Стиль модерн в искусстве мозаики.

Краткая история мозаики.

Техника мозаики (от франц. mosaпque, итал. mosaico, от лат. musivum, буквально - посвящённое музам) – вид декоративно-прикладного искусства, произведения которого предполагает составление изображения при помощи компонования, выкладки и закрепления на основе поверхности кусочков смальты, камней, керамической плитки и других материалов. Она часто используется в качестве декора элементов интерьера, служит украшением мебели.

Мозаика Месопотамии. Предположительно, мозаика берет свое начало во времена древней шумерской цивилизации середина 3 тыс. до н.э. Среди наиболее ценных предметов, украшенных с помощью этой технике, можно выделить, арфу царицы Шубад (Лондон, Британский музей) из погребения в Уре, на которой изображены сцены с фантастическими животными и геометрического орнамента. А также изящный аналой «Штандарт Ура» III тысячелетие до н.э. (Лондон, Британский музей) инкрустированный камнем и слоновой костью со всех четырех сторон. Его боковые стороны составлены с из мозаики цвета ляпис-лазурь, со вставки из перламутра, рисующие фигурки животных. Лицевые стороны «штандарта» воспроизводят сцены из повседневной жизни шумер известные как «воина» и «мир» на одной стороне показана сцена военного похода, а на второй приготовление к пиру и мирной жизни. В основном шумерская мозаика представляет собой инкрустацию вырезанных изделий украшенных слоновой костью, ракушками, или других материалов, которые прикреплялись к деревянной или глиняной основе.

Также, при раскопках городов Месопотамии были найдены колонны, украшенные мозаикой, состоящей из глиняных конусов-палочек, длина которых 8-10 см, а деаметр 1,8 см. Они закреплялись с помощью глиняного раствора и окрашивались в черный, белый и красный цвета. С этого времени, применение данной техники переходит, в основном, к виду монументально-декоративного искусства, и на протяжении веков мозаикой украшают полы, стены и потолки. Это выражено в античном искусстве, в мозаиках Византии, Возрождения, Нового Времени, вплоть до наших времён.

Следующим важным этапом в развитии мозаики является античный мир. В Древней Греции самая ранняя композиция в этой технике найдена в Коринфе и относится к классическому периоду, датируется концом 5 в. до н.э. На мозаичном панно изображено колесо, которое обрамляется бордюрами в три ряда состоящие из треугольников, меандра и волны. В углах квадрата, вписана фигура кентавра, гонящегося за леопардом, и осла. Они изображены в профиль без передачи объема. В мозаике присутствует влияние вазописи: так как на черном фоне выложены белые фигуры, композиция и иконография характерны.

В Древней Греции мозаичные панно обычно располагались по принципу ковра на полу помещения: композиция была симметрична, для лучшего обзора со всех сторон. Изобразительные мотивы, используемые в них, типичны для периода Классики - это пальметты, листья аканта, завитки плюща, цветок лотоса, фигуры кентавра, льва, грифона и человека.

Крупный скачок в развитии искусства мозаики в Древней Греции произошел во время правления Александра Македонского (334 г. до н.э. – 30 г. до н.э.). Если до этого периода она располагалась на территории материковой Греции, то в эпоху эллинизма она стала распространяться на территории он Эгейского моря на западе в Малую Азию на востоке. Мозаика стала неотъемлемой частью интерьера богатого дома, любой обеспеченный гражданин считал необходимым поместить ее на стенах или полах.

При раскопках города Пеллы – родины Александра Македонского найдены два частных дома «Дом Диониса» и «Дом похищения Елены» украшенные грандиозными по размеру и красоте напольными мозаиками. Они датируются 330 г. до н.э.- 300 г. до н.э. Площадь этих мозаик действительно потрясает в «Доме Диониса» она составляет 3169 м2, а в «Доме Похищения Елены 2350 м2. Судя по всему, они принадлежали македонской элите.

