Искусство Юго-Восточной Азии.

Культура Юго-Восточной Азии находилась под сильным влиянием Индии. Индийские священнослужители – брахманы – часто покидали свою родину и становились пурохитами – духовными наставниками в этих землях.

Культура Юго-Восточной Азии включает в себя культуру современных государств Бирмы, Таиланда, Кампучии, Вьетнама, Лаоса, Индонезии.

 

Бирма.

Храмовая архитектура представлена ступами (пагодами), которые имеют колоколообразную форму и располагаются на многоступенчатом или сферическом основании.В столице средневекового государства Пагане воздвигают около 5000 пагод (IX-XI вв.), из которых около тысячи дошло до наших дней.

Наиболее известны из них золотая пагода Швезигон (около 1000 г.) и белая пагода Швезандо (XI в.).

В скульптуре главную роль играют монументальные статуи Будды. При этом Будда изображается в немногих характерных позах:

· Сидяжий в позе “лотос” просветленный Будда;

· Стоящий и благославляющий Будда – Великий Учитель;

· Лежащий, опершись щекой о правую руку Будда в состоянии Нирваны.

 

Таиланд не считая коротких периодов оставался верен буддизму, как и Бирма. Здесь возводятся ступы (Луанг Соп Саве в Аютии, 1550 г.; Ван Чеди Чао Пья Тхаи в Аютии, около XIV в.).

Множество статуй Будды отличаются своеобразием тайского стиля. Богато стилизованная уже в древней каменной скульптуре прическа превращается в своего рода корону с рядами упорядоченно расположенных завитков.

 

Кампучия и Лаос являлись в средневековье одним государством.

Расцвет искусства наблюдается в X-XIV вв. В зодчестве название стилей идет от названия значительных построек: стиль Бапхуон, стиль Ангкор, стиль Байон.

Начало строительства храма Ангкор Ват - 1122г. (территория Кампучии). Камбоджийский царь Сурьяварман II повелел воздвигнуть посвященный Вишну храм, который стал его усыпальницей. Основанием храма является платформа 1500×1300м., вокруг которой расположен канал шириной 200м. Самая высокая из пяти ступ имеет высоту 54м. Вдоль дороги, ведущей к храму - скульптуры львов и нагов (змей). На постройку Ангкор Вата пошло столько же камня, сколько на постройку пирамиды Хеопса. Рельефы одной из террас тянутся более чем на 1 км при высоте 2м. Основные сюжеты – сцены из «Рамаяны» и «Махабхараты». Первоначально рельеф был раскрашен и покрыт позолотой. Анкор Ват производит впечатление воспарившего над жунглями кружева. Он является центром огромного комплекса из 200 храмовых построек, занимающего площадь в 260 квадратных километров.

 

Вьетнам. С ранних времен районы Южного Вьетнама оказались в русле типичного для Юго-Восточной Азии развития с определенным индийским влиянием. Однако на севере уже с I в. н.э. складывается сильное китайское влияние (Тхан (ступа) вата Арам, Луангпрабанг; Тхан Дам Вьентьян, XVIв.).

 

Индонезия. Расцвет искусства начался в VII – VIII вв. Это индо-яванская культура (влияние Индии на острове Ява). Название «чанди» (храмовая постройка) идет от имени Чандика (индийская богиня смерти) и первоначально связывалось с погребальными ансамблями. Наружные рельефные украшения храмов просты. Над входом обычно располагается кала – лицо без подбородка, символизирующее время.

Уникальное произведение Центральной Явы – Боробудур – напоминает конструкцию ступы колоколообразной формы (дагобы). Боробудур символизирует гору Меру – древнеиндийское представление о центре Мира. Пять нижних квадратных террас комплекса символизируют мир Земли. Расположенные выше три круглые террасы символизируют мир Неба. В центре самой верхней террасы находится святилище, олицетворяющее абсолютную духовную свободу – Нирвану. На этой террасе расположены огромные каменные фигуры в форме колоколов. Посетители могут подняться к ним, лишь последовательно пройдя все террасы комплекса – путь около 5 км. Рельефы нижнего яруса – жизнь Будды, рельефы верхних ярусов – жизнь ботхисатв. Не случайно название Боробудур переводится как «Много Будд».

