Своеобразие отечественной рок-музыки

Отечественная рок-музыка многообразна и разнонаправлена. Одной из ее характерных особенностей является повышенная смысловая нагрузка текстов многих песен, в которых зачастую используются многочисленные символы. Возникновение этой особенности может быть объяснено чисто историческими причинами. На территории нашей Родины рок-н-ролл не смог изначально стать массовым видом искусства, более того, долгое время он подвергался преследованиям как буржуазный музыкальный стиль. Поэтому, рок-музыка долго оставалась чем-то запрещенным, подпольным, экзотическим, привлекая к себе образованных людей и воспитывая философов.

Рок-музыка является следствием глубинных событий, происходивших в XX веке – социальных, и политических. Этот сравнительно молодое направление породило самые разнообразные, порой прямо противоположные молодежные движения. В начале 1960-х появление Beatles ознаменовало новую эру в музыкальной культуре. Лексика, новая гармония, инструментарий оказали влияние на весь ход дальнейшего развития рок-культуры.

В развитии рок-музыки в развития нашей стране к началу 70-х годов можно выделить следующие этапы. Первый. Распространение привозного рок-н-ролла в различных его танцевальных модификациях. Второй. Появление отечественных коллективов, исполнявших сначала рок-н-ролл в «его классическом варианте, а затем традиционную рок-музыку. Подавляющая часть ансамблей следовала в своем творчестве лучшим западным рок-группам и исполнителям, чаще всего просто воспроизводя один к одному их лучшие композиции. Продолжался этот этап с 1963-1964 по 1968-1969 годы. Третий. С 1968-1969 примерно по 1973-1974 годы. Характеризуется тем, что именно в это время целый ряд отечественных рок-коллективов пытались создавать оригинальную музыку, хотя удавалось это далеко не многим. Четвертый этап. Начинается он с 1973-1974 годов, а заканчивается на рубеже 7-го и 8-го десятилетий. С его началом наряду с негласными запретами на организацию кон-цертов и в тесной связи с ними на пути развития отечественной рок-музыки возникает целый ряд новых препятствий (невозможность приобретения хорошей аппаратуры, участия советских рок-музыкантов в международных рок-фестивалях и, конкурсах и т. д.), в конечном счете вынудивших существовавшие в то время рок-группы вступить в ожесточенную борьбу за существование, которая и стала содержанием четвертого этапа. Борьба была длительной, и большая часть рок-групп, не выдержав ее, распалась. Выжить смогли лишь те, кто сумел пробиться на профессиональную сцену (Александр Градский, «Арсенал», «Машина времени», «Автограф», группа Стаса Намина), потеряв при этом большую часть своей «роковости». Этот период характерен еще и тем, что в глубине молодежной музыкальной культуры формируются элементы нового рока, в начале 80-х годов оформившиеся в так называемую любительскую рок-музыку, противопоставившую себя коммерциализированному профессиональному року.

Самые известные и популярные на протяжении десятилетий отечественные рок-группы «Машина времени», «Аквариум», «ДДТ», «Зоопарк», «Кино», «Алиса» отличают тексты, написанными лидерами этих групп – А.Макаревичем, Б.Гребенщиковым, Ю.Шевчуком, В.Цоем, К.Кинчевым. В одном из ведущих направлений отечественного рока – «бард-роке». остается спорным вопрос о главенстве мелодии или поэтического текста.

 

Движение андеграунда.

Андеграунд или андерграунд (англ. "underground" - подполье) - ряд художественных направлений в современном искусстве (в музыке, литературе, кино, изобразительном искусстве и др.), противопоставляющих себя массовой культуре, мэйнстриму.

Андегра́унд или андергра́унд (от англ. underground — подполье, подпольный; under — под, ниже, ground — земля, пол) — совокупность творческих направлений в современном искусстве (музыке, литературе, кино, изобразительном искусстве и др.), противопоставляющихся массовой культуре, мейнстриму и официальному искусству. Андеграунд включает в себя неформальные, независимые или запрещённые цензурой виды и произведения искусства.

Самым же знаменитым текстом нашего подполья, наверное, можно назвать "Архипелаг ГУЛАГ", переправленный в 1973 году для издания на Запад. Эта книга произвела эффект разорвавшейся бомбы, привлекла внимание к политическим репрессиям в Советском Союзе и заставила многих западных интеллектуалов отказаться от иллюзий по поводу левой идеологии и социализма.