Мозаики Пеллы принципиально отличаются от всех предыдущих напольных панно, здесь большее внимание уделено центральной части композиции, а также использованы новые технические приемы (тессеры тщательно сортированы по форме и размеру), применяются другие материалы – полоски глины и свинец. В фигурах людей и животных появляется объем, пространство усиливается за счет использования дополнительных цветов – раньше этого не было. Технику мозаики из гальки римляне в дальнейшем назовут Opus barbaricum.

Технология мозаики во времена Александра Македонского развивается стремительными шагами на смену одной приходит другая. Так, например, приходит техника тесселирования т.е. подколки камушков четырехгранной формы. Начинают использовать цветные породы камней и стекла. Кубики плотнее подгоняются друг к другу, что дает больше реализма и живописности композиции. Такую технику можно увидеть в мозаике Дома Ганимеда в Сицилии.

В это время центром мозаичного искусства эпохи эллинизма становится Пергам. Здесь автор Сос, создает панно «Неубранное место», на котором он изобразил объедки еды, разбросанные по полу после пышного приема: скелеты рыб, кости от курятины, орехи, раковины, ветки винограда – все показано с максимальной точностью.

В Древнем Риме мозаичное искусство достигло своего расцвета и заняло особенное место среди других видов искусств. Новая империя на первый план выдвигала помпезность и роскошь. Именно мозаика стала мерилом состоятельности человека, все считали за честь украсить свой ей интерьер. Частные виллы и общественные здания требовали интересного и практичного декора. Повсеместное распространение мозаики в это время способствовало и то, что она была сравнительно не дорога при изготовлении, не было других доступных аналогов в оформлении интерьера. В своей работе римские мозаичисты отдавали предпочтения природным камням, мрамору.

Для создания римской мозаики применялись различные техники. Это и уже известная нам техника тесселирования, так и новую опус вермикулатум, похожая на вышесказанную, но камушки разбивались на мелкие элементы, это позволяло добиться большей живописности и проработки деталей. Эта техника была дорогостоящая, но работы, выполненные эти методом, являются подлинными шедеврами монументальной живописи.

Примерно в 3 в. до н.э. зародилась новая техника мощения опус сиктиле. в ней впервые применен мозаичный набор, состоящий из вырезанных по специальной форме тонких пластин из натурального камня. Позже эта техника получила название флорентийской мозаики. Она являлась самой дорогостоящей из всех.

В римской мозаике большая вариативность сюжетов, в ней представлены;

- батальный жанр (Битва Александра Македонского при Иссе с персидским царем Дарием;

- мифологический жанр (Венера Булла-Регия Тунис 2 в. до н.э.;

- бытовой жанр (Уличные музыканты, Диоскура из Самоса 2 в. до н.э.; Мозаика из дома Трагика 1 в. н.э.;

- сцены охоты;

- атлеты (Мозаика Вилла дель Казале Сицилия нач. 4 века;

- анималистический жанр (композиция с голубями над чащей,

- обитатели моря (обитатели моря из дома Фавна в Помпеях,

Византийская Мозаика. В 1 веке в Римской Империи начинает распространяться Христианство. Но эта религия жестоко преследовалась, и людям приходилось скрывать свои убеждения, их искусство ушло в подземные помещения (катакомбы). Они украшались в основном фресками, но встречались не большие мозаичные панно. Первыми изображениям встречающиеся в катакомбах были: рыба, ветки с виноградной лозой, крест, ягненок. По этим символам христиане узнавали друг друга и передавали новые знания о вере. С принятием христианства Константин Великий основал новое государство Византию, в которой главной религией стала вера во Христа. Он перенес столицу в город Константинополь (Стамбул, Турция) в которой особое значение имела храмовая архитектура. Мозаичное искусство прекрасно подошло к идеологии нового государства – все ее основные качества, великолепие, красота и долговечность, сделали ее не заменимым элементом оформления храмовой архитектуры. Главным нововведением византийских мастеров было использование смальты.

