусство, архитектура и ремесла, религия и мифология оказали огромное влияние на культуру Рима. Из греческой литературы и театрального искусства римляне заимствовали готовые формы и жанры искусства. Многие заимствования подвергались радикальной переработке. Развитие римской литературы и театра началось в середине III в. до н.э. Истоки римского театра и драмы восходят, как и в Греции, к обрядовым играм, карнавальным действиям, сельским праздникам в честь окончания жатвы. Культовым праздником римлян был праздник Сатурналий (в честь бога Сатурна).

Организация театральных представлений. Театральные представления в Древнем Риме устраивались во время государственных праздников. Пьесы шли на празднике патрициев - Римских играх (в сентябре в честь Юпитера, Юноны и Миневры), на празднике плебеев - Плебейских играх (ноябрь), Аполлоновых играх (июль). Спектакли давались во время триумфальных и погребальных игр, в честь выборов и т.д.

Архитектура театра. Ранние театральные представления римлян проходили на искусственно созданной площадке форума, на которой выступали актеры. Зрители располагались на скамейках либо стояли перед сценой. Первый стационарный театр в Риме был построен из камня в 55 г. до н.э. (сооружен Гнеем Помпеем Великим и вмещал 40 тыс. зрителей). По своей архитектуре римский театр представлял дальнейшее развитие греческого, но имел ряд особенностей, что позволяет говорить об особом типе театрального здания - греко-римском театре.

Римский театр являлся самостоятельным зданием городского типа, который не был связан с религиозным культом. Театр сооружался на ровном месте, но здание имело форму амфитеатра. Орхестра римского театра имела форму полукруга. Ее размеры значительно уменьшились, так как в римском театре отсутствовал хор. На полукруге орхестры размещались места для знати и сенаторов. Просцениум (сценическая площадка) была приподнята над уровнем орхестры на 1,5 м и ширина ее достигала 6 м. Над просцениумом возвышалась деревянная крыша. Места для рядовых зрителей размещались по ярусам в виде полукруга. Римский амфитеатр представлял собой систему сводчатых галерей, которые использовались как фойе и для перехода из одного яруса в другой. Такая система галерей позволяла быстро заполнять зрительный зал. Фасад скены был богато декорирован. Римские театры отличались от греческих пышностью декораций и сложной машинерией. Римский театр имел занавес. До начала спектакля его опускали перед сценической площадкой. А перед началом спектакля он опускался в продольную щель просцениума, открывая сценическую площадку, а в конце спектакля закрывал ее, поднимаясь наверх.

Актеры. В древнеримских трагедиях и комедиях играли артисты-профессионалы. Их называли актерами [лат. Actor - «действующий») или гистрионами. Римские актеры происходили из среды вольноотпущенных или рабов (в Греции актерами были свободные граждане). Актеры в Риме занимали низкое общественное положение (в Греции актеры пользовались уважением и почетом). Это может объясняться тем, что изначально римский театр являлся чисто светским учреждением, а в Греции он был связан с культом бога^иониса, и само здание театра входило в культовый ансамбль. Среди известных римских актеров - трагический актер Эзоп (VI в. до н.э.) и комический - Квинт Росций (I в. до н.э.). Все женские роли исполнялись мужчинами.

Костюм трагических актеров римляне заимствовали у греков. Костюм комических актеров - паллий - греческий плащ, ниспадающий широкими складками. Молодые люди, солдаты, путники носили хламиду, то есть короткий плащ. Он покрывал плечи и на правом плече застегивался булавкой, так что правая рука оставалась свободной. Греческому хитону соответствовала римская туника, которая у женщин спускалась до пят. На ноги трагические актеры надевали котурны, комические - сокки (низкие легкие башмаки).

В эпоху Римской Империи своего расцвета получают зрелища цирка и амфитеатра. Римский поэт-сатирик Децим Юний Ювенал (I в.) выдвинул лозунг «хлеба и зрелищ» («рарет et circeses»). Театральные здания, цирки и амфитеатры возводились в малых и больших городах Италии. При этом, новые театры строились, а старые перестраивались с расчетом на возможность организации в них цирковых представлений и гладиаторских боев. В орхестре возводилась мраморная балюстрада для защиты зрителей во время представлений. В цирках устраивались состязания колесниц, кулачные бои. гладиаторские сражения. Амфитеатры предназначались, главным образом, для гладиаторских боев. Здесь проводилась и казнь преступников. Самый знаменитый амфитеатр - Колизей (театр Флавиев), построен в 70-80 гг. Это сооружение имеет высоту 48,5 м и достигает в длину 189 м, в ширину - 156 м. Под ареной театра находились подвальные помещения глубиной в 9 м. Колизей вмещал до 50 тысяч зрителей.

Под натиском отрядов германцев римская империя пала в 476 г. Был свергнут последний римский император Ромул. Вместе с государством погиб и античный театр.

ДРЕВНЕРИМСКАЯ ДРАМАТУРГИЯ

Литературная драма в готовом виде была заимствована римлянами у греков. Римляне ее перевели на латинский язык, приспособив к своим понятиям и вкусам. Римские поэты и драматурги обращались к творчеству Эсхила, Софокла, Еврипида. Они занимались своеобразной переработкой их произведений, насыщая трагедии новыми событиями, усложненяя и запутывая действие, усиливая внешнюю патетику, придав трагедии пышность и зрелищность. Родоначальник римской драматургии, первый создатель театрального римского репертуара - Ливий Андроник (III в. до н.э.).

