Кипение общественной жизни, насыщенной борениями и страстями, не могло не сказаться в судьбах и творчестве гениев Ренессанса. Их искусство перестало воплощать исключительно духовные образы, идеалы, установки, рожденные христианством. В скульптуру, живопись, музыку вернулись языческие боги и богини, персонажи античной истории. Церковное и светское искусство начинает говорить на едином художественном языке. В связи с этим происходит секуляризация— переход храмовой живописи, скульптуры, музыки в светские формы. Самое же главное, искусство постепенно начинает открывать реального человека — прекрасного и безобразного, святого и грешного, доброго и злого, воинствующего и любящего. Словом, в художественной культуре Возрождения складывается «гуманистический реализм», открывший дорогу всем реалистическим течениям европейского искусства последующего времени.
Развиваясь в течение трех столетий, художественная культура Возрождения прошла этапы своего зарождения, расцвета, заката. В итальянском Ренессансе принято выделять следующие периоды:
Проторенессанс (XII—XIII вв.),
Раннее Возрождение (XV в.),
Высокое Возрождение (1490е г. — первая треть XVI в.),
Позднее Возрождение (вторая половина XVI в.).
Впрочем, искусствоведы привыкли обозначать этапы итальянского Ренессанса по названию столетий, а именно:
Дученто (буквально двухсотые, т. е. XIII в.),
Треченто (трехсотые, XIV в.),
Кватроченто (четырехсотые, XV в.),
Чиквиченто (пятисотые, XVI в.).
Начало было положено так называемым Проторенессансом (иначе Предвозрождением), расцветшим на землях Флоренции. Возникновение этого знаменитого города относят к глубокой древности, к эпохе этрусков, когда люди избрали для поселения высокий холм Фьезоле. Часть жителей со временем спустилась в долину реки Арно, где был основан город с замечательным названием Флоренция, что означает «цветущая».
К началу XIII в. здесь сформировались городская автономия и своеобразная демократия. Правда, спокойной политическая жизнь «вольного» города не была никогда. Здесь постоянно вели жестокую борьбу две партии — «гвельфы» (сторонники папы римского) и «гибеллины» (сторонники светской власти).
Гвельфы в свою очередь подразделялись на «белых» и «черных». Невольно вспоминаются слова Данте, обращенные к Флоренции:
За краткий срок ты столько раз меняла
Законы, деньги; весь уклад и чин
И собственное тело обновляла!
Кстати, именно партия «черных» отправила в изгнание этого великого флорентийца, провозвестника
возрожденческих взглядов. Данте Алигьери (1265—1321) 
называют последним поэтом Средневековья и первым поэтом Возрождения. В сложных хитросплетениях жизни он не был сторонним наблюдателем. Когда в правящих кругах Флоренции произошел раскол, он решительно поддержал тех, кто выступал против всевластия папы римского. Горожане оценили эту позицию: в 36 лет Данте становится членом городского самоуправления. С переменой власти он вынужден был поселиться в Равен не, где и похоронен
Доменико ди Микелино. Данте и «Божественная комедия»
Но до сих пор флорентийцы надеются на возвращение останков Данте на родную землю: в древнем соборе Санта Кроче создан кенотаф — символическое пустое надгробие поэта. Когда Данте в молодости начал писать стихи, тосканский народный язык не был в чести у просвещенных аристократов. И все же самое выдающееся свое произведение Данте написал именно на этом наречии. Поэтому с его «Божественной комедии» началось утверждение литературного итальянского языка. Данте назвал свое сочинение «комедия», потому что так в его время озаглавливали произведение со счастливым концом. Определение «Божественная» поэме добавили ее почитатели, выразив тем самым свое преклонение перед автором и его творением.
Поэма рассказывает о путешествии Данте в 1300 г. по трем царствам загробного мира — аду, чистилищу и раю, в соответствии с чем в произведении три части («Ад», «Чистилище», «Рай»). Каждая часть имеет
33 песни. Всего же в поэме 100 песен (первая — введение). Так что в ней нашла отражение средневековая символика чисел: три — Святая Троица, 100 — совершенство, 9 — число небесных сфер.
