Модернизм объединялся с разными художественными направлениями, создавал новые течения, новые приемы изображения

18.

 

19. Дадаи́зм — модернистское течение в литературе, изобразительном искусстве, театре и кино. Зародилось во время Первой мировой войны в нейтральной Швейцарии, в Цюрихе (Кабаре Вольтер). В 1920-е годы французский дадаизм слился с сюрреализмом, а в Германии — с экспрессионизмом. Дадаизм возник как реакция на последствия Первой мировой войны, жестокость которой, по мнению дадаистов, подчеркнула бессмысленность существования. Рационализм и логика объявлялись одними из главных виновников опустошающих войн и конфликтов. Главной идеей дадаизма было последовательное разрушение какой бы то ни было эстетики. Основными принципами были иррациональность, отрицание признанных канонов и стандартов в искусстве, цинизм, разочарованность и бессистемность. Считается, что дадаизм явился предшественником сюрреализма, во многом определившим его идеологию и методы. К основателям дадаизма чаще всего относят поэтов Хуго Балля, Тристана Тцару, и художников Ханса Арпа, Макса Эрнста и Марселя Янко. В изобразительном искусстве наиболее распространенной формой творчества дадаистов был коллаж — технический приём создания произведения из определённым образом скомпонованных и наклеенных на плоскую основу (холст, картон, бумагу) кусочков разнообразных материалов: бумаги, ткани и т. д. В дадаизме можно выделить три ветви развития коллажа: цюрихский «случайный» коллаж, берлинский манифестационный коллаж и кёльнско-ганноверский поэтический коллаж.

20. Сюрреали́зм — направление в искусстве, сформировавшееся к началу 1920-х во Франции. Отличается использованием аллюзий и парадоксальных сочетаний форм. Основателем и идеологом сюрреализма считается писатель и поэт Андре Бретон. Одними из величайших представителей сюрреализма в живописи стали Сальвадор Дали, Макс Эрнст и Рене Магритт. Наиболее яркими представителями сюрреализма в кинематографе считаются Луис Бунюэль, Жан Кокто, Ян Шванкмайер и Дэвид Линч. Основное понятие сюрреализма, сюрреальность — совмещение сна и реальности. Для этого сюрреалисты предлагали абсурдное, противоречивое сочетание натуралистических образов посредством коллажа и технологии «ready-made». Это направление сложилось под большим влиянием теории психоанализа Фрейда (правда, не все сюрреалисты увлекались психоанализом, например, Рене Магритт относился к нему весьма скептически). Первейшей целью сюрреалистов было духовное возвышение и отделение духа от материального. Одними из важнейших ценностей являлись свобода, а также иррациональность. Сюрреализм коренился в символизме и первоначально был подвержен влиянию таких художников-символистов, как Гюстав Моро(фр. Gustave Moreau) и Одилон Редон. Сюрреалисты выполняли свои работы без оглядки на рациональную эстетику, используя фантасмагорические формы. Они работали с такими тематиками, как эротика, ирония, магия и подсознание. Нередко сюрреалисты выполняли свои работы под воздействием гипноза, алкоголя, наркотиков или голода, ради того, чтобы достичь глубин своего подсознания. Они провозглашали неконтролируемое создание текстов — автоматическое письмо. Одной из техник сюрреализма была, изобретённая Вольфгангом Пааленом (Wolfgang Paalen), фьюмаж.

Рене́ Франсуа́ Гисле́н Магри́тт — бельгийский художник-сюрреалист. Известен как автор остроумных и вместе с тем поэтически загадочных картин. Для картин Магритта характерен отстранённый, как бы невозмутимый стиль. Изображаются на них обычные предметы, которые у Магритта, в отличие от других крупных сюрреалистов (Дали, Эрнст), почти никогда не теряют своей «предметности»: они не растекаются, не превращаются в собственные тени. Однако само странное сочетание этих предметов поражает и заставляет задуматься. И невозмутимость стиля только усугубляет это удивление и погружает зрителя в некое поэтическое оцепенение, вызванное самой тайной вещей. Цель Магритта, по его собственному признанию, заставить зрителя задуматься. Из-за этого картины художника часто напоминают ребусы, но ребусы, которые полностью разгадать невозможно, так как они ставят вопросы о самой сути бытия: Магритт всё время говорит об обманчивости видимого, о его скрытой таинственности, которую мы обычно не замечаем. Известен цикл работ художника, в которых он под обычными предметами пишет: это не он. Особенно популярна трубка с подписью «Это не трубка». Таким образом Магритт снова напоминает зрителю о том, что образ предмета — не сам предмет.

Вообще названия картин играют у Магритта особую роль. Они почти всегда поэтичны и почти всегда никак на первый взгляд не связаны с самим изображением. Мастер стремился решить в своём творчестве проблему соответствия восприятия реальному миру, осмыслить разницу или тождественность между изображением и действительностью. Поэтому Магритт нередко использовал образы картины в картине, зеркала, окна, глаза, сцены или занавеса.

21. Сальвадо́р Дали́ — испанский живописец, график, скульптор, режиссёр, писатель. Один из самых известных представителей сюрреализма. Работал над фильмами: «Андалузский пёс», «Золотой век», «Заворожённый». Автор книг «Тайная жизнь Сальвадора Дали, рассказанная им самим», «Великий мастурбатор», «Дневник одного гения» и эссе «Трагический миф Анжелюса Милле». Знакомство с новыми течениями в живописи развивается — Дали экспериментирует с методами кубизма и дадаизма. Пытаясь найти собственный стиль, в конце 1920-х создает ряд работ под влиянием Пикáссо и Хуана Мирó. В 1929 г. участвует вместе с Буньюэлем в создании сюрреалистического фильма «Андалузский пёс». В 1929 г. примыкает к группе сюрреалистов, организованной Андре Бретоном После прихода к власти каудильо Фрáнко в 1936 году Дали ссорится с сюрреалистами, стоящими на левых позициях, и его исключают из группы. В ответ Дали не без оснований заявляет: «Сюрреализм — это я».. Он жил сюрреалистически, его высказывания и работы имели более широкий и глубокий смысл, нежели интересы конкретных политических партий. Так, в 1933 году он пишет картину Загадка Вильгельма Телля, где изображает швейцарского фольклорного героя в образе Ленина с огромной ягодицей. В 1937 году художник посещает Италию и остаётся в восторге от произведений Ренессанса. В его собственных работах начинает доминировать правильность человеческих пропорций и другие черты академизма. Невзирая на отход от сюрреализма, его картины по-прежнему наполнены сюрреалистическими фантазиями. После смерти жены Дали переживает глубокую депрессию. Сами его картины упрощаются, и на них долгое время преобладает мотив скорби (вариации на тему «Пьета»). Болезнь Паркинсона также мешает Дали рисовать. Его самые последние работы («Петушиные бои») представляют собой простые закорючки, в которых угадываются тела персонажей — последние попытки самовыражения несчастного больного человека.

