Германия, искусство новой вещественности

Постимпрессионизм

Поль Сезанн - в основе его экспериментов лежит желание найти новые приемы описания мира, которые позволили бы уйти от посредственно наблюдаемой действительности к чистой способности сказать о мире больше, чем мы можем увидеть.

"Виктуар". Сезанн вторую половину жизни прожил на севере Франции, поэтому эта гора часто появляется в его работах. Все эксперименты с ней шлифуют логику его видения. Мы узнаем жанр пейзажа, но в изображении природы есть что-то странное. Он построен на принципиально неклассических принципах. Гора с точки зрения перспективы должна теряться, должна быть окутана дымкой. Но у Сезанна гора доминирует, и в этом эксперимент. Идет субъективизация творческих концепций, происходит утрата доверия к объективно видимому миру. Нужно показать свое я. Человеческий мир, их ценности несопоставим с большим миром.

 

Винсент ван Гог

Большую часть своей жизни прожил во Франции. Его картины очень эмоционально нагружены.

"Ночное кафе" - об этой картине сохранилось несколько строк из письма. "я хотел изобразить не ночное кафе, а Место, где человек сходит с ума, от тоски, безысходности". Реалистическая, перспективная обусловленность для него неактуальна. Главное - выразить отношения, поэтому идет нарушение перспективы, неестественные цвета. Цвета усиливают, поджигают друг друга. Реакция глаза на это почти невыносимая.

"Звездная ночь" - одна из поздних картин. Здесь та же сезанновская масштабность, но в другом ключе: как передать бурлящий мир. Большие мазки уже сами по себе выражают несдерживаемую энергию.

Ван Гог любил писать кипарисы. Они передают движение вверх, а еще они медленнее всех растут.

 

Поль Гоген

Художник сложной судьбы. В какой-то момент бросил семью и ударился в искусство, в поисках самовыражения. Потом разочаровался в буржуазной действительности, не мог выносить разлад. Ему стало казаться, что вне европы первобытные, восточные люди не утратили прекрасного исконного переживания мира. Их рацио ничем не сковано. Но на Таити он тоже не нашел успокоения. Картины только кажутся раем на земле. Через картины, образы аборигенов Гоген пытается размышлять о том, что не связано с сегодняшним миром. Он пытается включить в пространство своих произведений общечеловеческую историю, путь, который человек проходит за тысячелетие своего развития. Это представление передается концентрированно. Живопись становится все более концентрированной, символичной. Цвет становится носителем смысла и идеи. Его таитянки нарочито обобщенные, идолоподобные. Идол- это концентрация масштабного, духовного основания человеческой истории. Гоген хочет в пространство картины включить более значительные смыслы, не сопоставимые со смыслами реалиста, натуралиста. Картина может сказать больше, чем увидит глаз, поймет разумом.

У Гогена можно увидеть символы разных религий в одной картине: духовная религиозная основа мира составляет синкретичное единство. Неразделяемые ценности он и хочет выразить.

 

Символизм (с 70-х годов) - в ИЗО представлен слабее, чем в литературе. Символ подразумевает поиски дополнительных значений. Когда он визуализируется, то возможности символа сужаются, тк глазу дается опора. Используют мифологические символы. Надо разрушить традиционную структуру, обратиться к иррациональному.

Гюстав Моро, Морис Дени - часто используют мифологические обоснования, так как нужна точка отсчета.

 

Искусство 20 века

Слишком глубоки трансформации, переживаемые миром, это и определяет непростые пути искусства.

Формирование нового типа художественной традиции модернизма.

Модернизм - эпоха в истории культуры, главной характеристикой которой является принципиальное противопоставление себя классической традиции. Главное - антиклассический характер. Это общая Есть авторы, которые предлагают другую трактовку: с 10 года период в истории авангарда.

С 60-70 годов начнется этап постмодернизма.

Авангард - совокупность наиболее резких течений и направлений, возникших в искусстве в начале 20 века, которые быстро гаснут и сменяются чем-то другим.

 

Первые авангардные течения

Все они имеют друг с другом нечто общее. Усиливается и становится доминирующим иррациональное сознание. Грани общности: все представители этих течений выступают более резко, чем неавангардисты. Они хотят кричать и будоражить людей. Искусство воспринимается как "вторая реальность", сфера, которая может менять мир и менять человека. Степень ее вторжения в мир, в среду. Они хотели создавать искусство и вместе с тем совершенно иначе воздействовать на сознание. Эти художники хотели достучаться до каждого - посмотрите, вы живете в своем мирке, а на самом деле он не такой, он больше, ярче. В этом и трагедия авангарда. Они хотели быть массовым искусством, но оно таким не стало, оно не стало понятнее и доступнее. Чтобы его понять, нужна какая-то подготовка, надо быть готовым к игре с художником, направленной на то, чтобы изменить тебя.

Желая растревожить мир человека, авангардисты хотят это сделать с чистого листа. Надо забыть тот предшествующий опыт. Он завел европейскую культуру в тупик, в кризис. Слишком много новых смыслов

Три периода развития авангарда:

1) 1905-1914 - важнейший период.

2) 1920 - 1930 годы - о себе заявляют новые тендеции

3) До 50-60-х годов

 

1905 год: на регулярной выставке "Осенний салон" свои картины представила группа молодых художников. Они вызвали шок. "эта скульптура выглядит как донателло среди диких зверей". Это определило название первого течения - фовизм. Лидер группы - Анри Матисс

"Открытое окно в Коллиуре"(1903) - дофовистский период. Это вариант пейзажа. На поисках художниках отразился его интерес к импрессионизму, мазкам ван Гога. Молодые художники быстро осваивают все передовое, неклассическое.

