ХУДОЖЕСТВЕННАЯ КУЛЬТУРА XVIII ВЕКА
План
1. Стиль рококо в искусстве Франции
2. Литература и музыка эпохи просвещения
3.Архитектура м ИЗО эпохи просвещения
XVIII век в истории мировой художественной культуры обозначен как период кризиса грандиозной художественной системы, в соответствии с которой искусство создавало некую идеальную среду, отличной от реального бытия реального человека. Искусство как бы держало перед человеком образец высшего совершенства.
Важным новым началом в искусстве того времени было появление течений, не имевших собственной стилистической формы - ордера и не испытавших потребности в ее выработке.
Первым безордерным стилем европейского искусства за многие века стал стиль рококо, возникший во Франции. Рококо возникло сразу как стиль камерный, стиль аристократических гостиных.
Наиболее ярким выразителем этого неустойчивого переходного периода являлся Антуан Ватто (1684-1721), создатель нового направления французской живописи периода Регентства. Он вошел в историю живописи как мастер «галантных празднеств». Академия живописи, принимая его в свои члены, должна была специально для него изобрести это определение. Одной из самых известных, ставшей любимой аллегорией рококо, является картина Ватто «Остров Киферы» (мифический остров с храмом Венеры, место любви и наслаждения, где царствуют безделье, легкий флирт, вечные праздники и забавы).
«Галантные празднества» - это живописные элегии, бессюжетные лирические сценки, полные утонченной изысканности: кавалеры и дамы встречаются и поют, танцуют и музицируют в парках, на дворцовых верандах, в лугах. («Общество в парке», «Венецианские празднества», «Мирная любовь», «Праздник любви», «Урок любви», «Урок пения», «Урок музыки»)
Легкие и просветленные, полные хрупкой грации, неуловимых настроений и намеков, эти картины создавали особое элегическое настроение, чему способствовал тонкий и изящный рисунок, удивительный колорит Ватто. Мерцающие краски, тончайшие нюансы серого, голубого, розового, лимонно-желтого, цветные рефлексы при изображении белой шелковой ткани, жемчужно-перламутровый колорит создавали причудливую, изысканную и грустную феерию.
Такова серия картин Ватто «Актеры итальянской комедии», «Любовь в итальянском театре», «Любовь во французском театре», «Актеры Комеди Франсез», «Жюль», «Мезетен». Эта серия открыла новую тему, ставшую одной из главных в искусстве рококо: маскарад, театр масок, персонажи спектаклей.
Ватто создал и новый тип орнамента - с сюжетной сценой в центре и сплошным кружевом вокруг, предвосхитивший стиль рокайль (от франц. rocaille - осколки камней, раковины), легкий и элегантный, сложившийся к двадцатым годам и достигший подъема к середине столетия.
Центром формирования рококо был не дворцовый парадный интерьер, а салон частного дома, аристократическая гостиная, где тон задавали женщины, которые сделали свою повседневную жизнь искусством.
Женственность стала главным критерием красоты. А главной заботой изобразительного искусства - декор помещений. Взамен классических колонн, пилястров и капителей появились настенные панно, плафоны и «десюдепорты» {«dessus-de-porte») - декоративные композиции над дверными и оконными проемами. Они представляют собой причудливый асимметричный орнамент, состоящий из цветочных букетов, гирлянд, рогов изобилия, фигурок амуров, раковин, ленточных переплетений и так называемых атрибутов - композиций из музыкальных инструментов, предметов охоты и сельского труда. Вместо карниза, отделяющего плоскость стены от потолка, появилась падуга - плавный, полукруглый переход, богато декорированный тонким орнаментальным рельефом, выполненным из гипса в стиле рокайль. Рельефные завитки плавно переходили в роспись золотом по белому фону, создавая причудливые арабески - насыщенный прихотливый узор, многократно повторяющийся.
Особенностью убранства интерьера в стиле рококо было использование огромного количества зеркал, которые помещали над камином и в многочисленных простенках между окнами. Многократно отражаясь, зеркала создавали иллюзию бесконечного, театрально-зыбкого пространства.
После перевода на французский язык сказок «Тысячи и одной ночи» мода на все экзотическое, восточное, главным образом китайское, буквально захлестнула Париж. Наряду с китайским фарфором приобрели популярность лаковые панно, искусно вмонтированные в европейскую мебель, а также шелковые ткани с изображениями пагод, китайцев и китаянок, зонтиков, попугаев, обезьян, используемые для обивки салонов.