22. Антоне́н Арто́ — французский писатель, поэт,драматург, актёр театра и кино, художник, киносценарист, режиссёр и теоретик театра, новатор театрального языка, посвятивший жизнь и творчество вопросу о новом обосновании искусства, его места в мире и права на существование. Арто разработал собственную театральную концепцию, называемую «театр жестокости» («крюотический театр»). Театральные взгляды Арто нашли отражение в сборнике статей «Театр и его Двойник». Основание системы Арто — отрицание театра в привычном понимании этого явления. Театра, удовлетворяющего традиционные запросы публики. Сверхзадача — обнаружить истинный смысл человеческого существования через разрушение случайных форм. Противопоставление театров: обыденного, мертвого и — живого, раскрывающего самую суть бытия, — это и есть демонстрация театра и его Двойника, являющегося на самом деле подлинным Театром. Жестокость свойственна любому действию, проявление добра — тоже Жестокость. «В явленном мире, говоря на языке метафизики, зло остается перманентным законом, а благо — лишь усилием и, стало быть, еще одной жестокостью, добавленной к первой». Жестокость, в понимании Арто, суть акт творения. По Арто на сцене идет реальное проживание событий, но не первичное, а вторичное, воссоздаваемое по воспоминаниям. К этому процессу посредством коллективного бессознательного приобщаются все присутствующие в зале, становясь не зрителями, но соучастниками. В своей системе Арто соединяет структуру мифологическую и структуру катартическую, обе из которых направленны на уничтожение личностного начала героя, его слияние с миром. Помимо этого в своих спектаклях Арто использует также базовые принципы ритуального построения действия. То есть «театр жестокости» имеет каратическую структуру и ритуальную основу. В основе актёрской составляющей системы Арто лежит концепция чувственного атлетизма. На сцене актёр должен реализоватать идею Жестокости к самому себе, что позволяет создать особую реальность действия. Концепция актёра Арто идет вразрез и с укрупнением личности, свойственным модернистскому театру, и с театром психологическим, где на первый план выходит чувстенный аппарат актёра.

Однако, воспринимать театральную систему Арто как прямое руководство к постановке спектаклей бессмысленно. Она требует дополнительно режиссёрского осмысления и разработки практической программы. Именно в силу этой особенности «театр жестокости» стал основой творчества многих крупных режиссёров второй половины XX века, таких как Ежи Гротовский и Питер Брук.

23. Постмодернизм —состояние современной культуры, включающее в себя пред-постнеклассическую философскую парадигму, до-постмодернистское искусство, а также массовую культуру этой эпохи. В настоящее время существует ряд взаимодополняющих концепций постмодернизма как феномена культуры, которые подчас носят взаимоисключающий характер:

Юрген Хабермас, Дениел Белл и Зигмунт Бауман трактуют постмодернизм как итог политики и идеологии неоконсерватизма, для которого характерен эстетический эклектизм, фетишизация предметов потребления и другие отличительные черты постиндустриального общества.

В трактовке Умберто Эко постмодернизм в широком понимании — это механизм смены одной культурной эпохи другой, который всякий раз приходит на смену авангардизму (модернизму) («Постмодернизм — это ответ модернизму: раз уж прошлое невозможно уничтожить, ибо его уничтожение ведет к немоте, его нужно переосмыслить, иронично, без наивности»).

Постмодернизм — общий культурный знаменатель второй половины XX века, уникальный период, в основе которого лежит специфическая парадигмальная установка на восприятие мира в качестве хаоса — «постмодернистская чувствительность» (В. Вельш, И. Хассан, Ж.-Ф. Лиотар).

Постмодернизм — самостоятельное направление в искусстве (художественный стиль), означающий радикальный разрыв с парадигмой модернизма (Г. Хоффман, Р. Кунов).

По мнению же X. Летена и С. Сулеймена, постмодернизма как целостного художественного явления не существует. Можно говорить о нём как о переоценке постулатов модернизма, но сама постмодернистская реакция рассматривается ими как миф.

Постмодернизм — эпоха, пришедшая на смену европейскому Новому времени, одной из характерных черт которого была вера в прогресс и всемогущество разума. Надлом ценностной системы Нового времени (модерна) произошёл в период Первой мировой войны. В результате этого европоцентристская картина мира уступила место глобальному полицентризму (Х. Кюнг), модернистская вера в разум уступила место интерпретативному мышлению (Р. Тарнас (en)).

Возникший как антитеза модернизму, открытому для понимания лишь немногим, постмодернизм, облекая всё в игровую форму, нивелирует расстояние между массовым и элитарным потребителем, низводя элиту в массы (гламур). Модернизм - это экстремистское отрицание мира Модерна (с его позитивизмом и сциентизмом), а постмодернизм - это не-экстремистское отрицание все того же Модерна. Отличие постмодернизма от модернизма состоит в следующем:

24. Экспрессиони́зм — течение в европейском искусстве, характеризующееся тенденцией к выражению эмоциональной характеристики образов (обычно человека или группы людей) или эмоционального состояния самого художника. Подчеркивалась субъективность творческого акта. Были использованы мотивы боли, крика, так что принцип выражения стал преобладать над изображением[1][2].

Абстракциони́зм — направление нефигуративного искусства, отказавшегося от приближённого к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма — достижение «гармонизации», создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации. Основоположники: Василий Кандинский, Казимир Малевич, Пит Мондриан.

Родственным абстракционизму течением является кубизм, стремящийся изобразить реальные объекты множеством пересекающихся плоскостей, создающих образ неких прямолинейных фигур, которые воспроизводят живую натуру.

Абстрактный экспрессионизм — школа (движение)художников, рисующих быстро и на больших полотнах, с использованием негеометрических штрихов, больших кистей, иногда капая красками на холст, для полнейшего выявления эмоций. Экспрессивный метод покраски здесь часто имеет такое же значение, как саморисование. Целью художника при таком творческом методе является спонтанное выражение внутреннего мира (подсознания) в хаотических формах, не организованных логическим мышлением.

