Русская композиторская школа XIX века

Развитие песенной культуры России в XIX веке«Век был песен» - так сказал об эпохе Просвещения поэт Г.Р. Державин. Облик песенной культуры того времени был необычайно многообразен и даже многоязычен. В быту причудливо переплелись песни российские и французские, цыганские и немецкие, крестьянские и городские, любительские и профессиональные. Песня звучала со страниц литературных произведений и публиковалась в специальных сборниках «в удовольствие многих любителей», исполнялась в домах аристократов.В XIX в. огромное внимание продолжили уделять изучению фольклора. Русские композиторы считали народную музыку источником вдохновения. Они собирали народные песни и часто использовали их в своих произведениях, при этом не теряя своеобразия собственного музыкального языка.Возникают некоторые новые жанры, старые формы (обиходные песни, песни на тему скитаний, сатирические песни) эволюционируют под влиянием нового жизненного содержания, меняется характер образов и интонационно-выразительных средств. Бытовая народная песня откликается на крупные политические и социальные события общенационального значения.Широкое отражение получает в ней Отечественная война 1812 г. До нас дошел целый цикл песен о двенадцатом годе, связанных с устной фольклорной традицией. По своему содержанию и музыкально-поэтическим формам они очень разнообразны. Иногда в них используются приемы старых традиционных видов народно-песенного творчества.Отечественная война вызвала также появление выразительных лирическихпесен, в которых запечатлены глубокая народная скорбь, печаль и горе, вызывавшиеся тяжкими бедствиями отчизны, опустошением родного края, утратой близких.Широко известен был своими обработками народных песен талантливый русский музыкант, вышедший из крепостных крестьян, Данила Кашин. В 1833-1834 гг. вышел в свет его сборник «Русские народные песни» в трех частях. Для своего времени он является столь же характерным, как «Собрание» Прача для рубежа XVIII и XIX столетий. Рядом с различными бытовыми преломлениями русской народной песни развивается лирический сентиментальный романс, пользовавшийся также исключительно широкой популярностью в самых разнообразных слоях общества. Как и «российская песня» XVIII века, русский романс в преобладающей своей части был связан со сферой домашнего музицирования В музыкальном языке бытового романса простота средств сочетается с искренней непосредственностью и душевностью выражения. Важную роль в развитии русского романса XIX века сыграли композиторы Алябьев, Варламов, Гурилев, Верстовский

Александр Александрович Алябьев(1787-1851) родился в старинной дворянской семье. В молодости он служил в армии, участвовал в Отечественной войне 1812г. Впоследствии оставил военную службу и посвятил себя творческой деятельности. Алябьев - автор известных романсов: «Я вас любил», «Зимняя дорога» (оба на стихи Александра Сергеевича Пушкина), «Соловей»и других. «Соловей» - одна из любимых и наиболее распространенных песен Алябьева. Всё в ней скромно и просто. Песне предшествует оживленное фортепианное вступление в духе гитарного наигрыша. С первых же интонаций вокальной партии развертывается пленительно мягкая, задумчивая мелодия. Широкая и плавно закругленная, она сразу же захватывает и покоряет своей строгой красотой.Композитор Александр Егорович Варламов (1801-1848) - автор популярных романсов. Всего он создал около двухсот произведений этого жанра, преимущественно на стихи русских поэтов («Красный сарафан», «Вдоль по улице метелица метёт», «На заре ты её не буди», «Белеет парус одинокий» и др.). Варламов был известен также как певец, гитарист, дирижёр и педагог. Он написал одно из первых русских учебных пособий для вокалистов - «Полная школа пения» (1840 г.).Александр Львович Гурилёв (1803-1858) был сыном крепостного музыканта (в 1831 г. он вместе с отцом получил вольную). Композитор, пианист, скрипач, альтист и педагог, Гурилёв прославился как автор песен и романсов. Наиболее известны его песни «Матушка голубушка», «Колокольчик», «Сарафанчик», «Вьётся ласточка» и романсы «Разлука», «Вам не понять моей печали». Помимо вокальной лирики композитор работал в жанрах фортепианной музыки, собирал и обрабатывал народные песни.Творчество Алябьева, Варламова и Гурилева - ценный вклад в сокровищницу русской музыки. Лучшие их песни и романсы входят в концертный репертуар певцов и хоров, они с любовью поются в народе и в наше время.