На юге Центральной Явы в долине Прамбанан располагается известное шиваитское святилище.

 

 

ЛЕКЦИЯ

Искусство Китая и Японии.

Искусство Китая.

Первые неолитические сооружения на территории Китая относятся к IV-III тыс. до н. э. Живя в суровых климатических условиях, китайцы с почтением относились к природе. Природа как отражение Божественного, по мнению китайцев, священна, в ней нет ничего безобразного. В мире все управляется Высшим Порядком. Человек должен стремиться творить совершенство. Отсюда – навыки живописи тонкой кистью, удивительно изящная роспись и форма китайской керамики и т.д.

Во II тыс. до н. э. в Китае возникли первые города и иерографическая письменность. События фиксировались на черепаховых табличках и на бронзовых сосудах. Древнекитайская бронза отличалась четкостью и совершенством линий. Образы зверей, драконов, чудовищ повествовали о силах природы. Сосуды отражали принципы строения мира. Выпуклые ребра разделяли его на части, соответствующие сторонам света и стихиям неба, огня, воды и земли.

В середине I тыс. до н.э. в Китае складываются два основных философских течения – даосизм и конфуцианство.

Основатель даосизма Лао Цзы сформулировал философскую концепцию о вечно меняющемся мире, о Единстве двух противоположенных принципов Вселенной Инь и Ян.

Конфуций (551-479 гг. до н.э.) изложил основополагающие нравственные принципы гуманного общества. Акцент в своем учении он делал на необходимости подчинения Учителю. В результате распространения данного мировоззрения в стране была создана система иерархического дисциплинарного устройства общества. Возникло кастовое разделение, но оно не было столь незыблемым, как в Индии. В течении жизни посредствам труда и дисциплины человек мог переходить из одной касты в другую, поднимаясь по иерархической лестнице.

В III-IV вв. до н. э. была построена Великая китайская стена с системой диафрагм, благодаря которым она выдерживала частые землетрясения. Стена имеет длину около 3 тыс. км. Башни стены символизируют мужское начало, зубцы – женское. Высота стены 10м, ширина – 5-8м. Во II в. до н. э. наладилась караванная торговля между Китаем и Средней Азией – Великий Шелковый Путь.

В IV-VI вв. в Китае распространяется буддизм, который пришел сюда из Кореи. Основное течение здесь – махаяна. Преобретает значимость внутренняя жизнь человека, милосердие и сострадание.Появляются буддийские постройки – пагоды (пагода Суньюэсы в Хэнани, VI в.; пагода Даяньта в Сияни VII в.). Они, как и дворцы, были деревянными и располагались в уединенных местах. К ним вели крутые тропинки, поднимаясь по которым, люди слышали звон колокольчиков, подвешенных к углам крыши храма (пагода Тигровой горы в Сучжоу, X-XI вв.; пагоды Баочу и Люхэта в Ханчжоу, X-XII вв). Строятся пещерные монастыри квадратные, прямоугольные, подковообразные в плане. Стены пещер делятся нишами, в которых располагалась скульптура, высокий или низкий рельеф, расписанный красками. (Юньган в провинции Шаньси; Луньмэн в провинции Хэнань; монастыри в провинции Ганьсу). Самый знаменитый буддийский пещерный храм Цяньфодун («Пещеры 1000 Будд») создавался в течении нескольких веков (с IVпо XIVвв.). В настенных росписях отражены представления художников о райских дворцах и благоухающих садах, о прекрасных танцовщицах, разбрасывающих цветы.

Развивается живопись тушью или минеральными красками на шелке в горизонтальных и вертикальных свитках. На одной из ранних картин по шелку (IV в. до н. э.) изображена женщина, наблюдающая битву дракона и феникса (жизни и смерти). Черепаха, тигр, дракон и феникс символизируют в Китае четыре стороны света – север, запад, восток и юг. Китайцы не знали перспективы. Глубина пространства создается за счет высокой линии горизонта. Распространена живопись деревянными палочками (известный архитектор XX в. Франк Ллойд Райт увлекался такой техникой).