"Натюрморт с красным ковром" - большую роль начинает играть цвет, интерес к чистым цветам.

"Красная мастерская" - уже фовизм. Автор нарочито отказывается от перспективы, классической композиции, светотени и тд. Но изображение узнаваемо. Краска имеет особую энергию. Она должна в первую очередь воздействовать на зрителя, его глаз воспринимает цвет. Чистые цвета более энергичные, чем смешанные.

"Красная комната" - общность художников была недолгой, поэтому в 1908 году фовизм уже распадается как художественное явление. "Я хочу добиться искусства светлого, чистого, чтобы он глядя на картину не думал о своем мире".

"Женский портрет с зеленой чертой" - пока что сохраняются жанры, в частности портрет. С точки зрения гармонии цвета все идеально.

"Танец"

 

Андре Дерен

"Отблески на воде" - картина утратила функцию быть окном в мир. Она стала живописной поверхностью. Она должна более глубокой.

"Женщина в рубашке" и Вламинк "Танцовщица из Долхлой крысы" - интерес к падшим женщинам, вслед за Тулузом Лотреком и Дега.

 

1905, Германия, Дрезден - объединение молодых людей, группа "Мост". Вошли в историю как экспрессионисты. На поверхности лежит кризис, важна проблема человеческой боли, страдания, болезней, страхов. Они думали о возможностях цвета, краски, сочетая это со стремлением изобразить человеческое страдание.

Лидер группы - Кирхнер

"Художник и модель" - герои напряжены, цвета тревожные, напряженные. Фовисты создавали при помощи цвета радостное искусство, экспрессионисты не такие.

"Женщина на синем диване" - разрушение классических принципов, цветовые сочетания

"Группа художников"

Макс Пахштейн

Нольде "Пророк" - экспрессивный сюжет из прошлого, из средневековья. Их привлекали Босх, Эль Греко.

 

Эдвард Мунк (Норвегия) - его принято считать символистом, он оказал большую роль на экспрессионистов. Они хотят сделать через действительно выразить внутреннее состояние. Дело не в кричащем человеке, крик здесь - метафора, символ,знак тех страшных состояний, которые переживает человек. Напряженные цвета тоже выражают человеческую трагедию.

 

Лекция 3

 

Кубизм и Пабло Пикассо

Фовизм и экспрессионизм оказались очень быстротечными явлениями. Кубизм оказался более радикальным, долговечным.

Пабло Пикассо - родился в Испании, получил очень хорошее академическое образование. Его ранние произведения показывают овладение навыками художественного творчества. В 1900 он и его друзья впервые попадают в Париж.

"Голубой период" - из всех возможностей начинает предпочитать особую голубую тональность. В Париже Пикассо попал на социальное дно, в мир богемы. Он был творческим активным художником. Главные персонажи этого периода - бедняки, калеки, больные и выброшенные из жизни. Голубая тональность сплавляет воедино одиноких персонажей и тот мир, который их окружает. Прочитываются корни его интереса к голубому цвету.

"У моря" - по цвету и пространству картина условная. Их трое, но каждый из них по-своему одинок.

"Жизнь" - решение в символическом ключе. Видна характерная вытянутость фигур. Молодые люди слева держатся друг за друга, потому что для них это последняя надежда. То же самое касается и женщины с ребенком. Они не составляют одного целого, ребенок смотрит в другую сторону.

1901-1904 - голубой период

1905-1906 - розовый период, цвета теплеют. Персонажи - люди тоже по-своему одинокие: артисты, бродячие музыканты, комедианты, они тоже противопоставлены социуму. Мир по-прежнему условный, опустошенный

"Девочка на шаре" - тема бродячих актеров. Новые тенденции - глубокий внутренний поворот.

Предпосылки: 1906 в Париже состоялись 2 крупные художественные выставки: посмертная ретроспектива Поля Сезанна и выставка, посвященная быту и искусству народов черной Африки. Сезанн считал, что надо мыслить геометрическими категориями, чтобы визуально передать этот мир, надо стремиться к геометрическому обобщению форм. Так можно интерпретировать мир в совершенно ином ключе. Пикассо это поразило. Также его поразила геометризация форм африканского искусства. Упрощение дает возможность передать исконную глубину.

С этого момента у Пикассо начинают появляться экспериментальные эскизы - сведение геометрии и человеческой фигуры.

"Гертруда Стайн" - 2 портрета.

1908 - Авиньонские девицы: эта картина считается началом кубизма и авангарда.

История замысла: картина должна была рассказывать о сцене в одном из барселонских борделей. Название картины - связь с Авиньонским бульваром в Барселоне, портовом городе. Сначала замысел был весьма сюжетный: хозяйки борделя и посетители - моряк и солдат. По мере работы над картиной Пикассо все больше размышлял над судьбами этих женщин. Он стал резать форму- вместо обычных фигур получаются очень резкие геометрические линии. Это показатель внутреннего страдания, которое он связывает с образами этих девиц. Художник все ищет новые выразительные возможности.

3 левые фигуры еще немного отсылают нас к прежним формам, но справа - полный переворот. Фигуры утрачивают свою целостность. Они выглядят составленными из отдельных элементов. Это символ непостижимой бесконечно изуродованной жизни в этих бездонных глазах. Пикассо посягает на объем, структуру. Как бы ни были изменчивы пути изобразительного искусства, глаз художника все равно выверял и воссоздавал структуру реального мира. Он позволяет себе превратить этот мир в набор объектов. Он передает это страшное человеческое состояние.

