Стиль модерн в искусстве.
Стиль модерн в искусстве возник в конце девятнадцатого века: тогда художники пытались из разрозненных, но общепринятых направлений создать нечто оригинальное, придать своим произведениям некоторую условность, отвлеченность. Стоит, однако упомянуть, что термин «модерн» (фр. modern — новый) присущ только русской культуре, поскольку в конце девятнадцатого века в России существовал свой модерн в искусстве. Во Франции этот стиль именовался ар-нуво, в Германии и Скандинавии — югендстиль. Принципы модернизма основаны на идее неспособности искусства предшествующих эпох бороться с несвободой, антигуманностью, социальной несправедливостью, неспособности запечатлеть все это. Основные черты модернизма заключаются в том, что художник направляет свою субъективную волю на борьбу с жестокой реальностью, этим стирая границы прежних идеалов.
Модернизм в изобразительном искусстве — это культурный пласт, охватывающий множество понятий, такие как: импрессионизм, экспрессионизм, кубизм, футуризм. А так же некоторые поздние течения: сюрреализм, дадаизм и так далее. Известные художники эпохи модерна: Альфонс Муха, Поль Гоген, Эдвард Мунк и другие. Все эти довольно известные люди не просто ассоциируются с понятием модерн в изобразительном искусстве, но являются, уже его синонимами.
Основные черты модернизма помогли становлению и других известных творцов, среди которых были и наши соотечественники: Иван Билибин, Николай Рерих, Михаил Врубель – все они ярчайшие представители модернизма. Русский модерн, художники модернизма, делали не похожим на западный, у нас преобладал панэстетизм — все во славу искусства.
Представители модернизма имели разные идеи, но одну цель — запечатлеть свои чувства и переживания. Основные черты модернизма, в огромном количестве проявлений удивительно разнообразили живопись двадцатого века.
Всю историю модерна как направления модернизма можно разбить на три условных периода: ранний, зрелый и поздний, пришедшийся на начало двадцатого века. На начальном этапе доминировала Англия, где была организована «Гильдия века», издававшая свой журнал, положивший начало выпускам многих других журналов, специализирующихся в этой области. Художники, которые входили в гильдию решили объединить живопись и декоративно-прикладное искусство: все это помогло создать художника-универсала, так же являющегося художником-теоретиком. Все это повлияло как на современный модернизм, так и на современную культуру.
Следом за «начинательницей» Англией, вышла на арену Франция, которая переняла новые веяния соседки и создала свой модернизм стиль, проявившимся сначала в плакате, а потом и в живописи. В 80-х годах девятнадцатого века, на родине, тогда еще, трех республик произошло знаменательное событие — возникло Общество независимых художников и в Париж приехал Ван Гог, для которого начался очередной этап в творчестве. Всем известны его картины — воплощенный модерн в живописи.
В разных странах модернизм в искусстве возник практически одновременно, с единственной поправкой — играла свою роль этническая, национальная и географическая составляющая.
Основные этапы творчества П. Пикассо.
Пабло Пикассо
Пабло Пикассо (1861-1973)- выдающийся художник 20 века, живописец, рисовальщик, гравер, скульптор, один из основателей кубизма.
Пабло Пикассо получил основы изобразительного искусства у своего отца – учителя рисования. Затем с 14 лет он обучался в барселонской Академии художеств «Ла Лонха», в 16 лет поступил в Королевскую Академию Сан-Фернадо в Мадриде. В 1904 году художник перебирается в Париж.
На начальном этапе творчества П.Пикассо испытывает влияние П.Сезана, П.Боннара, А. де Тулуз-Лотрека и др. Постепенно колорит его произведений меняется, в нем начинают преобладать голубые тона. Этот период его творчества носит название «голубого». Он изображает обескровленные лица, унылые фигуры, обездоленных людей, бездомных нищих. От его полотен веет безысходностью («Странствующие гимнасты», 1901; «Ужин слепца», 1903). Фигуры людей вытянуты в длину и изображены резкими угловатыми линиями. Фон изображения – синий.
Следующий период творчества П. Пикассо (1904-1906 гг.) называют «розовым», т.к. колорит его картин вливается розовый цвет, как надежда на будущее. И герои его произведений более жизнерадостные – актеры цирка, акробаты, шуты, арлекины («Актер», 1904; «Девочка на шаре», 1905). Вершиной творчества этого периода считается его картина «Семья бродячих комедиантов» (1905). Персонажи на нем выражают одиночество и отрешенность.
Спустя некоторое время художник начинает эксперименты в стиле кубизма. Толчком к этому послужило его увлечение примитивистской африканской скульптурой.
Одной из первых работ в стиле кубизма стала картина «Авиньенские девушки» (1907). В данном полотне виден сюжет, но реализм уже исчезает. Фигуры женщин изображены геометрическими формами и вогнуто-выпуклыми плоскостями рисунка. Частично ещё чувствуется присутствие светотеневой моделировки с применением растушевки, но уже активно используется штрих.