25. Постмодернизм в русской литературе
Когда говорят о первом этапе перехода модернизма в постмодернизм в русской литературе, обычно упоминают тот период творчества Георгия Иванова (1894—1958), который считается своего рода мостом из Серебряного века к современным поэтическим экспериментам. Речь идет о 30-50-х годах, когда в произведениях Георгия Иванова, и в частности в его поэме "Распад атома" (1938), появляются ноты, явно предвосхищающие эпоху постмодернизма. Стихотворение "Друг друга отражают зеркала...", по мнению И.Н. Ивановой, "разыгрывает любимые темы модернизма, освещая их постмодернистским светом". Эстетическая концепция В.В. Набокова занимает особое место в истории русской культуры. Взаимоотношения его с читателем обычно определяют как "игру в прятки". В набоковских книгах автор-невидимка разыгрывает с читателем "свою любимую обманную игру" (там же). Н. Берберова, подчеркивая новаторство текстов В.В. Набокова, отмечала, что он сам придумал свой метод и сам осуществил его и что он не только.
Саша Соколов (Александр Всеволодович Соколов) родился в 1943 г. в Канаде в семье профессионального советского разведчика. В 1947 г. отца будущего писателя выслали из Канады, и семья возвратилась в Москву. В 1975 г. Саша Соколов, женившись на гражданке Австрии, эмигрировал из СССР.
Роман "Школа для дураков", написанный еще в СССР, был опубликован в эмиграции в 1976 г. В 1980 г. в США был опубликован роман "Между собакой и волком". Затем читатель познакомился с романом "Палисандрия". Если первые два романа связаны с философией времени, то "Палисандрия" является одновременно пародией на исторические и эротические романы. Как писал один американский критик, герои Саши Соколова "обитают в сумеречном пространстве между светом разума и мраком подсознания" (цит. по: 6, с.131). В романе "Палисандрия", пишет Б.А. Ланин, "мы также видим типичное для эмигрантской литературы представление о западном мире как о мире потустороннем (отсюда и принцип "ниоткуда с любовью") (6, с. 132).
Появление в России трех вышеназванных романов Саши Соколова совпало с расцветом русского постмодернизма, напоминает И.В. Ащеулова (1, с. 134). Интересно, что практически все зарубежные исследователи творчества Саши Соколова причисляют его к модернистам, а все русские литературоведы и критики — к постмодернистам. Действительно, когда пространство "Школы для дураков", будучи миром ужаса и хаоса, трансформируется в пространство детства, а "школа" воспринимается как "школа жизни", то это не что иное, как конфликт модернизма. Эта тема продолжится и в романе "Между собакой и волком". Но в фантасмагории "Палисандрии", где "кремлевский сирота" Палисандр Дальберг представляется внучатым племянником Берии и правнуком Григория Распутина-Новых, возникает авторский миф о России, истории, культуре. Мифопоэтическая проза Саши Соколова характеризуется не только созданием мифа, но и его разрушением. Мифологические, религиозные, философские, литературные архетипы здесь "пародируются, сталкиваются, переосмысляются, оспариваются" (6, с. 139).
В статье "Эдуард Лимонов как зеркало русского постмодернизма" Л.И. Бронская утверждает, что без отечественного соцреализма не было бы и русского постмодернизма (2, с. 148). Ведь именно русская литература XX в. дала совершенно замечательные образцы для постмодернистских подражаний. Впрочем, Л.И. Бронская считает, что постмодернизм в русской литературе совершенно случаен и необязателен, хотя в этой случайности есть определенного рода закономерность.
Появление русского постмодернизма связывается с жестокой встроенностью отечественной литературы в европейские эстетические системы и с крушением Советского Союза. Это предопределило превращение "гадкого утенка" из провинциального Харькова в по-своему "прекрасного лебедя" литературы русского зарубежья последней трети XX в. (2, с. 149). Эдуард Лимонов написал свой самый постмодернистский роман "Дневник неудачника" после того, как прожил в Америке почти пять лет, узнал о постмодернизме не понаслышке, а изучил его изнутри, во всех подробностях, деталях, технологических тонкостях (2, с. 150). Выбрасывая груды мусора на страницы своих американизированных книг, Э. Лимонов, по мнению автора статьи, оказывается на грани художественного и нехудожественного. Чаще на грани нехудожественного.
В поэзии Тимура Кибирова можно найти все приметы постмодернистского мировосприятия: обращенность поэтической рефлексии на внутренний мир, языковой плюрализм, стремление к совмещению несовместимого, контекстуализм, юнговские архетипы и проч. Мир в творчестве Т. Кибирова представляется как "лежащий во зле", бессмысленности. Мир нуждается в спасении, а защита мира производится через защиту обыденного, простых событий, простой немудреной жизни. "Мудрость непритязательного довольства доступно-бытовым есть опора перед стучащимся в мир ужасом, который изображен в виде недвижного времени... Стоячее время есть символ зла, в котором лежит мир".
В поэме Т. Кибирова "Любовь, комсомол и весна" решается онтологическая задача. Повторяемость синтаксических конструкций символизирует повторяемость жизненного круговорота, иллюстрирует ницшеанскую идею "вечного возвращения", поданную в приземленной пародийной форме. Меняя исторические костюмы, влюбленная пара у Т. Кибирова вечно (!) сидит в обнимку, а в конце каждой главы "встает над обновленною землею" пародийная заря. "Постмодернистский каталог, перечень, длящий себя в бесконечность, празднует здесь свою победу" (4, с. 165).

26. Хосе́ Орте́га-и-Гассе́т — испанский философ и социолог, сын известного литератора Ортеги-и-Мунийа. Термин "дегуманизация искусства" был введен в научный оборот испанским философом Хосе Ортегой-и-Гассетом. Проблемы массового искусства и дегуманизации искусства рассматриваются в работе "Восстание масс" и эссе "Дегуманизация искусства". В качестве важнейшего отличительного признака художественного творчества ХХ века Ортега-и-Гассет выделяет "вытеснение" в нем человека как основного предмета изображения.
Т.о., современное искусство теряет свое общечеловеческое содержание, тем самым "дегуманизируясь". Отсюда своеобразная "бесчеловечность" всех модернистских школ, с точки зрения автора. Дегуманизация искусства предполагает воспроизведение жизни в формах самой жизни. "Новое искусство разделяет публику на два класса - тех, кто понимает и тех, кто не понимает его, то есть на художников и тех, которые художниками не являются".
Безусловно, в существовании массовой культуры можно найти положительные стороны - она доставляет человеку удовольствие, позволяет расслабиться, отрешиться от насущных проблем. Искусство в своем развитии не стоит на месте, а развивается одновременно со всей культурой. Известно, что на динамику художественной культуры могут влиять разные факторы, в том числе: изменения в политической сфере, бурные социальные процессы, проистекающие в обществе и т.п. Влиять на развитие художественной культуры могут и времена кризисов политической и социально-экономической сферы жизни общества. В различные культурно-исторические эпохи на первый план выдвигались те виды искусства, которые с наибольшей полнотой соответствовали данной эпохе. Эти виды искусства являются доминирующими, а остальные существуют под их влиянием.
На определенном этапе исторического развития в качестве наиболее массовой формы сознания выступает религия. Главный принцип религиозного сознания - вера в сверхестественное.
Любая религия включает в себя три основных элемента: представление (мифологический элемент), религиозное чувство (эмоциональный элемент) и религиозное действие (обрядовый элемент).