Смальта позволяет покрыть мозаикой не только пол, но также стены, своды и купола здания, так как она изготовлена из стекла – более легкого материала. Также она дает художнику неограниченную палитру оттенков с помощью, которой он может достичь больших живописных приемов. Смальта имеет еще и чарующее воздействие на зрителя, мозаичные полотна из разноцветного стекла, попадая в лучи солнечного света, начинают искриться и мерцать. Еще большее впечатление давало использование золотого фона смальты. Он раздвигал границы реальности и демонстрировал жизнь в божественном свете. Поэтому не удивительно, что византийские мастера-мозаичисты использовали ее для изображений сцен жизни Христа, Богоматери, апостолов и пророков. Законы христианской веры не позволяли художнику отходить от строгих канонов, установленных церковью, Сюжеты оставались почти неизменными, но декоративные приемы развивались. Стоит остановиться на нескольких примерах характеризующих византийскую мозаику.

Крупным центром развития византийской мозаики стала Равенна. Здесь уже в 4 веке были возведены несколько культовых помещений, стены которых украшались монументальными панно. В этот период начинает складываться основная иконография и композиция изобразительных образов. Художник мозаичист обладал большим простором для творчества и интерпретации, так как заказчик (государство) еще не ставило жестких требований для оформления интерьеров храмов. Поэтому в Равенне можно увидеть такое разнообразие в выкладке мозаики, колористического решения и композиции. Но главным объединяющим элементом являлся глубокий смысл и высокий духовный уровень работы. Все чаще при оформлении храма мастера давали предпочтение золотому цвету; так как он имел сакральное значение и к тому же светящиеся и мерцающие смальтой изображения воспринимались целостнее и контрастней, благодаря контуру, подчеркивающему форму предмета. Среди них можно упомянуть собор «Добрый Пастырь» Сант - Аполлинаре Нуово и Сант - Аполинаре ин Классе и «Императрица Феодора со свитой» Церкови Сан Витале. Хотя можно отметить ряд сооружений, где вместо золотого фона использовался глубокий синий цвет. Ультрамарин, покрывающий купол олицетворял - бесконечность и непостижимость Творца Вселенной примером могут служить мавзолей Галлы Плацидии «Добрый пастырь» и баптистерий в городе Альбенга в Лигурии «Купольная мозаика «крещение Христа».

Стоит остановиться еще на одном шедевре Византии, мозаиках храма Святой Софии. К сожалению, до нас дошла не большая часть декоративного убранства этого памятника, но и она дает представление о его великолепии. Мозаика храма Святой Софии была создана в течение нескольких столетий и отличалась особой роскошью с середины 9 по конец 10 вв. Чтобы представить все великолепие мозаичного убранства собора, можно рассмотреть изображение Богоматери, сидящей на троне и держащей на коленях младенца Христа. Фигура ее монументальна и величественна, она не подчинена плоскости, а как будто выступает на золотом фоне. У лика Богоматери мягкий овал лица, нос правильной формы и глубокий одухотворенный взгляд.

В 11 веке в правление династии Комнинов, Византийское монументальное искусство переживает последний расцвет. Об этом может свидетельствовать декоративное убранство церкви Успения Богоматери в Дафни близ Афин Рождество Пресвятой Богородицы. Мозаики этого храма создают ощущение праздничности, вселенской гармонии и спокойствия. Композиции исполнены внутренней свободы, лики поражают своей холодной красотой и отстраненной безмятежностью. Цветовая палитра основана на едином холодновато-серебристом колорите с использованием пепельных, голубых, холодно-розовых и сапфировых оттенков, что особенно подчеркивает теплый золотой фон. Как известно, в это же время, Русь, становясь централизованным государством, приняла христианство, во многом, под влиянием Византии и, соответственно, перенимала византийское искусство, в том числе и мозаику.

В Иордании 5-7 вв. так же было распространялось искусство мозаики. Но, в отличии от византийской, в основном сохранились напольные мозаики и чаще всего в них встречаются сюжеты с изображением животных, птиц, геометрического и растительного орнаментов. В отличие от византийских, в них не встречается прямых христианских сюжетов, но есть портретные изображения Христа и донаторов (меценатов). Иорданская мозаика более стилизована, фигуры необъёмные и обведены контуром. Материалом для них служил цветные породы камня. Фон чаще был выложен белым.