Русская композиторская школа XIX века

Михаил Иванович Глинка

Без сомнения самым ярким представителем композиторской школы первой половины XIX века является Михаил Иванович Глинка (1804-1857). Творчество Михаила Ивановича Глинки стоит у истоков русской композиторской школы, а его произведения, методы работы, отношение к музыкальным жанрам и традициям воспринимались в XIX столетии как образцовые. Получив серьёзное музыкальное образование в Европе, Глинка сумел первым глубоко осознать особенности русской национальной музыки, и во многом благодаря этому мастеру европейские жанры получили в России оригинальную трактовку. Детские впечатления Глинки отразились на его творчестве. Первые годы жизни прошли в имении отца среди деревенской природы Смоленского края. Там он узнал и полюбил народные песни, заслушивался ими. Во впечатлительную детскую душу маленького Глинки глубоко запали сказки крепостной няни Авдотьи Ивановны, нежно и преданно любившей его. Огромное впечатление произвели на Глинку события 1812 года. Спасаясь от нашествия наполеоновской армии, семья Глинки покинула имение. Много рассказов о героизме партизан услышал мальчик и навсегда проникся любовью и уважением к русскому народу, его могучей силе и душевной красоте.

В домашнем быту у родных Глинки часто звучала музыка. У дяди, жившего неподалеку, был хороший оркестр, состоявший из крепостных музыкантов. Музыка производила на мальчика потрясающее впечатление, после концертов он ходил рассеянный. «Музыка - душа моя» - сказал он однажды. Крепостной оркестр дяди исполнял разные произведения, были среди них и народные песни. Композиторское мастерство Глинки ярче всего проявилось в двух операх - «Жизнь за царя» («Иван Сусанин») и «Руслан и Людмила». Он создал образцы национальной русской оперы - героико-эпическую оперу и оперу-сказку. Последующее развитие этих жанров связано с теми принципами, которые заложил Глинка.

Опера «Жизнь за царя» (в СССР в 30-80 х гг. было принято название «Иван Сусанин»; 1836 г.) написана на историко-патриотический сюжет. Композитор обратился к событиям начала XVII в. - борьбе русского народа против польских завоевателей. Сюжет произведения - подвиг Ивана Сусанина - предложил Глинке поэт Василий Андреевич Жуковский.

Жизнь за царя» - первая русская опера без разговорных диалогов; она основана на непрерывном музыкальном развитии. Музыкальную ткань сочинения пронизывают хоровые сцены. В частности, они открывают (хор «Родина моя») и завершают произведение (заключительный ликующий победный хор «Славься»).В центре оперы - образ русского крестьянина Ивана Сусанина. Композитор подчёркивает нравственную силу героя. Для его музыкальной характеристики использованы интонации народных мелодий. Антонида, дочь Сусанина, - светлый и поэтичный («нежно-грациозный», по определению самого Глинки) образ русской девушки. Собинин, жених Антониды, - ополченец, удалой, бесстрашный человек, Ваня - приёмный сын Сусанина, - «простосердечный», по словам Глинки, мальчик тринадцати лет. Образы молодых членов семьи Сусанина - Вани, Антониды, Собинина нарисованы в традициях и интонациях бытовой песни романса.Русским образам противостоит враждебный лагерь поляков. Развёрнутая хореографическая картина представляет «польский акт» оперы - пышный бал в старинном замке. Эта симфоническая композиция передаёт блеск, изящество и гордость шляхты - польской знати. Звучат мелодии и ритмы полонеза, мазурки, краковяка. Красота музыки завораживает, но в целом простота и задушевность «русских» сцен противопоставлена показной пышности «польского акта».