27. Анто́ни Пла́сид Гильем Гауди́-и-Курне́т — каталонский архитектор, большинство причудливо-фантастических работ которого возведено в Барселоне. В Европе в то время наблюдался необычайный расцвет неоготического стиля, и юный Гауди восторженно следовал идеям энтузиастов неоготики — французского архитектора и писателя Виолле-ле-Дюка (крупнейшего в XIX в. реставратора готических соборов, восстанавливавшего Собор Парижской Богоматери) и английского критика и искусствоведа Джона Рёскина. Провозглашённая ими декларация «Декоративность — начало архитектуры» полностью соответствовала собственным мыслям и представлениям Гауди, творческий почерк которого с годами становится совершенно неповторим. В период раннего творчества, отмеченный влияниями архитектуры Барселоны, а также испанского архитектора Марторела, строятся его первые, богато декорированные, относящиеся к раннему модерну, проекты: «стилистические близнецы» — нарядныйДом Висенс (Барселона) и причудливый Эль Каприччо (Комильяс, Кантабрия); также компромиссный псевдобарочный Дом Кальвет (Барселона). Также в эти годы появляется проект в сдержанном готическом, даже «крепостном» стиле — Школа при монастыре Святой Терезы (Барселона), а также нереализованный проект зданий Миссии Францисканцев в Танжере; неоготические епископский дворец в г. Асторга (Кастилья, Леон) и Дом Ботинес (Леон).

Однако решающей для реализации замыслов молодого архитектора оказалась его встреча с Эусеби Гуэлем. Позднее Гауди стал другом Гуэля. Этот текстильный магнат, богатейший человек Каталонии, не чуждый эстетических озарений, мог позволить себе заказать любую мечту, а Гауди получил то, о чём мечтает каждый творец: свободу самовыражения без оглядки на смету. Гауди выполняет для семейства Гуэль проекты павильонов усадьбы в Педральбесе близ Барселоны; винных погребов в Гаррафе, часовни и крипты Колонии Гуэль (Санта Колома де Сервельо); фантастического Парка Гуэля (Барселона). Скоро Гауди выходит за пределы доминирующих исторических стилей в пределах эклектизма XIX столетия, навсегда переселяясь в мир кривых поверхностей, чтобы сформировать собственный, безошибочно узнаваемый, стиль. Стиль, в котором творил Гауди, относят к модерну. Однако фактически в своём творчестве он использовал элементы самых различных стилей, подвергая их творческой переработке. Творчество Гауди можно разделить на два периода: ранние постройки и постройки в стиле национальногомодерна (после 1900).

Фриденсра́йх Хундертва́ссер — австрийский архитектор и живописец, создатель оригинальных зданий в «естественном», «экологичном», «биоморфном» стиле. Его Идеальный Дом — это безопасная уютная нора, которую сверху покрывает трава, но нора со множеством окон-глаз. В Новой Зеландии он построил такой дом, где крыша переходит по бокам в холм. На ней растёт трава, которую иногда приходят пощипать бараны.

Хундертвассер считал, что нельзя жить в одинаковых домах-коробках: людям от этого плохо. Как и Гауди, Хундертвассер широко использовал битую керамическую плитку: делал из неё мозаику, расцвечивающую до этого ровную и тоскливую поверхность. Он также насаживал на дома золотые или голубые купола-маковки, нарушающие монотонность прямой крыши, и оборудовал в стенах ниши для деревьев. Самый известный такой проект —KunstHausWien — выставочный зал в Вене. Идея с «деревьями-квартиросъёмщиками» не случайна: Хундертвассера занимала экология, и он считал, что предоставить деревьям и траве место в доме и на нём — хоть какая-то компенсация за урон, который индустриальное общество наносит природе. Графика Хундертвассера многоцветна, геометрична. На первый взгляд может показаться, что она абстрактна, но это не так: за каждой картиной стоит объяснение, целая концепция. Чаще всего он изображает дома и окна.Хундертвассер много работал также над дизайном государственных флагов, монет, почтовых марок. В 1999 году он приступил к своему последнему проекту, получившему название «Зеленая цитадель Магдебурга».

28. Кризисная ситуация в обществе и искусстве конца XIX столетия поставила перед писателями задачу, художественно осмыслить действительность, найти новые пути развития искусства, которое бы дало обновленные духовные ориентиры в сложном и противоречивом периоде. Поиски новых путей привели к возникновению разных течений в искусстве, которые получили название «модернизм» (от фр. модерн - современный, самый новый). Сначала модернизм возникает во Франции, а со временем распространяется во многих странах Европы.

Творчество Ш. Бодлера стало основой для многих модернистских течений, в первую очередь для символизма. Бодлер первым среди современников провозгласил, что поэтическое творчество имеет особые, почти магические свойства, что поэзия должна изменить обычные представления о прекрасном, о жизни и т.п. Соответственно этому взгляду на поэзию изменялась и точка зрения на писателя, поэта, от которого Бодлер требовал собственного, не навязанного никакими традициями и авторитетами видения мира.

Символисты восприняли этот новый взгляд на поэтическое искусство и воплотили его в свою теорию. В основе их художественной системы - символ, знак вечной красоты, к которой стремится поэт, которой нет в повседневности. Поэт - демиург (творец), божество, так как только ему, поэту, присущи творческие прозрения, он интуитивно ощущает путь к красоте. Конкретная действительность не интересует поэта, лишь вечное должно занимать его. Отсюда противопоставление тленного вечному. Непревзойденные образцы лирики - произведения П. Верлен, А. Рембо, Г. Аполлинер, С. Малларме, О. Блок, И. Анненский. Эти стихи принуждают человека думать о вечном, искать смысл бытия.

Еще одним ярким явлением в литературе конца XIX - начала XX столетия стал импрессионизм. Термин «импрессионизм» происходит от французского импрессион - впечатление. Это художественное течение начато в живописи, а со временем оказалось в литературе. Импрессионисты творчески восприняли бодлеровский тезис о способности художника своеобразно и по-своему увидеть мир. Передача художественными средствами сугубо субъективного впечатления - главный признак импрессионизма. Это субъективное впечатление передается в игре ассоциаций, которые вызывает предмет изображения, сложных субъективных метафорах, лиризме повествования, цветных и звуковых образах. Яркий пример импрессионистской прозы - творчество Ги де Мопассана, М. Коцюбинского, К. Гамсуна, в поэзии - Р. М. Рильке, М. Цветаевой.