 

Изобразительное искусство. Тема войны в монументальной скульптуре (Е.Вучетич и др.).

Монументальное искусство — род изобразительного искусства, воплощающего большие общественные идеи, рассчитанного на массовое восприятие и существующего в синтезе с архитектурой, в архитектурном ансамбле. К монументальному искусству относятся скульптурные монументы и памятники историческим событиям и лицам, мемориальные ансамбли, посвященные эпохальным явлениям в жизни народа (например, победе над фашизмом в Великой Отечественной войне), скульптурные и живописные изображения, включенные в архитектурное сооружение. Этим произведениям свойственна подчеркнутая активность воздействия на массы, они непрерывно живут на людях и среди людей.

В. И. Ленин выдвинул план монументальной пропаганды, который активно осуществляется в нашей стране (см. Ленинский план монументальной пропаганды). Советское монументальное искусство особенных успехов достигло в 1930-е гг. (социалистическое преобразование городов, сооружения большого общественного значения, художественное оформление станций метрополитена, каналов, выставок и т. п.). Выдающийся вклад в его развитие внесли скульпторы И. Шадр, В. Мухина, Н. Томский, М. Манизер, С. Меркуров, живописцы А. Дейнека, Е. Лансере, П. Корин, В. Фаворский и многие другие. В послевоенный период новой формой монументального искусства явились мемориальные ансамбли, посвященные героике Великой Отечественной войны (наиболее значительные из них созданы при участии архитекторов скульпторами Е. Вучетичем в Волгограде, А. Кибальниковым в Бресте, М. Аникушиным в Ленинграде, В. Цигалем в Новороссийске и др.).

Евгений Викторович Вучетич (1908-1974) - русский советский художник, наиболее последовательно выразивший официальную линию развития монументальной советской скульптуры середины 20 века.

Возглавляя крупные бригады скульпторов, был главным автором двух самых известных советских военных мемориалов — Воинам Советской Армии, павшим в боях с фашизмом (в берлинском Трептов-парке; 1946-1949; Сталинская премия 1950, присуждённая также и за вышеупомянутый горельеф), а также ансамбля на Мамаевом кургане в Волгограде (1963-1967; Ленинская премия 1970). Особенно грандиозен последний из них, возвышающийся среди холмистой степи.

В обоих случаях проявилось умение мастера достигать острой выразительности силуэта (бронзового воина-освободителя со спасенной девочкой в Берлине или гигантской бетонной Родины-Матери в Волгограде), врезающегося в память, словно мощный плакатный призыв.

Среди других его произведений — памятник Ф.Э. Дзержинскому, который высился перед зданием КГБ на Лубянской площади в Москве (1958; в дни августовского путча 1991 фигура была низвержена с пьедестала и ныне установлена в «саду скульптуры» у Центрального дома художников) и фигура «Перекуем мечи на орала» (1957) - одна из отливок которой была преподнесена советским правительством в дар ООН (в целом большинство работ Вучетича завершалось в технике бронзовой отливки).

Ансамбль в Волгограде — не первое монументальное произведение художника. Так, еще в 1949 году в Берлине, на территории Трептов-парка, по проекту Вучетича был сооружен памятник-ансамбль советским воинам, павшим в боях с фашизмом. Этот грандиозный памятник-пантеон был задуман как величественная монументальная символическая композиция, как историко-мемориальное сооружение героико-эпического характера.

Сам скульптор так комментировал свою приверженность образу меча: «Я только трижды обращался к мечу, - один меч подняла к небу Родина-мать на Мамаевом кургане, призывая своих сыновей изгнать фашистских варваров, топчущих советскую землю. Второй меч держит острием вниз наш Воин-победитель в берлинском Трептов-парке, разрубивший свастику и освободивший народы Европы. Третий меч человек перековывает на плуг, выражая стремление людей доброй воли бороться за разоружение во имя торжества мира на планете».

Памятник-ансамбль Мамаев курган. Мама́ев курган — возвышенность на правом берегу реки Волга в Центральном районе города Волгограда, где во время Сталинградской битвы происходили ожесточённые бои (особенно в сентябре 1942 года и январе 1943) продолжительностью 200 дней.