1908 - новое направление получает название Кубизм. Он развивается в три стадии:

1) 1907-1909 - сезанновский период. Художники дорабатывают то, на что Сезанн только намекал. "Женщина с грушами" - как слепить этот мир из упрощенных форм. Кубисты меньше всего думают о цвете. Палитра становится максимально узкой. Главное - эксперимент с формой.

2) 1910-1912 - аналитический кубизм. Художники открывают для себя новый мир, ищут возможность сказать о мире изнутри. "Хорта де Эберо" - жанровая структура пейзажа пока узнается. Важен параметр времени - глазу нужно какое-то время чтобы обозреть весь "пейзаж", чтобы получить представление об этом мире. Художник отказывается от традиционной перспективы.

3) 1912-1914 Синтетический кубизм. "может быть, самое интересное внутри, а не снаружи?". Можно оставить не собранным до конца, посмотреть, что внутри. "Поэт", "Портрет Амбруаза Воллара"

 

"Тореадор"- начинаешь искать тореадора, не находишь. Мир трансформирован до неузнаваемости. Мир предстает как другая целостность, он существует по другим механизмам. В таких композициях художники сбивают с толку названием, делают отсылку к самому современному. Здесь и кусочки газеты, и надписи. Здесь современные политики, сиюминутные проблемы. Это надломленный мир, не открывающийся для познания.

Создание первых коллажей - тоже заслуга кубистов. "Гитара, ноты и стакан" (1912)- художник не нуждается в том, чтобы брать в руки кисть и трудиться, как раньше. Коллажи прокламируют то, что и так понятно его новому зрителю. Картина теперь уже не модель реальной действительности, как это было в классическом искусстве. Картина - это живописная поверхность. Главное - предмет, а не иллюзия реальной действительности. Полностью уходит иллюзионистское начало. Возникает опять игра со смыслом - зрители всегда хотели видеть в произведениях ту реальность, которую видит их глаз, часто нас восхищает именно натуралистичность. Зачем художнику трудиться, когда изображенный объект все равно будет хуже, чем объект реальности. Нарисованный кубистами объект расскажет о мире лучше, чем что-то правдоподобное. Фотография может воссоздать мир лучше. Подборка кажущихся старыми газет абсолютно неслучайна. Каждый кусок отсылает к острейшей проблеме современности. Музыку в изобразительном искусстве можно передать только нотами.

"Гитара" (1913) - опять кусочки обоев, газет, элементы, вписанные рукой художника.

 

Жорж Брак

Пикассо был более динамичный, моторный, но Брак готов воспринимать новые идеи. Французская культура более рациональна. Поэтому и его картины более структурированы "Натюрморт с бокалом и газетой", "Бутылка и рыба"

 

Северины

 

Лекция 4

Абстрактное искусство

Предпосылки - важна роль орнамента, возникший на раннем этапе развития изобразительных искусств. Мусульманская традиция отрицает возможность изображения человека, поэтому их искусство - это выдающиеся орнаменты.

Искусство 20 века шло по пути выявления новых изобразительных приемов. Это предчувствие отказа от изображения предмета.

Василий Кандинский (1866-1944)

Учится в Германии, в Мюнхене, попадает в среду экспрессионизма. Начинает писать картины

"Двое на лошади" - видно и влияние модерна (плоское изображение), лубочность, сказочность и вообще принадлежность к русской культуре. Работает отдельными мазками. Он еще только ищет свой путь

Потом Кандинский переехал в Мурнау, под Мюнхеном. Постепенно этот город становится важным центром, туда стремятся другие художники. Он был сильной личностью, умел собирать вокруг себя людей. Создает "Новое мюнхенское объединение художников", которое позже распалось. В 1912 создает объединение "Синий всадник". Оно включало в себя и художников, и музыкантов. Издавали альманах, занимались выставками, продвигая свое искусство.

Кандинский пишет пейзажи. "Осень в Баварии" - здесь гораздо сильнее интерес к фовизму (цветовые пятна), экспрессионизму. Его интересовали различные теософские течения, которые говорили о том, что истинен не тот мир, в котором мы прибываем, а духовный, высший, к которому мы приобщаемся через вибрации души.

Кандинский увлекается изучением возможностей цвета, краски, как они воздействуют на людей. Эта проблема интересовала Гете, романтиков и тд. Нужно музыкальное обоснование образа, поэтому он ищет цветовые и музыкальные соответствия. Он любит Вагнера, но тот идет по пути более поверхностного соотношения. Кандинский ищет гармонию цвета и музыки, их синтеза. Произведение должно создать духовный мир. Он пишет статьи о духовном искусстве, трактат о художественном произведении, "Точку на плоскости"

За абстрактным искусством лежит целый пласт поисков. Это не провокация, не издевательство. Абстракция - альтернатива классическому искусству. И в том, и в другом есть великие, есть "пена"

"Синяя гора" - сюжетность уходить на второй план. В жизни Кандинского происходит важное событие: он осознает, что когда он входит из света в темноту, его это шокирует. Шок был вызван его собственной картиной, которая стояла в мастерской вверх ногами. Он понял, что само по себе сочетание цветов может давать сильный импульс.