Начнем читать поэму в переводе М.Л. Лозинского и обратим внимание на строки:
Земную жизнь пройдя до половины,
Я очутился в сумрачном лесу,
Утратив правый путь во тьме долины.
Лес — это тоже символ, аллегория земных грехов, заблуждений, неверных путей жизни, выбраться из которых нелегко. Поэт устремился на вершину спасительного холма, но дорогу ему преградила пантера (в русском переводе обычно рысь). И тут на помощь Данте призвал не христианского Бога или Богородицу, а знаменитого античного поэта Вергилия, который становится его проводником по загробному миру.
Однако картина мироздания, воссозданная в поэме, вполне сопоставима с христианскими представлениями об устройстве земной и загробной жизни. Земной шар — центр Вселенной. В Северном его полушарии находится ад, который представляет собой пропасть в виде воронки, возникшей в результате низвержения с небес сатаны — Люцифера. Каждый из девяти кругов ада книзу становится все уже и уходит в центр Земли, где в ледяное озеро вмерз Люцифер. Оттуда же ход ведет на поверхность Южного полушария, где посереди
не океана находится огромная конусообразная гора чистилище. По учению современника Данте, доминиканца святого Фомы Аквинского, в чистилище души грешников, не отягощенные смертными грехами, горят в очистительном огне. Срок их пребывания здесь зависит от молитв людей, оставшихся на земле.
Вершина горы — земной рай, или Эдем. Небесный же рай находится на небесах, в сферах Луны, Меркурия, Венеры и других небесных тел, число которых — 9.
Особенно страшны страдания людей в аду, где царят «вздохи, плач и исступленный крик». Чем страшнее грех, тем ниже находится человек. Так, в первом круге мучаются герои и философы древности, которым закрыт доступ в рай («не спасут одни заслуги, если нет крещенья»). В остальных кругах терпят страшные муки сладострастники, чревоугодники, скупцы, расточители, насильники, тираны, богохульники, распутники, льстецы, убийцы и самоубийцы:
... Адский ветер, отдыха не зная,
Мчит сонмы душ среди окрестной мглы
И мучит их, крутя и истязая.
В последнем, девятом круге вмерзли в лед те, кто, по мнению поэта, виновен в самом страшном преступлении — предательстве. Вот почему в самом средоточии Вселенной в трех своих пастях терзает Люцифер Иуду, предавшего Христа, а также Брута и Кассия, убивших своего друга Юлия Цезаря.
На пути к небесному раю Вергилий вдруг исчезает: язычнику тудадоступ закрыт. Ему на смену является дивная женщина в венке из олив. Это Беатриче, любовь поэта, которая здесь символизирует вечную Божественную мудрость. Цвета ее одежды — алый, зеленый и белый — напоминают о добродетелях — вере, надежде, любви. Данте полюбил Беатриче, когда ей было девять лет. Он посвятил своей возлюбленной немало сонетов. Беатриче вышла замуж за другого и умерла очень рано, оставив в сердце поэта вечную скорбь. В храме Флоренции, где похоронена Беатриче, висят картины, рассказывающие историю этой великой любви.
Данте на миг бросает взгляд на Землю и поражается, что увидел этот шар столь жалким, что не мог не усмехнуться. Предел Вселенной — Эмпирея(греч.) -пламенная, полная лучезарного света:
И свет предстал мне в образе потока,
Струистый блеск, волшебною весной
Вдоль берегов расцвеченный широко.
Живые искры, взвившись над рекой,
Садились на цветы, кругом порхая,
Как яхонты в оправе золотой...
Апофеоз поэмы — явление сияющей райской белой розы, в центре которой — Бог, окруженный святыми и ангелами.
Убедительные строки сочинения Данте породили легенду о том, что он действительно путешествовал по загробному миру. Несмотря на внешнее сходство «Божественной комедии» с христианскими представлениями о мироздании, поэт меняет одну из важнейших идей религиозного вероучения. Зададимся вопросом: кто может вершить суд над людьми? С точки зрения христианских представлений ответ очевиден: человек подсуден лишь Господу Богу. Поэт же взял на себя эту непосильную ношу, и в его воображаемом «суде» немаловажную роль играют чисто земные, человеческие пристрастия.