ТИТ МАКЦИЙ ПЛАВТ (ок.254-184 гг. до н.э.) - римский актер и комедиограф. До нас дошли его 20 комедий полностью и 1 в отрывках. Плавт - блестящий мастер паллиаты. Большое место в его комедиях отводится музыке и пению. Комедиограф ввел музыкальный элемент - кантики (canto - «пою»). Комедии Плавта начинались с пролога, в котором рассказывалось о событиях, предшествовавших началу действия. Плавт использовал прием контаминация (от лат. - «соприкосновение», «смешение») - т.е. соединение в римской комедии сюжетных линий 2-3 греческих. Сюжет таких комедий становился запутанным, сложным и требовал предварительного знакомства с произведением. В числе известных комедий драматурга - «Ослы», «Персы», «Хвастливый воин», «Менехмы» («Близнецы»), «Клад», «Амфитрион» и др. Плавт часто использовал мотив двойника: братья-близнецы, персонажи с одинаковыми именами, сцены переодевания героев («Менехмы». «Клад»), В средние века творчество Плавта было забыто. Богословы считали, что произведения драматурга безнравственны. В эпоху Ренессанса произведения Плавта возрождаются: их переводят, изучают, они подвергаются многочисленным сценическим переработкам.

ПУБЛИЙ ТЕРЕНЦИЙ АФР (ок. 185-159 гг. до н.э.) - римский комедиограф, работал в жанре паллиаты. Африканец по происхождению, был рабом римского сенатора. Написал 6 комедий, которые сохранились до наших дней. Произведения драматурга отличаются нравственностью, в них нет грубых шуток, насмешек. Теренций дает глубокую психологическую характеристику своих персонажей, создавая интересные образы. Самые известные - нравоучительная комедия «Братья» (о воспитании молодежи) и «Свекровь». После смерти драматурга его комедии исчезают из театрального репертуара.

ЛУЦИЙ АННЕЙ МЛАДШИЙ СЕНЕКА (ок. 4-65 гг. н.э.) - римский философ, драматург, политический деятель. Литературное наследие Сенеки включает философские трактаты, поэтические произведения, включая трагедии («Медея», «Федра», всего - 9), эпиграммы и сатиру. Под влиянием социальных и политических условий трагедии Сенеки получили новую направленность. Мрачная эпоха Нерона, в которую жил драматург, с ее жестокостями, кровавыми преступлениями, чудовищными пороками и ненасытными желаниями определила разработку тем трагедий. Трагедии Сенеки глубоко философски, лишены динамики развития, некоторые сцены в них технически не исполнимы. Спорным остается вопрос о их сценичности. Творчество Сенеки оказ огромное влияние на формирование драматургии Нового времени. Именно с текстов Сенеки гуманисты эпохи Возрождения нач свое знакомство с античной трагедией. В XIV-XVI1 вв. драматурги всех западноевропейских стран учились у римского драмат> искусству трагичного - мастерству изображения страсти, напряженности диалогов, отточенности стиля. Шекспир, Джонсон в А лии, Корнель, Расин и др. изучали и использовали трагедии Сенеки в своей творческой практике.

В Древней Риме был известен мим - народная драма. Мим воспроизводил сценку из народного быта, иногда пародиро мифы. В них изображалось плутовство, нарушение семейной верности и т.п. Актеры в миме выступали без масок. Женские pi исполнялись женщинами. Актеры мимов играли босиком или в сандалиях с тонкими подошвами, поэтому их называли «босонс ми». В миме присутствовали «сценки» драки, потасовки, брани. Существенной частью мимов были танцы под аккомпанем флейты. Долгое время мим оставался искусством импровизации. В эпоху Империи он превратился в большую пьесу с занимате ным и запутанным сюжетом, с множеством действующих лиц.

Пантомим - вид зрелища, который пришел на смену трагедии. Пантомим был сольным танцем. Актер пантомима исп нял несколько ролей - и женских, и мужских. Актер носил театральный костюм и маску. Танец сопровождался музыкой и пени пел хор, который излагал содержание пантомима.

В Древнем Риме получает развитие пирриха - танцевальный спектакль на любовно-мифологический текст. Исполня. ансамблем танцовщиков и танцовщиц.

ТЕАТР ЭПОХИ СРЕДНЕВЕКОВЬЯ (V-XV вв.)

В истории развития европейского театрального искусства эпохи Средневековья выделяют три периода: раннее Средневе ковье (V-XI вв.), зрелое Средневековье (XI1-XIII вв.) и позднее Средневековье (XIV-XV/XVI вв.).

Театр эпохи Средневековья развивался по двум направлениям - светское и церковное искусство. Светское театрально< искусство включало ранние обрядовые игры, выступления гистрионов, ранние произведения драматургии, уличный фарс. Церков ный театр: церковь способствовала формированию и развитию многих театральных жанров: литургическая и полулитургическа! драма, миракль, мистерия, моралите.