Мелкие фарфоровые статуэтки, шкатулки, подсвечники, вазы - безделушки, получившие название «багатель», в изобилии расставляли на каминных полках, столиках, специальных подставках-консолях. Это делало интерьер еще более живописным. Произведения изобразительного искусства уже не представляли ценности сами по себе, а превратились в предметы украшения интерьера.
Любимыми темами художников рококо стали не сила, страсть и героика, а нежность и игра. Традиционная французская куртуазность, воспетая трубадурами в середине века, как бы измельчала, и место прекрасного возвышенного идеала заняло пикантное и сладострастное.
Ведущим живописцем рококо был Франсуа Буше (1703-1770), придворный художник Людовика XV. Буше не пренебрегал ни одним жанром изобразительного искусства, он расписывал веера, изготовлял рисунки для гемм, посуды, рисовал эскизы маскарадных нарядов, причесок и многочисленных «багателей». Искусство Буше создало целую эпоху и стало почти синонимом слова «рококо».
Главной темой живописных полотен Буше являются традиционные для XVIII в. изображения пастухов и пастушек (пастораль), мифологических персонажей, развлекающегося общества.
Излюбленной темой Буше была фривольная мифология. Венера, нимфы и амуры затмили все остальные божества.
Среди скульпторов первое место в искусстве рококо принадлежит Этьену Морису Фальконе (1716-1791). Начав с «Милона Кротонского», Фальконе сделал резкий поворот в сторону интимной лирики и малых форм. Его «Грозящий амур», изваянный для маркизы Помпадур, стал предметом всеобщего восторга. Фальконе исполнил одно за другим шесть повторений скульптуры, копиисты воспроизводили «Амура» множество раз и, наконец, копии из бисквита окончательно сделали из него популярнейшую во Франции скульптуру.
Вероятно, Фальконе навсегда остался бы в истории искусства тонким, блестящим, но камерным скульптором, если бы в 1765 г. русский посол в Париже князь Голицин не обратился к нему с предложением взяться за работу над памятником Петру I в Петербурге «Медный всадник». Фальконе сумел показать в образе Петра все, что он знал о его жестокости, об одиночестве, о неумолимой прямолинейности и семейных трагедиях, омрачивших конец его жизни. Не умалив высоты образа, это придало ему оттенок драматической напряженности.
Рококо завоевало репутацию изысканного, но самого легковесного и эфемерного стиля в истории искусства. Рококо явилось поиском новых путей в искусстве.
ЛИТЕРАТУРА И МУЗЫКА ЭПОХИ ПРОСВЕЩЕНИЯ
Движение Просвещения было общеевропейским, но зародилось и стало наиболее действенным именно во Франции, где новая идеология, новая мораль и новая эстетика в конце концов привели к разрушительным последствиям Великой французской революции.
Ключевым принципом политической программы просветителей являлся закон, который как бы автоматически предполагал наличие Свободы, Равенства, Братства. Свободу просветители понимали как добровольное подчинение закону. Равенство - как равное право перед законом каждой личности от пастуха до короля. Братство имело сугубо эмоциональное звучание
В пределах литературы Просвещения возникли разные художественные направления, обладающие своей спецификой, главными среди которых были просветительский классицизм, просветительский реализм и сентиментализм.
Наиболее ярко характерные черты просветительского классицизма воплотились в творчестве Франсуа-Мари Аруэ (1694-1778), вошедшего в историю под именем Вольтер. Просветительский классицизм отвергал стихийное вдохновение, он предпочитал разум чувству, рационализм - эмоциям. Из этих принципов классицистической эстетики и исходил Вольтер во всех литературных и научно-публицистических жанрах: театральных пьесах, стихотворениях, исторических трудах, философских сочинениях, полемических статьях.
Однако самым ярким художественным наследием Вольтера и по сей день остаются его философские повести. Философские повести - это прежде всего политическая, предельно заостренная сатирическая публицистика, ибо персонажи и сюжеты носят условный характер и используются лишь в той мере, в какой они пригодны для изображения социального зла
Выдающимся представителем просветительского реализма был Дени Дидро (1713-1784). Прежде всего он известен как организатор и издатель «Энциклопедии, или Толкового словаря наук, искусства и ремесел». Дидро привлек к написанию статей видных ученых, философов, художников, музыкантов, писателей. «Энциклопедия», обобщив все сведения, накопленные человечеством к середине XVIII в., стала концентрированным выражением идей Просвещения.