Эпиграфом к шестой главе пушкинского «Евгения Онегина» взяты строки: «Там, где дни облачны и кратки, рождается племя, которому не больно умирать». Эти слова принадлежат великому поэту эпохи
Предвозрождения Франческо Петрарке (1304—1374). 
У Петрарки, как и у Данте, была «Прекрасная Дама», которой он посвятил свою музу. Красавицу Лауру Петрарка встретил в 23 года. Двадцатилетняя женщина была уже замужем. Всю жизнь поэт воспевал ее неземную прелесть и добродетели, а после смерти возлюбленной оплакивал ее кончину. Вот один из сонетов- — стихотворение из 14 строф: два четверостишия и два трехстишия -, позднее вдохновивший композитора Ф. Листа на создание знаменитой фортепианной пьесы «Сонет Перарки № 104»:
Мне мира нет, — и брани не подъемлю.
Восторг и страх в груди, пожар и лед.
Заоблачный стремлю в мечтах полет —
И падаю, низверженный, на землю.
Сжимая мир в объятьях, — сон объемлю.
Мне бог любви коварный плен кует:
Ни узник я, ни вольный. Жду — убьет;
Но медлит он, — и вновь надежде внемлю.
Я зряч — без глаз; без языка — кричу.
Зову конец — и вновь молю: «Пощада!»
Кляну себя — и все же дни влачу.
Мой плач — мой смех. Ни жизни мне не надо,
Ни гибели. Я мук своих — хочу...
И вот за пыл сердечный мой награда!
Перевод Вяч.И. Иванова
Эмоционально распахнутая, то страстная, то изысканно грациозная лирика Петрарки и других поэтов гуманистов оказала огромное воздействие на музыкальное искусство. Ars nova, (Термин возник во Франции (ок. 1320) в ходе дискуссии сторонников старого и нового искусства. В современном музыкознании применяется расширительно и относится к западноевропейской музыке XIV в. в целом.)
или музыкой Треченто обычно называют произведения XIV в., воспевающие простые радости жизни и любовные переживания. Появляются новые музыкальные жанры. Среди них качча (букв. охота, погоня), воспроизводящая сценки охоты, исполнявшаяся обычно на три голоса (два верхних голоса пелись, нижний принадлежал музыкальному инструменту). Музыка имитировала крики охотников, лай собак, звуки погони. Другой не менее популярный жанр Ars nova — баллата (от ballo — танец). Исполнялись баллаты соло с хором или в сопровождении музыкальных инструментов. Чаще всего баллата имела танцевальный характер и по-светски легкое содержание.
Самое значительное явление музыки Треченто — рождение мадригала — лирической песни, созданной на основе высокой поэзии изысканного стиля. Мадригалы зазвучали в великолепных палаццо северо-
итальянских городов: Флоренции и Пизы, Болоньи и Падуи, Перуджии и Римини. Исполняли их на два и три голоса, среди которых верхний был ведущим и отличался особой мелодической выразительностью.
На тексты Франческо Петрарки, Джованни Боккаччо, Франко Саккетти создавали мадригалы ведущие композиторы: Франческо Ландино, Дж. да Фиренце, Якопо да Болонья и другие, воспевая чувства человека, познавшего любовь.
Сложный, богатый мир человеческой личности открывали не только предвозрожденческая поэзия и музыка, но и проза. Своеобразной энциклопедией любовных переживаний можно считать «Декамерон»
Джованни Боккаччо (1313—1375), 
итальянского гуманиста, современника Петрарки. Впервые в средневековой литературе Боккаччо дерзну воспеть чувственную любовь. Предыстория этого сочинения такова.