После падения Римской империи в 476 г. Европа долгое время не знала развития театрального искусства. Художествен ные формы, которые существовали в античности, исчезли, а новые появились лишь несколько столетий спустя. Главными теат ральными зрелищами оставались представления странствующих актеров, народные уличные представления. Театр эпохи Средне вековья не имел ничего общего с античным театром. Театральное искусство тесным образом было связано с церковной литерату рой. Сюжетной основой средневекового театра являлся текст «Священного писания».

Светский театр

С ростом городов в IX-XI вв. начинает формироваться городская культура. В среде городских ремесленников, остросло вов и плясунов выделяются профессиональные актеры - гистрионы. Гистрионами называли уличных актеров, певцов и музыканте! на территории Южной Франции. В Германии их называли шпильманами (с нем. spiel - «игра», mann - «человек»), в Польше - франтами, в России - скоморохами. С XII в. число гистрионов достигает сотен и тысяч. Местом их выступлений становятся шум ные ярмарки, площади и улицы. Иногда они поступали на службу к феодалу, выступали в домах знати.

Искусство гистрионов сначала отличалось синкретизмом: они пели, танцевали, играли на музыкальных инструментах жонглировали, слагали стихи, декламировали, были дрессировщиками зверей, канатоходцами, акробатами и пр. В XII-XIII вв. про исходит узкая специализация их искусства. Так появляются: буффоны (актеры-комики); жонглеры (циркачи); трубадуры (сочини тели и исполнители стихов, баллад и танцевальных песен); ваганты («бродячие клирики») - недоучившиеся семинаристы или раз жалованные священники. Они выступали с пародийными латинскими песнями на церковные обряды и гимны; труверы (так назы- вали трубадуров в Северной Франции). Среди известных труверов - Адам де Ла Аль (ок. 1238-1287) - поэт, музыкант, драматур: (его пьесы - «Игра в беседке», «Игра о Робене и Марион»),

Искусство гистрионов за их бунтарский и сатирический характер подвергалось гонению со стороны церкви и королей Расцвет искусства гистрионов приходится на XIV-XV вв., в некоторых европейских странах - Франция, Германия - XIII-XIV вв.

ФАРС

Особым видом театрального представления в эпоху Средневековья становится фарс (от лат. «Farta» - «фарш», «начин ка»). Происхождение названия - в обрядовом блюде на празднике зимы и встречи зимы - фарш (разрубленное на мелкие чат животное). В самостоятельный театральный жанр площадной плебейский фарс выделяется во второй половине XV века. Истою- фарса - в представлениях гистрионов и карнавальных масленичных играх. Фарс имел сатирическая направленность.

В эпоху позднего Средневековья (XIV-XV вв.) в европейских городах стали создаваться шутовские общества - «дурацкие корпорации» (объединения чиновников, ремесленников, школяров, семинаристов). Они организовывали фарсовые представления - пародии, высмеивая выступления епископов, судейские процессы, королевские объезды городов, за что преследовались властями Фарсёров изгоняли из города, преследовали, бросали в тюрьмы. Фарсёры разыгрывали сатирические сценки - соти (фр. sotie - «дурачество»), в которых главным персонажем являлся Дурак-солдат. Дурак-обманщик и т.д.

Изначально актерское мастерство фарсёров основывалось на импровизации: актеры придумывали сюжет по ходу действия. Но уже в XIII в. сюжеты начали записывать: им придавали литературную форму, убирали грубости и непристойности. В XV в широкую популярность среди зрителей получила серия фарсов об адвокате Патлене. В них повествуются различные приключения, связанных с именем популярного героя, которому удалось надуть плута адвоката Патлена.

Постепенно в литературный текст фарсов проникала народная речь. Главной задачей фарса являлась острая насмешка нах многими сторонами жизни средневекового города. Фарс - прогрессивный и передовой жанр своего времени. Изначально фарсь разыгрывались на обыкновенных столах, позднее ставились на открытом воздухе, в тавернах.

Со временем комические любительские корпорации пали в немилость церкви за острую сатиру и вольнодумство. В конце XVI - начале XVII вв. прекращают свое существование крупнейшие корпорации фарсёров. Фарс оказал большое влияние на дальнейшее развитие театра Западной Европы. В Италии из фарса родилась комедия дель арте, в Испании - творчество Лопе де Руэда В Германии - поэтическое творчество Ганса Сакса.

Церковный театр

ЛИТУРГИЧЕСКАЯ И ПОЛУЛИТУРГИЧЕСКАЯ ДРАМА

С IX в. церковная месса (литургия) театрализуется. Процесс театрализации католической службы был вызван стремлением церкви сделать религиозные идеи и образы более наглядными, понятными и впечатляющими. Постепенно вырабатывается ритуал чтения в лицах библейских сюжетов о рождении Иисуса Христа, о его погребении и чудесном воскрешении. Из этих ранни> диалогов рождается ранняя литургическая драма. Литургическая драма так же, как и месса, была торжественна, напевна, декламационная, движения всех участников были величественны, главный язык богослужения и драмы - латынь. Постепенно драмг отделяется от мессы и образуются два самостоятельных цикла литургических драм: рождественский (в основе лежал сюжет о рождестве Иисуса Христа) и пасхальный (сюжет о Воскрешении Иисуса Христа).