Наконец два лагеря сталкиваются непосредственно - польский отряд приходит в село Домнино к Сусанину и требует, чтобы тот провёл их к месту, где находится царь Михаил Романов. Сцена Сусанина с поляками в лесной чаще, куда он завёл их на погибель, - кульминация оперы. Развязка трагична - главный герой отдаёт жизнь за Россию. Ночью, в лесу Сусанин исполняет свой предсмертный монолог речитатив «Чуют правду», переходящий в арию молитву «Ты взойди, моя заря», в которой герой просит у Бога сил встретить последний час. В ней звучит и глубокая скорбь, и надежда. Музыка - медленная по темпу, строгая и сосредоточенная по настроению - напоминает церковные песнопения.

Опера «Жизнь за царя» с большим успехом была исполнена 27 ноября 1836 года на сцене большого театра в Петербурге. Передовые люди русского общества высоко оценили ее. Сознание творческой победы вдохновило композитора на новые замыслы, и через несколько лет появилась опера сказка «Руслан и Людмила» (1842 г.). Она написана на сюжет одноимённой поэмы А. С. Пушкина. Неторопливость развития музыкального действия напоминает древние былины и сказания. В опере есть и народные обрядовые сцены, и красочные картины природы, и фантастические образы. Миру русских богатырей (Руслан, Ратмир), песнопевца Бояна, князя Владимира противостоит сказочный мир волшебников - Черномора и Наины. Богатыри показаны с былинной серьёзностью и эпической величавостью. Черномор и Наина (как и незадачливый соперник Руслана - Фарлаф) нарисованы с несомненной долей юмора; автор как бы говорит слушателю: это всего лишь сказочные персонажи, скорее комические, чем злые. Главная характеристика Черномора, властелина волшебного замка, - полушутливый марш. В создании образов большую роль играет оркестр. Рисуя царство Черномора, композитор использует интонации музыки Востока. Перед слушателем проходят турецкий и арабский танцы, лезгинка. Заканчивается опера «Руслан и Людмила», как и любая сказка, победой добра над злом и торжеством любви. Романсы и песни Глинки - гордость русской классики. Композитор писал их на протяжении всей жизни. Лирические романсы Глинки - это своего рода исповедь его души. В некоторых из них запечатлены картины русской природы и быта. В романсах Глинка обобщил и развил все лучшее, что было создано его предшественниками и современниками - авторами бытового романса. Многие известные романсы, например «Я здесь, Инезилья», «Я помню чудное мгновенье», написаны на стихи А. С. Пушкина. Обращался Глинка и к творчеству В. А. Жуковского, А. А. Дельвига и других русских поэтов. На слова популярного в то время поэта Нестора Васильевича Кукольника композитор создал цикл из двенадцати романсов «Прощание с Петербургом» (1838 г.), а также знаменитый романс «Сомнение», который любил исполнять выдающийся русский певец Фёдор Иванович Шаляпин. Для оркестра Глинка писал одно частные симфонические увертюры фантазии. Лучшие его произведения в этом жанре - «Камаринская» (1848 г.), «Арагонская хота» (1845 г.) и «Ночь в Мадриде» (1851 г.). «Камаринская», по общему мнению русских композиторов, положила начало отечественной симфонической музыке. «Испанские» увертюры «Арагонская хота» и «Ночь в Мадриде» - блестящий пример освоения Глинкой интонаций и стиля испанской музыки. Пьеса для оркестра «Вальс фантазия» (1856г.) подготовила по явление симфонических вальсов П. И. Чайковского. Благодаря творчеству Михаила Ивановича Глинки русская музыкальная школа достигла признания в Европе. Последующие поколения композиторов, да и просто любителей музыки, всегда высоко ценили вклад мастера в культ

Александр Сергеевич Даргомыжский (1813-1869)