1909- Уход от сюжетного обоснования

"Мечтательное" - композиция абстрактного произведения четко продумывается. Где-то мы можем угадать всадников, деревья, но на самом деле ничего нет. Перед нами не набор цветных пятен, а нечто, имеющее глубокое обоснование. Вокруг центра формируются другие элементы.

Это искусство не предназначено для того, чтобы его объяснять. Здесь все должно быть обращено к нашей душе.

"Маленькие удовольствия" - еще больше цветовых импульсов

"Картина с черной аркой"

 

Лекция 6

Французская школа

Для них главным является не ниспровержение традиций, а говорить о чувстве, о переживании мира.

Константин Бранкузи- скульптор, румын по происхождению.

Новые художники селятся в южной части Парижа, на Монпарнасе, а не на Монмартре. Тогда это была убогая часть города, нереспектабельная.

Бранкузи ведет замкнутый образ жизни. С одной стороны, он включен в творческую жизнь молодежи, но он все время в себе. Он пытается уйти от устойчивых скульптурных форм. Они кажутся ему примитивными и архаичными. Начинает искать исконные, примитивные первобытные формы. Первобытный человек еще не мог полностью выразить образ, но скульптура утверждает для него какие-то определенные смыслы. Потом из этого камня начинает нечто проясняться. Бранкузи пытается внести минимум, но оставить целостное впечатление о чем-то важным, наполненное глубоким, общечеловеческим смыслом.

"Поцелуй"- приоткрывает сюжет. У фигур на двоих один глаз, они символ глубинного, неразделенного. Здесь есть движение в сторону будущей абстракции. Скульптора от живописца отличает то, что противоречие образного начала сохраняется. Скульптура не повторяет ту же логику развития живописи. Сохраняется образ, объем. Эта скульптура создается в один год с "Авиньонскими девицами" Пикассо.

"Спящая муза"(1914)- это бронза. Не кубистические идеи, а поиск новых способов выражения. Здесь найден неклассический образ гармонии. Нет никакого постамента. Важно соотношение внутренней наполненности, гармонии и внешнего спокойствия

"Сотворение мира" (1924) - перед нами бронзовое яйцо. Это пример абстракции в скульптуре. Но если отрешиться, то можно почувствовать тоже внутреннюю силу, идеальное соотношение форм.

 

Александр Архипенко

Начинал учиться в Киеве, потом уехал в Париж, а затем в США. Он, как и Барнкузи, включен в творческие поиски

"Женщина с кошкой"- нет конкретного, индивидуального, сюжетного. Образ архетипичен.

"Гондольер"- типичный пример поисков в русском кубизме. Архипенко пытается искать то, что искали на стадии аналитического кубизма, через выявление и упрощение скульптуры.

"Торс" (1914) - важно почувствовать стремление к минимизации выразительных возможностей для выражения высшей красоты.

 

Осип Цаткин

Выходец из еврейских районов Латвии. До Парижа он попал в Лондон, получил хорошее образование. Опять мы видим обобщение формы, который скрывает в себе смыслы любой эпохи.

"Материнство" - скульптура выполнена из дерева. Видно, насколько создателю важна структура дерева.

 

Амедео Модильяни

Получил прекрасное художественное образование, но мощный талант не мог бы полностью реализоваться в Италии, поэтому он тоже устремился в Париж. Он утверждается как сильная личность. Живет у Барнкузи, потому что денег у него не очень много. Подпав под его влияние, Модильяни занимается скульптурой

"Голова"- главное в этих поисках - поиск исконности, идолоподобности.

Портреты Модильяни писал охотно, он зарабатывал ими на жизнь. "Мадам де Помпадур" - изображена одна из его любовниц - Хастингс. Видна кубистическая основа пространства, обобщенные геометрические фигуры. Портрет предельно обобщен. Модильяни идет по пути обобщения образов, которые он изображает. Он пытается превратить элементы образа в знак. "Портрет Леопольда Зборовского" - перед нами нет сведения образа к набору знака. "Портрет Макса Жакоба" - значительно больше прочитывается влияние кубизма. "Портрет дамы в черном галстуке" - почти предсмертный портрет

Марк Шагал

У него отлично получалось синтезировать личное, индивидуальное с общечеловеческим. Он вырос в очень традиционной среде, т.е где любили традиции и исконность.

 

Сутин

 

 

Архитектура модернизма

Предтечей были американцы и Л.Салливан, он сказал "Форма следует функции". Так расширяется тематика архитектуры. Красота в том, что если здание выполняет свою функцию конструктивно и декоративно, то оно и является красивым. Появилось понятие функционализм как характеристика архитектуры 20 века

Ле Корбюзье

Швейцарец, взял псевдоним, жил во Франции. В начале творческого пути он был живописцкм и увлечен кубизмом, но не типа Пикассо, а пуризмом. Он очистил нагромождение геометрических форм. Корбюзье был утопистом, мечтателем. Для него важна техника, но он следует экспериментам потому, что архитектор теперь - крупнейшая фигура, которая может легко менять общество не хуже любого политика. Города растут, это организм, который при правильном обращении изменит жизнь. Она приведет человека к нормальному состоянию. Феномен города может создавать новый мир. В этом и есть утопия.

Социальная утопия- то, чем увлекался Корбюзье. "План Вуазен" - план перестройки Парижа, город будущего.

Проект дома для одной семьи, который был представлен на выставке- Дом - это машина для жилья, появляется конструкция, очищенная от прежних архитектурных изысков. На первое место выходит конструкция и ее логика, чистота. Стекло, прозрачность - взаимодействие внешнего и внутреннего. Корбюзье идет по пути синтеза объектов, чья форма и объем ничем не замутнен. Это максимально соответствует удобству, комфорту и рациональности. Это стремление уйти от всех излишеств.

