Методы анализа художественных произведений

Анализ (от греческого analysis – разделение, расчленение) понимается обычно как исследование отдельного произведения искусства. Искусствоведческий анализ стремится выяснить содержание и идею произведения, какими художественными средствами автор раскрывает это.

Анализ произведения, как правило, начинается с его описания. Художественное описание, наиболее распространенное в искусствоведческой практике, представляет собой описание сюжета, пересказ изображенной ситуации, который часто сопровождается определенными замечаниями по поводу композиции, пространства, рисунка, колорита. Сам сюжет не является лишь «литературным добавлением» к структуре произведения. Сюжет – это конкретизация содержания. Он выявляет тему, к которой художник обращается, и, в конечном итоге, позволяет сформулировать идею произведения.

Содержание произведения искусства выражается определенной формой, которая воздействует на зрителя чувственно-эмоционально. В живописи – цветом, композицией, силуэтом, движением, фактурой; в графике – характером рисунка, движением линии, штрихом, пятном, контрастом и т.п. При анализе произведения важно помнить, что содержание и форма едины и взаимозависимы и при ведущей, доминирующей роли содержания (в классических произведениях искусства) форма не менее значима как способ существования и выражения содержания.

Система формального анализа произведений архитектуры, скульптуры и живописи, как известно, включает в себя такие параметры, как материал, формат, размер, пропорции, цвет, свет, ритмическая и композиционная организация, конструкция, взаимодействие с внешней средой и др. Все эти понятия отражают специфику «языка» каждого вида искусства.

В связи с абстрактным (нет аналогий в натуре), образно-символическим характером архитектуры, которая говорит на языке чисел, знаков, соотношений масс, сил тяжести и имеет главной задачей организацию пространства, основными пунктами ее анализа должны быть:

• предназначение, функция сооружения;

• строительные материалы и особенности их образного осмысления;

• конструкция и заложенные в ней идеи;

• особенности плана здания;

• общая организация пространства и масс (что доминирует и почему);

• количество объемов и порядок их расположения, выявление центра композиции;

• пропорции и масштаб здания (размеры архитектурных форм, особенности построения, связанные с отношениями частей здания между собой и их отношение к целому, соотнесенность здания с размером человека и окружающим пространством);

• ритм пространства и массы (различных пространственных ячеек, членений конструкции, декора и т.д.);

• силуэт здания;

• соотношения экстерьера и интерьера;

• роль цвета и фактуры, света;

• определение стиля;

• взаимодействие с другими видами искусств (скульптурой, живописью, декоративным искусством).

Анализ архитектуры требует натурного изучения либо большого количества наглядного материала (планы, разрезы, ландшафтные съемки, фотографии фасадов с разных точек зрения, деталей, фотографии интерьеров и проч.).

При анализе живописи надо учитывать, что, с одной стороны, она, в основном, оперирует не абстракциями, а узнаваемыми образами реального мира, но, с другой стороны, живописное изображение – это иллюзорное (то есть не менее абстрактное) изображение на двухмерной плоскости, некая интерпретация реальности.

Анализ живописного произведения предполагает следующие позиции:

• определение функции, назначения (монументально-декоративная, станковая или миниатюрная живопись);

• содержание произведения: сюжет, тема, идея; жанр;

• размеры, формат (горизонтальный, вертикальный и др. варианты), рама (как объемный объект);

• техника и материалы живописи;

• интерпретация линии, силуэта, пластики объемов, светотени;

• выбор точки зрения, линии горизонта;

• организация правой и левой сторон картин, композиционного центра;

• ритмическая структура композиции;

• особенности колорита;

• характер мазка, проблемы фактуры живописной поверхности;

• определение стиля.

Графика еще более условна, чем живопись, в ней реальность передается, чаще всего, черно-белым рисунком (линейным, штриховым, контурным). Анализируя произведение графики, необходимо отметить следующее:

• назначение графики: станковая, книжная, прикладная, плакат;

• содержание произведения: сюжет, тема, идея; жанр;

• вид графики: оригинальная (т.е. выполненная в одном экземпляре) или печатная (т.е. имеющая тираж);

• особенности техники исполнения, графические материалы (в печатной графике необходимо указать, в какой технике печати выполнена работа - ксилография, офорт, литография, линогравюра и др.);

• использование выразительных средств графики (линия, пятно, штрих, силуэт, светотень, фон, то есть тон и цвет бумаги);

• взаимоотношения движения и статики.