Период расцвета живописи, архитектуры и художественных промыслов соотносится с правлением императоров династий Тан и Сун (VII-XIII в.). В городах существовали великолепные библиотеки, дворцы и храмы. Сами города строились по простому плану, обносились крепостными стенами и имели сторожевые башни. В центре города на главной оси находился дворец императора, окруженный стенами – «город в городе». Дворцы Китая включали в себя множество зданий и беседок, водоемов, площадей, парков. По такому принципу построен позднее Пекин, ставший с XV в. столицей государства.

Легкие деревянные сооружения возводились на каменном основании. Жилые дома в Китае одноэтажные, но иногда достигали 5 этажей. Китайцы в захоронения нередко клали макеты домов, изготовленные из керамики. Макеты разбирались на части, в них имитировалось и внутреннее убранство помещений. Кан – невысокая теплая лежанка – основная мебель в доме простого китайца. Дворцы имели беломраморные цоколи. Широкие черепичные крыши с изогнутыми краями опирались на покрытые лаком столбы обычно красного цвета. Яркие крыши как бы парили над городом. Стены были частично разборными и превращались летом в ажурные решетки, а на зиму – утеплялись. Стекла заменяла тонкая бумага, пропускающая в помещение рассеянный свет.

В период династий Тан и Сун (VII-XIII в.) основной темой живописи является пейзаж. Горы и водопады, тихие долины, речные просторы. Это направление получило название шань-шуй «горы-воды». Наиболее известные художники - Ли Сы-Сюнь и Ли Чжао-Дао. Картины вывешивались в доме на определенный временной период, затем хранились. Живописцы последующих веков (XII-XIV вв.) стали писать картины иногда одной черной тушью. Лян Кай и Ни Цзаня тонко передают лирическое состояние человека через природу. Мастера работали по памяти, добиваясь точного удара кисти. Развивалась живопись в жанре «цветы-птицы». Знаменитые мастера этого жанра Хуан Цюань (X в.), Цуй Бо (XI в.) и др. Венджинхуа – живопись, связанная со стихами, живопись для посвященных. Получила особое развитие во времена династии Юнь при монгольской экспансии в XIII-XV вв.

Поклонение перед природой и стремление сохранить или создать гармоничные взаимодействия с ней обусловили появление системы Фен-шуй, правила которой определяли оптимальную структуру создаваемого пространства и ее наполнение. При невозможности изменить определенные характеристики, использовались зеркала, которые корректировали поток движения Единой созидающей энергии Ци. По принципам Фен-шуй оформлялись интерьеры домов, формировались садово-парковые ансамбли (Юхеюань близ Пекина).

Китай славен изделиями из керамики и фарфора. Расцвет этого искусства наблюдается в XI-XIII вв.

Таким образом, особенностями китайского искусства являются тонкость в проработке деталей, декоративность, красочность, уважение к природе.

 

Искусство Японии.

 

Япония – страна Восходящего Солнца, расположенная на 4 больших и множестве маленьких островов. Суровый климат, вулканы, цунами, ливневые дожди привели к возникновению своеобразного способа жизни, который нашел отражение в архитектуре и искусстве. Саккура – цветущая вишня – является своеобразным символом Японии.

Широкие свесы крыш, дома на столбах спасают от дождей, при землетрясении лишь колеблются. Перегородки между комнатами (сёдзи), как и стены, могут раздвигаться. Неподвижной, стабильной мебели в традиционном понимании нет. Издревле сложился культ чистоты, используется минимальное количество вещей. Пол застилается мягкими циновками, в стенные шкафы убираются постели. Днем их заменяют низкий стол и подушечки для сидения. В комнате висит одна картина или стоит уникальная, красивая вещь (ваза, например). Ее, как и искусно составленный букет цветов, меняют в зависимости от сезона и настроения хозяина.

 

III-II тыс. до н. э. – время изготовления великолепных и тяжеловесных сосудов, вылепленных из серой, голубой и розовой глины, украшенных рельефными узорами. Первоначально сосуды перед обжигом обвивали соломенными жгутами, которые оставляли на сосуде отпечатки. Эти сосуды называли дзёмон («веревка»). Дзёмон называют и весь древний период в искусстве Японии.