Даргомыжский - младший современник и последователь Глинки. В историю русской музыки вошел как «великий учитель музыкальной правды», смелый новатор. Взгляды Даргомыжского сложились в период 30-40х.гг. XIX столетия, время бурного развития русской культуры. Он чутко откликался на все передовое, прогрессивное в русском искусстве. В своем творчестве он был близок к демократическим писателям и художникам России. Особенно тесны связи вокальной музыки Даргомыжского с Пушкиным, Гоголем, Лермонтовым. Не случайно лучшие творения Даргомыжского написаны на стихи Пушкина и Лермонтова. В творчестве Даргомыжского центральное место занимают романсы и оперы. Камерно вокальную музыку композитор сочинял на протяжении всей жизни: он написал свыше ста романсов, песен, вокальных ансамблей. Эти жанры были для Даргомыжского своеобразной творческой лабораторией - в них формировался его музыкальный язык. Самые известные романсы - «Я вас любил» (на стихи А. С. Пушкина), «И скучно и грустно», «Мне грустно"»(на стихи Михаила Юрьевича Лермонтова). Они проникнуты тонким лиризмом, настроением одиночества.

В творчестве А. С. Даргомыжского появился новый жанр вокальной лирики - сатирическая песня. Яркие примеры подобных произведений - песни «Червяк» и «Титулярный советник» (обе 50 е гг.). Используя речитатив, приближающийся к естественной речи, композитор нарисовал выразительные социальные портреты.К лучшим произведениям Даргомыжского относится опера «Русалка»(1855 г.). Опираясь на текст одноимённой незаконченной пьесы А. С. Пушкина, композитор сам написал либретто. «Русалка» - первая русская опера в характере психологической бытовой музыкальной драмы. Основная задача, поставленная композитором, - отражение духовного мира героев, их переживаний и характеров. В 60х гг. Даргомыжский получил широкое общественное признание. С большим успехом прошли премьеры его опер, композитор был избран членом комитета Петербургского отделения Русского музыкального общества.

 

«Могучая кучка» Вторая половина XIX века - пореформенное время, отмена крепостного права, либерализация общественной жизни, расцвет революционных настроений в русском обществе. Этот этап отмечен высоким расцветом художественной культуры как цельного и самобытного явления. Именно тогда в искусстве сформировалась определенная система духовно-эстетических ценностей, которые воплотились в литературе и театре, в живописи и музыке. Музыкальное искусство не осталось в стороне от жгучих вопросов современности. Народнические позиции характерны для мировоззрения многих композиторов, уверовавших в мессианскую роль русского народа, в торжество его исторического духовного подвига. Музыка отразила весь спектр напряженных нравственных исканий русской интеллигенции тех лет, воплотила в музыкальных образах навеянные временем идеалы. Одни мастера идеализировали русскую историю, чистоту народной жизни, другие верили в самосовершенствование личности на основе законов народной этики, иные же стремились воплотить в творчестве некий прообраз народной культуры, рожденной из вечно живого источника - первозданной природы.

Ведущим жанром музык в это время является опера - историческая, эпическая, лирическая, драматическая.Продолжают развиваться и другие синтетические музыкальные жанры - романс, песня. Вокальная музыка пополняет собой «музыкальную энциклопедию» русской поэзии, обогащая ее социально-обличительными и лирико-психологическими образами.Вторая половина XIX века - время возникновения товарищества, получившее с легкой руки критика В.В. Стасова, наименование «Могучая кучка». В него входили М.А. Балакирев, Ц.А. Кюи, М.П. Мусоргский, Н.А. Римский-Корсаков, А.П. Бородин.

