Художественная культура 17 века в Нидерландах и Франции

ФРАНЦИЯ:

Во французском искусстве 17 столетия нашли наиболее полное отражение представления о человеке и его месте в обществе, порожденные временем формирования в Европе централизованных монархий. Классическая страна абсолютизма, обеспечившего рост буржуазных отношений, Франция переживала экономический подъем и стала могущественной европейской державой. Борьба за национальное объединение против феодального своеволия и анархии способствовала укреплению высокой дисциплины разума, чувства ответственности личности за свои поступки, интереса к государственным проблемам. Философ Декарт разработал теорию воли, провозгласив господство человеческого разума. Он призывал к самопознанию и завоеванию природы, рассматривая мир как разумно организованный механизм. Рационализм стал характерной чертой французской культуры. К середине 17 столетия сложился общенациональный литературный язык — в нем утверждались принципы логической ясности, точности и чувство меры. В творчестве Корнеля и Расина достигла апогея французская классическая трагедия. В своих драмах Мольер воссоздавая «человеческую комедию». Франция переживала расцвет национальной культуры, не случайно Вольтер назвал 17 век «великим».

Французская культура 17 столетия формировалась в условиях утверждения абсолютизма. Однако ее многообразие и противоречивость определили широкое движение за национальное объединение. В ней находили живые отклики острые социальные конфликты, сопровождавшие рождение нового общества. Крестьянские и городские восстания, крупное демократическое движение парламентской Фронды сотрясали в первой половине 17 столетия основы государства. На этой почве рождались утопии, мечты об идеальном обществе, основанном на законах разума и справедливости, и вольнодумная критика абсолютизма. Развитие французского искусства 17 века прошло два этапа, совпадающих с первой и второй половиной столетия.

Ансамбль Версаля (1668 – 1689)

 

Идея, зародившаяся еще в эпоху Возрождения, что можно построить правильный город, наиболее полно стала воплощаться во Франции, где культ разума, влияние Академии привели к поиску абсолютно геометрически правильно построенных ансамблей. Само абсолютистское государство Людовика 14 было отражением этой идеи.

Париж всегда воплощал для французских королей дух своевольства, ненавистной самостоятельности, поэтому главную резиденцию стали строить в 17 км к юго-западу от Парижа. К работам были привлечены архитекторы, скульпторы, художники, мастера прикладного искусства.

В начале 17 века на этом месте стоял небольшой охотничий замок Людовика 13. Главная идея нового Версаля – идея централизованного ансамбля, отражение идеи централизованного государства. Версаль – это правильно распланированный город, дворец, регулярный парк. Все это должно быть соединено дорогами со всей страной. Главными архитекторами Версаля стали Андре Ленотр, Луи Лево, Жюль Ардуэн Мансар.

План Версаля. Вытянутая горизонталь дворца господствует над всей местностью. Со стороны Парижа перед дворцом расположены Почетный и Мраморный дворы. С площади от дворца три лучевых проспекта ведут к разным частям страны. Средний – в Париж. По другую сторону дворца проспект переходит в главную королевскую аллею парка, которая завершается большим бассейном. Таким образом фасад дворца образует горизонталь под прямым углом к оси. Все корпуса фасада дворца со стороны парка имеют одинаковую высоту, что созвучно плоскости парка. Со стороны города фасад дворца сохраняет черты 17 века.

 

Интерьер

 

В центральном корпусе дворца расположены залы для приемов и балов. Главенствует знаменитая Зеркальная галерея, протянувшаяся на 73 метра. По бокам – Залы Войны и Мира. К спальне короля вела анфилада парадных помещений. Плафоны расписаны помпезными образами, прославляющими Людовика 14. Интерьер дворца богато украшен мебелью с инкрустацией, мозаикой с использованием различных пород дерева, панциря черепахи, бронзы, перламутра, слоновой кости. Из окон Зеркального зала открывается вид на перспективу парка с веерообразной композицией и все более ширящимся пространством. Спускаются вниз террасы, уходят вдаль аллеи, все завершает зеркало Большого канала.

Все подчиняет природу разуму: прямые линии, гладкие плоскости, водоемы, подстриженные деревья, клумбы.

Парк богато украшен статуями, скульптурными группами, рельефом, фонтанными композициями. Это изображение божеств лесов, рек Франции, полей, аллегории времен года. Фонтаны извергают каскады воды, в водных партерах вода ложится зеркальной плоскостью.

Ансамбль Версаля стал классическим образцом регулярного, или французского парка. Именно по этому образцу создавались прославленные ансамбли Петергофа, Царского Села, Павловска в России, Сан-Суси под Берлином. Огромное кол-во усадебных парков в имениях богатейших вельмож в России: Шереметевых, Потемкина, Юсупова: Останкино и Кусково, Архангельское и Таврический дворец и многие другие.

 

Английский (пейзажный) парк.

 

В 18 веке сложился другой тип парка: с тенистыми аллеями, группами свободно растущих деревьев, извивами ручья или речки, с неправильной формы водоемами, отражавшими зелень, старые засохшие деревья, укромные уголки, камни – все, что пробуждало мечтательность, любовь к естественной природе.

 

Классицизм

 

В 30 годы 17 века во Франции сложились общенациональные идеалы классицизма. В центре проблематики классицизма – отношения человека и общественной среды. Классицизм проповедовал образ разумного мужественного человека, сознающего свой общественный долг. Идеал общественной жизни классицисты видели в устройстве общества в Древней Греции и в республиканском Риме.

 

Никола Пуссен (1594 – 1665)

 

Основоположник классицизма в живописи. Художник признавал только искусство большой идеи, глубокой мысли и чувства. Сюжеты для своих произведений он черпал из Античности, древней истории, Библии, Ренессанса. Пуссена привлекали пасторали, картины, изображающие «Золотой век». Большую часть своей жизни он провел в Риме, где вдохновлялся античными рельефами.