К началу нашей эры относится образование первого японского государства Ямато и создание первых грандиозных гробниц правителей. Погребения – кофуны – в виде больших холмов, окруженных водой, отличаются от китайских формой, напоминающей замочную скважину. Около них обнаружены многочисленные скульптуры людей, животных, модели домов и амбаров высотой более 1 м.

Самыми древними в Японии являлись синтоические верования, верования в силы природы и культ предков. Почитались Син и Ками - стихии и стихиалии. В настоящее время эти верования не утратили своего значения. Сами японцы говорят: «Буддизм – религия, синтоизм – обычай». На засыпанной галькой площади строились святилища из хиноки (кипариса) с высокими двухскатными кровлями. Внутри храма царил полумрак. Здесь размещались только реликвии. Путь к храму начинался издалека. Он шел к строгим деревянным воротам – тории. Причем, согласно закону, каждые 20 лет возле святилища на расчищенной площади возводили такое же новое, а старое сжигали. Ансамбль святилища в Исе сохранил благодаря этому ритуалу облик III в.

На протяжении всей истории средневекового японского искусства то мир природы выражался через образ человека (антропоморфный образ божества VIII в. выражал идеи мироустройства и порядка), то, наоборот, мир человека находил отражение в образах природы (пейзажная живопись и сады XV-XVI вв.). Но в том и другом случае присутствовал символизм.

В VI-VIII вв расцвет японского театра масок.

Японское феодальное государство сложилось в VII в. и просуществовало до XIX в. В начале VII в. вблизи первой японской столицы Нара был построен храмовый ансамбль Хорюдзи. Главное здание этого ансамбля – Золотой храм (Кондо) и пагода хорошо сохранились. Ансамбль окружен оградой с обходной галереей и с массивными входными воротами. Внутри пагоды поставлен мощный ствол кипариса, который, балансируя, спасает здание от разрушения во время землетрясения. Живопись на стенах кондо изображает духовные миры. В центре храма сосредоточены бронзоовые и деревянные статуи буддийских божеств. Храм Тотайдзи (VIII в.) – самое большое деревянное здание в мире. В Японии почиталась богиня милосердия Каннон, Якуси Нерай – Будда-целитель, Вайрочан – Космический Будда.

В IX-XII вв. в Японии развивается светская живопись ямато-э. Художники на ширмах, шелке и бумаге яркими красками с добавлением золота рисовали пейзажи, придворные сцены. Японская живопись более яркая, чем китайская. Картины в форме горизонтальных свитков рассматривались на столе – эмакмоно, а вертикальные свитки – какэмоно – украшали стены парадных комнат. Часто живописцы иллюстрировали и знаменитые романы современников, передавая не столько содержание, сколько аромат поэтической нежности, заключенный в них. Свои композиции они строили так, как будто зритель является случайным свидетелем жизни дворца.

В XII-XIV вв. в буддийских монастырях монахи-художники начали писать на бумаге картины одной черной тушью, используя богатство серых оттенков. В этой технике в XV в. работал Тое Ода или Сессю (1420-1506) (картина!Четыре времени года»).

В XII-XIV вв. наряду со статуями буддийских божеств, иногда и вместо них появляются статуи монахов, воинов, знатных сановников. К этому времени относится появление парадных портретов. Портрет Фундзивара Таканобу (1142-1205) изображает военоначальника Минамото Еритомо в темной одежде сидящим на полу.

В XV в. в столице Киото возводятся многочисленные храмы и загородные дворцы, окруженные садами. Сад – неотъемлемая часть японской архитектуры. Появляется миниатюрный сад. Сады рассчитаны на длительное созерцание, каждая деталь в нем продумывается, подбирается согласно общей композиции. Японцы ближе всего подошли к пониманию абстрактного искусства. С помощью камней и песка они создавали композиции, символизирующие устройство мироздания (сад Рёандзи, где с любой точки по пути созерцания видны только 14 из 15 камней). В некоторых садах помещались уединенные скромные хижины, в которых происходили особые, связанные с буддийскими обычаями, чайные церемонии – тяною, сопровождаемые беседами об искусстве и поэзии. Особо известен Золотой павильон (Кинкаку) в Киото, построенный в XIV в. Позднее складывается тип японской храмовой и жилой архитектуры сёин, связанный с чайной церемонией и концепцией дзен, в основе которого лежит каркасная система, брутальные, целостные формы.