В начале XX столетия возникает неоромантизм, определяющей чертой которого является попытка преодолеть разрыв между идеалом и действительностью, благодаря могущественной силе личности, способной превратить желательное в действительное. Эти черты присущи творчеству К. Гамсуна.

Интересным явлением русской поэзии стал имажинизм, своеобразное проявление на русской основе модернистского течения английской поэзии имажизма. Имажисты решающим в поэзии считали образ. Раннее творчество Т. С. Элиота дает представление о творческих поисках имажистов. С русским имажинизмом связанно творчество молодого С. Есенина, со временем он признал, что это была хорошая школа поэтического мастерства.

В модернизме были течения, которые стремились обновить художественную систему. Эти течения получили название «авангардизм», (от фр. авант-гарде - передовой отряд). Наиболее распространенные течения авангардизма - футуризм и сюрреализм.

Футуризм (от лат. будущее) возник в Италии. В 1909 г. Маринетти опубликовал «Манифест футуризма», в котором провозгласил разрыв с традиционной культурой, которая не может удовлетворить современного человека. Они открыли трагедию современной урбанизации - трагедию нивелирования человеческой личности. Они стремились воссоздать мировосприятие «безличного» человека. В русской литературе футуризм наблюдается в творчестве В. Маяковского, Д. Бурлюка

Сюрреализм происходит от фр. - надреализм. Сюрреалисты опирались на подсознание человека, одно из средств сюрреалистического искусства - выполнение «автоматического письма»: подсознание подсказывает запись первого, что пришло в голову, на чем сосредоточилось внимание (описание случайных предметов и вызванных ими ассоциаций).

Модернизм объединялся с разными художественными направлениями, создавал новые течения, новые приемы изображения.

29. Густав Климт — австрийский художник, основоположник модерна в австрийской живописи. Главным предметом его живописи было женское тело, и большинство его работ отличает откровенный эротизм. Климт в 1897 году стал одним из основателей и президентом Венского сецессиона и журнала «Ver Sacrum» (Весна Священная), издаваемого группой. Пейзажный жанр был единственной нефигуративной живописью, интересовавшей Климта. По стилю пейзажи Климта похожи на его изображения фигур, они содержат те же элементы дизайна. Пейзажи Аттерзее настолько удачно вложены в плоскость полотна, что иногда предполагают, что Климт рассматривал их в телескоп. В 1894 году Климт получил заказ на создание трёх картин для украшения потолка главного здания Венского университета. Картины «Философия», «Медицина» и «Юриспруденция» были закончены к 1900 году. Их резко критиковали за тематику, которую называли «порнографической». Климт преобразил традиционные аллегории и символы в новый язык, с большим ударением на эротику, и потому более раздражающий консервативных зрителей. Недовольство высказывали все круги — политические, эстетические и религиозные. В результате картины не были выставлены в главном здании университета. Картиной «Обнажённая истина» (1899) Климт продолжил вызов общественности. Обнажённая рыжая женщина держит зеркало истины, над которым помещена цитата из Шиллера: «Если ты не можешь твоими делами и твоим искусством понравиться всем, понравься немногим. Нравиться многим — зло». «Золотой период» творчества Климта отмечен позитивной реакцией критики и является самым успешным для Климта. Название периода происходит от позолоты, использованной в многих работах художника, начиная с «Дворца Афины» (1898) и «Юдифи» (1901), но наиболее известной его работой этого периода является «Поцелуй» (1907—1908). Золотой фон и символика, близкая византийской, восходят к мозаикамВенеции и Равенны, увиденным Климтом во время путешествия по Италии.

30. Граф Анри́ Мари́ Раймо́н де Тулу́з-Лотре́к-Монфа́ — французский художник, мастер графики и рекламного плаката. Ранние работы художника, на которых изображены в основном его близкие друзья и родственники ("Графиня Тулу-Лотрек за завтраком в Мальроме", 1883; "Графиня Адель де Тулуз-Лотрек", 1887 - обе в Музее Тулуз-Лотрека, Альби), написаны с использованием импрессионистической техники, но стремление мастера максимально правдиво, иногда даже беспощадно, передать индивидуальную характеристику каждой своей модели говорит о принципиально новом понимании им образа человека ("Молодая женщина, сидящая за столом", 1889, Собрание Ван Гога, Ларен; "Прачка", 1889, Собрание Дортю, Париж). Для современников А. де Тулуз-Лотрек был прежде всего мастером психологического портрета и создателем театральных афиш.

Все его портреты можно условно разделить на две группы: в первой модель как бы противопоставлена зрителю и смотрит ему в прямо в глаза ("Жюстин Дьель", 1889, Музей Орсэ, Париж; "Портрет месье Буало", ок. 1893, Кливлендский музей искусств), во второй она представлена в привычной для себя обстановке, отражающей ее повседневные занятия, профессию или привычки ("Гостиная в Шато де Мальроме", 1886-1887; "Дезире Дио (Чтение газеты в саду)", 1890 - обе в музее Тулуз-Лотрека, Альби; "Портрет Мадам де Гортцикофф, 1893, частная коллекция). Для того чтобы все внимание зрителя было сконцентрировано на внутреннем мире его модели, он делает ее внешние черты менее резкими, расплывчатыми, использует абстрактный фон, а в более поздних картинах - пейзаж или некоторые предметы быта и обстановки, раскрывающие истинную сущность своих персонажей.

А. де Тулуз-Лотрек никогда не интересовался проблемой воздействия света на поверхность изображаемых предметов, но постепенно его палитра светлеет, а утонченное сочетание нескольких цветов, в основном зеленого и фиолетового, станет визитной карточкой большинства его работ.

31. Па́бло Пика́ссо — испанский художник, скульптор, график, керамист и дизайнер. Основоположник кубизма (совместно с Жоржем Браком и Хуаном Грис), в котором трёхплоскостное тело в оригинальной манере рисовалось как ряд совмещённых воедино плоскостей. Вызвал к жизни массу подражателей и оказал исключительное влияние на развитие изобразительного искусства в XX веке. Согласно оценке Музея современного искусства (Нью-Йорк), Пикассо за свою жизнь создал около 20 тысяч работ[3].