 

«Спящая Венера» (1620-ые)

 

На картине передано ощущение полноты бытия, влюбленность художника в жизнь. В богине все исполнено грации, свежести, жизнелюбия. Но сон ее тревожен, поза беспокойна. Венера Пуссена земная, но недосягаемая, как идеал. Светлый тон тела богини, четкий силуэт выделяет ее в пейзаже. Тона картины темные, оливковые, золотистые, оранжевые. Это передает ощущение предгрозового вечера.

 

«Танкред и Эрминия» (1630-ые) Эрмитаж.

 

Эпизод из поэмы Торквато Тассо «Освобожденный Иерусалим». Амазонка Эрминия, сражавшаяся против рыцарей, на дороге увидела раненного крестоносца Танкреда. В ней пробуждается любовь к врагу. На картине мы видим в лице героини одновременно страх и надежду, она взволнованна и решительна. Страстной Эрминии противопоставлен теряющий силы Танкред и сосредоточенный оруженосец. Сверкают серебристо-синие одежды, развеваются и вторят движению героини. Красные отсветы заката воспринимаются как отзвуки недавних грозных сражений за Иерусалим и как пламя проснувшейся страсти. Особую роль играет язык жестов, движений, создающий гармонический мир. Картину отличает строгая композиция, четкая организация трех планов, ясные, четкие контуры, локальные цвета

Пуссен стал создателем героического пейзажа. Перед нами на его полотнах образ природы, полный драматизма, но всегда приходящий к гармонии.

Художник выбирал средний горизонт на уровне стоящего человека. На его полотнах местности, где взгляд охватывает обширные пространства: равнины, горные массивы и скалы, морские просторы. Прозрачен воздух, поэтому объемы кристально чисты.

 

«Танец под музыку времени» (1638 г.)

 

В основе сложной аллегорической картины лежат размышления о времени, судьбе и сложностях жизни. Картина обращена в первую очередь к разуму зрителя, а не к его чувствам.

Четыре танцующие фигуры олицетворяют Богатство, Наслаждение, Трудолюбие и Бедность. Крайняя фигура слева – Наслаждение. На ней изящные сандалии и венок из роз. Взглядом она призывает зрителя к танцу. Справа от нее юноша – Трудолюбие. Его голову венчает лавровый венок, а взгляд обращен к Богатству. Это третья фигура. Ее волосы перевиты ниткой жемчуга. Она так же обута, как Наслаждение. Богатство крепко держит за руку Наслаждение, но очень робко протягивает руку босоногой Бедности. Бедность пытается коснуться руки Богатства, но та ускользает. Малыш слева пускает мыльные пузыри – символ быстротечности жизни. Слева каменное изваяние двуликого бога Януса. Он символизирует постоянное, ведь сам он из камня, ив то же время - сиюминутное, его изваяние украшено недолговечными цветами. Малыш справа держит песочные часы, которые быстро отчитывают ход времени. Крылатый старик – это и есть Отец-Время, под музыку которого все кружатся. Танцующие образуют круг, который напоминает колесо фортуны. Смысл в том, что человек в разные периоды своей жизни попадает во все четыре состояния. Голубой цвет на картине заставляет взгляд двигаться по кругу. По небу мчится колесница Аполлона, В руках бога обод – знак вечности. Его сопровождают богини времен года. Впереди богиня утра – Аврора, рассыпающая на своем пути цветы. Круг танца на картине вписан в треугольник – эта четкость мысли художника напоминает нам о принципах живописи Пуссена.

 

«Пейзаж с Полифемом» (1649 г.) Эрмитаж.

 

Одно из самых совершенных полотен Пуссена, в основе которого лежит сюжет из «Метаморфоз» Овидия. Нимфа Галатея влюбилась в юношу Ациса и при этом она покорила своей красотой великана-Циклопа Полифема. На картине мы видим вечно играющего на свирели влюбленного Полифема, который олицетворяет согласие природных сил. В композиции строго симметричны правая и левая сторона. Очертания скалы слева почти повторяются в силуэте дерева справа. Гора Полифема – в центре. Так образовывается правильный треугольник с вершиной – Полифемом. Это идея античной красоты и соразмерности.

Интересны 4 плана картины. Первый план – это речное божество, нимфы и сатиры. Второй – люди, возделывающие поля. Третий – скалистый берег моря с Полифемом. Четвертый – море и город на побережье. Первый план символизирует природные силы и соотнесен с третьим -–тоже природными силами. Одновременно первый план напоминает фриз как бы огромного храма, благословляющего природу. Второй и четвертый планы – цивилизация, люди – второстепенные персонажи полотна. Циклоп как бы сливается со скалой. Контуры облаков над ним словно продолжают льющуюся музыку. Цвета картины – синий и зеленый – умиротворенная природа, чередуются светлые и темные пятна. Цель картины – вглядывание в природу и созерцание ее.

 

«Аркадские пастухи» (1638)

 

В искусстве идеальная страна Аркадия – традиционный символ земного рая, где не существует мирских забот. Но Пуссен, переживший душевный кризис, усложнил мотив Аркадии. Юные пастухи, склонившиеся над гробницей, осознают неотвратимость смерти. Тень ложится на могильную плиту, по которой, разбирая эпитафию, водит пальцем один из пастухов. На плите надпись по-латыни: «И я был в Аркадии». То есть: и я был когда-то молод. Но, даже обнаружив символ смерти, пастухи сохраняют достоинство. Картина напоминает сцену классицистического театра, где соблюдены единство места, времени и действия. Перед тем, как приступить к картине, Пуссен делал модель будущего полотна, расставлял восковые фигурки, увеличивал их в размерах и тогда зарисовывал. Красочная гамма картины напоминает об увлечении Пуссена венецианской живописью. Свет ложится ровно и тепло, создавая задумчиво-меланхолическое настроение. Композиция картины тщательно выверена: господствуют вертикальные и горизонтальные линии в пейзаже, в позах пастухов, в их жестах. Взгляды и жесты пастухов должны привлечь внимание к центру композиции – надписи на плите. И надо всем в картине господствует безупречный рисунок, без которого, как считал Пуссен, разум не воспримет картину.