В идеологической борьбе французского Просвещения искусство занимало столь значительное место, что возник новый жанр - художественная критика. Большое место в творческом наследии Дидро занимают труды, в которых были разработаны проблемы искусства. В статьях «Прекрасное», «Салоны», «Опыт о живописи» Дидро подверг убийственному осмеянию подражание римской античности, «высокие» жанры.
Главным жанром Дидро признавал «мещанскую драму», в которой изображались быт и нравы третьего сословия.
Кульминацией в эволюции французского театра эпохи Просвещения стали комедии Пьера Огюстена Карона де Бомарше (1732-1799). Его жизнь и творчество можно расценить как общественный подвиг, совершенный им во имя третьего сословия, представителем которого он сам являлся. Настоящим апофеозом третьего сословия, которое Бомарше расценивал как истинную опору нации, способную разрушить феодальную систему, стали комедии «Севильский цирюльник, или Тщетная предосторожность» и «Безумный день, или Женитьба Фигаро».
Жан Жак Руссо (1712-1778) был одним из виднейших представителей европейского сентиментализма, который расценивается как завершающая стадия эпохи Просвещения. Отличительными чертами сентиментализма, несмотря на разнообразие его художественных форм в различных странах, является культ чувства и культ природы. В связи с этим основной целью объявлялось воспитание чувствительности, т.е. особой восприимчивости к красоте природы, состраданию.
Подлинной энциклопедией сентиментализма стал роман «Юлия, или Новая Элоиза», написанный в эпистолярной форме. Форма писем придавала ему ощущение достоверности, правдивости и в то же время позволяла знакомить читателя с мировоззрением Руссо. «Новая Элоиза» буквально пронизана мыслью о примате чувства перед разумом.
Иоганн Вольфганг Гёте (1749-1832). Поэзия борьбы отличает «Песнь странника в бурю»: странник, застигнутый бурей и грозой, с трудом пробивает себе дорогу. Эта мятущаяся сильная натура стала в творчестве Гёте символической. Те же идеи составили содержание од «Песнь Магомета» и «Прометей». Но подлинным шедевром, сделавшим Гёте известным не только в Германии, но и далеко за ее пределами, был роман «Страдания юного Вертера». Гёте показал духовную трагедию молодого бюргера, протест незаурядной, мятущейся натуры против убожества немецкой действительности.
Грандиозным синтезом идейных и художественных завоеваний эпохи Просвещения явился роман Гёте - трагедия «Фауст», которая создавалась на протяжении шестидесяти лет и отразила эволюцию мировоззрения автора.
Вторым крупным писателем веймарского классицизма эпохи Просвещения в Германии был Иоганн Кристофор Фридрих Шиллер (1759-1805). Шиллер вступил в немецкую литературу на исходе движения «Бури и натиска», и его первая драма «Разбойники» полна героической патетики, направленной против тирании.
Как и Гёте, Шиллер был восторженным приверженцем античности, видя в ней тот идеал, на который следует равняться. Герои его драм «Дон Карлос», «Валлен-штейн», «Мария Стюарт», «Орлеанская дева», «Вильгельм Телль» являются прежде всего борцами за идеалы свободы, отрешившимися от всего личного.
Особое место в творчестве Шиллера занимают баллады, ставшие особенно популярными в немецкой литературе со времени «Бури и натиска». Шиллер полностью видоизменил этот жанр, ориентированный на фольклорные мотивы, создав жанр классической баллады - баллады-притчи.
Музыкальное искусство Германии также не осталось в стороне от насыщенного духовными исканиями времени. Во второй половине XVIII в., в пору расцвета немецкого и французского Просвещения, сложилось искусство венской классической школы музыки, сыгравшей решающую роль во всем последующем развитии европейской музыкальной культуры. Искусство венских классиков Глюка, Гайдна, Моцарта и Бетховена отразило в формах музыки важнейшие духовные искания этого времени, его нравственные и этические идеалы, его представления о прекрасном. В творчестве «венских классиков» отражались надежды и чаяния европейской интеллигенции в наступлении века разума и умирании феодализма.