Церковь постепенно решает приблизить «театр» к жизни и стремится обособить драму от мессы. Так, в литургическук драму вторгаются бытовые элементы, герои переходят на диалектную, понятную местным жителям речь. Разрабатываются костюмы персонажей, продумывается оформление спектакля. Сюжет усложняется - появляются новые персонажи из Библии. Продумы- вается режиссура действий актеров, разрабатывается сценарий. Более простой становилась и манера исполнения. Постепенно освободившись от церкви, «упростив» религиозные идеи и образы, драма не привлекала, а порой отвлекала прихожан от церковной службы. Сознавая это. церковные власти перенесли религиозные представления из храма на церковную паперть (ступени). Так зародилась полулитургическая драма (середина XII в.). Полулитургическая драма попадает под сильное влияние городской толпы: спектакли ставятся не только во время церковных праздников, но и городских, ярмарок; персонажи переходят на диалект; библейский текст подвергался бытовому толкованию. Драма сопровождалась церковным хором, исполнявшим религиозные гимны не латинском языке.

Постановка осуществлялась на средства церкви и контролировалась духовными лицами. Драма продолжала существовать и в более поздние века.

МИРАКЛЬ

В XIII в. появляется новый вид представления на религиозную тему - миракль (лат. «miraculum» - чуд). В миракле все события, происходившие в действии разрешались чудесным образом, благодаря вмешательству божественных сил - Николая ¹дотворца, девы Марии и др.

Среди известных мираклей - «Игра о Святом Николае» (1200). В его основе - библейская легенда о Святом Николае, i торый чудесным образом освободил христианина, пбпавшего в плен к язычникам. «Миракль о Роберте-дьяволе» отражает pea ную картину жизни XIV-XV вв. в период Столетней войны: смерть, жестокость, грабежи, насилие. Дева Мария помогает жесто] му Роберту стать на путь истинный. В основе сюжета миракля «Чудо и Теофиле» Рютбёфа (ок. 1230-1285) - история человека Ti фила, который продал душу дьяволу. Теофил получил и чин, и богатство, но становится жестоким и себялюбивым. В конце гре ник раскаивается и умоляет Мадонну простить его. Теофил прощён и обращается к праведной жизни.

Сюжетное развитие миракля проходило по утвердившейся схеме: свершенное злодеяние - раскаяние - искупление (пс или молитва) - прощение. Многие средневековые миракли строились на бытовом материале: в них показывалась жизнь горе («Миракль о Гибур»), монастыря («Спасенная аббатиса»), средневекового замка («Миракль о Берте с большими ногами»).

Исполнение мираклей не приурочивалось к какому-либо празднику. Миракли входили в программу школьного театра л европейских духовных учреждениях (академиях, братских школах, коллегиумах), церквях в XV-XVIII вв.

МОРАЛИТЕ

В XV в. с развитием реформационного движения в Европе зарождается театр моралите. Пьесы моралите содержали n раль, нравоучение. Моралите широкое развитие получает в Англии и Франции. Моралите было освобождено от религиозных с жетов и бытовых отвлечений. Моралите обрело стилевое единство и дидактическую направленность.

В пьесах моралите действуют аллегорические персонажи (аллегория - изображение отвлеченной идеи в форме образ каждый из которых олицетворяет какой-либо человеческий порок или добродетель, стихию природы, церковное понятие. Пер1 нажами моралите являются Добро, Зло, Глупость, Вера, Непослушание, Любовь, Война, Голод, Покаяние и т.д. У каждого перс нажа был характерный сценический облик, костюм. Персонажи лишены индивидуальных характеров. Реальные вещи в их рук превращаются в символы: Любовь держала в руке сердце, Лесть - лисий хвост, Глупость «украшали» ослиные уши, Надежда де жала якорь в руках, Себялюбие (Совесть) появлялась с зеркалом. Наслаждение держало в руке апельсин, Скупость была одетг отрепья и прижимала к груди мешок с золотом и т.п. Для сюжета моралите характерно столкновение героев: Добро и Зло, Ду> Тело, что способно было эмоционально воздействовать на человека. Мораль здесь была такова: разумные люди идут по пути дс родетели, а неразумные - становятся жертвами порока.

В моралите «Благоразумный и Неразумный» (1436) «Благоразумный» доверяет Разуму. Его постоянно сопровождают М лостыня, Пост. Молитва. Целомудрие. Послушание, Терпение. «Неразумного» - Непослушание. Бедность. Отчаяние, Кража, Д> ной Конец. Финал становится очевидным: первый завершает свою жизнь в раю, а второй - в аду.

Наиболее известное моралите «Каждый человек» или просто «Каждый». Сюжет: человек жил беззаботно, в свое уд вольствие, не помогал бедным, забыл родных. Но когда пришла за ним Смерть, он остался один: и Богатство его бросило, и Роде во и Дружба. Но человек нашел в себе силы покаяться, и добрые дела его привели к вратам рая.

В моралите актеры выступали как риторы, поясняя свое отношение к определенным явлениям.

Авторами моралите были ученые-гуманисты, богословы, школьные учителя. Моралите входили в репертуар школьно театра. Значение аллегорического жанра - он внес в средневековую драматургию четкость и создал полную характеристику образ

МИСТЕРИЯ

Более всего средневековая публика любила мистерию. Время расцвета мистериального театра XIV-XV вв. Мистерия гс подствовала в европейской культуре более 200 лет.