В эпоху Возрождения мастера вспоминают почти забытую технику древнеримской мозаики опус сиктиле. Флорентийские художники под покровительством Фердинанда I ди Медичи открыли мастерскую «Галерея Деи Лавори» Где воссоздали эту технику заново и назвали ее «флорентийская мозаика». Художественный эффект ее основан на тщательном подборе естественных оттенков, рисунка, цветовых пятен и прожилок, пластины которых плотно подгонялись друг к другу. Техника флорентийской мозаики использовалась, для декора предметов интерьера: с толов, шкафов, консолей, часов. Изобразительными мотивами служили: цветы фрукты, птицы, насекомые, морской обитатели, а также мифологические и христианские сюжеты камней. Для этого вида мозаики использовались ценные породы камня: яшма, мрамор, родонит, лазурит, кремний, агат, аметист, малахит и др.

В начале 20 века Антонио Гауди изобрел новую технику «тренкадис» - так называемую, «ломанную» мозаику, составленную из кусочков керамической плитки, посуды и изразцов. Он впервые применил ее в оформлении парка Гуэль в Барселоне. Его искусство предоставило новые возможности искусству мозаики.

В 20 веке происходит новый всплеск интереса к мозаике, в этой технике начинают работать многие художники Европы: Северини, Сирони, Сампильи, Гуттузо, Ники де Сен-Фалль работы их, в целом, своеобразны и эклектичны, способ набора мозаик не изменятся, меняется смысл, он стремятся эпатировать публику или навязать идеологию правящего класса.

Искусство мозаики в России. Древняя Русь является преемницей Византийской Империи, следовательно, монументальная мозаика, как и все виды искусств, проникла на ее территорию под византийским влиянием. Величайшим памятником того времени, украшенным этой техникой – собор Святой Софии в Киеве. Интерьеры храма представляют собой необыкновенное богатство и красочность мозаичного убранства. Человека, входящего в собор, встречает величественный Образ Богоматери «Оранта» с распростертыми руками. Она монументально возвышается, золотом фоне алтаря. Ниже расположены: фриз «Евхаристия» - Христа, дающего апостолам причастие и святые Отцы Церкви. В.Н. Лазарев пишет в своей работе: «История византийской живописи»: Мозаика и фреска Софийского храма по своей суровой торжественности и величественности, по своему монументальному размаху не имеет себе равных во всей истории древнерусской живописи». Как предполагает Качалова Н. Н. в своей книге «Стекло». На территории Киево-Печерской лавры обнаружены мастерские по изготовлению смальты. Это объясняет общность расцветок и составов смальт, обнаруженных при раскопках возле лавры и в мозаиках Софийского собора. Так же в церкви Михайловского злотоверхнего монастыря, сохранился образец мозаичного искусства того времени.

Наступления периода феодальной раздробленности и нашествия монголо-татарского ига, привело к постепенной утрате технологии изготовления смальты и в целом мозаичного искусства. Оно перестало существовать вплоть до середины 18 века.

В 1751 году М. В. Ломоносов, начинает работу по воссозданию технологии изготовления смальты. В Ораниенбауме он построил фабрику цветного стекла и смальты. Ему удалось, за сравнительно не большой период разработать огромное количество оттенков цветного стекла, от прозрачно-светлых до глубоких синих и красных тонов. Не обладая особыми художественными навыками, но имея большое упорство и труд он, за короткое время обучился древней технике прямого набора мозаики. Под его руководством, было выполнено 13 портретов, среди которых 4 портрета Петра I, а также батальное монументальное произведение «Полтавская баталия». К сожалению, накопленный им опыт, был забыт еще, примерно на 100 лет.