В 1348 г. Флоренцию охватила сильнейшая эпидемия. Чума! Не было в те времена более страшной болезни! Парадоксально, но именно этот факт послужил отправной точкой создания «Декамерона» — сочинения, полного искрящегося юмора. В ста его новеллах Боккаччо запечатлел истории, якобы рассказанные его друзьями, спасающимися от чумы в загородном доме. Обилие житейских подробностей делает это повествование действительно достоверным. В новеллах Боккаччо показаны реальные герои с их достоинствами, страстями, стремлениями. Автор приветствует в людях ум, изобретательность, смекалку и насмехается над тупостью, чванством, скупостью. На страницах «Декамерона» человек предстает как хозяин своей судьбы, как самодостаточная личность вне зависимости от принадлежности к тому или иному сословию. Каждая новелла «Декамерона» утверждает: человек имеет право на сильные земные чувства и страсти. Таков идеал рождающейся эпохи Возрождения.
На благодатной земле Флоренции впервые явилась предвозрожденческая живопись. Родоначальником и провозвестником нового искусства стал Джотто ди Бондоне (1266 или 1267—1337)
. Портрет Джотто кисти Паоло Уччелло. Ок. 1450. Деталь картины «Пять основателей флорентийского искусства
Статуя Джотто в нише пилона Флоренция, первый этаж галереи Уффици
Ровесник Данте, он относится к многогранно одаренным представителям флорентийских гуманистов: незаурядный талант в архитектуре, скульптуре, поэзии. Образы живописи Джотто отличаются силой эмоционального воздействия, драматизмом и духовной глубиной. Оставаясь в рамках христианских канонических сюжетов, мастер упорно искал реалистические средства художественной выразительности и первым разрушил средневековое плоскостное изображение.
Произведения Джотто сохранились во многих музеях, но прежде всего в храмах Флоренции, Рима, Падуи. Для флорентийцев особенно дороги фрески капеллы Барди церкви Санта Кроче, посвященные истории жизни почитаемого здесь святого Франциска (созданы ок. 1325). Пожалуй, наибольшую известность приобрели фрески Капеллы дель Арена в Падуе (построена в 1303—1305 гг. на месте разрушенной арены древнеримского цирка). В них ярко отразилась индивидуальная неповторимость стиля Джотто. Фрески посвящены образам Священного Писания, переданным мастером без всякой условности, с драматизмом, доходящим до экспрессии. В знаменитой сцене «Поцелуй Иуды», 
где персонажи наделены ярко выраженными человеческими характерами, мастер подчеркивает нравственное превосходство, мужество, стойкость Иисуса Христа и осуждает отталкивающе лживое лицемерие предателя Иуды. Неотразимая сила композиции проявляется в том, что Джотто, воплощая человеческое, не отходит от смысла и высокого духовного пафоса религиозного вероучения.
Галерея
Поцелуй Иуды 
Положение во гроб
Введение во храм 
Бегство в Египет
Поклонение волхвов 
Благословение Анны
Чудо с источником 
Распятие
Флорентийцы гордятся еще одним творением гениального мастера — так называемой Кампаниле (колокольней) Джотто. Колокольня входит в ансамбль знаменитого собора Санта Мария дель Фьоре (святой Девы Марии с цветком лилии в руке), 
постройка которого была начата в 1294 г. архитектором Арнольфо ди Камбио. Сооружение Кампаниле началось позднее, в 1334 г. Проект принадлежал Джотто, он же руководил всеми работами (в том числе изготовлением барельефов). Правда, до окончания строительства мастер не дожил и завершили сооружение его последователи Андреа Пизано и Франческо Таленти. Колокольня отличается удивительным изяществом, легкостью, полетной устремленностью ввысь. Этому способствует мраморная облицовка и тончайшая ажурная резьба, зрительно облегчающая конструкцию.
Колокольня Джотто
В 1436 г. архитектор Филиппо Брунеллески (1377—1446), с именем которого связано начало Раннего Возрождения, завершил сооружение храмового ансамбля Санта Мария дель Фьоре, возведя над средневековым собором грандиозный восьмигранный купол. 
Купол был пустотелый, с двумя оболочками. Брунеллески облегчил вес свода и уменьшил силу распора, действующую на стены барабана. Мощная масса купола, завершенного фонарем, словно царит над Флоренцией. В этом сооружении воплотилась идея возвеличивания человеческого разума,его безграничных возможностей.