Творчество великого художника оказало огромное влияние на живопись Франции. На принципах Пуссена была организована Академия живописи и ваяния в 1648 году, влияние Пуссена чувствуется в произведениях Давида, Энгра, Сезанна.

 

Клод Лоррен (1600 – 1682)

 

Создатель идиллического пейзажа классицизма, друг Пуссена, французский художник Клод Лоррен большую часть жизни прожил в Италии. Лоррен призывает своего зрителя неторопливо пройти под пышными кронами деревьев по тропинкам и мостам, насладиться природой.

 

«Похищение Европы» ГМИ

 

На первый взгляд, мы не видим никакого драматизма в произведении. Где здесь похищение? Мирное шествие девушек в античных нарядах, одна из них спокойно едет на быке. Цвета одежд девушек и белое пятно цвета быка выделяют эту группу из пейзажа Это – Европа, которую скоро похитит Зевс, принявший облик белоснежного быка. Картина развивает любимую художником мысль о путешествиях. Почти на всех полотнах Лоррена мы видим корабли, напоминающие о далеких странах и манящих путешествиях. Лоррен был мастером в передаче световоздушной среды. Лоррен постепенно ослабляет яркие цвета первого плана. Чем дальше вглубь пространства, тем бледнее становится свет, так как между нами и предметами дальнего плана появляется толща воздуха. Такой прием и называется воздушной перспективой. Деревья справа и слева служат как бы кулисами для театрально развивающегося действия. Он любил изображать одни и те же виды при разном освещении. Любил раннее утро или вечер, когда свет особенно переменчив. Первый ввел солнце как источник света на картине. На всех полотнах Лоррена мы видим морскую стихию, в которую он был влюблен.

Все эти законы мы можем видеть и на картине «Бракосочетание Исаака и Ревекки», где Исаак, сын Авраама, женится на Ревекке из Месопотамии. На картине они изображены справа в виде пляшущей молодой четы.

Во времена Лоррена пейзаж сам по себе еще не ценился, а исторический жанр считался наиболее достойным художника, поэтому свой пейзаж Лоррен дополнил Библейским сюжетом.

 

Жорж де Ла Тур (1593 – 1652)

 

«Живописец ночей» – так называли этого французского художника, имя которого было надолго забыто. Полотна де Ла Тура суровы и эпичны, художник противопоставлял свою манеру изысканности и манерности.

Его герои сдержанны, просты и суровы. Они погружены в самосозерцание, замкнуты.

Главной темой художника стало трактование религиозных сюжетов в бытовом плане, как сцен из жизни крестьян. Сам он всю жизнь прожил в Лотарингии, в Люневиле.

Колорит картин де ля Тура красно-кирпичный, желтоватый, оранжевые тона преобладают. Часто он изображает свет свечей, ночной сумрак. Любое явление жизни для него полно значения, тайны, эпически величественно.

Он создал целый ряд религиозных сюжетов: «Рождество», «Иов и его жена», «Скорбящая Магдалина», «Явление ангела Св. Иосифу», «Мученичество Св. Себастьяна».

Любой сюжет он воспринимает как реальность, но находит в нем поэтичность и красоту. Персонажи его религиозных полотен по облику и костюмам – лотарингские крестьяне. В выражении чувств они сдержанны, но полны сочувствия. Без ангельских нимбов и других религиозных атрибутов он добивается передачи значительности событий, их важности.

 

«Скорбящая Магдалина»

 

Замечателен своеобразный натюрморт на столе: Библия, распятие, плеть, горящий светильник. Ровное, неколебимое пламя свечи сумрачно-тревожно и сродни душевной силе и стойкости героини. Резкие световые контрасты четко выявляют форму предметов. Цвет дается широкими плоскостями. Так рождается монументальность, значительность изображенного. Любимая тема художника – свеча, светильник, пламя, факел. Именно эффекты освещения создают эмоциональный строй произведения.

Контраст света и тьмы создает ощущение драматизма на картинах. Во всем этом есть особая тайна, чары, тревога, нечто сокровенное.

«Мученичество Св. Себастьяна» (1649) – высший взлет художественного гения Ла Тура. Сюжет: христианка Ирина и ее спутницы находят еще живого Себастьяна. На картине он пронзен только одной стрелой. Капля крови застыла на груди. Женщины напоминают процессию плакальщиц со старых французских надгробий. Ритм фигур рождает впечатление торжественного и скорбного шествия. Группа скульптурна, контрасты света и тени как бы гранят объемы. Вся картина превращается в строгий и просветленный реквием.