От экспериментов с цветом и передачи настроения Пикассо обратился к анализу формы: сознательная деформация натуры («Авиньонские девицы», 1907), односторонняя интерпретация системы Сезанна и увлечение африканской скульптурой приводят его к абсолютно новому жанру. После эпикурейского изящества 1920-х(«Танец») Пикассо создает атмосферу конвульсий и истерии, ирреальный мир галлюцинаций, что можно объяснить, отчасти, влиянием поэтов-сюрреалистов, проявившимся в некоторых рисунках, стихотворениях, написанных в 1935, и театральной пьесе, созданной во время войны. На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, казалось, могло создавать только монстров, неких разорванных на части существ («Сидящая купальщица», 1929), орущих («Женщина в кресле», 1929), раздутых до абсурда и бесформенных («Купальщица», рисунок, 1927) или воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы («Фигуры на берегу моря», 1931). Несмотря на несколько более спокойных произведений, которые являются в живописном плане наиболее значительными, стилистически это был весьма переменчивый период («Девушка перед зеркалом», 1932). Женщины остаются главными жертвами его жестоких бессознательных причуд, возможно, потому что сам Пикассо плохо ладил со своей собственной женой или потому что простая красота Марии-Терезы Вальтер, с которой он познакомился в марте 1932 года, вдохновляла его на откровенную чувственность («Зеркало», 1932). В 1930—1934 годах именно в скульптуре выражается вся жизненная сила Пикассо: бюсты и женские ню, в которых иногда заметно влияние Матисса («Лежащая женщина», 1932), животные, маленькие фигуры в духе сюрреализма («Мужчина с букетом», 1934) и особенно металлические конструкции, имеющие полуабстрактные, полуреальные формы и исполненные порой из грубых материалов (он создает их с помощью своего друга, испанского скульптора Хулио Гонсалеса — «Конструкция», 1931). Наряду с этими странными и острыми формами, гравюры Пикассо к «Метаморфозам» Овидия (1930) свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения.

32. Теа́тр абсу́рда, или дра́ма абсу́рда — абсурдистское направление в западноевропейской драматургии и театре, возникшее в середине XX века.[1] В абсурдистских пьесах мир представлен как бессмысленное, лишённое логики нагромождение фактов, поступков, слов и судеб. Наиболее полно принципы абсурдизма были воплощены в драмах «Лысая певица» румынско-французского драматурга Эжена Ионеско и «В ожидании Годо ирландского писателя Сэмюэла Беккета. Термин «театр абсурда» впервые использован театральным критиком Мартином Эсслином, в 1962 году написавшим книгу с таким названием. Считается, что театр абсурда уходит корнями в философию дадаизма, поэзию из несуществующих слов и авангардистское искусство 1910—20-ых. Несмотря на острую критику, жанр приобрёл популярность после Второй мировой войны, которая указала на значительную неопределённость человеческой жизни. Введённый термин также подвергался критике, появились попытки переопределить его как «анти-театр» и «новый театр». Движение «театра абсурда» (или «нового театра»), очевидно, зародилось в Париже как авангардистский феномен, связанный с маленькими театрами в Латинском квартале, а спустя некоторое время обрело и мировое признание. На практике театр абсурда отрицает реалистичные персонажи, ситуации и все другие соответствующие театральные приёмы. Время и место неопределённы и изменчивы, даже самые простые причинные связи разрушаются. Бессмысленные интриги, повторяющиеся диалоги и бесцельная болтовня, драматическая непоследовательность действий, — всё подчинено одной цели: созданию сказочного, а может быть и ужасного, настроения.

В частности, одним из основоположников русского театра абсурда был Александр Введенский, который написал пьесы "Минин и Пожарский" (1926), "Кругом возможно Бог" (1930-1931), "Куприянов и Наташа" (1931), "Ёлка у Ивановых" (1939) и т.п. Кроме того, в подобном жанре работали и другие ОБЭРИУты, например, Даниил Хармс.

33. Эже́н Анри́ Поль Гоге́н — французский живописец, скульптор-керамист и график. Наряду с Сезанном и Ван Гогом был крупнейшим представителем постимпрессионизма. В начале 1870-х годов начал заниматься живописью как любитель. Ранний период творчества связан с импрессионизмом. Располагая почти статичные фигуры на плоском цветовом фоне, художник создает красочные декоративные панно, в которых отражаются легенды и поверья маори. Голодный и нищий художник пишет картины, в которых воплощает свою мечту об идеальном совершенном мире. Во время своего второго пребывания на Таити доведенный до отчаяния Гоген создает свои лучшие произведения: "Женщина под деревом манго", "Жена короля", "Никогда", "Откуда мы приходим? Кто мы? Куда идем?". Декоративные по цвету, плоскостные и монументальные по композиции, обобщенно стилизованные по рисунку, картины П.Гогена были близки к складывающемуся в то время стилю модерн и оказали большое влияние на художников группы "Наби" и других мастеров начала XX в. Оказавшись в 1886 г. в небольшом провинциальном городке Понт-Авене, пишет серию картин, воспевающих красоту южного побережья Бретани..Вернувшись в Понт-Авен, продолжил свои творческие изыскания и в 1888 г. оказался во главе группы художников, объединившихся в рамках так называемого цветного синтетизма или клуазонизма (Понт-Авенская школа), характерными чертами которого были обобщенные и упрощенные формы. На холст толстой синей или черной линией наносился контур, который затем заполнялся цветом, образующим красочное пятно. Новый метод позволил П.Гогену создать работы, отличающиеся экспрессивным силуэтом и декоративными цветовыми эффектами ("Борьба Иакова с ангелом", "Ночное кафе в Арле".

34. Винсе́нт Ви́ллем Ван Гог — всемирно известный нидерландский художник-постимпрессионист. В 1888 году Ван Гог переехал в Арль, где окончательно определилось своеобразие его творческой манеры. Пламенный художественный темперамент, мучительный порыв к гармонии, красоте и счастью и, одновременно, страх перед враждебными человеку силами, находят воплощение то в сияющих солнечными красками юга пейзажах (Жёлтый дом (1888), Кресло Гогена (1888), «Жатва. Долина Ла-Кро» (1888), то в зловещих, напоминающих ночной кошмар образах («Ночное кафе»); динамика цвета и мазка наполняет одухотворённой жизнью и движением не только природу и населяющих её людей («Красные виноградники в Арле», но и неодушевлённые предметы («Спальня Ван Гога в Арле». В последнюю неделю своей жизни Ван Гог пишет свою последнюю и знаменитую картину: Поле зерновых с воронами. Она была свидетельством трагической смерти художника.

Напряжённая работа и разгульный образ жизни Ван Гога (злоупотреблял абсентом) в последние годы привели к появлению приступов психической болезни. Творчество ван Гог отразило сложный, переломный момент в истории европейской культуры. Оно проникнуто горячей любовью к жизни, к простому трудовому человеку. Вместе с тем оно выразило с огромной искренностью кризис буржуазного гуманизма и реализма 19 в., болезненно мучительные поиски духовных нравственный ценностей. Отсюда особая творческая одержимость ван Гога, его порывистая экспрессия и трагич. пафос; ими определяется особое место В. Г. в искусстве постимпрессионизма, одним из главных представителей которого он стал.