Музыкальное искусство второй половины XVIII в. отмечено дальнейшим развитием таких музыкальных форм, как опера, симфония, и созданием новой сонатно-симфонической формы - так называемого сонатного аллегро. Это сопровождалось становлением и расцветом оперных театров, филармоний, камерных ансамблей.
Франц Йозеф Гайдн (1732-1809), крупнейший композитор классического направления и один из самых гармоничных художников в истории музыкального искусства. Гармоничное мироощущение музыканта опиралось на его представление о том, что судьба отдельного человека может быть драматичной и даже трагической, но вечное течение ее всегда прекрасно, так как несет постоянное обновление, радость и страдание в ней соразмерны.
Большую часть жизни Гайдн провел в Вене, где создал свои самые выдающиеся произведения. Его творческое наследие огромно: оперы, оратории, многочисленные культовые произведения, симфонии, увертюры, концерты для различных инструментов, смычковые квартеты, фортепианные произведения, сонаты и песни. Гайдн - автор австрийского императорского гимна и создатель первой оратории на светское либретто - «Времена года». Но настоящим его призванием была инструментальная музыка, прежде всего симфонии, в которых он выражал свое отношение к происходящему. Это отношение могло иметь лирическую, драматическую тональность, либо окрашено мягким юмором, как, например, знаменитая «Прощальная симфония».
Когда князь Эстергази, первым капельмейстером которого был Гайдн, отказался дать отпуск своему оркестру, композитор, желая продемонстрировать усталость оркестрантов, написал симфонию, в финале которой поочередно покидают сцену все музыканты, пока на ней не остаются всего двое скрипачей.
Имя Вольфганга Амадея Моцарта (1756-1791) стало синонимом самой музыкальной стихии. В музыке Моцарта соединились серьезная немецкая музыка и легкая итальянская. Завораживающая звуковая красота, техническое совершенство, безупречная чистота стиля рождают ощущение простоты и ясности. Музыкальное наследие композитора огромно и многопланово: им были написаны оперы, среди которых «Свадьба Фигаро», «Дон Жуан», «Волшебная флейта», мессы, Реквием, симфонии, произведения культовой музыки, серенады, концерты для фортепиано, скрипичные концерты, сонаты, арии и песни. Полярность его художественных замыслов и сложность видения жизни символизируют два произведения, идущие как бы рука об руку: любимое создание Моцарта - опера «Волшебная флейта» и заупокойная месса Реквием, с мыслями о которой Моцарт покинул сей мир.
«Волшебная флейта» была написана Моцартом на сюжет в духе популярных в то время народных феерий, полных экзотических чудес. Вместе с тем в этот наивный сюжет Моцарт вложил глубокие морально-философские представления масонства - религиозно-этического движения, проповедующего идею нравственного усовершенствования человека, его духовного очищения и духовного братства - с одной стороны, и духовную власть над миром - с другой. Гуманистические идеалы масонства носили характер наивной утопии, что было в целом характерно для прогрессивных воззрений конца XVIII в. Музыка Моцарта не всегда принималась современниками, поскольку намного опережала свое время. Моцарт всегда был устремлен в будущее, как бы ни был «традиционен».
Исторически к венской школе относится и Людвиг Ван Бетховен (1770-1827), хотя его эстетические идеалы формировались в иное время и связаны с эпохой Французской революции 1789 г. Бетховен развил в новых условиях художественные принципы Гайдна и Моцарта, что позволяет говорить о двух этапах в развитии искусства венских классиков. Бетховен был человеком бурного темперамента, он жил якобинскими идеями, был полон несокрушимого оптимизма и веры в конечную победу лучших сил человека, при этом часто впадая в крайности. Бетховен - автор оперы «Фиделио», двух месс, девяти симфоний, нескольких увертюр, фортепианных концертов, квартетов, различных камерных произведений, сонат для фортепиано, в том числе «Патетической», «Лунной», «Аппассионаты». Сам Бетховен связывал содержание «Аппассионаты» с «Бурей» Шекспира, показывая могущество сил природы и державную волю человека, укрощающего и покоряющего стихию. Вместе с тем ни в каком другом музыкальном произведении трагизм борьбы и революционное сознание композитора не нашли такого потрясающего выражения, как в «Аппассионате».
Самое заметное место, однако, в творчестве Бетховена занимают симфонические драмы, в основу которых были положены идеи опер Глюка, воплощающие конфликтное столкновение человека с судьбой. Словно отделившись от сценических ситуаций, сама музыка стала у Бетховена выразительницей идеи борьбы и победы. Таковы Третья «Героическая», Пятая, Девятая симфонии.