В кубистском творчестве Пикассо выделяют два этапа – аналитический и синтетический.
Аналитический кубизм характеризуется элементарным разложением фигур на разрозненные единицы и плоскости («Даниэль Анри Канвайлер», 1910).
В период синтетического кубизма Пикассо использует различные знаки: элементы живописи, графические знаки (ноты, буквы, цифры), обозначения игральных карт и коллажи из бумаги, афиш, газет. Все вместе это выражает проблемное, сложное отношение между способами отражения реальности («Моя красавица», 1914; «Человек с трубкой», 1914).
Наряду с живописью художник увлекается и другими видами творчества – скульптурой, сценографией. Если для некоторых художников кубизм был лишь ступенью для перехода в другие направления творчества, то для Пикассо кубизм явился одним из методов работы.
В тридцатые годы в работах художника прослеживаются мрачные, трагические черты. Видимо это было связано с предчувствием новой грядущей катастрофы и трагическими событиями в личной жизни. Он изображает кровавые сцены насилия и смерти, злые силы природы («Коррида. Смерть Тореро», 1933; «Минотавромахия», 1935).
События в Испании нашли отклик в творчестве П.Пикассо, он написал живописную картину «Герника» (1937). Здесь можно заметить некоторые элементы реализма. Картина стала предупреждением человечеству о грядущей войне, об ужасах фашизма, она вызвала эмоциональный взрыв в обществе. Свой протест и тревогу автор выразил с помощью ломких линий пресекающих лица героев картины. Это панно Пикассо не потеряло своей значительности и в наше время. Оно звучит как предупреждение.
Антивоенная политика продолжена в таких работах Пикассо, как «Резня в Корее» (1951), панно капеллы в Воларисе «Война» и «Мир» (1954).
В послевоенные годы художник увлекся литографией. Рисует агитационные плакаты. Мир его героев радостен и светел. В графических работах художника видна большая связь с реальным миром.
В поздний период творчество художника оставалось обширным и многогранным. Он импровизирует в классической манере, а так же пишет пейзажи, интерьеры, портреты с фантастическими событиями.
Творчество П.Пикассо заняло особое место в изобразительном искусстве 20 века, благодаря его многогранному таланту и мастерству.
Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано де ла Сантисима Тринидад Мaртир Патрисио Руис и Пикассо)
(25 октября 1881, Малага, Испания — 8 апреля 1973, Мужен, Франция)
Пабло Пикассо (исп. Pablo Picasso)
Пабло Пикассо (исп. Pablo Picasso)
"Детский портрет Поля Пикассо". 1923 г Техника: Холст, масло. Коллекция: Малага, Испания, Музей Пикассо
"Ольга Хохлова, первая жена Пикассо". 1923 г
"Портрет Ольги в кресле". 1917 г Техника: Холст, масло. Коллекция: Париж, Музей Пикассо
Скульптура «Голова женщины» (Хальмстад, Швеция)
Музей Пикассо в Париже
Пабло Пикассо родился 25 октября 1881 года в городе Малага, анадалузской провинции Испании. Пикассо - фамилия матери, которую и взял Пабло, поскольку фамилия отца казалась ему слишком обыденной, к тому же отец Пикассо, Хосе Руис, сам был художником.
Пабло рано проявил талант к рисованию. Уже с 7 лет он учился у своего отца технике рисования, который сначала поручал ему дописывать лапки голубей на своих картинах. Но однажды, доверив тринадцатилетнему Пабло дописать довольно большой натюрморт, он был настолько поражен техникой сына, что, по легенде, сам бросил заниматься живописью.
В возрасте 13 лет Пабло Пикассо с блеском поступил в Барселонскую Академию художеств. На подготовку к экзамену, обычно занимавшую у студентов месяц, у Пикассо ушла неделя. Он поразил комиссию своим мастерством и был принят в Академию несмотря на свой юный возраст. Отец Пикассо совместно с его дядей решили послать Пабло в Мадридскую академию "Сан Фернандо", считавшуюся на тот момент самой передовой Школой искусств во всей Испании. Так, Пабло в 1897 году в возрасте 16 лет приехал в Мадрид. Однако занятия в Школе искусств продлились недолго, меньше года, и Пабло был захвачен всеми другими прелестями мадридской жизни, а также изучением работ впечатливших его тогда художников - Диего Веласкеса, Франсиско Гойи, и в особенности Эль Греко.
Коллекция ранних работ Пикассо находится в Барселоне, в музее Пикассо. Самые известные из них: "Первое причастие" (1896) - большая картина, изображающая сестру Пикассо Лолу, "Автопортрет" (1896), "Портрет матери" (1896). Во время обучения в Мадриде Пикассо совершил свое первое турне в Париж - признанную тогда европейскую столицу искусств. Там он в течение нескольких месяцев посетил все без исключения музеи, изучая живопись великих мастеров: Делакруа, Тулуз-Лотрека, Ван-Гога, Гогена и многих других. Также он увлекался искусством финикийцев и египтян, готической скульптурой, японской гравюрой.