"Модулор"- рассчитывает идеальные пропорции человека, в основе - принцип золотого сечения. Это ложится в основу тех проектов жилища, которые Корбюзье создает.

Дом в Марселе, построенный по его проекту, "желание единиться"

Индивидуальное заказное строительство - например, вилла Савой в Пуасси. Это дом на сваях, много стекла - связь внутреннего и внешнего, вторжение. Отказ от крыш прежнего вида и использование горизонтальных перекрытий. Нет несущих стен, они выполняют чисто декоративные функции

Вальтер Гропиус

 

Германия, искусство новой вещественности

Германия еще в морально тяжелом состоянии

Гросс, Дикс,Бекман

 

Сюрреализм

1924 год - дата появления сюрреализма, когда Бретон издал первый манифест сюрреализма. Сюрреализм считает себя наследником дадаизма. Дадаисты впервые поставили вопрос о подсознании. И те, и другие опирались на учение Фрейда. Привлекало его представление о том, что все в человеке связано с подсознательным, иррациональным. Главное в человеке то, что он рационально не постигается. Уход от рацио - это серьезная теоретическая основа.

Принципиальное отличие от дадаизма в том, что сюрреализм создал серьезную научную концепцию искусства. Они выступили с претензией создавать новый метод познания мира и искусства. Они говорят о том, что мир рационально уже познать нельзя. Невозможно рационально объяснить, как гуманистический мир мог прийти к такому ужасному разрушительному событию, как война. Познать мир и человека можно через попытку проникновения в подсознание и создание среза этого подсознания. Это подсознательное надо вытягивать из человека.

После Бретона появлялись и другие кружки сюрреализма, к концу 20-х годов туда втягивается кинематограф (Бюнюэль/ Дали - Андалузский пес). Когда о фигуре Дали заговорила Европа, на европейском горизонте возникает сюрреализм в живописи. Потом начинают появляться многие художники, реализующие сюрреалистические установки.

Не очень внятное движение, рост и трансформация - так можно охарактеризовать сюрреалистичный подход.

 

Макс Эрнст, "Гармонический завтрак" - здесь он выступает еще как дадаист.

Большое внимание отводится психологическому автоматизму, важна ситуация, когда создаются образы, настраивающие нас на проникновение в мир подсознания. Если мы получаем визуальное представление о нем, то мы проникаем туда. Они пытаются избрать знаки, обозначения того, как им кажется, что движет подсознанием. Есть алгоритмы, которые могут нам представить это подсознательное. Психологический автоматизм для Эрнста сводится к самому методу работы. Сначала он берет в руки карандаши и лист бумаги, кладет ее на слегка неровную поверхность - срез дерева или картон. Начинает заштриховывать какие-то куски и отпечатывается срез того, что лежит внизу. Эти следы приобретают особое значение - это некий знак, ничего рационального в этой картине нет, есть только подсознательный отпечаток. Это метод фроттажа.

 

"Дочери художника" - здесь тоже нет ничего рационального, все вытянуто из подсознания

Ив Танги "Отсутствующая дама" - мы видим набор полупонятных знаков, которые заполняют собой некую среду. Композиция устойчива, но этот мир принципиально невнятен. Можно только догадываться о значении этих значков.

 

Рене Магритт - реалистическое в рамках сюрреализма. За основу берутся не вымышленные значки и полуабстрактные образы. Эти предметы сами по себе хорошо узнаваемы. Искусство сюрреализма поднимается на большую высоту. Он ставит перед нами загадки, это интеллектуальная игра. Вопрос ставится так, что мы теряемся сами в себе - это остальной сюрреализм. А Магрит задает вопросы о том, что такое этот мир. Они провоцируют нас на поиск загадок в мире вокруг нас.

"Фальшивое зеркало" - это глаз, вырванный из контекста, занимает собой все художественное пространство. Мы видим отраженный мир, задаем вопросы о нем. Игра интересна, но ответа нет.

 

"Не для воспроизведения" - запутывающее название, принципиально не дает путей к разгадыванию. Важно, что они заставляют переживать нас ситуацию замешательства. Нам кажется, что мир устроен по незыблемым законам, но внезапно мы понимаем, что мир другой. Книга на картине отражается правильно, а человек отражается не по закону физического отражения. Зеркало является преградой, за которой совершенно другой мир (см. Льюис Кэролл).

 

"Смысл ночи" - художник 20 века - человек играющий. Без игрового начала нет искусства 20 века.

"Удел человеческий" - более понятная картина

"Попытка невозможного" - перед нами серьезный художник, а не просто провокатор, который думает о глубинных проблемах этого мира и о задачах искусства оживлять этот мир, смысл создаваемых образов.

 

Сальвадор Дали

Получил художественное образование в Испании, практически закончил мадридскую худ.академию. Проявил себя как талантливый художник и освоил классику. В Париже быстро приходит к определению своего собственного языка. 1929 - фильм "Андалузский пес", освоение монтажа, тогда это было в новинку. Феномен художника звезды, который сам себя раскручивает, заставляет говорить о нем, - сыграет большую роль во второй половине 20 века. Появляется новый тип художника, Дали умирает мульти-миллиардером.