Монумент «Родина-мать зовёт!» на Мамаевом кургане. Скульптура «Родина-мать зовет!» является композиционным центром архитектурного ансамбля «Героям Сталинградской битвы», представляет собой 52-х метровую фигуру женщины, стремительно идущей вперед и зовущей за собой своих сыновей. В правой руке меч длиной 33 м (вес 14 тонн). Высота скульптуры 85 метров. Монумент стоит на 16-ти метровом фундаменте. Высота Главного монумента говорит о его масштабах и уникальности. Общий вес его составляет 8 тыс. тонн. Главный монумент — современная интерпретация образа античной Ники — богини победы — призывает своих сыновей и дочерей дать отпор врагу, продолжить дальнейшее наступление. Это — женщина, держащая в руке меч, которая стоит в позе призыва к борьбе. «Родина-мать» сделана из блоков железобетона — 5500 тонн бетона и 2400 тонн металлических конструкций (без основания, на котором она стоит). Меч длиной 33 метра и весом 14 тонн сделан из фторированной стали. Статуя стоит свободно на плите, как шахматная фигура на доске. На плите у скульптурной композиции "Скорбь матери". На ней надпись: "Имя твое неизвестно, подвиг твой бессмертен. Вечная слава!"

Скульптура на момент создания была высочайшим в мире изваянием. Также существует мнение, что статуя была смоделированна наподобие фигуры «марсельезы» на триумфальной арке в Париже и что поза статуи была вдохновлена статуей Ники Самофракийской. Действительно, некоторая схожесть есть. На первом фото Марсельеза, а рядом Ника Самофракийская

Евгений Вучетич. Воин-освободитель. Берлин. Трептов-парк. 1946—1949 гг. Высота – 12 метров. (В Серпухове – меньшая копия). Центром композиции является фигура советского солдата с опущенным мечом и ребёнком на руках, стоящим на обломках свастики. Считается, что прототипом для скульптора послужил советский солдат, уроженец села Вознесенка Тисульского района Кемеровской области, Николай Масалов, спасший немецкую девочку во время штурма Берлина в апреле 1945 года. Создавал Е.В. Вучетич монумент Воина-освободителя с десантника Ивана Одаренко из Тамбова. Подразумевается, что меч в руках у солдата является тем же мечом, который рабочий передаёт воину, изображённому на монументе «Тыл — фронту» (Магнитогорск), и который затем поднимает Родина-мать на Мамаевом кургане в Волгограде. Интересно, что почти 60 лет назад Евгений Викторович Вучетич «дал» в правую руку «Воину» не просто меч, а точно воспроизвёл меч псковского князя Гавриила, который сражался вместе с Александром Невским против «псов-рыцарей».

 

«Суровый стиль»: В.Попков, Т.Салахов.

Суро́вый стиль — одно из течений в живописи, возникшее в конце 1950-х — начале 60-х годов. Термин «суровый стиль» был введён критиками (в частности, А. А. Каменским) прежде всего по отношению к работам художников-шестидесятников из молодёжной секции Московского отделения Союза художников. Для стиля характерны поэтизация и романтическая героизация трудовых буден, выявление в образах современников энергически-волевого начала. Представители "сурового стиля" (Н. И. Андронов, А. В. Васнецов, В. И. Иванов, П. Ф. Никонов, П. П. Оссовский, В. Е. Попков, Т. Т. Салахов и др.) тяготели к обобщённым лаконичным формам, монументализированной пронизанной острыми линейными ритмами композиции, лапидарным цветовым решениям.

Таи́р Тейму́р оглы Сала́хов — выдающийся советский азербайджанский и российский художник-живописец, вице-президент Российской Академии художеств.

Видное место в творчестве художника занимает цикл произведений о нефтяниках Азербайджана. В числе наиболее известных работ Салахова картины «Утренний эшелон» (1958), «Ремонтники» (1960), «Над Каспием» (1961), «Женщины Апшерона» (1967), «Утро на Каспии» (1986) и др.

Большой успех имела и портретная галерея Салахова, в том числе и такие работы, как «Айдан» (1967), портреты матери, «Портрет Дана» (1983), а также галерея образов деятелей культуры, в частности портреты: композиторов Д. Д. Шостаковича, Кара Караева, Ф. М. Д. Амирова, художника Р. Раушенберга, актёра М. Шелла, писателей Мирза Алекпера Сабира, Расула Рзы, Г. Гессе, Максуда Ибрагимбекова, виолончелиста М. Л. Ростроповича и др.

Ви́ктор Ефи́мович Попко́в — советский художник. Лауреат Государственной премии СССР (1975 — посмертно).