НИДЕРЛАНДЫ:

Победа буржуазной революции в Северных Нидерландах привела к образованию самостоятельного государства — Республики семи соединенных провинций — Голландии (по названию самой значительной из этих провинций); впервые в одной из стран Европы установился буржуазно-республиканский строй. Движущими силами революции были крестьяне и беднейшие слои городского населения, но ее завоеваниями воспользовалась буржуазия, пришедшая к власти.
Освобождение от гнета испанского абсолютизма и католической церкви, уничтожение ряда феодальных ограничений открыли пути бурному росту производительных сил республики, которая, но словам Маркса, «была образцовой капиталистической страной XVII столетия» Только в Голландии в те времена городское население преобладало над сельским, но главным источником прибылей была не промышленность (хотя здесь были развиты текстильное производство и особенно судостроение), а посредническая торговля, расширявшаяся благодаря колониальной политике. По мере обогащения правящих классов росла нищета трудящихся, разорялись крестьяне и ремесленники, к середине 17 века обострились классовые противоречия.
Однако в первые десятилетия после установления республики были живы демократические традиции революционной поры. Широта национально- освободительного движения, подъем самосознания народа, радость освобождения от иноземного ига объединили самые различные слои населения. В стране сложились условия для развития наук и искусства. Здесь находили убежище передовые мыслители того времени — в частности французский философ Декарт, сформировалась материалистическая в своей основе философская система Спинозы. Высочайших достижений добились художники Голландии, такие живописцы как Рембрандт, Рейсдал, Терборх, Халс, Хоббема, Хонтхорст и многие другие мастера живописи. Голландские художники первые в Европе были освобождены от давящего влияния придворных кругов и католической церкви и создавали искусство демократическое и реалистическое, непосредственно отражающее социальную действительность.

 

 

15 билет. Художественная культура Западно-Европейского Средневековья.

Периодизация и истоки средневековой культуры. Христианство -фундамент духовной культуры средневековья. Рыцарская культура и

 

карнавал. Создание школьной системы. Первые университеты.

 

Роль латинского языка. Романика и готика - великие художественные

 

стили средневековой европейской культуры.

 

Термин «средние века» ввели в науку итальянские гуманисты эпохи Возрождения. Он означает тысячелетие, хронологическими рамками которого являются V-XV вв., т. е. начало связано с временем» исторического завершения античной культуры, а конец - с ее возрождением в новое время. Культурологи подразделяют данную эпоху на три периода:

 

- раннее средневековье V-Х вв.;

 

- зрелое средневековье X-XIII вв.;

 

- позднее средневековье XIV-XV вв.

 

За этот небольшой исторический промежуток времени образовались все языки, народы и государства Европы, сложилась ее неповторимая христианская культура. В ее основу легли два истока:

 

- традиции угасающей греко-римской античной культуры, с ее достижениями в области государственного устройства, политики, права, религии, искусства, философии и пр.

 

- влияние культуры «варварских» племен и народов самой Западной Европы (франков, саксов, готов, норманов и др.), которым были чужды идеалы и ценности античного мира.

 

В столкновении с умирающей античной цивилизацией и первобытной культурой, греко-римским многобожием и варварским язычеством Христианству удалось одержать верх и занять главенствующее положение в европейской культуре. Духовная культура средневековья формировалась под мощным влиянием христианской религии и церкви, которые отвергали античное миропонимание с его идеей вечности мира и существования человека как его же органической части. Христианство отрицало незыблемость мира и признавало Бога, как творца природы и самого человека. В христианском вероучении подчеркивается двуединое начало человека: тело и душа. Но церковь требовала от верующих, в первую очередь, заботы о душе, стимулировала культ аскетизма, который стал характерной чертой средневековой культуры. Многочисленное духовенство занимает свое особое место рядом с двумя другими социальными слоями средневекового общества - народом и воинами-рыцарями.

 

Рыцарство (благородное дворянство) - это особое социальное сословие, особый социальный институт средневековья. Оно сформировало свою уникальную культуру, состоящую из особого этикета, поединков, турниров, экстравагантных рыцарских обетов, умения играть на музыкальных инструментах и, наконец, соблюдения всех правил куртуазии (т. е. светскости). Вершиной культуры данного сословия стали рыцарский роман и рыцарская поэзия, которые с XII по XIV вв. являлись популярными жанрами европейской литературы. Повествуя о становлении рыцаря в борьбе с препятствиями и искушениями, данные литературные тексты вызывали у читателя интерес к индивидуальной судьбе, к человеческим чувствам и переживаниям. Героический рыцарский эпос представлен в мировой культуре такими литературными памятниками, как «Песнь о Роланде», «Повесть о короле Артуре», «Песнь о нибелунгах». Рыцарскую поэзию олицетворяло творчество французских трубадуров и труверов, немецких миннезингеров, итальянских поэтов «нового сладостного стиля». Главной темой их куртуазной поэзии являлся «культ дамы». На протяжении всего средневековья в культуре простого народа (крестьян и жителей западноевропейских городов) сохраняются элементы архаической языческой культуры: идолопоклонство, жертвоприношения, ритуальные праздники, связанные с проводами зимы, встречей весны. Особое значение принадлежит карнавалу - народному празднику под открытым небом, который сопровождался уличными шествиями, маскарадами, театрализованными играми и пр. Карнавал был характерен именно для городской культуры, так как в нем были задействованы большие группы людей. Средневековая эпоха изобилует праздниками и зрелищами. Традиционные городские шествия, религиозные и цеховые процессии объединяют социально-противоположные слои. Низшие, через праздничное зрелище приобщаются к политике, богатству, которые они создают своими руками, но от которых отстранены. Представители высшего сословия демонстрируют идею общественного служения, одновременно являясь воплощением государственного могущества.

 

В то же время культура проявляла себя и в виде профессионального артельно-цехового способов творчества. По типу торговых и ремесленных цеховых городских организаций создавались союзы и гильдии врачей, художников, юристов и др. Постепенно цехи и гильдии превращались в закрытые монопольные организации - корпорации. Они вырабатывали трудовую дисциплину, нормы публичного и бытового поведения, обеспечивали защиту своих членов против произвола властей.