Истоки мистерии - городские торжества, пышные церковные шествия, королевские церемонии, устраиваемых еще в X в. Считается, что именно во Франции произошло каноническое формирование и традиционное закрепление площадной мистерии.

Представления мистерий организовывались не церковью, а городским советом и властями. Авторами мистерий были уч ные-богословы. юристы, врачи. Все мистерии разделяются на три основных цикла: ветхозаветный (начинался с литургичесю драмы «Шествие пророков»); новозаветный (был связан с рождением и воскрешением Иисуса Христа); апостольский (сюжет заимствованные их житий святых).

Яркий пример ранней мистерии - «Мистерия Ветхого завета».

Организация мистерий. Представления мистерий проходили на городских улицах, площадях. Мистерия начиналась появления автора, который читал пролог и объяснял публике, что предстоит ей увидеть, воздавались хвалебные речи Господу городским властям. Представление длилось целый день, а крупные мистерии исполнялись в течение нескольких дней. С XV представления мистерий становятся платными. Со временем участники мистерий становились профессиональными актерами.

Существовало три способа оформления сценических площадок мистериального театра: 1) система передвижных сценич ских площадок (наиболее распространена в Англии. Испании, Фландрии). Отдельные эпизоды мистерии показывались в фургон; или тележках, открытых со всех сторон. После показа определенного эпизода тележка переезжала на соседнюю площадь, а на место подъезжала новая с актерами, разыгрывающими следующий эпизод. И так все повторялось до тех пор, пока все тележки i проходили через одну площадь; 2) при кольцевом оформлении мистерии использовался принцип древнего амфитеатра. Для это выстраивался огромный помост, на котором сооружались обособленные друг от друга отделения. Зрители стояли вокруг помос прямо на земле. Действие могло происходить сразу в нескольких отделениях; 3) система беседок. Для этого сооружался единь помост по прямой линии, обращенный к зрителю фронтально. Сюжетные сцены выстраивались по отделениям в беседках. Колич ство площадок иногда было более 20. Иногда на беседку вывешивалась пояснительная надпись с указанием места действия.

Оформление спектакля. Театральное чудо являлось важной частью мистериального театра. Для этого в театре служш специальные люди, называемые «руководители секретов». Мистическая по своему содержанию и условная по форме, мистери вместе с тем, обладала большим количеством грубых натуралистических деталей. Религиозное содержание требовало наглядно: показа. Главное условие зрелища - натуральность. В постановках использовали различные «спецэффекты», сценические трюк Использовали бутафорию, бычьи пузыри с красной жидкостью, принимали участие дрессированные голуби, животные. Мистер! способствовали развитию театральной техники и сценических эффектов. В мистериях участвовало более сотни людей.

Как в формировании, так и в умирании мистерии сыграла свою роль католическая церковь. В середине XVI в. она выст пила против мистериального театра, обвиняя его в «загрязнении веры». Постепенно в мистериях стала ощущаться критика церкв что привело к запрету показов ее во Франции с 1548 г.. а затем и в других европейских городах. Мистериальный театр долгое вреи не развивался. К нему обратились только в начале XX в. известные драматурги и режиссеры - Антонен Арто, Макс Рейнхардт, Ж; Луи Барро. В 1960-е гг. традиции мистериального театра нашли развитие в организации спектаклей на открытом воздухе.

ЗАПАДНОЕВРОПЕЙСКИЙ ТЕАТР ЭПОХИ ВОЗРОЖДЕНИЯ

ИТАЛЬЯНСКИЙ ТЕАТР (XIV-XVI вв.). Своего величия западноевропейское театральное искусство достигло в эпо Возрождения. Утвердившись в Италии на рубеже XV-XVI вв., создав здесь новую драматургию и заложив основы для формиро! ния профессионального сценического искусства, театр Возрождения пережил «золотой век» в Испании, и затем достиг апогея се его развития в Англии в эпоху Шекспира. Выдающиеся поэты-гуманисты, драматурги Ренессанса открывают в своем творчест новые горизонты в литературных формах, жанрах, средствах художественной выразительности. Утверждаются новая образное сюжеты, герои. Театральное искусство приобретает светский характер.

В эпоху Возрождения культура Италии развивалась в придворных и ученых кругах (без ориентации на широкие слои! селения), постепенно приобретая аристократический характер. Эта отдаленность культуры от масс определенным образом ска; лась на гуманистическом театральном искусстве. Пьесы итальянских гуманистов - комедии, трагедии и пасторали - ставились для широкой публики, а для избранной, аристократической и ученой аудитории. Спектакли ставились любителями, постановки имели систематического характера. Самостоятельно развивался народный театр Италии, который был связан с народным фарсо]\/ городскими карнавальными зрелищами. Будучи независимым от литературной драмы, народный театр оформился к середине X века как театр импровизационной комедии - комедии дель арте.

КОМЕДИЯ ДЕЛЬ АРТЕ

Высшим достижением итальянского театра эпохи Возрождения является итальянский народный импровизационный теат[ комедия дель арте [итал. Commedia dell'arte - в переводе «профессиональный театр»]. Именно она способствовала профессионали: ции всего европейского сценического искусства. Итальянский театр получил название «комедия масок».