С именем Брунеллески связана разработка еще одной важнейшей идеи архитектуры Возрождения — свободное использование античного ордера. Зодчий обратился к нему при создании формы палаццо — городского дворца. Вероятно, мастер спроектировал центральную часть палаццо Питти (начато в 1440 г.), 
где сегодня расположены семь художественных собраний, в том числе знаменитая Палатинская галерея. Брунеллески по праву считается родоначальником ренессансной архитектуры.
Следующий этап ее развития определяется творчеством Леона Баттиста Альберти (1404—1472), энциклопедически образованного теоретика, автора трактатов по истории искусства («Десять книг о зодчестве»). Прекрасен облик спроектированного им палаццо Ручеллаи во Флоренции, где античное наследие получает новую трактовку и яркую пластическую выразительность.
По многогранности своей деятельности эта идеальная «ренессансная личность» сравнима лишь со всемирно известным мыслителем и художником Высокого Возрождения Леонардо да Винчи. В Италии и за ее пределами Альберти снискал себе славу выдающегося теоретика искусства. Его перу принадлежат знаменитые трактаты «Десять книг о зодчестве» (1449—52), «О живописи», «О статуе» (1435—36).
Но главным призванием Альберти была архитектура. В архитектурном творчестве Альберти тяготел к смелым, экспериментаторским решениям, новаторски используя античное художественное наследие. Альберти создал новый тип городского дворца (палаццо Ручеллаи). В культовом зодчестве, стремясь к величию и простоте, Альберти использовал в оформлении фасадов мотивы римских триумфальных арок и аркад (церковь Сант-Андреа в Мантуе, 1472—94).
Леон Баттиста Альберти. Капелла Сант Андреа в Мантуе
На севере Италии развитие ренессансного искусства шло иными путями. На протяжении столетий интересы Венеции, процветающей торговой республики, были связаны преимущественно с Византией и другими странами Востока. Турецкие завоевания лишили венецианцев традиционных рынков, включив их в орбиту собственно итальянских интересов. Ренессансное движение проникало сюда медленно и постепенно. В искусстве Венеции еще долго господствовали византийские традиции и готическое влияние.Так, например, воздвигнутое в первой половине XV в. изысканное палаццо Ка’ д’Оро (Золотой дворец), получившее свое название по той причине, что часть убранства его фасада была позолочена, — еще сохраняет множество готических черт.
Это знаменитое здание исследователи относят к так называемому этапу венецианской готики.
К следующему этапу венецианского Раннего Возрождения принадлежит палаццо Вендрамин Калерджи (1481—1509), созданный Пьетро Ломбардо (ок. 1435 — 1515), главой семьи венецианских архитекторов, и Марко Кодуччо (ок. 1440 — 1504).
Фасад дворца, так же как и фасад флорентийских палаццо, расчленен на три этажа, но в его центре выделена ажурная лоджия; подчеркнута также особая легкость, живописность, праздничность его архитектуры.
Ломбардо и Кодуччо строили в Венеции и культовые здания. Нередко нарушая классические правила, они создавали декоративные и несколько фантастические фасады, облицованные цветным мрамором. Например, построенная ими небольшая церковь Санта-Мария деи Мираколи (1481—89), стоящая на тесной площади у края канала, напоминает драгоценный ларец.
Новым типом венецианского общественного сооружения стала Скуола ди Сан-Марко (scuola в переводе с итал. — «школа») — здание религиозного благотворительного общества, служившее для просветительских целей.
Эпоха Раннего Возрожд ения имела особое значение для ваяния. Скульптура, находившаяся в Средние века в полной зависимости от зодчества, вновь обретает самостоятельность. Центральный образ этого искусства — человек. Скульптурными портретами наполняются дома знатных горожан; конные статуи становятся излюбленным украшением улиц и площадей. В первой половине XV в. большой известностью пользовался мастер Лоренцо Гиберти (1378—1455), создатель декоративных рельефов для дверей флорентийского баптистерия (крещальни) — «прекрасного Сан Джованни», как называл это сооружение Данте. 28 картин на дверях северного входа рассказывают о жизни Иисуса Христа. Этой работе мастер посвятил более 20 лет. Ему же принадлежат сцены Ветхого завета восточных дверей баптистерия. «Вратами рая» назвал Микеланджело это творение Гиберти. Рельефы, наполненные живым дыханием реалистического искусства, стали одной из главных достопримечательностей Флоренции.