"Постоянство памяти" (1934) - сюжет: мы видим пейзаж, мир, раскрытый перед нами. Он построен по условно классическим канонам, он углублен. Мир пустынный, безлюдный, холодный. Большое значение приобретают часы, циферблат, которые заставляют нас думать об их назначении. Часы расплавляются, меняют свой привычный облик. Значит, что-то не так со временем. Сиюминутным или вечным? Непонятно, вроде как все апеллирует к описанию вечности. Меняются очертания и законы мира. Мы видим знаки умирания- засохшее дерево, без листьев, на нем тоже часы. Это наводит на мысли о конечности. Предмет, облепленный муравьями - отсылка к личному опыту, символ гниения. Профиль посередине, слизанный у Босха - апелляция к комплексам. Какие-то смыслы мы считываем. Сальвадор Дали придумывает свои методы загадок. Вещи попадают в какую-то новую среду, они меняют свой облик. Он выстраивает свой загадочный мир, но при этом мы можем рассказать о нем. Он подсказывает нам, предлагает алгоритм, в котором он выстраивает свои загадки. Это во многом объясняет, почему его имя столь известно и популярно. К Магритту не подступишься, есть пути к отгадке. Это для тех, кто хочет быть вовлечен в мир этих загадок, это привлекает. Дата создания картины и других - 30-е годы.

 

"Яйцо на блюде без блюда" - безлюдный мир, нет присутствия жизни, и в нем непонятно откуда свисает на ниточке разбитое яйцо. Оно смещено от центра, присутствует внутренняя динамика, хрупкость. С этих картин страшное чувство того, что жизнь и время могут внезапно закончиться, видоизмениться. Это может быть расценено как предчувствие новой войны.

"Предчувствие гражданской войны"(1936)- - Дали очень гордился этой картиной, даже назвал себя пророком (в 1937 началась гражданская война)

"Испания" - верхняя часть женского образа уже исчезает, там дерутся маленькие человечки. Опять смысл прочитывается.

"Загадка Гитлера" - телефонная трубка напоминает лангуста. Это Лингвистическая игра - лангуст единственный представитель животного мира, у которого нет языка, а телефон - это язык, средство коммуникации. Мир безъязык, он теряет прежние формы коммуникации

"Автопортрет" (с беконом) - мягкость, расплавленность, необходимость подпорок и подставок. Бекон - метафора конечности

 

Оппенгейм

 

Пикассо "Герника" - панно, созданное в 1937 году. История создания: в апреле произошла бомбардировка войсками Франка города Герники (идет гражданская война). Пикассо как раз в это время получил заказ от испанского правительства на оформление испанского павильона на выставке. Цвета на картине нет, полотно черно-белое. Это тема апокалипсиса, гибели человека, который убивает сам себя. Появляется рука, которая протягивает в этот мир свечу, возможно, это надежда. Наверху висит лампочка-электрический свет. Черточки на объектах напоминают газетную печать. Уровень - вселенская катастрофа.

 

Американское искусство

Изобразительно искусство складывается на отличной от европейской основе. У них нет великой традиции, нет подобных античности и средневековью корней. Американская нация формировалось как прагматическая, из всех сфер жизни они выбирают полезное. Живопись развивается слабо, но два жанра все-таки формируется: портрет и пейзаж в узком смысле (он героизирует и возвышает природу).

"Мусорная школа", "школа мусорного бака" - так они сами себя назвали.

Зарождается американский модернизм, отличный от европейского.

Хартли "Портрет немецкого офицера"

Джорджия О Кифф - глубоко пережила и постигла новую модернистскую линию. "Серая линия"

 

Джексон Поллок

 

 

Поп-арт

1952 год - молодые художники устраивают выставку "Это - Завтра!". Было арендовано большое выставочное помещение, покрытое огромными фотографиями звезд, политиков и рекламой.

Ричард Гамильтон, коллаж на бумаге "Так что же делает наши дома такими красивыми, такими привлекательными" - это утверждение, что то, что есть на коллаже и выполняет такую задачу. На первом плане емкое словечко pop - как хлопок, сокращение от popular. Это предметы престижного потребления Америки 40 годов, культ тела, афиши последних фильмов и даже карта луны.

Том Вассельман

У него нет личности, нет человека, который все это создал. Это предметы первого потребления, первой реальности. Это глубокая смена видения, концепции, смена культуры.

Большой напольный гамбургер

 

Джаспер Джонс

Самый дорогой и нынче живущих художников. Перед нами приятный всем американцам объект, все пространство картины занято этим флагом. Опять нет антропоцентризма. Много вариаций на тему флага.

 

Рой Лихтенштайн

Экспериментирует с темой комиксов. Массовое сознание привыкло к комиксам на последних страницах журналов. Непривычно, что картинка Лихтенштайна вырвана из комиксового контекста. Надписи на его комиксов более трагичны, чем настоящие комиксы. Там настоящая человеческая трагедия, этот момент заставляет вздрогнуть.

Техника - принципиальная стилизация под неодушевленную работу, принципиальная нерукотворность.

Поп-артисты любили играть с образом Монро.

 

Энди Уорхол

Техника шелкографии.

Изображение мыла Brillo - не просто красивое изображение. Это очень печальная картина, это симулякр - оболочка пустоты. Мыло - это то, что исчезает, смыливается, исчезает без остатка. Это отчужденное, отстраненное и ироничное размышление о том, что наше искусство и культура временны и поверхностны.