Флорентийская мозаика в России. В 19 веке у русских мастеров появился интерес к флорентийской мозаики. Художника И.П. Соколова работавшего на Петергофской гранильной фабрике, можно по праву считать основателем этого вида декоративно-прикладного искусства в России. Он уехал в Италию, для обучения этому мастерству у флорентийских художников, вернувшись назад Соколов, не только изготавливал предметы роскоши в этой технике, но и стал обучать азам мастерства учеников. Для русской школы флорентийской мозаики характерны два ее вида – гладкий и рельефный (накладной), первая близка к инкрустации (ларкетни) - узоры, врезанные в изделия из иного материала (обычно на одном уровне с поверхностью изделия). Тематика русских мозаик аналогична европейским, в основном это птицы, цветы и плоды они украшали предметы мебели. В Екатеринбурге также была открыта фабрика для обработки цветных камней, для ее мастеров характерна больший интерес к орнаментации, преобладали цветочные мотивы (рис. 36). К концу 19 века, интерес к этому виду декоративного искусства стихает.

Для украшения стен Исаакиевского собора в середине 19 века, в Императорской академии художеств, была основана мозаичная мастерская. Для ее открытия из Италии были приглашены братья Банафери, они привезли с собой технологию изготовления смальты и художественные приемы по ее выкладке. Итальянцы, обучили русских мозаичистов, которые украсили стены Исаакиевского собора, стоит назвать несколько имен: И.П. Кудринов, И.А. Ларецкий, М.П. Муравьев, И.П. Пелевин и др., они работали по оригиналу художника С. Живаго, в технике оптического смешения цветов. В соборе представлено 62 мозаичные работы, общей площадью 500 м2. Работы, выполненные здесь выглядят как монументально-живописные полотна, они очень реалистичны, не и намека на декоративность.

Следует отметить неоценимый вклад братьев Фроловых, которые в конце 19 века, открыли первую частную мозаичную мастерскую. А.А. Фролов, ее основатель, к сожалению, прожил не долго, но он заложил основы своей мастерской. Александр Фролов, предложил более упрощенную систему выкладки композиции, они смотрятся легче, декоративней и большем ракурсе, сокращает цветовая палитра смальты, благодаря этому сократилось время работы над панно. Он сам обучал своих учеников, и вводил их в работу. Главной работой его жизни можно назвать, мозаичное убранство храма Воскресения Христова (Спаса на Крови). После А. Фролова смерти, всю его работу продолжил брат В. А. Художниками мозаичной мастерской Фроловых было оформлено девять храмов среди которых, церковь Спаса на Крови; храм Святого Духа в селе Талашкино, в Смоленской области, церковь Марфо-Мариинской обители в Москве. Фроловы сотрудничали с крупнейшими архитекторами своего времени такими как Бенуа Л.Н.; Шехтель Ф.О.; Покровский В.А.; Щусев А.В. и художниками Васнецовым В.М.; Нестеровым; Рерихом Н.К.; Петровом-Водкиным К.С., делая мозаики по их эскизам. После революции фроловцы продолжали работать, теперь уже для нового строя, среди работ того времени можно отметить: мавзолей им. В.И. Ленина, памятник героям революции в Н. Новгороде и оформление павильонов на ВСХВ (ВДНХ) в Москве. Стоит отметить также, весомый вклад Фролова в украшении станций московского метрополитена.

Мозаика московского метро. В его мастерской, по эскизам Дейнеки, выполнены 33 плафона для станции «Маяковская» темой для них служили «Сутки советского неба». Зритель, смотрящий на плафоны, погружается в их радостное настроение. Его завораживают блестящие крылья самолетов, счастье бытия советского человека. Второй крупной работай мастерской были 8 мозаик для станции «Завод им. Сталина» (Автозаводская), Общей тематикой этого панно, является труд народа в Великой Отечественной войне. Она была сделана в период 1941-1942гг. Так же во время войны были выполнены 7 плафонов мозаики для станции метро «Новокузнецкая», по эскизам Дейнеки. Сам В.А. Фролов с небольшим кругом учеников выкладывал их во врем Блокады Ленинграда. Эта была последняя работа мастера. Мозаики была доставлена в Москву по Дороге жизни и установлена на своде станции. Наследие братьев Фроловых, для нашей страны поистине неизмеримо. Они украсили быт простого человека, и показали путь следующим поколения художников мозаичистов.