«Героическая» симфония открыла новую эру в истории жанра. Впервые было создано музыкальное произведение, представляющее собой гениальное симфоническое воплощение образов революционной борьбы и победы. Бетховен намеревался посвятить ее Наполеону, который был для него в те годы идеалом народного вождя, под победоносными ударами которого рушились европейские монархии. Имя Бонапарта уже стояло на титульном листе партитуры только что законченной симфонии, когда дошла весть о коронации: «Этот - тоже заурядный человек! - с горечью воскликнул композитор. - Теперь он будет топтать ногами все человеческие права, следовать только своему честолюбию... и сделается тираном!» Третья симфония получила новое название «Героическая». Среди всех классических симфоний, включая произведения самого Бетховена, «Героическая» выделяется своим гигантским объемом, многообразием тематических элементов, динамизмом. Бетховен называл «Героическую» симфонию своим любимым детищем.
АРХИТЕКТУРА И ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОЕ ИСКУССТВО ЭПОХИ ПРОСВЕЩЕНИЯ
В области архитектуры и декоративно-прикладного искусства вновь возродились классические традиции и классические формы. В живописи стало модным все, связанное с жизнью и бытом древних римлян, тем более что в 1748 г. начались раскопки Помпеи, а тридцатилетием раньше были открыты под пеплом Везувия развалины города Геркуланума.
Отличительной особенностью архитектуры неоклассицизма XVIII в. во Франции являлся отказ от античных классических норм. Уже не соотношение несущих (цоколя, колонн) и несомых (антаблемента, фронтона) частей - альфы и омеги античного классического здания являлось основой архитектурной композиции. Во главу угла теперь ставилась функциональная задача - создание большого внутреннего пространства, соответствующим образом декорируемого.
В архитектуре утвердился классический тип симметричной крестово-ку-польной базилики. По образцу собора св. Петра в Риме архитектор Жак Жерми Суффло (1713-1780) возвел в Париже собор св. Женевьевы, построенный на месте старинной церкви, где были захоронены останки легендарной покровительницы Парижа. С 1791 г. по ассоциации с римским обычаем церковь была превращена в усыпальницу великих людей Франции и получила название Пантеон. Здание представляет собой в плане греческий крест, в центре которого возвышается купол, опирающийся на четыре столба. Фасад воспроизводит древнеримский портик, украшенный фронтоном. Купол с фонарем покоится на высоком барабане, окруженном колоннадой, над которой расположен еще один, аттиковый пояс - вид барабана, созданный Ардуэном Мансаром для церкви Инвалидов. Именно этот вариант неоклассицизма надолго определил развитие церковной архитектуры не только во Франции, но и во всей Европе (собор св. Павла в Лондоне, Исаакиевский собор в Петербурге).
Другим типом зданий той эпохи стала церковь св. Магдалины, строительство которой началось в 1764 г. Несмотря на христианские мотивы обильного декорума, сооружение напоминает больше языческий храм, являясь воплощением античной простоты и целесообразности.
Выдающимся архитектором и декоратором французского неоклассицизма был Жак Анж Габриэль (1698-1782). Один из его шедевров - знаменитый Малый Трианон, загородный дворец, построенный в Версале по заказу Людовика XV. Малый Трианон на десятилетия определил тип паркового дворца-павильона. Характерным для «стиля Габриэль» было изящное сочетание прямых и округлых линий в оформлении интерьера и в мебели. Этот стиль еще не порывал с рококо, а лишь вводил его формы в более спокойное, рациональное русло. На смену асимметрии и усложненности рококо в декоре все шире использовались античные мотивы: факелы, колчаны со стрелами, рога изобилия, грифоны, сфинксы. У кресел стали делать круглые спинки и ножки в виде звериных лап. Господствовавшими цветами оставались все пастельные тона с преобладанием белого и золотого.