Основные произведения Виктора Ефимовича посвящены советскому быту его времени: «Строители Братска» (1960—1961), «Северная песня» (1968), «Семья Болотовых» (1968), «Бригада отдыхает» (1965), «Шинель отца» (1972), «Двое» (1966), «Хороший человек была бабка Анисья» (1973), «Воспоминания. Вдовы» (1966) «Автопортрет» (1963) «Осенние дожди. Пушкин» (1974), неоконченная. Несколько работ Попкова вошли в собрание Института русского реалистического искусства. Картина Виктора Попкова «Бригада отдыхает» стала символом Матча за звание чемпиона мира по шахматам, который в мае 2012 года прошёл в Инженерном корпусе ГТГ.

 

Монументальное искусство И. Глазунова, К. Васильева, Э. Неизвестного, З.Церетели.

Следует различать понятия «монументальное искусство» и «монументальность в искусстве». Монументальность — это масштабность, значительность, величественность, образов, имеющих большое идейное содержание. Она родственна эстетической категории возвышенного и может проявляться не только в монументальном искусстве, но и в других разновидностях изобразительного искусства, равно как и в произведениях других искусств (литературы, музыки, театра и т. д.). В свою очередь произведения монументального искусства в некоторых случаях могут не обладать качеством монументальности, а иметь лирический или жанрово-бытовой характер.

Понятию монументального искусства родственно понятие декоративного искусства. Однако в последнем на первый план выступает задача украшения архитектуры или подчеркивания цветом, рисунком, декором ее функционально-конструктивных особенностей, тогда как произведения монументального искусства не только украшают, но и имеют относительно самостоятельное идейно-познавательное значение. Вместе с тем между этими родами искусства нет резкой грани. Поэтому принято говорить также о монументально-декоративном или декоративно-монументальном искусстве.

Илья Сергеевич Глазуно́в. Основатель и ректор Российской академии живописи, ваяния и зодчества И. С. Глазунова. Большинство исследователей да и сам художник выделяют четыре основных цикла в его творчестве. Жизнь современника, поэзия будней большого города - тема его лирического "Городского цикла", в который входят такие картины, как "Ленинградская весна", "Город", "Последний автобус", "Ушла" и другие. Для города Глазунова характерно особое психологическое настроение, передающее состояние духа художника. Порой Глазунов выражает настроение своего лирического героя, показывая город, увиденный его глазами.

Вклад народов СССР в мировую культуру и цивилизацию (1980). Предложение ЮНЕСКО великому русскому художнику Илье Глазунову создать панно, отражающее вклад народов СССР в мировую культуру и цивилизацию, было актом высокого международного признания его творчества. Но как решить столь сложную проблему — в одной картине отразить масштаб многовековых свершений более сотни народов и народностей, населяющих территорию бывшей Российской империи, а тогда СССР, раскинувшейся на шестой части Земли? Как известно, по решению ЮНЕСКО ежегодно отмечаются юбилейные даты, связанные с именами наиболее выдающихся творцов мировой цивилизации. И художник, представив узнаваемые хрестоматийные образы великих ученых, деятелей литературы и искусства разных национальностей, а также плоды их творческого гения, проявившегося в разные времена, создал образ воплощенной мощи своего Отечества в протяженности исторического бытия. Это произведение Глазунова, вызвавшее большой резонанс мировой общественности, было передано советским правительством в дар ЮНЕСКО и заняло место в одном из холлов штаб-квартиры этой организации в Париже. Ее Генеральный секретарь, выступая на церемонии передачи панно, сказал: "Мы уверены, что все, кто придет в ЮНЕСКО — мужчины, женщины, молодежь,— стоя перед этим творением, почувствуют заключенный в нем гуманный смысл, вдохновляющий на развитие творческих возможностей во имя счастья людей, мира и справедливости". Международная критика отметила необычность колорита, смелость решения и поистине новаторскую подачу столь трудного по выражению содержания.

Вечная Россия (Сто веков). 1988. Истинное новаторство творческой воли художника который показывает нам в одной картине всю историю России. Следует отметить, что в этой картине Глазунов выступает прежде всего как историк, видящий истоки русского славянского племени в седой древности "Ригведы" и "Авесты". В древнерусском искусстве, а точнее в искусстве церковных фресок, кто-то из дореволюционных критиков нашел хорошее слово — "ковровый". И в самом деле, драгоценный покров колористического решения этой великой картины Ильи Глазунова поражает даже его врагов. Ведь размер картины 3 х 6 м. Глазунову, в отличие от его многих коллег, никогда не давали государственных заказов.