35. Хэ́ппенинг — форма современного искусства, представляющая собой действия, события или ситуации, происходящие при участиихудожника, но не контролируемые им полностью. Хэппенинг обычно включает в себя импровизацию и не имеет, в отличие от перформанса, четкого сценария. Одна из задач хэппенинга — преодоление границ между художником и зрителем.

Основоположником хэппенинга как представления с элементами случайности является Джон Кейдж, который осуществил первый хэппенинг в 1952 году. В соответствии с его представлениями о значении случая в художественном творчестве, хэппенинги иногда называют «спонтанными бессюжетными театральными событиями».

В США к числу художников, развивавших искусство хэппенинга в период его становления, помимо Кейджа и Капроу относятся Джим Дайн, Клас Ольденбург, Роберт Раушенберг, Рой Лихтенштейн. Идея хэппенинга связано с принципом зрительского участия, часто подразумевает постановочные демонстрации в целях социально-политической пропаганды, как многие из работ Йозефа Бойса, или с целью шокировать общественную мораль. Хэппенинги стали известны с начала 1960-х годов. На 1960-е годы пришёлся их расцвет (преимущественно в США). Одним из известных современных видов регулярных хэппенингов в России является Монстрация. Одним из известных устроителей хэппенингов в Европе является французский художник Жан-Жак Лебель.

Перфо́рманс — форма современного искусства, в которой произведение составляют действия художника или группы в определённом месте и в определённое время. К перформансу можно отнести любую ситуацию, включающую четыре базовых элемента: время, место, тело художника и отношение художника и зрителя. В этом — отличие перформанса от таких форм изобразительного искусства, как картина или скульптура, где произведение конституируется выставленным объектом.

Иногда перформансом называют такие традиционные формы художественной деятельности, как театр, танец, музыка, цирковые выступления и т. п. Однако в современном искусстве термин «перформанс» относится обычно к формам авангардного или концептуального искусства, наследующим традицию изобразительного искусства.

36.

модернизм	постмодернизм
Скандальность	Конформизм
Антимещанский пафос	Отсутствие пафоса
Эмоциональное отрицание предшествущего	Деловое использование предшествующего
Первичность как позиция	Вторичность как позиция
Оценочность в самоназвании: «Мы — новое»	Безоценочность в самоназвании: «Мы — всё»
Декларируемая элитарность	Недекларируемая демократичность
Преобладание идеального над материальным	Коммерческий успех
Вера в высокое искусство	Антиутопичность
Фактическая культурная преемственность	Отказ от предыдущей культурной парадигмы
Отчётливость границы искусство-неискусство	Всё может называться искусством

37. Боди-арт — одна из форм авангардного искусства, где главным объектом творчества становится тело человека, а содержание раскрывается с помощью невербального языка: поз, жестов, мимики, нанесения на тело знаков, «украшений». Объектом Боди-арта также могут выступать рисунки, фото, видео и муляжи тела.

Тело рассматривается как вещь для манипулирования, повышенный интерес художники проявляют к пограничным экзистенциальным ситуациям. Композиции боди-арта разыгрываются прямо перед зрителем или записываются для последующей демонстрации в выставочных залах. Боди-арт иногда близок, но не тождественен, ряду явлений, возникших в русле контркультуры: нудизму, садомазохизму, натуризму,панк-культуре, хиппи-культуре, сексуальной революции. Термин «боди-арт» не следуют путать с росписью тела (англ. body painting), которая является лишь подмножеством боди-арта.

Инсталля́ция — форма современного искусства, представляющая собой пространственную композицию, созданную из различных элементов и являющую собой художественное целое. Основоположниками инсталляции были Марсель Дюшан и сюрреалисты. Инсталляцию можно охарактеризовать как самоценную символическую декорацию, создаваемую в определенное время под определенным названием. Важно, что зритель не созерцает инсталляцию со стороны, как картину, а оказывается внутри неё. Некоторые инсталляции приближаются к скульптуре, но отличаются от последней тем, что их не ваяют, а монтируют из разнородных материалов часто промышленного происхождения.

Концептуа́льное иску́сство — литературно-художественное направление постмодернизма. В концептуализме концепция произведения важнее его физического выражения, цель искусства — в передаче идеи. Концептуальные объекты могут существовать в виде фраз, текстов, схем, графиков, чертежей, фотографий, аудио- и видео- материалов. Объектом искусства может стать любой предмет, явление, процесс, поскольку концептуальное искусство представляет собой чистый художественный жест. Один из основоположников течения, американский художник Джозеф Кошут, видел значение концептуализма в «коренном переосмыслении того, каким образом функционирует произведение искусства — или как функционирует сама культура … искусство — это сила идеи, а не материала». Классическим образцом концептуализма стала его композиция «Один и три стула» (1965), включающую стул, его фотографию и описание предмета из словаря. Концептуальное искусство обращается не к эмоциональному восприятию, а к интеллектуальному осмыслению увиденного.

Кинетическое искусство — направление в современном искусстве, обыгрывающее эффекты реального движения всего произведения или отдельных его составляющих. Кинетизм основывается на представлении о том, что с помощью света и движения можно создать произведение искусства. Объекты представляют собой движущиеся установки, производящие при перемещении интересные сочетания света и тени, иногда звучащие. Эти тщательно сконструированные устройства из металла, стекла или других материалов, соединённые с мигающими световыми устройствами, получили название «мобилей».

38. Сам по себе процесс культурной глобализации носит противоречивый характер, сопровождаясь одновременными процессами культурной унификации и утверждением культурной самобытности, интеграцией и всплеском фундаментализма. При этом массовая культура выступает как одно из средств социокультурной вестернизации и глобализации, той культурной формой, по стандартам которой идет процесс культурного объединения. Она не только помогает заполнить досуг, но и формирует ментальность современного человека. Важной задачей современной философии культуры выступает оценка воздействия массовой культуры на человека, общество, традиционную культуру, поскольку до сих пор до конца не ясны итоговые последствия появления и развития феномена массовой культуры. Не во всем выявился смысл изменений, протекающих в других сферах культуры, таких, как народная и классическая (элитарная) культура. Экспансия массовой культуры обусловила кризисные явления в европейской культуре, вскрыть которые и понять пути их преодоления возможно через анализ сущностных характеристик, онтологических, феноменологических связей и эволюции господствующей формы культуры, каковой стал масскульт.

39. Поп-арт - широкое художественное течение, охватившее в 1950-60-х все виды изобразительного искусства США, Великобритании и других западных. Отказавшись от элитарности и глубокомыслия абстрактного экспрессионизма, художники, работавшие в стиле поп-арт (в США Э. Уорхол, К. Олденбург, Р. Лихтенштейн и др.), избрали источником своего вдохновения массовую культуру: рекламу, комиксы, кино, джаз, иллюстрированные газеты и журналы и т.п.