«Могучая кучка» - выдающееся явление русского искусства. Она оставила глубокий след во многих сферах культурной жизни России - и не только России. В следующих поколениях музыкантов - вплоть до нашего времени -немало прямых наследников Мусоргского, Бородина, Римского-Корсакова, Балакирева. Объединявшие их идеи, их прогрессивные воззрения явились образцом для передовых деятелей искусства на долгие годы. Главой и руководителем «Могучей кучки» был Милий Алексеевич Балакирев (1836/37-1910). Он является одним из основателей (1862) и руководитель (1868-73 и 1881-1908) Бесплатной музыкальной школы. С 1867 года по 69 год - дирижер Русского музыкального общества, а с 1883 по 1894 управляющий Придворной певческой капеллой. Самые известные его произведения - это «Увертюра на темы трех русских песен»(1858), симфонические поэмы «Тамара» (1882), «Русь» (1887), «В Чехии» (1905), восточная фантазия для фортепиано «Исламей» (1869), романсы, обработки русских народных песен и др. Среди композиторов «Могучей кучки» Модест Петрович Мусоргский (1839-1881) был наиболее ярким выразителем в музыке революционно-демократических идей 60х. гг. XIX века. Именно Мусоргский как никогда другой смог многосторонне, с большой обличительной силой раскрыть в музыке суровую правду жизни русского народа, воссоздать, как сказал В.В.Стасов, «весь океан русских людей, жизни, характеров, отношений, несчастья, невыносимой тягости, приниженности». Что бы ни писал Мусоргский: оперы, песни, хоры, - всюду он выступает гневным и страстным обличителем социальной несправедливости. В 1863 г. композитор приступил к сочинению оперы «Саламбо» (по одноимённому роману французского писателя Гюстава Флобера), а в 1868 г. - к опере «Женитьба» (на неизменённый текст комедии Н. В. Гоголя). Обе работы остались незавершёнными, но подготовили Мусоргского к созданию оперы «Борис Годунов» (1869 г.), ставшей значительным явлением в русской музыке.

Вся сила таланта Мусоргского раскрылась в опере «Борис Годунов» по трагедии Пушкина. В этой трагедии Мусоргского привлекла возможность показать в опере пробуждение силы народа, которая выливается в открытое недовольство, а под конец - в стихийное восстание. Основная идея оперы - это конфликт между преступным царем Борисом и народом, приводящий к восстанию. Внимание композитора было сосредоточено на раскрытии основного замысла: столкновение царя и народа. Народ в опере Мусоргского - главное действующее лицо. Несмотря на большое значение массовых сцен, главное внимание в опере уделено характеристике внутреннего мира героев. На первом плане, безусловно, образ Бориса, который раскрывается через развёрнутые сцены-монологи. Блестяще владея техникой речитатива, Мусоргский передаёт в музыке душевное состояние героя - смутную тревогу, скорбь и подавленность, мучительные терзания совести, страх и даже галлюцинации. Очень сложна в опере партия оркестра. Он гибко следует за голосом, добавляя в вокальную партию важные психологические нюансы. Эта опера близка по духу революционно-демократическим настроениям, которые были в Российском обществе в 60-70 гг. XIX века. В 1872 г. композитор начал работу над оперой «Хованщина», которую сам назвал «народной музыкальной драмой». Одновременно он писал произведение совсем иного плана - лирико-комедийную оперу «Сорочинская ярмарка» по повести Н. В. Гоголя (осталась незаконченной).По отзывам современников, Мусоргский был превосходным пианистом. Как дань любимому инструменту он создал большую фортепианную сюиту из десяти пьес «Картинки с выставки» (1874 г.). Замысел сюиты сложился под впечатлением от посмертной выставки работ его друга, художника и архитектора Виктора Александровича Гартмана. Цикл начинается со вступления, которое становится лейтмотивом произведения. Автор назвал его «Прогулка» не случайно: оно передаёт движение посетителя по залам выставки. Далее следуют отдельные «картинки»: «Гном», «Старый замок», «Тюильрийский сад», «Быдло», «Балет невылупившихся птенцов и др. Музыка вступления периодически повторяется, и благодаря этому цикл обретает единство и воспринимается как цельное сочинение. Мусоргский - автор известных песен и романсов. Первая опубликованная песня «Где ты, звёздочка...» (слова поэта и переводчика Николая Порфирьевича Грекова) дала начало лирической теме в вокальном творчестве композитора, до стигшей вершины в романсе фантазии «Ночь» (слова А. С. Пушкина). Мусоргский - композитор подлинно народный, посвятивший все свое творчество рассказу о жизни, горестях и надеждах русского народа. Александр Порфирьевич Бородин (1833-1887) - неповторимо своеобразный композитор. В музыке продолжал во многом традиции Глинки. В своей музыке Бородин воплотил величие и мощь русского народа, героические черты характера русских людей, величавые образы национального былинного эпоса. И наряду с этим в творчестве Бородина встречаются образы лирические, задушевные, полные страсти и нежности. Бородин - один из создателей русской классической симфонии (2-я, «Богатырская», 1876, открывшая героико-эпическое направление в русском симфонизме; симфоническая картина «В Средней Азии», 1980), русского классического струнного квартета. Мастер вокальной лирики («Для берегов отчизны дальней»); ввел в романс образы богатырского эпоса, воплотил освободительные идеи 60-х гг. 19 в. («Спящая княжна», «Песня темного леса»). Замечательно произведение древней русской литературы XII века - «Слово о полку Игореве» - увлекло Бородина увлекло его и вдохновило на создание оперы. В «Слове» рассказывалось о неудачном походе отважного князя Игоря на половцев. Автор призывал князей к объединению, и в этой патриотической направленности произведения заключалась его прогрессивная роль. На этот сюжет Бородин создал свою грандиозную оперу «Князь Игорь» (завершена Римским-Корсаковым в 1890 году). «Князь Игорь» - лирико-эпическая опера в 4х действиях с прологом. Музыка оперы во многом основана на интонациях народных песен - русских и восточных. Яркими красками написаны народные сцены, как русские, так и восточные. В этом Бородин был последователем Глинки, который для изображения стана врагов также находил художественно убедительную характеристику.