 

Средневековье - это время организации системы западноевропейского образования, включавшего в себя школу и университет. Школы, в основном существовавшие при монастырях и готовившие священнослужителей, предлагали две ступени обучения:

 

- trivium - грамматика, риторика и диалектика;

 

- quadrivium - арифметика, геометрия, астрономия и музыка.

 

С XII века в Европе появляются университеты: Болонский -1200 г., Кембриджский - 1209 г., Парижский - 1215 г., Пражский -1348 г.. В них работают богословский, медицинский и юридический факультеты. Преподавание во всех университетах шло на латинском языке, и знание латыни было синонимом грамотности. Единый для всех образованных европейцев латинский язык способствовал формированию общеевропейского сообщества интеллектуалов: мыслителей, ученых, государственных деятелей, священников, придерживавшихся определенного образа жизни и связанных между собой разнообразными контактами, для которых не существовало ни государственных границ, ни расстояний.

 

Средневековая культура оказала влияние на формирование двух европейских художественных стилей того времени: романского и готического. Следует заметить, что «стиль искусства» - представляет собой фундаментальное определение организующих принципов и форм художественного мышления и творчества, характерных для определенного исторического периода развития культуры.

 

Романский стиль (латин. romanus - римский) средневековья - это первое единое стилевое направление в западноевропейской художественной культуре X - XII вв. Его появление было вызвано желанием государственной власти и церкви средневековой Европы опереться на достижения культуры бывшей Римской империи. Возникновение же термина «романский» связано, прежде всего, со стремлением найти единство в развитии европейской культуры XI-XII вв. Общие черты романского стиля во Франции, Испании, Италии, Германии, Англии не столько объясняются римским влиянием или сходством социальных условий феодального строя, сколько являются результатом единого религиозного мировоззрения. Единство в многообразии - так можно охарактеризовать сущность романского стиля: единый язык культуры, но оттенки разные.

 

Романский стиль средневековья - это время возникновения и функционирования общеевропейского монументального стиля в архитектуре, скульптуре и живописи в эпоху наивысшего расцвета феодализма. Монумент выступает как главная составляющая, прежде всего, архитектуры, подчиняя себе все другие виды искусства. Основными типами зданий являлись рыцарский замок, монастырский ансамбль, храм. Мощные конструкции архитектурных сооружений сочетались с многофигурными скульптурными композициями, в которых господствовали библейские темы и евангельские сюжеты о страданиях и неизбежной гибели человечества и торжестве христианства над темными силами мироздания. В свою очередь, в проповедях церкви и в сознании народа сформировалась идея греховности мира полного зла, соблазнов, подвластного воздействию страшных таинственных сил. Данные сюжеты иносказательно отражали характерные стороны современной жизни людей. Именно на этой основе в романском искусстве Западной Европы сложился эстетический идеал, противоположный античному. В период романики был создан и доведен до высочайшей выразительности синтез искусств. Никогда прежде все виды искусства, включая литературу, не объединялись столь целостно, полно и соразмерно. Цель такого объединения - «строительство» души человеческой и подчинение поведения индивидуума идеям упорядоченного иерархического мировоззрения. Памятники романского стиля рассеяны по всей Западной Европе. Среди них - церковь Нотр-Дам ла Гранд в Пуатье (Франция XI-XII вв.), собор в Вормсе (Германия XI-XII ее.), собор в Шартре (Франция ХIIв.), цикл фресок церкви Сен-Северен сюр Гартан в Пуату (Франция XI-XII вв.).

 

Готика, готический стиль (итал. gotico - готский, варварский) -происходит от названия германского племени готов - второе общеевропейское стилевое художественное направление, а также устойчивая система художественно-образных средств и приемов, сложившихся в западноевропейском искусстве XII-XVI веков. Характерной чертой готического стиля является единство и целостность художественных проявлений, заявивших о себе во всех видах искусства под эгидой архитектуры. Готическая архитектура, ведущим типом которой стал городской собор, отличается:

 

- динамизмом устремленных вверх форм храма;

 

- устойчивой каркасной системой остроконечных диагональных «ребер», перехваченных на вершине замочным ремнем;

 

- огромными прорезными окнами, многоцветностью витражей и гобеленов.

 

Цветные витражи - главный жанр готической живописи. Следуя романским традициям, в многочисленных нишах на фасадах готических соборов размещалось в качестве украшений громадное количество высеченных из камня статуй, аллегорических фигур, олицетворявших догматы и верования католической церкви. Продуманная архитектурная композиция соборного комплекса создавала у верующих иллюзию его Божественного происхождения и оторванности от Земли. Следует заметить, что храм выполнял не только богослужебную функцию, он был местом проведения театральных спектаклей и собраний горожан. В готическом стиле строились и здания, в которых размещались местные советы самоуправления - ратуши, являвшиеся символом независимости города. В истории культуры принято выделять три крупнейшие школы готики:

 

- французскую («пламенеющую»), которая отличалась напоминающим языки пламени узором оконных переплетов в храмах (собор Нотр-Дам в Реймсе, 1211-1311);

 

- немецкую («кирпичную»), характеризующуюся наличием церквей с узорной кладкой из глазурованного и фигурного кирпича (монастырь Мариенкирхе в Пренцлау, 1326-1340);

 

- английскую («перпендикулярную»), отличительной чертой которой явились вытянутые в длину соборы с упрощенной архитектурой (собор в Эксетере, 1275-1375).

 

Особый характер стиля носит готическая архитектура Италии. Общественные здания и городские дворцы масштабны и объемны, включают в себя элементы, связанные с исполнением оборонительных функций (палаццо Веккио во Флоренции XIV в., дворец Дожей в Венеции XIV в.). Эпоха готики - это и время расцвета книжной миниатюры, резьбы по камню, дереву и кости, обработки металла, сочетавшегося с камнями и эмалью, художественного ткачества.