Произведения поп-арта отражают «жизнь, как она есть», и нередко содержат долю юмора и авторской иронии (таковы знаменитые картины Э. Уорхола, изображающие долларовую банкноту, многократно повторенные увеличенный фотопортрет актрисы М. Монро и банки томатного супа фирмы «Кэмбелл»). После второй мировой войны в Америке сформировался большой социальный слой людей, зарабатывавших достаточно денег, чтобы приобрести товары, которые им не были особенно важны. Например употребление товаров: После второй мировой войны в Америке сформировался большой социальный слой людей, зарабатывавших достаточно денег, чтобы приобрести товары, которые им не были особенно важны. Например употребление товаров: Coca cola или Levi's джинсы становятся важным атрибутом этого общества. Человек используя тот или другой товар, показывает свою принадлежность определенному социальному слою. Так формировалась массовая культура. Вещи становились символами, стереотипами. Поп-искусство обязательно использует стереотипы и символы. Пример: пирог К. Олденбурга, изображенный различными вариантами. Художник может не изобразить пирог, а рассеять иллюзии, показать, что человек видит по-настоящему.

Р. Раушенберг также своеобразен: он приклеивал к полотну разные фотографии, их обрисовывал и к работе приделывал какое-нибудь чучело. Одна из известных его работ - чучело ежа. Р. Лихтенштейн - это один из весёлых художников. Для своих сюжетов он использует картинки комиксов. Такие работы выполненные в стиле поп искусства, понятны людям. Поп искусство балансирует на грани абсурда и иронии. Сформировавшаяся ветвь поп искусства: гиперреализм - направление постмодернизма, целенаправленно на фотографическое воспроизведение банальной ежедневности.

Лэнд-арт - направление в изоискусстве последней трети XX в., основанное на использовании реального пейзажа в качестве главного художественного материала и объекта. Художники прорывают траншеи, создают причудливые нагромождения камней, раскрашивают скалы, избирая для своих акций обычно безлюдные места - первозданные и дикие ландшафты, тем самым как бы стремясь вернуть искусство в природу. Поразительно разнообразие ресурсов, используемых этими художниками. От искусства создания ландшафтных парков лэнд-арт отличался своей бесполезностью с практической точки зрения. Лэнд-арт - это далёкий отклик романтичной интерпретации природы, даже при том, что следы романтизма всё ещё могут быть замечены у таких художников, как Ричард Лонг, Если в России лэнд-арт популярен и, по сути, только зарождается, то за рубежом его эпоха идёт к закату. Наверное, это происходит из-за тенденции к личностному самовыражению. Утопическое желание покончить с рыночной системой уступило место персональным проектам, сосредоточенным на городской проблематике.

Ready-made — техника в разных видах искусства (главным образом — в изобразительном искусстве и в литературе), при которой автор представляет в качестве своего произведения некоторый объект или текст, созданный не им самим и (в отличие от плагиарта) не с художественными целями. Термин ready-made в контексте изобразительного искусства впервые использовал французский художник Марсель Дюшан в 1913, создавший в этой технике несколько работ: «Велосипедное колесо» (1913), «Сушилка для бутылок» (1914), скандальный «Фонтан» (1917). Авторство художника или писателя, использующего ready-made, состоит в перемещении предмета из нехудожественного пространства в художественное, благодаря чему предмет открывается с неожиданной стороны, в нём проступают не замечавшиеся вне художественного контекста свойства.

40. В любой науке, в том числе и в эстетике, прежде и более всего подробно изучается сущность, природа, специфика отдельных явлений. Термин "синестезия" вошел в теорию искусства лет ото назад и сегодня весьма популярен в эстетике, хотя до сих пор нет единообразия в определении границ этого понятия и в его дефинициях.Синестезией называют прежде всего межчувственные связи в психике, а также результаты их проявлений в конкретных областях - поэтические тропы межчувственного содержания; цветовые и пространственные образы, вызываемые музыкой; и даже взаимодействия между искусствами (зрительными и слуховыми). Так, к литературной синестезии относят выражения типа "красный зов" (А.Блок), к живописной - картины М.Чюрлениса и В.Кандинского, к музыкальной - произведения К.Дебюсси и Н.А.Римского-Корсакова, подразумевая при этом существование особых "синестетических" жанров (программная музыка, музыкальная живопись) и даже видов искусства (светомузыка).

Таким образом, синестезия понимается здесь, во всех этих интерпретациях, как буквальное "соощущение", т.е. как аномалия, пусть и с позитивным знаком, причем сущность синестезии обязательно искалась почему-то на вне-, над-, до- бессознательном уровне, но не в пределах нормы человеческой психики и искусства. Как бы то ни было, проблема синестезии послужила прекрасным поводом проверки на прочность методологических позиций для наших ученых-материалистов (увы, в данном случае не оправдавших ее).

В чем же суть понятия "межчувственная связь" (синестезия), ее функций в искусстве? Речь идет о взаимодействиях в полисенсорной системе чувственного отражения, возникающих по принципу ассоциации. Простейшие связи, как известно, - "ассоциации по смежности", а наиболее значимые для искусства это "ассоциации по сходству". Сходство может быть сходством по форме, структуре, гештальту слухового и зрительного образов (например, на этом отроится синее готическая аналогия: мелодия-рисунок). Сходство может быть и по содержанию, и по эмоциональному воздействию (на этом основаны, например, синестетические аналогии "тембр-цвет", тональность-колорит"). Последний тип синестезий наиболее характерен искусству, и при признании связующего посредничества высших, "умных" эмоций, в формировании синестезий можно усмотреть участие мыслительных операция (пусть они и осуществляются чаще всего на подсознательном уровне). В связи с этим синестезию следует отнести к сложным специфическим формам невербального мышления, возникающим в виде "со-предстааления", "сочувствования", но отнюдь не "со-ощущения", как то трактуется согласно этимологии этого слова.

Усложнение предмета искусства и развитие средств аудиовизуальной коммуникации, вовлекаемых в художественное освоение этого предмета - процессы, опосредованные сложными связями.

Необходимость обращения к человеческой чувственности, конкретно, изучению синестезии, ее закономерностей и функций в искусстве становится особенно актуальной при освоении художником новых искусственных средств аудиовизуальной коммуникации, когда и звук и изображение синтезируются человеком целиком, так сказать, "от ну ля" ("электронное", "компьютерное" искусство). Возникает проблема "субъективации техники", "субъективации компьютера", и здесь без изначального знания природы и особенностей синестезии, особенно если речь идет о синтетических видах искусства, обойтись нельзя.