Потолок станции «Комсомольская» кольцевая украшен мозаиками П. Корина. Всего им было выполнено 8 панно, посвящённые великим победам русского народа. На 5 работах изображены великие полководцы прошлого: А. Невский, Д. Донской, К. Минин и Д. Пожарский, А. Суворов, М. Кутузов, и три посвященные Победе в Великой Отечественной Войне: «И. Сталин на Параде 7 ноября на Красной площади» (в 1962 году был заменен панно «Выступление В.И. Ленина»); «Взятие рейхстага советскими войсками в 1945году», «Парад Победы 24 июня 1945 года». Мозаики, сделанные Кориным выглядят эпично и монументально они наполнены «пафосом советской эпохи». Художник также оформил мозаикой станцию метро «Смоленская» Здесь находится его панно «Миру мир» на которой изображена женщина с ребенком на ее руках, счастливо выпускающего голубей.

Мозаики для метрополитена изготовляли и другие мастера. Стоит отметить творчество Г.И. Опрышко художника мозаичиста оформившего станции «Киевская» и «Белорусская». В работе над Киевской принимали участие также А.В. Мызин и А.Г. Иванов. Ими были изготовлены 18 панно по теме: «история Украины и дружба украинского и русского народов» (рис.46) Г.И. Опрышко, работал так же в технике флорентийской мозаики, ее он применил для композиций на станции Белорусская-кольцевая. Художник выполнил 12 мозаичных панно в форме 8ми-гранника из цветного мрамора со смальтовыми вкраплениями. Темой этих композиций была «Советская Белоруссия», сцены из жизни трудящегося народа, достижения в культуре и спорте.

После прихода Н.И. Хрущева, в эпоху борьбы с культом личности, мозаики на многих станциях переделали, заменив композиции со Сталиным на другие, или, вообще, разобрали, например, на «Арбатской» возвышался величественный портрет бывшего вождя, но, в 1956 году его сняли, осталась лишь рама.

Еще одну серию работ в московском метро, выполненных в технике флорентийской мозаики, можно увидеть на станции Чеховская. Над панно работали художники Р. Шорчев и Л. Шорчева, он выполнили 18 композиций по творчеству А.П. Чехова (рис.48) Образы, навеяны стилем модерн, поэтому выглядят романтично и загадочно, композиции как бы выплывают из общей тональности стен, при этом они очень красочны, для оформления панно было использовано больше 20 парод цветного камня, здесь присутствуют голубые розовые, синие, фиолетовые, серые и терракотовые оттенки.

Станковая мозаика А.А. Дейнеки. Известный советский художник Дейнека в 40 нач. 60 гг. Выше отмечалось, его причастность в создании плафонов ст. Маяковская, теперь рассмотрим его собственное творчество в этой области. Он работает над станковыми панно, сравнительно небольшого размера: «Утро», «Хоккеисты», «Доярка». Для всего его искусства характерны оптимистичность, легкость и динамичность, так и эти работы словно наполнены солнечным светом. Любовь к жизни, молодости и к силе – вот его главные темы. Он сочетает в одной работе разные материалы используя смальту, мрамор, метлахскую плитку. Работает в технике флорентийской мозаики «Лыжники». С своей группой мозаичистов он работает над 60-ю портретами выдающихся ученых, среди которых портрет Ломоносова выполненный из мрамора для здания МГУ.

К периоду 70-80гг. советской мозаики относятся монументально-декоративные панно украшающие здания: дворцов молодежи, кинотеатров, заводов и жилых домов. Композиции изображений были типичны для этого периода: подвиги трудового народа, исторические события прошлого, освоение космоса и устремленность в счастливое коммунистическое будущее. Несмотря на изначальное превалирование социального заказа, во многих работах художники смогли выразить свой творческий потенциал и оставить нам настоящие произведения искусства, такие как «Утро планеты», «Комсомол», «Прометей». Можно назвать несколько художников работавших тогда. Голубев, Мельник В. И., Тимофеев, Релкин А. А., Никонова З. Н.