 

Поп-арт в Европе

Художники занимаются апологетикой. Они выхватывают некоторые предметы из потребительского рая. Это принципиально новая структура эстетики. В Европе поп арт приобрел более тяжелый характер, несмотря на то, что они пытаются изжить послевоенные травмы. Это игра с образами ада, потому что рана не изжита. Европейский художник живет с чувством внутреннего надрыва.

Ротелло - занимается тем, что ходил по улицам, срывал афиши, рекламы, приносил к себе и восстанавливал так, чтобы было видно, что они порваны, что над ними было совершено насилие.

Арман "Большая буржуазная помойка" - в прозрачном параллелепипеде лежит много мусора. Он тоже играет с обломками.

Христо "Упаковка" - метафора аналогичная мылу у Уорхола.

 

1960-е годы

Революционное искусство, революционнее авангарда.

В культуре запада происходят большие изменения: новая роль медиа, сильные индустриальные изменения. Коммерционализирован весь арт-процесс. Художник должен продвигать свое творение. И их это разочаровывает, им не хочется включаться в систему товарно-денежных отношений. Ситуация им претит. Искусство - это не то, что продается в магазине. Нужно искусство, которое до этого не являлось искусством в привычном смысле этого слова. Его нельзя измерить ценностью краски, холста. Стали появляться новые тенденции и направления. Ищут новые пути воздействия на зрителя, способы достучаться до зрительского создания.

Феномен пространственности: образ должен разворачиваться в пространстве, зритель должен быть его частью. Появляется перформанс.

Акционизм

Ив Кляйн - синий цвет (вселенский цвет). - вот так девальвировались ценности. Мы можем лишь прикасаться к их отпечаткам, их самих не осталось. Перед нами манифест, заявка на собственное понимание мира, где утрачены прежние смыслы и ценности. Акция не поддается комерциализации.

Йозеф Бойс - факт изумления

Инсталляции

 

Флюксус

 

Арто Повере

 

Видео арт

Нам Джун Пайк

Билл Виола

 

Лэнд арт

Вальтер де Мариа

Христо

 

Искусство больше не имеет права говорить о возвышенном.

Абстракция начиналась как апелляция к высоким смыслам, духовности. Теперь заговорили о том, что в эпоху массовой культуры все, что остается искусству - апеллировать просто к восприятию. Большую роль играет развитие науки.

Оп-арт - оптическое искусство. Показывает попытку отстранить от реального. Он индивидуален и абстрактен, связан только с импульсами, который получает физиологический аппарат

Кинетизм

Фотореализм

Концептуализм

 

Функционализм в архитектуре

Корбюзье, Гроппиус и Ван дер Ройе

В рамках модернистской практики в США появился яркий вариант - органическая архитектура. Фрэнк Ллойд Райт - главная идея в том, что архитектура должна быть органически связана с природой. Он не ограничился только тем, что узнал из книг. Много ездил по США и почувствовал то, что ему нравится дезурбанизм. Урбанизм несет гибель, надо увести людей из среды, которая убивает их. В городах он практически не строит поэтому.

Дом на водопадом (Дом Кауфмана) - искал место, где можно вписать дом в природу. Никогда не строил на верхушке холмов, больше привлекали уединенные места. Дом вделан в скалу, там есть дополнительные бетонные опоры. Внутри - два этажа, много свободного пространства. Каркас определяет логику всего сооружения. Поэтому это модернистское здание. Присутствуют ленточные окна. Прямых контактов у Райта с европейцами не было, но в этом были объективные закономерности нового искусства. Планировка свободная, стены не являются несущими.

Музей Гуггенхайма - здание в Нью Йорке. Было построено для коллекции музея Гуггенхаймов. Это очень богатые американские магнаты. Они хотели выйти в жизнь, вторгаться в жизнь. Шло сопротивление против музеефикации искусства. Пространство не должно напоминать музейное пространство. Строительство здания начало в 1953, до этого оно 10 лет проектировалось. Архитектор придумал своеобразную форму ("перевернутый зиккурат, улитка и тд). Новый храм нового искусства должен быть органичен ему.

 

30-40 годы - популяризация модернистской архитектуры, послевоенная массовая застройка

Утцон - Сиднейская опера. Его много критиковали.

 

Регионализм - синтез принципов модернизма и национальной культурной традиции

Тангэ - выдающийся японский архитектор. Спроектировал олимпийский комплекс к 1964 году. Оригинальная структура и планировка. В основе - японские традиции. Держится металлических тросах - варговые конструкции. Для послевоенного времени это прогресс

 

70 годы

Центр Помпиду - контраст центру всего парижа

 

 

Постмодернизм - усталость от модернистского бунта. Хотят вписать здания в контекст.

Вентури - возвращение архитектуры к сараю. Стал высказываться за возвращение стены в архитектуру, использование знаков, символов. Осмысление исторического прошлого.

Сейнсбери винг - новое крыло национальной галереи. Но при этом неклассический вход, а внутри - стандартное по конфигурации пространство. Это ироничная попытка вернуться к прошлому.

 

Джемс Стерлинг - построил здание художественной галереи в Штуттгарте. Сопряжены классические принципы со стилем high-tech, архетипическая древность.

 

Норман Фостер (сейчас работает над реконструкцией пушкинского музея) - Каррэ дАрт в Ниме - перетекание эпох, прошлое обращается к настоящему, настоящее - к прошлому. Это технологичное здание с подсобными помещениями и тд.

 

Деконструктивизм

Все рассыпается на миры и пространства.