К XVI в. относится знакомство Японии с европейцами. Под их влиянием и часто с их помощью японские мастера в XVI-XVII вв. сооружали замки-крепости с высокими деревянными башнями. В XVII-XIX вв.в городах развивается торговля и ремесло. Гравюры печатаются с деревянных досок на тонкой бумаге. Каждый человек вместо дорогой и недоступной картины-свитка мог купить нарядную и понятную ему по смыслу картину. Герои гравюр – влюбленные пары, гейши, ремесленники за работой. Праздничные картины суримоно содержали стихи с пожеланием счастья.

Японская гравюра имеет давние традиции. Литературные памятники свидетельствуют о том, что техника гравюры применялась еще в VIII в. для изготовления иллюстраций буддийских сутр, для размножения храмовых текстов. Мастер гравюр по дереву (ксилографии) Китагава Утамаро (1753-1806) славился изображением молодых женщин. Он начал заниматься творчеством в 38 лет. В его картинах проявляется зоркость глаза, проницательное цветовое видение («Семь женщин за туалетом»). Цвет в картинах Утомаро несет настроение поэтической мечтательности, интимности, но главное – изысканность и простоа линий, предельная композиционная законченность. Художники Кацусика Хокусай (1760-1849)и Андо Хиросиге (1797-1858) – славятся своими пейзажами. Хокусай говорил: «Все, что я сделал до 70 лет, не стоит принимать в расчет. Только в возрасте 73 лет я стал приблизительно понимать истинное строение природы: животных, трав, деревьев, птиц, рыб и насекомых. К 80 годам я достигну еще больших успехов. К 90 лет я проникну в тайны вещей. К 100 годам я сделаюсь чудом, а когда мне будет 110 лет, каждая моя линия, каждая моя точка – все будет совершенным. Я прошу тех, кто увидит меня в этом возрасте, посмотреть, сдержу ли я свое слово». Хокусай умер в возрасте 89 лет. В пейзажных гравюрах художника – мудрость великой простоты(серия»36 видов Фудзи»). Изображению актеров посвятил свое творчество Дзюробей Сярку (XVIII в.).

В керамике нашла отражение эстетическая концепция очарования изъяном. Потек краски, трещина, нарушение технологии пигментации может привести к возникновению более ценного предмета искусства.

Элементом гармонии в Японии является «цвет давности». Однако, японец мог фальсифицировать действия природы. С давних времен существовало искусство создания «старых» камней. Сосна с ее неизменным вечнозеленым убранством являлась олицетворением постоянства, жизненности, долголетия. Иероглифы «долголетие» и «счастье» являются парными или сопутствующими друг другу. Развивалось искусство стрижки и выращивания миниатюрных растений – бонсай.

В одежде японцев нет карманов. На пояс подвешивались вещи, в том числе и нецки (изделия художественной резьбы по кости).

Моно-но-аварэ (яп. – грустное очарование вещей) – эстетическая концепция IX-XII вв., которая предполагала наслаждение естественным очарованием цветов, деревьев, текущей воды, тумана, сплавленным с чувством быстротечности времени.

Саби (яп. – скрытая красота, патина времени) – эстетика изысканности и простоты. Возникла в VIII в., особое значение приобретает в XV-XVII вв.

В XVII-XIX вв. получили всемирную известность художественные изделия из Японии – керамика, вышивка, резьба по слоновой кости, бронзовые фигуры и вазы, эмали. Славились изделия из черного и золотого лака, который добывался из смолы лакового дерева и окрашивался. Знаменитым мастером лаков был Огата Корин (1658-1716), создавший ряд знаменитых шкатулок и картин на ширмах.

Таким образом, на протяжении веков формировались отличительные черты японской культуры, главными из которых являются символизм, миниатюризм.

 

Лекция. Искусство эпохи Возрождения. Возрождение в Италии.

Бицилли П. ММ. Место Ренессанса в истории культуры./ Сост. Б. С. Каганович, СПб.: Мифрил, 1996.

Лазарев В. Н. Происхождение итальянского Возрождения. В 3-х томах, М., 1956.

Арган Д. К. История итальянского искусства в 2-х томах. Пер. с ит., М.: «Радуга», 1990.