Комедия дель арте возникла в середине XVI века.

Характерные черты комедии дель арте: 1)основным методом сценической игры являлась импровизация; 2) сценарий комедии с ределял сюжетную схему действия; 3) содержание спектакля, идеологическая и тематическая основа комедии дель арте выражалг в типовых масках; 4) на сцене импровизационной комедии был закреплен главный закон театра - непрерывность развивающегс действия; 5) на сцене народного театра масок утвердились такие нормы сценической игры, как коллективность творчества (aHcaN- левость); 6) комедия дель арте оформилась как целостный спектакль.

Сценарий. Комедия дель арте представляла собой импровизированный спектакль, который строился на основе сценар (давалась лишь краткая сюжетная схема будущего действия). Руководствуясь этими указаниями, актеры самостоятельно долж] были по ходу спектакля строить увлекательное, логически осмысленное и целостное действие. Сценарии были по преимуществу koi\ дийные, также использовались сценарные изложения пасторальных и даже трагических сюжетов. С начала XVII в. стали издават! сборники сценариев комедии дель арте (общее количество сохранившихся сценариев доходит до тысячи). Первый печатный сбс ник сценариев был издан в 1611 г. актером Фламинио Скала, который руководил одной из лучших тогдашних трупп комедии де арте - «Джелози».

Маски. Понятие «маска» имела значения: 1) вещественная маска, закрывающая лицо актера (изготавливалась обычно картона или клеёнки и закрывала полностью или частично лицо актёра. Маски носили персонажи и не носили «влюбленные»; маска-характер определяла социальный тип героя, наделенного установленными психологическими чертами, неизменным облик и соответствующим диалектом. Маска закрепила принцип амплуа (фр. emploi - своеобразная специализация актера на исполнен ролей, наиболее соответствующих его внешним сценическим данным, характеру дарования и т.п.).

Число масок, появившихся на сцене комедии дель арте, очень велико - более 100. Выделяют два главных «квартета» ь сок: северный (венецианский) и южный (неаполитанский). Первый составляют Панталоне, Доктор, Бригелла и Арлекин. Второ! Ковьелло, Пульчинелла, Скарамучча и Тарталья. В оба квартета входили маски Капитана, Серветты и Влюбленных.

Все маски комедии дель арте могут быть разбиты на 3 группы:

1. народно-комедийные маски слуг - определяют оптимистический пафос, сатирическую силу комедии дель apTi динамику ее действия. К этим маскам относятся:

• Первый и второй Дзанни (уменьшительное от имени Джованни). Первый Дзанни - обычно хитер, скор, забав< должен уметь интриговать, водить за нос и надувать людей. Второй - глуп, наивен, неповоротлив:

• Бригелла ~ наглый весельчак и изобретатель всяческих интриг:

• Арлекин - ребячливый, добродушный и нескладный парень; простоват и наивен;

• Пульчинелла - простодушный парень, саркастичен, носит черную полумаску с большим крючковатым носор. говорит гнусавым голосом.

• служанка Серветта - энергичная и острая на язычок. Ее могли также называть Фантеска, Коломбина, Смера. дина, Франческина и т.д.

2. маски господ имели подчеркнуто буффонный характер. Как правило, персонажи масок господ становил! жертвами хитрых проделок слуг. К ним относятся:

• Панталоне - богатый венецианский купец, глупый и жадный, любил поухаживать за молоденькими девушка» Являлся объектом постоянной сатиры.

• Капитан - испанский воин, на самом деле - трус и хвастун.

• Доктор - болонский юрист, профессор старинного университета, на самом деле - лжеученый, тупица и болту!

• Тарталья - нотариус, судья, полицейский или какое-либо лицо, наделенное властью. Заикался, что рождало вольные каламбуры, носил огромные очки.

3. маски влюбленных - определяют поэтическую сторону комедии дель арте. Актеры самой маски на лицо не i девали, но типовой характер этих персонажей делал их масками. Борьба за счастливую любовь молодой пары составляла глав! содержание сценического действия.

Каждый персонаж комедии говорил на диалекте своего города: Панталоне - на венецианском. Доктор - болонском, Kai тан - неаполитанском диалекте. Слуги - бергамском, Влюбленные - на тосканском языке (язык итальянской поэзии).

Театральный костюм. Каждый персонаж носил свойственный данной маске костюм. Костюм Дзанни первоначально б стилизован под крестьянскую одежду. Слуги были одеты в белые, подпоясанные под животом крестьянские блузы и широкие лые штаны. Арлекин был в шапочке с заячьим хвостиком (символ трусости), его блуза и панталоны были покрыты пестрыми платками, свидетельствовавшими о его бедности. У Пульчинеллы была остроконечная шапочка. У Серветты - крестьянское п тье. Постепенно одежда слуг видоизменялось, приобретая элегантный вид. Капитан носил военный испанский костюм и шпа которую он обычно не мог вытащить из ножен. Панталоне носил красные штаны, красную куртку, белые чулки и черный пл! Доктор был одет в черную мантию и украшал себя белым жабо и широкополой шляпой. Черная маска покрывала только лоб и i

актера. Влюбленные выступали модно разодетыми. В дальнейшем, с распространением комедии дель арте в другие страны, кс мы ее персонажей изменились.