Николай Андреевич Римский-Корсаков(1844-1908). Среди композиторов «Могучей кучки» Римский-Корсаков занимает особое место. С его творчеством пышным цветом расцвела в русской музыке сказка. Вся его жизнь - это беззаветное и бескорыстное служению искусству, верность своим идеалам.

Круг тем и сюжетов, воплощённых Римским-Корсаковым, широк и многообразен. Сказка, легенда, былина, миф, обряд определяют не только тематику, но и идейный смысл большинства его сочинений. Выявляя философский подтекст фольклорных жанров, Римский-Корсаков раскрывает мировоззрение народа: его извечную мечту о лучшей жизни, о счастье, воплощённую в образах светлых сказочных стран и городов (Берендеево царство в «Снегурочке», город Леденец в «Сказке о царе Салтане»); его нравственные и эстетические идеалы, олицетворением которых служат, с одной стороны, пленительно-чистые и нежные героини опер (Царевна в «Кащее бессмертном»), с другой - легендарные певцы (Лель, Садко), эти символы неувядаемого народного искусства; его преклонение перед животворной мощью и вечной красотой природы; наконец, неистребимую веру народа в торжество светлых сил, справедливости и добра - источник оптимизма, присущего творчеству Римского-Корсакова.Особенности стиля и художественного метода композитора с наибольшей полнотой раскрылись в оперном творчестве. 15 опер Римского-Корсакова представляют необычайное разнообразие жанровых, драматургических, композиционных и стилистических решений. Среди них - сочинения, тяготеющие к номерной структуре («Майская ночь», «Снегурочка», «Царская невеста») и к непрерывному развитию («Моцарт и Сальери», «Кащей бессмертный», «Сказание о невидимом граде Китеже», «Золотой петушок»); оперы с широкими массовыми сценами («Псковитянка», «Майская ночь», «Снегурочка», «Млада», «Садко», «Китеж» и без них («Моцарт и Сальери», «Вера Шелога», «Kaщей бессмертный»), с развёрнутыми законченными ансамблями («Царская невеста») и без ансамблей («Moцарт и Сальери», «Золотой петушок»). В каждом конкретном (случае выбор жанра, принципы драматургического и стилистического решения обусловлены сюжетными предпосылками. Я никогда не верил и не верю, - подчёркивал Римский-Корсаков, - в одну единую истинную оперную форму, считая, что сколько на свете сюжетов, столько (почти столько) должно быть и соответствующих самостоятельных оперных форм. Утверждая взгляд на оперу как на произведение прежде всего музыкальное, Римский-Корсаков предъявлял в то же время высокие требования к её поэтической основе, единству и выдержанности литературного стиля. Он активно направлял работу либреттистов. Ряд оперных либретто композитор написал сам. Симфоническое творчество Римского-Корсакова в сравнении с оперным не столь масштабно и многообразно. Однако и в эту область он внёс яркий и своеобразный вклад. Образная конкретность музыкального мышления композитора определила его склонность к программному (главным образом, живописному, изобразительному) и жанровому (связанному с народным песенным и танцевальным тематизмом) симфонизму. Отсюда характерный выбор жанров и форм - увертюра (фантазия), симфоническая картина, сюита и определённая направленность стиля - тяготение к вариационности, орнаментике в развитии материала, особое внимание к колористическим возможностям гармонии и оркестровки. Римский-Корсаков оставил огромное творческое наследие почти во всех музыкальных жанрах. Его произведения разнообразны по своему содержанию, но основная черта их - глубокое проникновение в жизнь и быт народа, его думы и чаяния.