Но все же подлинным реформатором скульптуры считается ученик Гиберти Донателло (ок. 1386—1466, полное имя Донато ди Никколо ди Бетто Барди). Именно он сотво рил первую обнаженную статую — «Давид» (1430—1440е). Выполненная в бронзе фигура хорошо обозрима с разных сторон. В образе юного пастуха, победителя великана Голиафа, конечно же, чувствуется влияние античности. Но напряженность позы и острота ритма, что сообщил мастер своему творению, характер на лишь для ренессансного искусства.
Творчество Донателло (ок. 1386—1466), впитавшее демократические традиции культуры Флоренции XIV в., представляет собой одну из вершин развития искусства Раннего Возрождения. В нём воплотились свойственные искусству Ренессанса поиски новых, реалистических средств изображения действительности, пристальное внимание к человеку и его духовному миру. Изучение памятников греко-римской пластики несколько умерило его реалистические стремления, поэтому у него можно выделить два стиля: реалистический и классический. К первому относится его статуя Магдалины (около 1434, находится во флорентийской Крестильнице). Это исхудалая старуха с длинными волосами. Святая изображена измождённой, в рубище, после долгих лет отшельничества.
«Мария Магдалина», 1455, Флоренция, музей Дуомо.
То же направление видно и в его статуе царя Давида, известной под названием Zuccone («головастый») и помещенной в фасадной стороне башни Джотто, во Флоренции. Статуя эта — портрет современника, с большой лысой головой. Плоский рельеф, изображающий голову в профиль св. Цецилии, едва отделяющуюся от фона, принадлежит к классическому стилю Донателло (находится теперь в Англии). Но лучшие работы — те, в которых он, не увлекаясь излишним реализмом и не подражая произведениям древности, искал своих идеалов в самом себе. Это, например, можно сказать о мраморной статуе св. Георгия и о статуях Давида и апостола Марка.
св. Георгий Давид(1430-е гг.) 1411-1413 гг.Церковь Ор Сан Микеле, Флоренция
Первая вылита из бронзы, вторая мраморная, обе во Флоренции. Менее удачна бронзовая статуя Юдифи, в Loggia del Lanzi, во Флоренции. Несколько статуй вырублено Донателло для фасада флорентийского собора; между сохранившимися замечательна статуя евангелиста Иоанна.
Те же тенденции можно встретить в живо писи Раннего Возрождения. После Джотто художники все более устремляются к реалистическому воспроизведению жизни, отодвинув в прошлое готическую средневековую условность. Реформатором живописи стал флорентиец Мазаччо (1401—1428, настоящее имя Томмазо ди Джованни ди Симоне Кассаи), вошедший в историю прежде всего как творец монументальных фресок. Образ человека в работах Мазаччо приобретает индивидуализированные черты и внутреннюю активность. Об этом свидетельствуют фрески капеллы Бранкаччи (церковь Санта Мария дель Кармине, Флоренция), посвященные истории жизни апостола Петра. Подобно творениям Джотто, живопись Мазаччо сохраняет огромную духовную наполненность и силу нравственного примера.
Во фреске «Изгнание из рая» художник решает сложнейшую для своего времени задачу изображения обнаженной человеческой фигуры. Суровое и мужественное искусство Мазаччо оказало огромное воздействие на художественную культуру Возрождения, в частности, на творчество Пьеро делла Франческа и Микеланджело.
Мазаччо. Изгнание из рая.
Развитие живописи Раннего Возрождения происходило неоднозначно: художники шли собственными, подчас разными путями. Светское начало, стремление к увлекательному повествованию, лирическое земное чувство нашли яркое выражение в произведениях Фра Филиппо Липпи (1406—69), монаха ордена кармелитов. Обаятельный мастер, автор многих алтарных композиций, среди которых лучшей считается картина «Поклонение Младенцу», созданная для капеллы в палаццо Медичи — Риккарди, Филиппо Липпи сумел передать в них человеческую теплоту и поэтическую любовь к природе.