В спектаклях комедии дель арте утвердился принцип амплуа. Актеры, проявив способность к определенной маске, иг ее всю сценическую жизнь. Наиболее прославленными мастерами комедии дель арте были (создатели масок Дзанни), Фрат Андреини (Капитан), братья Мартинелли. Тиберио"Фиорилли. Доменико Бьянколлели. Изабелла Андреини (лирическая герои

Актеры. В театре комедии дель арте шли не от драматургии, а от актерского искусства, основой которого был мето.1 провизации. Актер должен обладать виртуозной техникой, находчивостью, живым и послушным воображением. Импровиз текст своих ролей, актеры должны были все время пребывать в активном творческом состоянии. Это становилось главным уело профессионализации актерского творчества. Предоставленный самому себе, актер делался творцом собственного образа. Он до. был располагать большим материалом из жизненных наблюдений и книг, чтобы всегда быть готовым оригинально и остроумно г рить и действовать от имени своей маски. Движущей силой действия спектакля (способом создания текста) была импровизащ- это требовало особой согласованности между исполнителями. Т.о., на сцене утверждался закон сценического творчества - нераз ная связь с партнером, или работа в ансамбле.

Именно итальянский театр сформировал первых профессиональных мастеров сценического искусства, создал nef профессиональные театральные труппы в Европе. Наиболее известные труппы Дзан Ганасса «Джелози» (1568), «Конфиде! (1674), «Фидели» (1601) и др. В них играли лучшие итальянские актеры и актрисы: Изабелла Андреини («влюбленная»), ее Франческо Андреини («Капитан»), Николо Барбьери («Дзанни») и др.

Оформление спектакля. Спектакли комедии дель арте отличались яркой зрелищностью и динамичностью. В них сл! существовали слово, танец, пение, трюк, хотя внешнее оформление спектакля было довольно простым. Сцена (деревянный пом представляла собой улицу с двумя рядами домов (легких архитектурных сооружений) по ее сторонам. Окна и балконы домов < жили дополнительным местом действия. Декорации не менялись в течение всего спектакля. Дома, расположенные на втором пл сооружались с расчетом на эффект перспективного удаления.

С середины XVII в. начался упадок комедии дель арте. К этому времени существовала уже богатая ренессансная дрг тургия. Отрицание литературного текста и сохранение стандартной маски противоречило требованиям этой драматургии, с ее i хологически углубленными и индивидуализированными образами. Одновременно деградировало и само искусство масок и имг визации. Постепенно из спектаклей народного театра исчезало его живое содержание. Наряду с импровизацией актеры часто ст произносить и предварительно выученный текст, шутки. Театральные принципы комедии дель арте использовали в своем тво[ стве К.Гольдони. К.Гоцци, также оказали влияние на формирование «театров бульваров» во Франции XVII] в., в XIX в. - опр< лили возникновение жанра пантомимы. Традиции комедии дель арте используют современные прогрессивные европейские дра турги, режиссеры и актеры.

ДРАМАТУРГИЯ ИТАЛЬЯНСКИХ ГУМАНИСТОВ

Итальянские гуманисты создали новый тип драматургии. Он оформился в таких жанрах как комедия, трагедия и пас

раль.

• Комедия и трагедия развивались по законам античного театра.

• Пастораль была связана с буколической поэзией (от греч. Bukolikos - «пастушеский»). Истоки буколичес: поэзии - в песнях пастухов. Буколическая поэзия давала идеалистическое изображение мирной деревенской жизни и любви.

КОМЕДИЯ. В XVI в. зарождается новый итальянский театр. Наибольшего развития получил жанр, непосредственно прикасающийся с реальной действительностью - жанр комедии. В условиях итальянского театра он получил название ученая медия. Ее создателями являлись ученые-гуманисты, и комедия была рассчитана на образованную публику. У истоков становле! нового итальянского театра стоит поэт Лудовико Ариосто (1474-1533). Его сочинения: поэма «Неистовый Роланд», «Комеди. сундуке», комедии «Подмененные». «Чернокнижник», «Сводня» и др., в которых комические ситуации переплетаются с реалы стью.

Чисто развлекательным жанром итальянского театра являлась комедия интриги. Первым образцом такого рода дра! тургии была комедия Бернардо Довици «Каландрия». Это комедия с запутанным сюжетом, любовными приключениями, перео, ваниями. Драматург переработал сюжет пьесы Плавта «Менехмы». Итальянская комедия XVI в. со временем выработала станда построенная по законам усложненной интриги, она постоянно повторяла одни и те же ситуации с подмененными детьми, перео, тыми в мужской костюм девушками, неудачами влюбленных стариков, коварными слугами. Эти легковесные пьесы были мало; дожественными.

Другой по характеру является сатирическая комедия. Создавалась писателями-гуманистами, отличалась серьезность комическая ситуация окрашивалась сарказмом, критиковала устои и нравы общества. Комедия нашла свое развитие в творчест знаменитого писателя, историка, политика Никколо Макиавелли (1469-1527) («Мандрагора»), Пьетро Арестино («Комедия о nf дворных нравах», «Лицемер», «Философ»), философа Джордано Бруно («Неаполитанская улица»).