 

Культурно-историческое значение готики состояло, с одной стороны, в укреплении религиозного мировоззрения, с другой - в вытеснении рационального расчета свободным полетом творческой мысли. Не случайно готика предваряла и сопровождала культуру Возрождения. До середины XVIII века готический стиль в эстетическом сознании отождествлялся с явным нарушением художественного вкуса, с «варварством». Переосмысление значения готики для европейской культуры произошло в начале XIX века в период предромантизма и оказало существенное влияние на становление европейского и американского романтизма.

 

 

16 билет. Особенности культуры Европейского средневековья

Хронологические рамки средних веков точно не определены. В основном принято считать, что средневековье охватывает период истории, следующий за историей древнего мира, - с конца V века до середины XVII века. В этот период произошло зарождение, развитие и разложение феодализма в Западной Европе. Что же было характерно для культуры средневековой Европы?

1. Вся культурная жизнь европейского общества этого периода в значительной степени определялась христианством, которое уже в IV веке становится государственной религией в Риме.

2. Появление городов, связанное с развитием рыночных отношений, развитием ремесел. С XI века возникают города на территории Англии, Германии, Нидерландов, во Фландрии, с XII века – в Скандинавских странах и Ирландии. Города считались крупными, если в них проживало 20 тыс. человек. Горожане состояли из чернорабочих, возчиков, трактирщиков, поденщиков, купечества и духовенства.

3. В XIII веке в некоторых городах Западной Европы стали открываться университеты. В 1200 году был основан Парижский университет. В XIII веке – Оксфордский и Кембриджский университеты в Англии, Саламанский – в Испании, Неополитанский – в Италии. В XIV веке основаны университеты в Чехии, Польше, Германии. В конце XV века в Европе насчитывалось 65 университов, преподавание в которых велось на латыни. Появляется светское образование.

4. Схоластика – это соединение религиозной философии и логики. Схоласты выступали за гармонию веры и разума. Крупные схоласты средневековья: Ансельм Кентерберийский, Альберт Великий и Фома Аквинский. Последний сформулировал 5 доказательств бытия бога. В конце XIX в. католическая церковь объявила Фому Аквинского вечным авторитетом в области религии, философии, истории, политики и права.

5. Алхимия и мистика получили мощное развитие именно в этот период. Вечной целью алхимиков оставалось нахождение философского камня для превращения неблагородных металлов в золото и серебро, получение эликсира долголетия, универсального растворителя. Эти бесконечные, нередко опасные опыты в итоге привели к появлению в XVIII в. науки химии.

6. К XII в. в европейском обществе сложился образ благородного рыцаря. Появляется один из новых жанров куртуазной или придворной литературы – рыцарский роман, яркими образцами которого являются «Тристан и Изольда», «Роман о Розе», «Дон Кихот», «Песнь о Роланде». Рыцарские романы были весьма популярны, они воспитывали уважение к долгу, чести и человеческой чувственности.

7. В V-VIII вв. влияние церкви на мировоззрение особенно сильно. Значительно позже оно стало ослабевать, появляются академическое образование и философское свободомыслие, появляются ереси. Ереси – это отклонение от официальной христианской догматики и культа, они носили антицерковный характер и становятся массовыми с появлением городов. В XIII в. появляется инквизиция (церковный суд) – самостоятельное учреждение под властью главы католической церкви – папы. Инквизиция с помощью пыток, запугивания вырывала у жертв признание вины.

8. Крестовые походы продолжались в течение двух столетий (1096-1270 гг.). В этих походах участвовали феодалы и рыцарство, духовенство и крестьяне. Крестовые походы принесли много бедствий странам Востока и Запада. При этом они повлияли на развитие торговли, ремесел, распространение духовного влияния Востока, а также на характер европейской культуры, появилась склонность к странствиям, к открытиям.

В культуре средневековой Европы отметим следующие достижения:

• появление новых форм живописи – монументальная храмовая живопись, мозаика, фрески, книжные миниатюры;

• активно развивалась устная поэзия, особенно героический эпос. Эти легенды исполняли певцы-музыканты (Англия, Скандинавия);

• значительное явление во французской литературе XII-XIII вв. - поэзия вагантов – странствующих поэтов;

• в английской литературе XIII в. получили распространение баллады, например «Баллада о Робине Гуде»;

• новшества в архитектуре – строительство соборов, замков, крепостей;

• появление нового стиля в архитектуре – готики. Готический стиль особенно был развит во Франции. Для него характерны высокие колонны, собранные в пучки и перекрещивающиеся на большой высоте, тонкие стены, огромные окна, украшенные витражами. Характерная черта готики – устремление зданий ввысь.

 

 

25 билет. Особенности художественной культуры 17 века. (Сойдет и для 26 билета — художественно-стилевые направления 17 века. Тут про худ. Культуру 17 века в целом.)