Великий эксперимент. 1990. Картина "Великий эксперимент" является жестким и беспощадным приговором тем, кто проводил безжалостный опыт построения "нового мира", согласно марксистско-ленинской теории, сделавшей реальностью кровавый призрак коммунизма, долго бродивший по Европе. Не случайно в картине Глазунова "Великий эксперимент" столь большое место занимает пятиконечная масонская звезда, как бы оживающая действиями заключенных в ней персонажей. Мы видим первого цареубийцу Кромвеля, кровавых деятелей французской революции, провозгласивших "свободу, равенство и братство", деятелей знаменитого пломбированного вагона, которые прибыли к нам в Россию вместе с Ульяновым-Лениным. Узнаваемы в своей жестокости и фанатической готовности разрушить до основанья весь мир деятели мирового коминтерна... Левая часть картины напоминает нам о великой, свободной и самой богатой в мире стране — монархической православной России.

В кровавом мареве узнаем деятелей братоубийственной гражданской войны, как белых, так и красных... А внизу, словно объятая вселенским пожаром, обреченная на убийство и поругание семья последнего русского самодержца Николая II. Над ними, словно рассыпанная колода карт, фотографии государственных преступников царской России: Ульянов, Джугашвили... В правой части — неподалеку от смертоносной звезды — голова Христа, несущего тяжкую ношу креста, на котором он был распят вселенским злом. Вот они, богоборцы: на Мавзолее — знаменитые члены политбюро. Можно долго и вдумчиво вглядываться в картину этой тоже своеобразной мистерии, как всегда, прекрасной по своей форме и колориту и очень ясной по безжалостности своего исторического приговора. И здесь, как всегда, Илья Сергеевич Глазунов лишен прокурорского тона, прямолинейной риторики — он просто высказывает свою точку зрения, выражая ее в образах, понятных и доступных всем.

Рынок нашей демократии. 1999. Новые работы Глазунова, такие как "Разгром Храма в Пасхальную ночь"(4 х 8м), "Рынок нашей демократии"(3 х 6м), новая редакция его великой и всемирно известной картины "Мистерия ХХ века"(3 х 8м), свидетельствуют о неистощимых творческих возможностях художника. Сотни персонажей, изображенных на этих полотнах, являются свидетелями нашего времени. "Рынок нашей демократии" отражает мысли миллионов наших сограждан, очутившихся в ситуации постсоветского периода, и если "Разгром Храма в Пасхальную ночь" можно сравнить с эпическими творениями русской школы живописи, то в этой картине мы чувствуем боль и гнев художника, нашего современника, который с несокрушимой смелостью собирает воедино и показывает зрителю весь кошмар беззакония конца ХХ века. Но в картине светится, вопреки всему, луч надежды и веры в грядущее возрождение России.

 

Константи́н Алексе́евич Васи́льев — русский художник, широко известный своими работами на былинно-мифологические темы. Творческое наследие Васильева многопланово и разнообразно и насчитывает более 400 произведений живописи и графики: портреты, пейзажи, сюрреалистические композиции, картины на сказочные сюжеты, на темы древней и современной русской истории. Глубокий символизм живописи в сочетании с оригинальным цветовым решением полотен — широким использованием серебристо-серого и красного цвета и их оттенков — делают картины Васильева узнаваемыми и самобытными.

Произведения начала 1960-х гг. отмечены влиянием сюрреализма и абстрактного экспрессионизма («Струна», 1963; «Абстрактные композиции», 1963). В конце 1960-х гт. отказался от формалистических поисков, работал в реалистической манере.

Васильев обращался к народному искусству: русским песням, былинам, сказкам, скандинавским и ирландским сагам, к «эддической поэзии». Создал произведения на мифологические сюжеты, героические темы славянского и скандинавского эпосов, о Великой Отечественной войне («Маршал Жуков», «Нашествие», «Парад сорок первого», «Тоска по Родине», все — 1974).

Работал также в жанре пейзажа и портрета («Лебеди», 1967; «Северный орёл», 1969; «У колодца», 1973; «Ожидание», 1976; «Человек с филином», 1976). Автор графической серии портретов композиторов и музыкантов: «Шостакович» (1961), «Бетховен» (1962), «Скрябин» (1962), «Римский-Корсаков» (1962) и других; графического цикла к опере Р. Вагнера «Кольцо Нибелунгов» (1970-е гг.).