Таким образом, творчество итальянских драматургов, авторов «ученой комедии» было оторвано от сценического искусс ва, так как театральные коллективы не ставили пьесы жанра «ученой комедии». Сами авторы трактовали свои произведения к чисто литературные, предназначенные исключительно для чтения. К тому же сам материал комедий был сценически слабо обраЕ тан.

ТРАГЕДИЯ. Если комедия по тематике была близка городскому, буржуазному обществу, то трагедия предназначала для ограниченного аристократического круга. Создаваемые по образцу античного жанра, итальянские трагедии XVI в. были зав симы от античного канона. Наличие хора, мифологического или исторического сюжета, сохранение законов единства действ!' места и времени, преобладание повествовательного начала над действенным, подчеркивали ее стилизованный характер. Ренессан ные трагедии были отдалены от социальной и философской тематики и развивались в сторону «трагедии ужасов» или «кровавь трагедий Сенеки». Новая трагедия описывала чудовищные злодеяния, дикие страсти, изображала свирепую мстительность, жест кие наказания, бесчеловечную жестокость и реки крови. Интерес к произведениям с таким сюжетом может объясняться жесток< реакцией, падением морали в обществе. Новая трагедия стремила «захватить дух» зрителей или читателей. Образцы этого жанра трагедии Дж.Триссино «Софонисба». Дж.Чинтио «Орбекка». Л.Грото «Далида», Торквато Тассо «Король Торисмунд».

ПАСТОРАЛЬ. Пасторальное направление выразило себя в поэзии, основываясь на мотивах произведений Вергилия. Па тораль давала мироощущение гармонии, единства человека и природы, установила культ идеальной любви. Ее героями являли< пастухи и пастушки, прекрасные нимфы. Жанр пасторали был удален от злобы дня и общественной тематики. В середине XVI становится наиболее излюбленной в аристократических кругах. Известные пасторали: «Сказание об Орфее» Анджело Полициан «Аминта» Торквато Тассо. «Жертвоприношение» Агостино Беккари и др.

ТЕАТР ФРАНЦУЗСКОГО КЛАССИЦИЗМА (XVII век)

XVII столетие историки расценивают как самостоятельную эпоху и называют ее эпохой Нового времени. В странах За падной Европы - это переломный момент в области политики, экономики, идеологии, на смену отношениям феодальным приходя' капиталистические. В литературе и искусстве XVII в. господствовали 2 художественные системы - барокко и классицизм. Они воз никли как реакция на идеалы Возрождения, как осознание кризиса этих идеалов.

Сторонники Барокко (странный, причудливый) изображали мир изменчивый. Их произведения отличались полярностьк взглядов на действительность, многозначностью явления, экспрессивностью слова и выразительных средств, сложностью языка контрастностью, символичностью образов, орнаментальнотью, аллегоризмом. Художники барокко следуют своему воображению Барокко достигает своего расцвета в Испании. Италии, Германии.

Теорйя-и художественная практика Классицизма, учитывая традиции античности и ренессансной эстетики, основывалиа на принципе подражания природе. Они подражали не природе как таковой, а только природе облагороженной, изящной, следук принципу не правды, а правдоподобия. Его эстетика предопределила строгую нормативность, в теории существовали правила v законы, которые считались обязательными для всех.

Второй половине XVII в. главенствующее место в европейском театральном искусстве занял Театр французского классицизма. Утверждение Классицизма в литературе и театральном искусстве Франции связано с созданием трагедий Корнеля и Ра сина и «высокой комедии» Мольера.В отличие от ренессансного театра Италии, Испании, Англии, ренессансный театр Франциг значительного развития не получил. Это было связано с феодально-религиозными войнами, которые не прекращались на протяжении XVI века. Стабилизация в стране наступает в эпоху правления Людовика XIII (1610-1643) и Людовика XIV (1643-1715).

В художественной культуре Классицизм выработал свои эстетические принципы, которые дают возможность говорить of эстетике классицизма:

1. Свое эстетическое обоснование классицизм получил в стихотворном трактате Никола_Буало (1636-1714) «Поэтическое искусство» (1674).

2. Искусство классицизма имело гуманистическую направленность, но программа гуманизма, в сравнении с ренессансной, имела иное истолкование и направление. Гуманизм был связан с социальной системой, которая объективно способствовала восстановлению и развитию общественной этики, понимаемой в широком, общенациональном плане.

3. Эстетика классицизма была основана на принципе «облагороженной природы» и отражала стремление к идеализации действительности, отказ от воспроизведения многокрасочности реальной жизни. Обыденное не считалось разумным проявлением природы, а значит и достойным изображения. Классицисты, следуя принципу правдоподобия, исключали из сферы творчества низменное и неразумное.

4. ** Примером для подражания Классицисты считали античную литературу и искусство. Ибо в ней был заключен абсолют прекрасного. Французские художники были большие знатоки культуры античности. Они черпали свои сюжеты из античной литературы, мифологии, истории соотносили античный материал с актуальными задачами современности. Все жанры, в которых писали классицисты отличались дидактичностью, стремлением поучать, поэтому большое внимание уделялось афоризму, характеристике, проповеди, басне, сатире.

6. Классицистская эстетика носила нормативный характер. Исходя из изображаемо