То же сочетание просторных плоскостей и округлых форм было положено в основу проекта знаменитой площади Согласия в Париже. И по масштабу, и по замыслу эта площадь явилась гениальным творением, перешагнувшим свое время, и даже столетия спустя она органично вписывается в непрерывно меняющийся план Парижа. С обеих сторон площади Габриэль оставил зеленые массивы Елисейских полей и парка Тюильри, ничем не заслонив мягкие естественные линии ландшафта. Третья сторона нашла природную границу в набережной Сены. И лишь на четвертой архитектор поместил здания, но не замкнутой стеной, а двумя корпусами, в просвете между которыми открывается вид в глубину на церковь св. Магдалины, созвучную боковым ризалитам корпусов. Так родилась площадь нового типа, со всех сторон наполненная движением: в нее вливаются улицы, парковые аллеи, мост, переброшенный через Сену, и сама Сена. Совсем небольшая по своим размерам, она кажется огромной из-за широкой раскрытости пространства и из-за глубины панорам, открывающихся с нее и включающих в ее ансамбль даже отдаленные здания.
в Под влиянием нравоучительства французских просветителей и примитивизма их эстетических оценок классицистические тенденции постепенно выродились сентиментализм.
Сентиментализм являлся крупнейшим в художественной культуре течением, связанным с просветительскими идеалами о доброте, присущей каждому человеку от природы. В живописи идеалы сентиментализма наиболее полно выразил Жан Батист Грёз (1725-1805). Его картины отличаются морализаторством, назидательностью, граничащей с пошлостью, а кроме того, слащавостью в изображении молоденьких, соблазнительных, но обязательно бедных и несчастных девушек, нищих детей, обездоленных стариков. «Паралитик, за которым ухаживают его дети, или Плоды хорошего воспитания», «Балованное дитя, или Плоды дурного воспитания», «Наказанный сын», «Разбитые яйца» и другие картины Грёза вызывали фурор; перед ними собирались благоговейные толпы, люди плакали.
Только Жак Луи Давид (1748-1825) сумел соединить классические образы и формы с идеями и ценностями, ставшими доминирующими во французском обществе. И это гениальное соединение дало искусству и всей культуре новый стиль -революционный классицизм.
Новые ценности – чувство ответственности, готовность выполнить гражданский долг, способность на искренние и верные чувства, скромность - были созвучны духу римской античности.
Появление «Клятвы Горациев», живописного шедевра французского неоклассицизма, возвещало начало новой, романтической эпохи. Не случайно Давид в основу сюжета положил древнее предание, рассказанное римским историком Титом Ливием и воспроизведенное в трагедии П.Корнеля.
В искусство, таким образом, пришел новый герой - римский республиканец, для которого гражданский долг превыше всего и который во имя исполнения его готов принести в жертву и себя, и своих близких. Воплощенный Давидом в Горациях идеал политического деятеля и борца стал художественной религией эпохи. И он как нельзя лучше соответствовал представлениям и настроениям того поколения, которому предстояло совершить революцию.
Художественная манера Давида отличается удивительной точностью рисунка, «чеканностью» формы. В то же время его живописи присущи богатые, тончайшие цветовые нюансы.
Давид, один из вдохновителей Великой французской революции, ее активный участник, пережил затем тяжелый идейный кризис и стал первым живописцем Империи и придворным художником Наполеона Бонапарта, прославляя его так же, как до того - героев Римской республики, создав для него стиль «ампир» (от франц. empire - империя). Выдающийся художник Давид был, пожалуй, единственным живописцем, роль которого так велика в создании не только стиля в искусстве, но и стиля жизни целой исторической эпохи. Давид диктовал моду в одежде, прическе, манере поведения. XVIII век с точки зрения истории искусства был «коротким» веком, отделенным от предыдущего несколькими бесплодными десятилетиями. Его «сердцевина», наиболее значительная часть - была создана во Франции в годы между смертью Людовика XIV - короля-солнца и первыми признаками приближающейся революции, т.е. в промежутке между двумя жесткими государственными системами.
Контрольные вопросы и задания
1. Вспомните новые черты в искусстве начала XVIII в., в том числе в живописи.
2. Объясните, почему живопись Ф. Буше считают синонимом рококо.
3. Охарактеризуйте основные направления в литературе эпохи Просвещения.
4. Расскажите о жанрах просветительского классицизма Вольтера.
5. В чем заключается просветительский реализм Д.Дидро и П.Бомарше?
6. Объясните на примере, почему творчество Ж. Ж. Руссо называется сентиментализмом в литературе.
7. Расскажите о «веймарском классицизме» Гёте и Шиллера.
8. Расскажите о творчестве композиторов - венских классиков.
9. Расскажите об отражении просветительских идей в архитектуре и живописи Франции.