Фра Филиппо Липпи. Поклонение Младенцу
В середине XV в. живопись Центральной Италии пережила бурный расцвет, ярким примером которого может служить творчество Пьеро делла Франческа (1420—92), крупнейшего художника и теоретика искусства эпохи Возрождения. Самое замечательное творение Пьеро делла Франческа — цикл фресок в церкви Сан-Франческо в Ареццо, в основу которых положена легенда о Животворящем древе креста. Расположенные в три яруса фрески прослеживают историю животворящего креста от самого начала, когда из семени райского дерева познания добра и зла на могиле Адама произрастает священное дерево и до конца, когда византийский император Ираклий торжественно возвращает христианскую реликвию в Иерусалим. Творчество Пьеро делла Франческа вышло за пределы местных живописных школ и определило развитие итальянского искусства в целом.
Во второй половине XV столетия в Северной Италии в городах Вероне, Ферраре, Венеции работали многие талантливые мастера. Среди живописцев этого времени наиболее знаменит Андреа Мантенья (1431—1506) — мастер станковой и монументальной живописи, рисовальщик и гравер, скульптор и архитектор. Живописная манера художника отличается чеканностью форм и рисунка, строгостью и правдивостью обобщенных образов.
Почти до самого конца долгой жизни Андреа Мантенья подписывался на своих работах “падуанцем”. Он не был родом из Падуи, и большая часть его деятельности протекала в Мантуе, при дворе тамошних герцогов Гонзага. Но здесь, в Падуе, провел он молодость, здесь получил художественное воспитание и здесь написал свои первые произведения.
Андреа Мантенья родился в 1430 или в 1431 году, вероятно, в Изола ди Картуро, между Виченцей и Падуей. Дату рождения можно установить по надписи на одной из его утраченных картин 1448 года, где автор указывает, что ему семнадцать лет.
Около 1442 года десятилетний мальчик, был взят на воспитание Скварчоне, который побудил его к занятиям искусством и от попечения которого Андреа бурно освободился в 1448 году.
Скварчоне был увлеченным первооткрывателем талантов. В единственной уцелевшей работе Скварчоне - алтаре, датированном 1449 годом (Падуя, Городской музей), - сочетаются северные черты и поиски тосканской школы. Скварчоне был глубоким энтузиастом классической древности. Добытые им сокровища он сделал орудием артистического воспитания целого поколения молодых художников. Слава мастерской Скварчоне была так велика, что в ней работали не только падуанцы, не только уроженцы соседней Венеции или Феррары, но также и приезжие из 
отдаленных городов Ломбардии и даже Тосканы.
Из документов известно, что Мантенья был уже записан в цех художников, когда ему исполнилось всего десять лет. Это говорит не только об его редких способностях, но также и об удивительном художественном подъеме, который царил тогда в Падуе вокруг многолюдной мастерской Скварчоне.
После того как Андреа, которому в то время еще не исполнилось семнадцати лет, написал образ главного алтаря Санта София в Падуе, вещь, которая кажется исполненной старым опытным художником, а не юношей, Якопо Скварчоне получил заказ в капелле св. Христофора, что в церкви августинских братьев отшельников в Падуе.
Мантенья испытал влияние Донателло, Андреа дель Кастаньо и венецианской живописи. Огромное значение для формирования искусства Мантеньи имело изучение им древнеримской скульптуры и архитектурного декора, увлечение археологией и эпиграфикой.Молодой художник находился под влиянием флорентийских новаций Пикколо Пиццоло, помощника Донателло, а с 1448 года компаньона Мантеньи по украшению половины капеллы Оветари церкви Эрмитани в Падуе.
Св.Себастьян, изображен привязанным к колонне античной арки. Солдаты уже ушли. Его хорошо натренированное тело, пронзило множество стрел. Лицо не выражает страдания от физической боли, оно полно веры в правоте своего дела. Образ этого римского воина и стойкого христианина становится излюбленным в творчестве художников Ренессанса
Св. Себастьян живший в III веке, был начальником императорской гвардии и тайно исповедовал христианство. Когда же это стало известно, был отдан приказ пронзить его стрелами. Думая, что Себастьян мертв, палачи оставили его одного. Однако, раны оказались не смертельными. Согласно легенде, он был излечен и вновь предстал перед императором с новыми доказательствами своей веры. На этот раз он был до смерти забит камнями и дубинками, а затем брошен в сточные воды канала.