 

Гениальный Петр Ильич Чайковский (1840-1893гг.)

Среди русских композиторов-классиков выделяется имя Чайковского. Оно дорого любителям музыки всего мира. Произведения его в равной мере захватывают и волнуют всех людей - музыкантов-профессионалов и широкого слушателя. Свое творчество Чайковский посвятил человеку, его любви к Родине и русской природе, его стремлениям к счастью, мужественной борьбе с темными силами зла. В музыке композитора - вся жизнь человека с ее радостью, скорбью, надеждами, борьбой, отчаяньем. И о чем бы ни говорил Чайковский - он всегда правдив и искренен.

Стиль музыки Чайковского сложился в контексте нетрадиционных представлений композитора о природе национальной самобытности. В трактовке «национального» и «народного» он шел иным путем, нежели приверженцы «кучкизма». Русский фольклор не был для него универсальным источником, первоосновой музыкального языка. С помощью обобщенных, опосредованных народно-песенных интонаций Чайковский воплотил национальный образ «русскости», России, российскую действительность в ее современной многогранности. Поэтому композитор не ставил своей задачей использовать в музыке конкретные жанры подлинного крестьянского фольклора, а обращался к «интонационному словарю» окружающего его городского музыкального быта. Привычные городские интонации в сочетании с эмоциональной открытостью, искренностью и мелодичностью сделали музыку Чайковского понятной и доступной самому широкому слушателю и в России, и за границей. Именно поэтому произведения Чайковского быстро завоевали симпатии европейцев, способствовали международному признанию русской музыки во всем мире. Чайковский писал почти во всех жанрах и в каждом из них сказал свое новое слово гениального художника. Но, пожалуй, самым любимым для него жанром была опера. В ней Чайковский явился подлинным реформатором. Оперу композитор представлял себе как самый демократичный жанр. «Опера, - писал он, - и именно только опера, сближает вас с людьми, роднит вашу музыку с настоящей публикой...». В основе оперного действия - сильные человеческие чувства и переживания. Большое внимание уделял Чайковский содержанию своих опер, отдавая при этом всегда предпочтение сюжету из русской жизни, поскольку именно русского человека он по-настоящему хорошо знал и понимал. Одно из лучших произведений Чайковского опера «Евгений Онегин». Еще задолго до решения написать оперу на сюжет «Евгения Онегина» Чайковский горячо увлекся стихами Пушкина. Одним из его любимых мест стихотворного романа было письмо Татьяны к Онегину, и композитор мечтал сочинить музыку на эти слова. Первое исполнение оперы по желанию композитора состоялось силами студентов Московской консерватории под руководством Н.Рубинштейна 17 марта 1879 года. Свою оперу Чайковский назвал «лирическими сценами». Все внимание композитор сосредоточил на раскрытии внутреннего, душевного мира своих героев. Опера «Евгений Онегин» - одно из высоких достижений русского оперного искусства. Правдивые образы Пушкинского романа помогли разрешить задачу создания «интимной, но сильной драмы», действующими лицами которой являлись «настоящие живые люди». Личная драма героев разворачивается на фоне бытовых картин. Разнохарактерные бытовые сцены придают опере особенную прелесть. Новаторство «Лебединого озера»- необычность и непохожесть его на все предшествующее - если и было не до конца сразу понято, то сразу же отмечено и публикой и критикой, хотя порой и вызывало недоумение просвещенных меломанов. Одни упрекали композитора в бедности творческой фантазии, однообразии тем и мелодий, в некоторой монотонности. Другие считали, что музыка прекрасна, более того - даже слишком хороша для балета. Тем не менее премьера балета в московском Большом театре (20 февраля 1877 года) прошла с успехом, и спектакль оставался в репертуаре до 1883 года, когда пришли в полную негодность декорации этой постановки.Вместе с тем важное место в творчестве Чайковского занимает и симфоническая музыка. Им написаны 6 симфоний и программная симфония «Манфред», три концерта для фортепиано с оркестром, один для скрипки и ряд оркестровых сюит. Из симфонических одночастных пьес особенно выделяются фантазия «Франческа да Римини» и программные пьесы на сюжеты Шекспира (увертюра-фантазия «Ромео и Джульетта», фантазия «Буря»).Диапазон творческих интересов композитора необычайно широк. В его наследии десять опер («Евгений Онегин», «Ундина», «Кузнец Вакула», «Пиковая дама» и др.), три балета («Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Щелкунчик»), семь симфоний, более десяти оркестровых сочинений, инструментальные концерты, хоровая и фортепианная музыка, камерно-вокальные произведения. В каждой области Чайковский был новатором, хотя к реформаторству никогда не стремился. Используя традиционные жанры, композитор находил возможности для их обновления. «Творчество Чайковского - вершина мировой музыкальной культуры XIX века - вечно живой и драгоценный родник, из которого не перестают черпать вдохновение композиторы XX века и наши современники.

Заключение

XIX век дал русской и мировой музыке замечательные сочинения. «Руслан и Людмила» и «Иван Сусанин», «Евгений Онегин» и «Лебединое озеро» составляют гордость русской культуры. В золотой фонд русской музыки вошли произведения Бородина, романсы Балакирева, Римского-Корсакого, Бородина, Кюи.Русские композиторы начали выезжать за границу. Там они общались с видными мастерами музыкального искусства, а главное - получали европейское музыкальное образование. Россия вызвала в Европе ответный интерес, и на протяжении столетия немало выдающихся музыкантов гастролировали в Москве и Петербурге. Приобщение к европейской культуре не только повысило интеллектуальный и профессиональный уровень русских композиторов и исполнителей, но и помогло им глубже понять традиции национальной музыки, лучше узнать самих себя.Кто самый любимый русский композитор в Америке в наши дни? Конечно же, Чайковский. Многие американцы даже считают Петра Ильича американским композитором. Он в Америке дирижировал своими сочинениями, когда был приглашён на открытие знаменитого Карнеги-Холла в Нью-Йорке. Его музыка почти ежедневно звучит в Америке по радио, особенно 4-я и 6-я симфонии и 1-й концерт для фортепиано с оркестром. Любимым балетом американцев является «Щелкунчик».

Творчество композиторов-классиков Глинки, Даргомыжского, Бородина, Римского-Корсакова, Чайковского - подлинное сокровище русской культуры XIX века. Их традиции нашли претворение и развитие в произведениях композиторов конца XIX-начала XX столетия - Танеева и Глазунова, Лядова и Аренского, Калиникова, Скрябина и Рахманинова. Все они - достойные преемники своих великих предшественников.