Фрэнк Гери - музей Вейцмана в Миннисоте. Стены облицованы авиационным сплавом. Он гибкий, изгибающийся

Музей гуггенхайма в Бильбао - держится на постоянной выставочной практике. Этот забытый баскский городок посетили 3 млн туриста. Ультрасовременный музейный проект дал этому городу вторую жизнь.

Джинджи и Фред в Праге

 

 

Лекция Леры:

... Хотя сюжета нет.

Но и не набор цветных пятен. Просчитывается цветовое обоснование, стремление форм к центру.

Искусство не предназначено для того, чтобы его объяснять. Реагировать должна наша душа.

Набор пятен, форм - действует определенным образом. Разная реакция на желтый треугольник или голубой круг.

 

"Маленькие удовольствия"

Чуть больше визуальных обоснований

"Картина с черной аркой"

Есть текст, где он ее объясняет: Первым впечатлением - форма демоническая из правого нижнего угла. Из левого - тоже к центру, более гармонично. Будет синтез - пятно наверху. Два мира, две формы. Арка связывает три формы воедино. Символ рождения нового.

Столкновение как метафора высшего космоса (динамика, импульсы).

 

Делит произведения на три группы:

1. Картины-импрессии. Картина рождена в результате первого импульса, впечатления от увиденного. "Концерт" - Арнольд Шенберг - атональная музыка. Кандинский слушал после концерта. Черное - рояль, желтое - музыка.

2. Импровизации. В основе - что-то продуманное, попытка удовлетворить свои чувства и внешние импульсы

3. Композиции. Абсолютно продуманные произведения. Наброски, эскизы- полноценная работа. "6-я композиция" - особый порядок в хаосе цветов. Внутренняя логика и структура.

3."7-я композиция" - последняя предвоенная. Самая сложная, детализированная, организованная.

Композиции открывают путь в высший духовный космос.

 

В 1914 возвращается в Россию. Революцию встречает с энтузиазмом. С 1918 включается в работу создания новой культуры, искусства, музеев. Создаются уникальные художественные центры. В Европе не было авангардистских музеев.

Кандинский и Ко - уникальный прорыв в области современной музейной практики. Новый подход - развеска картин по проблемам (цвета, композиции и тд)

Потом понимает, что его идеалы и большевистская власть несовместимы. 1922 - Германия. 1933 - Франция, Смерть.

 

Франц Марк (-1916) - тоже одержим поисками новых возможностей искусства. Особенность - любил органический, животный мир. Природное начало - искнонно, основа основ. В нем надо искать смысл.

Пишет серию абстрактных картин, в основе - идея животных, природы. Исконная энергия. - абстрактное выражение идеи.

"Борьба животных" - динамические формы, заостренные линии

 

"Тигр" - на грани фигуративного и абстрактного искусства". Тигр - символ.

 

Алексей Явленский - эмигрант

"Портрет" - отсылает к проблеме геометрической, идеальной, линейной основы. Это - вторая линия в абстрактном искусстве (первая - импульс, impact)

 

Родоначальник геометрической абстракции -

Казимир Малевич (1878-1935)

Русский художник. Выезжает за границу только в 1927 г.

"Автопортрет"

Его отец - инспектор сахарных заводов. Поездки по русской глубинке. Живописи учился с 16-17 лет, но образование не фундаментальное. Очень быстро проходит путь, который европейская живопись проходит за полвека. Не включен в европейскую традицию. Первые его картины - импрессионистичные. Яркий свет, яблочные сады, голубое небо.

Затем переходит к периоду, когда и написал "автопортрет". Поиск выразительности цвета (фовизм, экспрессионизм).

Следующий период - 11-12 годы. Первая крестьянская серия.

Прорыв в сторону кубизма. Обобщение форм, утяжеленность форм и фигур. (в это время увлекается русской иконописью). (100 лет назад отношение к иконе было только как к предмету культа, не как к произведению искусства).

"Баба с серпом" - образы крестьян - носители вневременного, традиций культуры. Идолоподобные фигуры - тк носители вечности, вечных смыслов.

"Мужик на красном фоне" - цветовое многообразие - к нескольким цветам.

Цвет - носитель обобщения, символа (сознание русского художника). Символ через цвет.

1913 - алогичные картины.

"Корова и скрипка" - фон, в кубистическом ключе. Корова и скрипка - в натуралистическом ключе. Сам говорит, что предмет - носитель символического значения. Музыка - м.создавать торжественную музыку (??). Символ духовного в мире корова - символ земного, материального.

2 полюса, между ними - бесконечное количество смыслов, артефактов и тд. Бесконечная наполненность мироздания. Тяготеет к масштабности и вселенскости.

 

Малевич близок футуристам. Те хотят поставить спектакль.

"Победа над солнцем". 1913 - победа тьмы. Предлагают Малевичу сделать декорации. Он соглашается. В набросках появляется идея задника - черный квадрат на белом фоне. Эта идея вдохновила Малевича.

 

1915 - "Черный квадрат на белом фоне"

Белый цвет - абсолютное все. База - опыт Ньютона. Все многообразие цвета - из белого.

Черное - абсолютное Nichts.

Картина - интерпретация мироздания. (Русские иконы - на золотом фоне. Символ бесконечного бога, божественного света). Белая основа - космос.

 

Живопись в прежнем смысле умерла. Абстрактная геометрия и вселенский смысл.

Живопись супрематизма. Рождение геометрической абстракции.

Супрематические композиции на белом фоне. Фигуры ассоциированы с новыми смыслами, которые нельзя визуализировать.

Когда большевики берут власть, объявляет себя пророком революционного типа. На его картинах - новый мир.