Благодаря пространственной глубине и скульптурности фигур Мантенья достигает впечатления застывшей на мгновенье реальной сцены — настолько объемно и естественно выглядят его персонажи. Большую часть жизни Мантенья прожил в Мантуе, где создал самое известное свое произведение — роспись «Камеры дельи Спози» в загородном замке маркиза Гонзага. Одними лишь средствами живописи он создал здесь роскошный ренессансный интерьер, место для торжественных приемов и праздников. Пользовавшееся огромной известностью искусство Мантеньи оказало влияние на всю северо-итальянскую живопись.
И все же ведущую роль в становлении культуры Раннего Возрождения играла Флоренция. Здесь в конце XV в. власть перешла к банкирскому дому Медичи, где любили и ценили искусство. При дворе Медичи собрались самые известные мастера — поэты и писатели, художники и скульпторы. Особенно значительный след в истории ренессансной культуры оставила эпоха, связанная с правлением Лоренцо Медичи, прозванного Великолепным. Не отличаясь особой нравственностью, он насаждал стиль изысканной жизни, где богатство и роскошь выставлялись напоказ, а античная мифология служила предметом изучения и даже... подражания. Неслучайно Лоренцо Медичи написал вакхическую песенку, где были и такие слова: «Если хочешь — счастлив будь, но на завтра не надейся».
Баптистерий Сан Джованни
Перед нами портрет Неизвестного с медалью с изображением Козимо Старшего (одного из Медичи). 
Многие искусствоведы считают, что на портрете знаменитый мастер Сандро Боттичелли (1445—1510, настоящее имя Алессандро Филипепи) изобразил самого себя.
Его искусство, выросшее в атмосфере острых противоречий жизни дома Медичи, наполненно то поэтичной утонченностью, то (особенно в поздних работах) болезненным мироощущением.
Ранние полотна художника отличаются безмятежным лиризмом. В зрелые годы произведения Боттичелли приобретают особую изысканность, навеянную стихами Анджело Полициано, придворного поэта Медичи. Самые известные работы мастера — 
«Весна» (ок. 1483) и «Рождение Венеры» (ок. 1484) 
1. Оба эти полотна связаны с изображением царства Венеры, описанного Полициано. На первом («Весна») из них в центре композиции мечтательная Венера, слева от нее Меркурий, разгоняющий тучи, и три грации, справа Весна, разбрасывающая цветы, Флора, преследуемая Зефиром, вверху Амур, стреляющий из лука. На другом полотне мастер усиливает условную декоративность изысканных образов. Нежная холодноватость красок создает ощущение мимолетности возникшего прекрасного видения. Еще миг, и Венера сольется со стихией, ее породившей! Оба полотна находятся в знаменитой галерее Уффици, самом старом художественном музее мира. Дворец, в котором размещена галерея, был возведен в середине XVI в. по желанию Козимо I Медичи по проекту Джорджо Вазари.
Обратим внимание на тонкие нежные черты лица Венеры. Однажды найденные мастером, они вновь и вновь повторяются в его работах. Впервые же наиболее убедительно запечатлел Боттичелли женский образ в своем шедевре «Мадонна Магнификат» (1482). 
Название картины происходит от первого слова на странице открытой книги, в которой что-то пишет Дева Мария. Она предстает в обрамлении ангелов, венчающих ее сияющей короной. Композиция вписана в круг, который повторяет своими линиями обрамление полотна. Остается добавить, что эта работа отличается удивительной музыкальностью линий и красок. Да и сам сюжет имеет ярко выраженную музыкальную подоплеку. Ведь название «Магнификат» происходит от первого слова молитвы Девы Марии из Евангелия («Величит душа моя Господа»). Эта хвалебная песнь с давних пор составляет кульминацию в католической вечерне и не раз служила источником вдохновения западноевропейских композиторов (в числе которых И.С. Бах).
Поклонение Волхвов Благовещение