Дворжак М. История итальянского искусства в эпоху Возрождения, М.: «Искусство», 1978.

Шрамкова Г. И. Искусство Возрождения: Италия, Нидерланды, Германия, Франция: Альбом, М., 1990.

Виппер Б. Р. Итальянское Возрождение. Курс лекций. М., 1977.

Данилова И. Е. Джотто. М.: «Искусство», 1970.

Смирнова И. А. Боттичелли. М., 1967.

Швинглхурст Э. Боттичелли. М.: «Спика», 1995.

Либман М. Я. Донателло. М., 1962.

Дживелегов А. Н. Леонардо да Винчи. М.,1987.

Рафаэль и его время: Сб. АНСССР. М.: «Наука», 1986.

Ротенберг Е. И. Микеланджело. М., 1967.

Байрамова Л. Микеланджело. Журнал «Смена», №5, 2001. С. 98-119.

Колпинский Ю. Искусство Венеции XVI в. Серия: очерки истории и теории изобразительного искусства. М. 1970.

Смирнова И. А. Джорджоне. М. 1955.

Ниссельштраус Ц. Г. Тинторетто. М.-Л., 1964.

Смирнова И. А. Тициан. М., 1970.

Грубе Г., Кучмар А.. Путеводитель по архитектурным формам. М., 1987.

Термин «Возрождение»(по французски Ренессанс) был введен в XVI в. архитектором и теоретиком искусства Дж. Варари. Во второй половине XIII в. возрождается античный идеал прекрасного, гармоничного человека. Человек, его способность к творчеству и самосовершенствованию становятся основной темой искусства, поэзии, философских размышлений. Хронологические рамки итальянского Возрождения:

· Проторенессанс (предвозрождение) - вторая половина XIII – XIV вв. Ведущие художественные школы сиенская и флорентийская.

· Раннее Возрождение – XV в. Ведущие художественные школы флорентийская, умбрийская, падуанская, венецианская.

· Высокое Возрождение – XV - XVI вв. Ведущие художественные школы римская и венецианская.

 

Проторенессанс. Начало новой эпохи связано с именем живописца Джотто ди Бондоне (1266?-1337) (фрески капеллы дель Арена в городе Падуя, росписи церкви Санта Кроче во Флоренции). Отличительные черты его живописи: связанность сюжета, введение пейзажа вместо условного золотистого фона средневековой живописи, фигуры, хотя малоподвижны и массивны, обретают объем и естественность, появляется трехмерное пространство, которое решается не перспективным сокращением, а определенным расположением фигур в отдалении друг от друга. Джотто и художники Сиенской школы были первыми, пытавшимися индивидуализировать человеческую фигуру по форме и цвету. В первой половине XV века братья Губерт и Яян ван Эйки начали создавать картины, в которой в качестве композиционной оси устанавливались локальные цвета персонажей и предметов. Гентский алтарь был закончен в 2432 году, а в 1434 году Ян ван Эйк написал первый в эпоху Готики портрет – двойной портрет четы Арнольфини.

Во Флоренции работали мастера Дуччо ди Буонисенья, Симоне Мартини, Амброджо Лоренцетти и др.

 

Раннее Возрождение. С конца XIV в. власть во Флоренции переходи к дому банкиров Медичи.

Скульптура.

Донателло – скульптор, который решил многие проблемы европейской пластики – круглой скульптуры, монумента, конного монумента. В его первых работах ощущается влияние готики. Статуя Святого Георгия – идеал раннего Возрождения. Здесь выражено чувство самосознания. Донателло занимался выполнением портретных бюстов (бюст Николо Удзано – политического деятеля). В 1432 г. Донателло вместе с Брунеллески едет в Рим. Его бронзовый «Давид» – влияние поздней классики. Скульптор создает первый конный монумент – статуя кондотьера Гаттамелата (прозвище «Пестрая кошка»). Донателло называют одним из трех отцов Возрождения вместе с Брунеллески и Мазаччо.

Самый известный ученик Донателло – Андреа Вероккио (1436-1488), являющийся также живописцем. Он был учителем у Леонардо, в его доме собирались видные ученые и писатели того времени.. Бронзовый «Давид «Вероккио более утончен, изящен, менее монументален.