К. В. Глюк – великий реформатор оперного театра

Кристоф Виллибальд Глюк (1714 - 1787) – немец по происхождению (родился в г. Эрасбахе (Бавария, Германия)), тем не менее, является одним из выдающихся представителей венской классической школы.

Реформаторская деятельность Глюка протекала в Вене и Париже и осуществлялась в русле эстетики классицизма. Всего Глюк написал около 40 опер – итальянских и французских, buffa и seria, традиционных и новаторских. Именно благодаря последним он обеспечил себе видное место в истории музыки.

Принципы глюковской реформы изложены в его предисловии к партитуре оперы «Альцеста». Они сводятся к следующему:

Музыка должна выражать поэтический текст оперы, она не может существовать сама по себе, вне драматического действия. Таким образом, Глюк существенно повышает роль литературно-драматической основы оперы, подчиняя музыку драме.

Опера должна оказывать нравственное воздействие на человека, отсюда – обращение к античным сюжетам с их высоким пафосом и благородством («Орфей и Эвридика», «Парис и Елена», «Ифигения в Авлиде»). Г. Берлиоз назвал Глюка «Эсхилом музыки».

Опера должна соответствовать «трём великим принципам прекрасного во всех видах искусства» - «простоте, правде и естественности». Необходимо избавить оперу от излишней виртуозности и вокальной орнаментики (присущей итальянской опере), запутанных сюжетов.

Не должно быть резкого контраста между арией и речитативом. Глюк заменяет речитатив secco аккомпанированным, в результате чего он приближается к арии (в традиционной опере-seria речитативы служили лишь связкой между концертными номерами).

Глюк по-новому трактует и арии: он вносит черты импровизационной свободы, развитие музыкального материала связывает с изменением психологического состояния героя. Арии, речитативы и хоры объединяются в большие драматические сцены.

Увертюра должна предвосхищать содержание оперы, вводить слушателей в её атмосферу.

Балет не должен быть вставным номером, не связанным с действием оперы. Его введение должно обуславливаться ходом драматического действия.

Большая часть этих принципов воплотилась в опере «Орфей и Эвридика» (премьера в 1762). Эта опера знаменует начало нового этапа не только в творчестве Глюка, но и в истории всей европейской оперы. За «Орфеем» последовала другая его новаторская опера – «Альцеста» (1767).

В Париже Глюк написал другие реформаторские оперы: «Ифигения в Авлиде» (1774), «Армида» (1777), «Ифигения в Тавриде» (1779). Постановка каждой из них превращалась в грандиозное событие в жизни Парижа, вызывая бурную полемику между «глюкистами» и «пиччинистами» - сторонниками традиционной итальянской оперы, которую олицетворял неаполитанский композитор Николо Пиччини (1728 - 1800). Победа Глюка в этой полемике была ознаменована триумфом его оперы «Ифигения в Тавриде».

Таким образом, Глюк превратил оперу в искусство высоких просветительских идеалов, насытил его глубоким нравственным содержанием, раскрыл на сцене подлинные человеческие чувства. Оперная реформа Глюка оказала плодотворное влияние как на его современников, так и на последующие поколения композиторов (особенно на венских классиков).

№ 5 МУЗЫКАЛЬНЫЕ ЖАНРЫ ЭПОХИ КЛАССИЦИЗМА

 

Наиболее важными из сольных произведений классического периода были сонаты, они создавались для любого сольного инструмента, но в первую очередь для игры на фортепьяно. Как симфонии, сонаты стали способом объединения множества различных типов инструментальной музыки в один тип.

Содержание музыкальных сочинений связано с миром чувств человека, которые не поддаются жесткому контролю разума. Однако композиторы этой эпохи создали очень стройную и логическую систему правил построения произведения. В эпоху классицизма сформировались и достигли совершенства такие жанры как опера, симфония, соната.
В теории, по-прежнему самыми ценными и уважаемыми считали цер-ковные жанры, но на практике гораздо больше и весомыми стали высшие жанры театральной и камерной музыки: музыкальная драма и симфония.

Музыкальный театр жанров имел свою иерархию в зависимости от воплощаемых в ней «аффектов». Поэтому «серьезная опера» оставалась более престижной, нежели комическая. Комические жанры тоже превращаются в высокую комедию со сложными характерами, изысканными чувствами и высокоразвитыми музыкальными формами.

Опера распространяла свое влияние на церковную и инструментальную музыку. Иерархия жанров была такова:

Первой шла симфония, как высшая ступень. В раннеклассический период различались «театральные» симфонии (т.е. увертюры, которые могли еще называться «партитами») и «камерные». Камерные симфонии были струнными, оркестровыми и концертными. Струнные отличались утонченностью письма, потому как были рассчитаны на изысканный слух знатоков. В оркестровых симфониях также участвовали духовые инструменты.
Оркестровая музыка, в основном, носила развлекательный характер. Дивертисменты, серенады, партиты были значительно ниже симфонии. Здесь композитор мог себе позволить шумовые и звукоизобразительные эффекты, экстравагантные шутки.

На следующей «ступени» - концерты, сочетающие в себе и оркестрово-коллективное, и сольно-личностное начало.

Сонаты в XVIII веке, представляли собой обширную жанровую группу: все ансамблевые и сольные сочетания (от клавирных сонат до трио, квартетов, квинтетов и т.д.)
Главными «правилами» отличия сонаты как вида от симфоний были:
• Нерегламентированное количество частей (от двух до четырех, а в ансамблях и более);
• Исполнение каждой партии одним инструментом;

• Как вследствие этого, индивидуализация содержания и возможность выражения самостоятельных тонких чувств или очень субъективных настроений.

Струнные ансамблевые сонаты (квартеты и трио) переживали небывалый расцвет и быструю эволюцию. Это произведение быть сугубо «домашним», для узкого круга людей. Здесь наметились две тенденции:

1. Музыка для любителей, не слишком сложная технически;
2. Музыка для знатоков. Композитор мог использовать любые приемы, в том числе и экспериментальные.

Также были и ансамбли с участием клавира. Партию фортепиано мог исполнять как любитель, так и пианист профессионал. Еще ниже стояли сонаты для двух инструментов и следующие их жанровые разновидности:

• Тип сонаты для солирующего инструмента, особенно скрипки, с клавиром, выполняющего роль continuo.

• Сонаты для клавира с сопровождением скрипки, флейты, виолончели. Сопровождающий голос мог быть написан в Ad libitum.

• Сонаты, дуэты для двух равноправных инструментов без участия клавира и носили более камерный характер.

В самом низу находились фортепианные миниатюры (у классиков – рондо, менуэты, багатели), вариаций на популярные темы, песни, обработки народных песен для голоса с инструментальным ансамблем (Гайдн, Бетховен); циклы танцев – менуэты, контрдансы, экосезов – для фортепиано, ансамбля и оркестра. Они также носили развлекательный характер.