Семнадцатый век имел особое значение для формирования национальных культур нового времени. В эту эпоху завершился процесс локализации больших национальных художественных школ, своеобразие которых определялось как условиями исторического развития, так и художественной традицией, сложившейся в каждой стране — Италии, Фландрии, Голландии, Испании, Франции. Это позволяет рассматривать 17 век как новый этап в истории искусства. Национальное своеобразие не исключало, однако, общих черт. Развивая во многом традиции эпохи Возрождения, художники 17 века значительно расширили круг своих интересов и углубили познавательный диапазон искусства.
По сравнению с эпохой Возрождения искусство 17 века сложнее, противоречивее в содержании и художественных формах. Целостное поэтическое восприятие мира, характерное для Возрождения, разрушается, идеал гармонии и ясности оказывается недосягаемым. Но образ человека остается по-прежнему в центре внимания художника. Титаны, воспетые в произведениях искусства Возрождения, уступили место человеку, сознающему свою зависимость от общественной среды и объективных законов бытия. Его воплощение становится более конкретным, э моциональным и психологически сложным. В нем обнаруживается бесконечное разнообразие и богатство внутреннего мира, ярче и определеннее выступают национальные черты, показывается его место в обществе. Реальная жизнь раскрывается художниками 17 века в многообразии драматических коллизий и конфликтов, гротескио-сатирических и комедийных ситуаций. В литературе это время расцвета трагедии, комедии (Шекспир, Лопе де Вега, Кальдерон, Корнель, Расин, Мольер).
Художественная культура 17 века отражает сложность эпохи, подготовившей победу капиталистического строя в развитых в экономическом отношении странах Европы. К началу 17 века утверждаются революционные завоевания в Голландии — первой капиталистической стране Европы. В Англии совершается буржуазная революция 1640—1660 годов общеевропейского масштаба. Во Франции складывается классический образец абсолютистского государства. Служа интересам феодального дворянства, французский абсолютизм протекционистской политикой обеспечил рост буржуазии. Однако феодализм был еще прочен. Испания, бывшая в 16 столетии сильнейшей державой мира, превратилась в одно из отсталых реакционных государств Европы. В Италии и Германии при сохранении феодальной раздробленности формируется мелкодержавный княжеский; деспотизм. Даже в Англии буржуазия делится властью с земельной аристократией.
В борьбе за прогрессивный путь развития европейских государств важную роль играли народные движения. Протест народных масс против абсолютистского гнета и хищничества эпохи первоначального накопления составлял основное содержание общественной жизни 17 века. Развитие культуры в той или иной степени испытывало ее воздействие. Выступления передовых мыслителей против феодализма были связаны с критикой католической церкви, вновь усиливающей свое влияние и сковывающей общественную мысль. В то же время общий подъем экономики в передовых странах Европы, расцвет мануфактуры, торговли создали почву для прогресса точных и естественных наук. Великие открытия Галилея, Кеплера, Ньютона, Лейбница, Декарта в математике, астрономии, физике, философии способствовали утверждению материалистических идей (Бэкон, Гоббс, Локк, Спиноза), расширению и углублению представлений о природе и вселенной. В то время как для ученых эпохи Возрождения установление закономерностей явлений основывалось на опытном наблюдении единичного, индивидуального, мыслители 17 века исходили в своих научных теориях из целостных систем и взглядов на мир. В творчестве художников также утверждается более целостное и глубокое восприятие действительности. Получает новое истолкование понятие синтеза искусств. Отдельные виды искусства, как и отдельные произведения, утрачивают обособленность и стремятся к соединению друг с другом. Здания органически включаются в пространство улицы, площади, парка. Скульптура становится динамичной, вторгается в архитектуру и садовое пространство. Декоративная живопись пространственно-перспективными эффектами дополняет то, что заложено в архитектурном интерьере. Стремление к широкому показу действительности привело в 17 столетии к многообразию жанровых форм. В изобразительном искусстве наряду с традиционными мифологическими и библейскими жанрами самостоятельное место завоевывают светские: бытовой жанр, пейзаж, портрет, натюрморт.
Сложные взаимоотношения и борьба социальных сил порождают и разнообразие художественно-идейных течений. В отличие от предшествующих исторических периодов, когда искусство развивалось в рамках однородных больших стилей (романский стиль, готика, Возрождение), 17 век характеризуют два больших стиля — барокко и классицизм, элементы которых ярко выражены в архитектуре и в новом понимании синтеза искусств. Искусство барокко раскрывает сущность жизни в движении и борьбе случайных изменчивых стихийных сил. В крайних проявлениях искусство барокко приходит к иррационализму, к мистике, воздействует на воображение и чувство зрителя драматическим напряжением, экспрессией форм. События трактуются в грандиозном плане, художники предпочитают изображать сцены мучений, экстазов или панегирики подвигам, триумфам.
В основе искусства классицизма лежит рациональное начало. Прекрасным с точки зрения классицизма является лишь то, что упорядочено, разумно, гармонично. Герои классицизма подчиняют свои чувства контролю разума, они сдержанны и величавы. Теория классицизма обосновывает разделение на высокие и низкие жанры. В искусстве классицизма единство достигается путем соединения и соответствия всех частей целого, сохраняющих, однако, самостоятельное значение. И для барокко и для классицизма характерно стремление к обобщению, но мастера барокко тяготеют к динамичным массам, к сложным, обширным ансамблям. Часто черты этих двух больших стилей переплетаются в искусстве одной страны и даже в творчестве одного и того же художника, порождая в нем противоречия.
Наряду с барокко и классицизмом в изобразительном искусстве возникает более непосредственное мощное реалистическое отражение жизни, свободное от стилевых элементов. Реалистическое направление является важной вехой в эволюции западноевропейского искусства. Его проявления необычайно разнообразны и ярки, как в различных национальных школах, так и у отдельных мастеров. 17 веку принадлежат величайшие мастера реализма — Караваджо, Веласкес, Рембрандт, Хальс, Вермер Дельфтский. В 17 столетии на первое место выступают те национальные школы, в искусстве которых были достигнуты высшие творческие результаты. Италия, Испания, Фландрия, Голландия, Франция быстро становятся влиятельными художественными центрами. В других европейских странах — Англии, Германии, Австрии, Чехии, Польше, Дании художественная культура сохраняет отпечаток локальных свойств и взаимосвязи с традицией предшествующих эпох.

 

 

27 билет. Художественная культура 17 века в Западной Европе.