Спецификой скульптуры является ее трехмерное, объемное изображение в реальном пространстве, обозреваемое с разных точек (в отличие от живописи или графики с их иллюзорной передачей объема на двухмерной плоскости). Главной темой скульптуры является человек, это один из антропоморфных видов искусства. При анализе скульптурного произведения следует определить следующее:

• назначение скульптуры (монументальная – памятники, надгробия; монументально-декоративная, связанная с архитектурой; станковая; мелкая пластика, миниатюрная);

• вид скульптуры (круглая или рельеф, который в свою очередь может быть углубленным, барельефом, т.е. изображением, выступающим из плоскости стены менее чем на половину, горельефом, выступающим из фона более чем на половину, перспективным, в котором сочетаются все формы рельефа);

• содержание произведения: сюжет, тема, идея; жанр;

• размеры и соотношение с окружающим пространством, архитектурой и масштабом человека, наиболее выразительные точки зрения;

• материал (камень, дерево, бронза, глина и др.) и способ его обработки;

• соотношения масс, целого и частного, роль деталей;

• ритм линий, характер силуэта;

• светотеневая моделировка формы (естественный, искусственный свет);

• цвет;

• проблема постамента (для круглой скульптуры);

• определение стиля;

• взаимодействие с другими видами искусств.

Предметы декоративно-прикладного искусства, так же как и произведения других видов искусства, обладают художественно-эстетическими свойствами. Кроме того, они призваны быть удобными и служить украшением быта человека. Это мебель, ковры, ткани, одежда, посуда, ювелирные изделия, уличные фонари и т.п. Особую роль в произведении декоративно-прикладного искусства играет материал и способы его обработки, различные техники исполнения. Как и архитектор, мастер бытовой вещи решает форму предмета, учитывает назначение, целесообразность, стремясь в то же время и к художественной выразительности. Особое значение в произведении декоративно-прикладного искусства имеет декор – плоскостной, условный, стилизованный. Именно в рисунке декора может быть выявлен неповторимый, индивидуальный почерк мастера.

Эстетическая ценность предмета декоративно-прикладного искусства определяется:

• красотой форм;

• пластикой линий;

• выбором цвета;

• соотношениями пропорций;

• особенностями композиции и ритмики;

• характером декора;

• мастерством обработки материала;

• техникой изготовления;

• школой или стилем;

• назначением изделия.

 

Изучение того или иного произведения искусства должно быть нацелено на выявление его главных особенностей. Наиболее наглядно это можно выявить путем сравнения. Для этого важно определить для себя: что, с чем и каким образом должно быть сопоставлено.

Для более яркого и динамичного анализа произведений искусства можно использовать предложенные Г. Вельфлиным пять основных оппозиционных пар понятий (т.е. противоположных, от лат. oppositio - противопоставление), основанных на особенности человека мыслить противоположностями. Утверждая что-либо, мы всегда мысленно отталкиваемся от противоположного: если, например, мы делаем вывод о глубине пространства картины, значит, мы имеем некое представление о композиции плоскостной.

Г. Вельфлин выделил следующие бинарные оппозиции (одновременно рассматриваемые два противоположных понятия или качества):

1) линейность – живописность;

2) плоскостность – глубина;

3) замкнутая форма – открытая форма;

4) тектоническое начало – атектоническое;

5) безусловная ясность – неполная ясность.

Используя эти парные понятия, можно строить динамический, сравнительный анализ любого произведения искусства и художественного стиля эпохи. Эти категории взаимообусловлены. Так, линейность с неизбежностью предполагает плоскостность в трактовке пространства, а тектоническая форма всегда замкнута и состоит из совокупности относительно самостоятельных элементов.

Примером такого видения является искусство Древней Греции, Ренессанса, классицизма, ампира. Противоположные тенденции, а именно живописность, глубина пространства, открытость формы, которая ведет к нарушению ясности тектонических отношений, характерны для эпох эллинизма, маньеризма, барокко, рококо, романтизма.