Докопаться до истоков древних славян, их культуры представлялось Васильеву задачей крайне увлекательной. В каждой национальной культуре всегда есть кровная связь с народными преданиями. Художник считал, что они-то и являются тем магическим кристаллом, который подобно камертону настраивает человеческую душу на определенное звучание. Но даже когда обрывается связь с этими преданиями, а традиции не поспевают за бегом времени, все равно в каждом отдельном человеке продолжают жить отзвуки памяти, настроенной на волну своей Родины. Художник своими картинами делает мощный прорыв в прошлое и, обращаясь к нашей памяти, рисует ей такие яркие и конкретные образы, что не может не пробудить сильных чувств, отзвука того далекого, но реального, о котором, проживя жизнь, мы можем даже и не подозревать.

Вольга и Микула (1974 г). Встреча былинного богатыря Вольги Святославича и простого крестьянина Микулы Селяниновича, в чьей переметной суме собрана "вся тяга земная", подлинного хозяина своей земли, который и пашет, и сеет, и кормит, а когда нужно, и защищает от врагов.

Однажды славный богатырь Вольга Святославович выехал с дружиною во чисто поле, и услышал он во поле пахаря-оратая: «Как орет в поле оратай, понукивает. А у оратая-то сошка поскрипывает. Да по камешкам омешики почиркивают…» «Едет Вольга к оратаю день, едет другой, едет третий и, наконец, увидел он пахаря…» Момент встречи Вольги и Микулы Селяниновича из былины «Вольга и Микула» изображен здесь художником. Смелый композиционный прием выделяет фигуру пахаря Микулы — подлинного хозяина своей земли, труженика, который и пашет, и сеет, и кормит, и защищает, когда приходит нужда.

Ожидание (1976). Образ русской красавицы усмотрела она все лучшее, что хранила в тайниках своих возвышенных чувств. Мне его картины очень дороги своей русской темой. Он воспевает красоту русичей,особенно женщин с их светлой и чистой душой. Кто-то видит в женском образе, изображенным на этой картине простую девушку, которая вглядывается в окно в надежде увидеть своего любимого, и мечтает о встрече с ним. Для таких зрителей этот образ является символом надежды. Другие видят женщину, ожидающую может быть своего мужа с войны, или отца из дальней стороны, куда его забросила судьба. Говорят даже иногда, что на картине изображена мать художника. И они недалеки от истины, ведь эту работу Константин сделал за одну ночь в подарок матери ко дню рождения. Есть и такие зрители, которые полагают, что образ женщины на картине «Ожидание» символизирует дух нашего народа, который ожидает преображения России, так как наш народ стремится не столько к богатой жизни, сколько к духовному возрождению. Есть и иные зрители, которые видят на картине женщину, ожидающую какого-то озарения, просветления, божественного откровения. Свеча в руке женщины (или светоч, как говорил К.Васильев), символизирует душевный огонь, стремление человека пробиться к истине, благу, красоте. На картине «Ожидание» Васильев создал глубокий и многозначный символический образ, иконообразный архетип страждущей русской женщины. Недаром, почувствовав, что нашёл нечто важное, Васильев создал затем ещё два варианта этой картины, один из которых теперь неправильно называют «Гадание». Такого упрощённого смысла художник не мог вложить в свое произведение. Кстати, в казанской Картинной галерее Васильева экспонируется самый последний вариант «Ожидания», написанный за месяц до смерти художника и считающийся многими лучшим вариантом из трёх. На данной картине уже отсутствуют все отвлекающие от основного образа предметы, такие как морозные узоры на окне, крестик в руке девушки. Лицо женщины становится менее чувственным, более возвышенным. Каждый находит в символике картины «Ожидание» свой смысл, но все серьёзные люди чувствуют, что видимое не предел, что есть какая-то тайна, заставляющая бесконечно всматриваться в картины Константина Васильева, и находить в них всё новое и новое, может быть вечное.

 

Эрнст Ио́сифович Неизве́стный — советский и американский скульптор.

От ранних вещей в духе академизма перешел в 1950-е (прежде всего, в цикле «раненых», выражающем мучительную память о войне) к самобытному стилю, сочетающему черты символизма и кубизма с бурной экспрессией. Его произведения обычно отливаются в бронзе, в наиболее крупных композициях скульптор предпочитает бетон. В презентации я его не нашла.