Развитие изобразительного искусства 20-21 века, очень сильно повлияло на всю культуру. За прошлый век сменилось масса направлений в живописи, графике и т.д. На рубеже веков у художников стало модным выражать себя во все более непредсказуемой манере, эпатаж – главный гимн современного искусства. Как ни странно, или даже лучше сказать, вполне предсказуемо, что на искусство мозаики, этот лозунг не слишком повлиял. На сколько можно судить, почти все произведения, созданные в этой технике за последнее время, выглядят очень достойно.

Андрей Мыльников воплощал в себе качества почти несовместимые. Монументалист - романтик, приверженец традиций. За долгую жизнь художник работал в разных жанрах - был мастером пейзажей, портретов, мозаичных панно, экспериментировал с декоративно-прикладным искусством. Его работы – это мозаики в кинотеатрах, в Театре юных зрителей и на станциях метро. На «Владимирской», рядом с Кузнечным рынком – панно «Изобилие». Его произведения – это не только панно и картины, но и ученики. Мыльников много лет руководил мастерской монументальной живописи в Академии художеств.

Александр Быстров художник-мозаичист, работы которого можно увидеть на недавно открытых станциях «Адмиралтейская» и «Бухарестская», Санкт-Петербургского метро. Ученик Алексея Мыльникова и нынешний руководитель монументальной мастерской в Академии художеств. В данных работах художник намеревался выполнить простую задачу – продемонстрировать образ Бухареста и показать архитектуру Румынии, которой удалось в определенной степени сохранить наследие византийских мастеров. Данная тематика находит отражение в декоративных плафонах, потолочных приборах освещения, а также в художественно-декоративном полотне, на котором изображены осенние пейзажи. Станция «Международная» по своей конструкции напоминает некий космический корабль. Ключевым звеном мозаики выступает мифологический Атлант, поддерживающий шар. Тем самым данная мозаика символизирует единство прошлого и будущего. ледует также заострить внимание на мозаичных полотнах, которое декорирует новую станцию «Адмиралтейская». Тема оформления новой станции подземки достаточно специфическая, а именно «Становление российского флота в эпоху Петра Великого, первые морские победы России на Балтийском море». На изумительной по красоте мозаичной картине под названием «Основание Адмиралтейства Петром I» изображена фигура великого реформатора. Помимо этого, холл станции «Адмиралтейская» украшают еще три мозаичных панно, составленные на морскую тематику. Стены и потолок вестибюля декорированы элементами, которые имитируют корабельные канаты. Над созданием мозаичных полотен для украшения интерьера новой станции «Адмиралтейская» также трудился художник Александр Быстров.

Сейчас, в России еще остались художники, работавшие во второй половине 20-го века, они сохраняют традицию, зародившуюся в то время. Их работы, чуть меньше размером, но художественные багаж, накопленный ими остается масштабным. К ним можно отнести двух художников-монументалистов А. Б. Корноухова и Н. В. Горяева (к сожалению, ушедшего из жизни в 2013г). Их работы, очень знамениты не только в России, но и за рубежом. А.Б. Корноухов, профессор института им. Сурикова, всемирно признанный художник, мозаики которого украшают храмы России, Ватикана и Цюриха Мозаика над порталом Сионского Кафедрального собора в Грузии, «Новый Иерусалим» Его работы утончены, скромны по колориту, и очень одухотворены.Корноухов: «Мой любимый материал - натуральный камень, как историческая реальность задолго до произведения смальты. В камне отразились многие тектонические события земли, в нем сокрыты стихия вулканов, огненных и мгновенных событий и время долгих эволюций осадочных пород. Камень, сохраняя свою породную, чистую структуру и внутреннюю энергию, является для меня главным богатством в мозаичной палитре. Контрасты твердости, цвета, фактуры, драгоценности являются богатством камня, с которым трудно соперничать высококачественным смальтам, несмотря на их яркость. Смальта реальна только благодаря сходству с камнем, дополняя его полноту, его же авторитетом. Мое желание вникнуть как можно глубже в историю камня и авторитетом его погрузить мозаику в строительную изначальность архитектуры, моя задача - восполнить утраченную пластическую взаимозависимость, воссоздать историческую ассоциативность. Второй мастер, Н.В. Горяев, упомянутый выше, знаком нам по мозаичным панно на станции метро «Марьина роща», для нее он выполнил 9 композиций посвященных владениям графов Шереметьевых. В традиционном блеске смальты, перед нами предстают, прекрасные пейзажные панно, тихие, летние, благостные виды природы, так и хочется перенестись туда хоть на время. Художник Н.В. Горяев, являлся профессором МГХПУ им. Строганова, он около 9 лет, вместе с группой единомышленников, занимался проектом Федерального военно-мемориального кладбища в Мытищах