2. "Голубой" период (1901-1904)
К "голубому" периоду относят работы, созданные в промежутке между 1901 и 1904 гг. Серо-голубые и сине-зеленые глубокие холодные цвета, цвета печали и уныния, постоянно присутствуют в них. Пикассо называл голубой "цветом всех цветов". Частые сюжеты этих картин - изможденные матери с детьми, бродяги, нищие, слепые. Наиболее известные работы этого периода: "Жизнь" (1903), "Завтрак слепого" (1903), "Скудная трапеза" (1904), "Любительница абсента" (1901), "Свидание" (1902), "Мать и дитя" (1903), "Нищий старик с мальчиком" (1903, "Гладильщица" (1904), "Двое" (1904).
3. "Розовый" период (1904 - 1906)
"Розовый период" характеризуется более жизнерадостными тонами - охристыми и розовыми, а также устойчивыми темами изображений - арлекинами, бродячими актерами, акробатами ("Семейство комедиантов" (1905), "Акробат и молодой Арлекин" (1905), "Шут" (1905). Очарованный комедиантами, ставшими моделями его картин, он часто посещал цирк Медрано; в это время арлекин - любимый персонаж Пикассо. В 1904 году в Пикассо встретил модель Фернанду Оливье, которая вдохновила его на создание многих значительных работ этого периода.
Знаменитую "Девочку на шаре" (1905) относят к переходным картинам между "голубым" и "розовым" периодами. Художник играет на контрасте и балансе форм или линий, тяжести и легкости, устойчивости-неустойчивости. Также в конце "розового периода" появились "античные" картины - "Мальчик, ведущий лошадь" (1906), "Девочка с козлом" (1906) и другие.
4. "Африканский" период (1907 - 1909)
В 1906 году Пикассо работал над портретом Гертруды Стайн. Он переписывал его около восьмидесяти раз и, по воспоминаниям самой Гертруды Стайн, в итоге Пикассо сказал ей в ярости: "Я перестал вас видеть, когда смотрю на вас". и оставил работу над портретом. Это был переломный момент в его творчестве и отсюда начался путь Пикассо от изображения конкретных людей к изображению человека как такового и к форме как к самостоятельной структуре. Особенно он интересовался африканской скульптурой и масками, он считал их наделенными магической силой и нашел в них чувственную простоту форм.
В 1907 году появилась знаменитые "Авиньонские девицы". Над ними художник работал больше года - долго и тщательно, как не работал до этого над другими своими картинами. Первая реакция публики - шок. Матисс был в бешенстве. Даже большинство друзей не приняли эту работу. Скандальная картина, название которой дал поэт А. Сальмон, была первым шагом живописи на пути к кубизму, а многие искусствоведы считают ее отправной точкой современного искусства.
Кубизм (1909 - 1917)
В "кубическом" периоде Пикассо выделяют несколько этапов. "Сезанновский" кубизм, представленный в работах "Бидон и миски" (1908), "Три женщины" (1908), "Женщина с веером" (1909) и других, характеризуется "сезанновскими" тонами - охристыми, зеленоватыми, коричневыми, но более размытыми, мутными и использованием простых геометрических форм, из которых строится изображение. "Аналитический" кубизм: предмет дробится на мелкие части, которые чётко отделяются друг от друга, предметная форма как бы расплывается на холсте. "Портрет Амбруаза Воллара" (1910), "Завод в Хорта де Сан Хуан" (1909), "Портрет Фернанды Оливье" (1909), "Портрет Канвейлера" (1910). На этапе "синтетического" кубизма работы Пикассо принимают декоративный и контрастный характер. Картины изображают по большей части натюрморты с различными предметами: музыкальными инструментами, нотами, бутылками вина, курительными трубками, столовыми приборами, афишами... Также, опасаясь превращения кубизма в чисто абстрактные эстетические упражнения, понятные лишь узкому кругу, Пикассо и Брак использовали в своих работах реальные предметы: обои, песок, веревки и др. Работы "синтетического" периода: "Натюрморт с плетеным стулом" (1911-1912), Бутылка перно (столик в кафе)" (1912) "Скрипка м гитара" (1913).
Несмотря на неприятие кубизма большинством, картины Пикассо очень хорошо покупаются. Наконец-то кончается нищенское существование и Пабло с Фернандой в сентябре 1909 года перебрались в просторную и светлую мастерскую. Осенью 1911 года Пикассо расстался с Фернандой. Его новой музой стала Ева (Марсель Умбер), одна из работ, посвященных Еве - "Обнажённая, Я люблю Еву" (1912). Затем наступили печальные годы: война, мобилизация и расставание со многими друзями, неожиданная болезнь и трагическая смерть Евы.