Морской собор в Кронштадте (отреставрированный в 2012 г.). Над украшением собора трудились лучшие мастера своего времени, оставившие заметный след в истории отечественного и мирового искусства. Из исторических источников известно, что в работах над убранством собора принимали участие архитектор и художник Г.А. Косяков, колокололитейщики Оловянишниковы, скульптор Н.В. Попов, мозаичист В.А. Фролов, керамист П.К. Ваулин, живописцы К.С. Петров-Водкин, М.М. Васильев, Ф.Р. Райлян, А.В. Троицкий и др. Огромную работу по созданию эскизов множества декоративных элементов и предметов для собора выполнил его строитель В.А. Косяков, которому принадлежит общая концепция системы художественного оформления фасадов и интерьера. Благодаря единому замыслу зодчего работы разных художников, исполненные в различных материалах и техниках, слились в гармоничный ансамбль.

Мозаика собор Покрова Пресвятой Богородицы в Ясеневе. В Москве в 2015 г. построен храм, стены которого полностью выложены мозаикой, — мечта всех церковных художников-монументалистов. По прототипу Византийской мозаичной школы.

Стиль модерн в искусстве мозаики.

Ярким представителем этого направления является итальянский художник Марко Бравура. Творчество Марка Бравура — новое слово в дизайне, сочетающее в себе и скульптуру, и декоративное искусство, и архитектуру. Он один из наиболее ярких итальянских художников, олицетворяющих современность.

Итальянский художник, скульптор, мозаичист Марко Бравура — уроженец Равенны, города, который известен в мире благодаря богатому наследию византийских памятников и мозаичной традиции. Жизнь, творчество, философия, магия и чудеса — все переплелось в творчестве художника и скульптора Марко Бравура. Это — художник, объединивший интеллект и фантазию, традиции и современность, романтику и мудрость, форму и содержание. Ему удается сочетать старинную технику с актуальными поисками новых форм, в его работах мозаика органично сплетается со скульптурой. Знаменитый фонтан Бравуры «Ковер-самолет» — это и правда мозаичный ковер, парящий в водных потоках, который, кажется, вот-вот взлетит. «Фонтан Бабочек» — олицетворение движения вперед, движения к красоте, восхищение миром. А мозаика, украсившая скульптуру чудесными, яркими, летними красками, оживила ее, сделала трепетной и восхитительной, как полет бабочки. «Улитка» — воплощение мудрого спокойствия, неторопливости, бесконечности.

В настоящее время Марко Бравура живет между Равенной и Москвой и работает в Мозаичной студии Solo Mosaica, курируемой фондом Исмаила Ахметова. Марко Бравура — Главный учитель и идейный вдохновитель студии. Он постоянно проводит мастер-классы для художников мозаичной мастерской Solo Mosaico, проводит эксперименты над формой материалами.

Марко де Лука (род. в 1949 году в Медичине, Италия) обучался в Академии Изящных искусств города Болоньи. С 1976 по 2002 год Марко Де Лука преподавал рисунок в Государственном институте искусств города Равенны. Произведения мастера участвовали в выставках по всей Европе, утверждая природу мозаики как антитезы эфемерности. Создавая скульптуры из мозаики, Марко де Лука ищет баланс между природными формами и архитектурой.