Великие географические откры╜тия, начатые еще в эпоху Возрождения, за ними ≈ коло 555d35jf 85;изация Нового Света, затем победа гелиоцентрической космогонии, теории бесконечности миров должны были потрясти сознание людей, изменить их мировоззрение. Возрожденческий антропоцентризм и наивная вера в гармонию мира уже не отвечали духовным запросам человека. Если антропоцентризм остается неколебимым, то где этот центр в бесконечности Вселенной? ╚Весь зримый мир ≈лишь едва приметный штрих в необъятном лоне природы (...) Человек в бесконечности ≈что он значит?╩ ≈писал Паскаль (╚Мысли╩) в XVII в. как бы в ответ на ренессансное представление о человеке как о ╚великом чуде╩, которое Бог поставил во главе мира. В XVII столетии человек уже понимает, что он не есть ни средоточие Вселенной, ни мера всех вещей, что он одновременно ╚венец всего сущего╩, ╚краса Вселенной╩ ≈ но и ╚квинт-эссенция праха╩, говоря словами Гамлета.

 

Разница в понимании места, роли и возможностей человека и отличает прежде всего искусство XVII столетия от Ренессанса. Это иное отношение к человеку выражено с необыкновенной ясностью и точностью тем же великим французским мыслителем Паскалем: ╚Человек всего лишь тростник, слабейшее из творений природы, но он ≈ тростник мыслящий╩. Этот ╚мыслящий тростник╩ создал в XVII в. мощнейшие абсолютистские государства в Европе, сфор╜мировал мировоззрение буржуа, которому предстояло стать одним из основных заказчиков и ценителей искусства в последующие времена. Сложность и противоречивость эпохи интенсивного об╜разования абсолютистских национальных государств в Европе оп╜ределили характер новой культуры, которую принято в истории искусства связывать со стилем барокко, но которая не исчерпыва╜ется только этим стилем. XVII столетие ≈ это не только искусство барокко, но и классицизм, и реализм.

 

Мировоззрение Ренессанса строилось прежде всего на безгра╜ничной вере в гармонию мира, в силу и волю человека-героя, в то, что человек ≈ мера всех вещей. Возрождение дало нам примеры объединения науки и искусства в одной творческой индивидуаль╜ности. Мировоззрение XVII столетия пронизано ощущением тра╜гического противоречия человека и мира, в котором он занимает совсем не главное место, а растворен в его многообразии, подчинен среде, обществу, государству. Наука и искусство, углубившись, уже не идут рука об руку; никогда не объединяются в одном лице.

 

Отражая сложную атмосферу времени, барокко соединило в себе, казалось бы, несоединимые элементы. Черты мистики, фан╜тастичности, иррациональности, повышенной экспрессии удиви╜тельно уживаются в нем с трезвостью и приземленностью, с истинно бюргерской деловитостью. При всей своей противоречивости ба╜рокко вместе с тем имеет вполне выраженную систему изобрази╜тельных средств, определенные специфические черты. В нем пре╜обладает в религиозной тематике интерес к сюжетам чудес и мученичества, где смогли ярко проявиться излюбленные для этого стиля гиперболичность, аффектированность, патетика. Последнее, впрочем, не менее характерно и для светских сюжетов.

 

Величавость, сдержанность, статичность искусства Ренессанса сменяются любовью к динамике. На смену ренессансному чувству меры и ясности приходит искусство, построенное на контрастах, асимметрии, искусство, тяготеющее к грандиозности, перегружен╜ности декоративными мотивами.

 

Для барокко характерна живописная иллюзорность, желание обмануть глаз, выйти (например, в плафоне) из пространства изображенного в пространство реальное. Барокко тяготеет к ансам╜блю, к организации пространства: городские площади, дворцы, лестницы, фонтаны, парковые террасы, партеры, бассейны, боскеты; городские и загородные резиденции построены на принципе синтеза архитектуры и скульптуры, подчинения общему декоратив╜ному оформлению.

 

Барокко в живописи предпочитает линии живописное пятно, массу, светотеневые контрасты, с помощью которых и лепится форма. Оно нарушает принципы деления пространства на планы, принципы прямой линейной перспективы (которой столько сил отдали художники Кватроченто и с которой более вольно обраща╜лись мастера Высокого Возрождения) для усиления глубинности, иллюзии ухода в бесконечность.

 

Парковые и дворцовые ансамбли, культовая архитектура, деко╜ративная живопись и скульптура, находящиеся в тесной зависимо╜сти от архитектуры, парадный, репрезентативный портрет стано╜вятся основными видами искусства барокко. Натюрморт и пейзаж как самостоятельные жанры, равно как и жанр анималистический, дополняют картину развития изобразительных искусств этой эпохи.

 

Место и время развития барокко ≈ XVII век и прежде всего те страны, где торжествовали феодальные силы и католическая цер╜ковь. Это сначала Италия, где барокко нашло ярчайшее развитие в архитектуре (барочный Рим превалирует над современным и даже над античным), затем Испания, Португалия, Фландрия, оставшаяся под владычеством Испании, несколько позже ≈ Германия, Авст╜рия, Англия, Скандинавия, Восточная Европа, Новый Свет. В XVIII в. барокко нашло своеобразное и блестящее развитие в России. Ни во Франции, ни в Голландии барокко не получило первенствующей роли. За исключением некоторых стран, оно за╜тухает в Европе в начале XVIII в., уступая место рококо.

 

Основные пути развития искусства XVII в. определяют ведущие национальные школы: итальянская, испанская, фламандская, гол╜ландская и французская,≈хотя, несомненно, ими не исчерпыва╜ется все многообразие художественной жизни Западной Европы этого столетия.

 

 

30 билет. Художественная культура в Западной Европе эпохи просвещения

Основные тенденции социального и идейного развития Западной Европы 18 века в различных странах проявляли себя неравномерно. Если в Англии промышленный переворот, совершившийся в середине 18 столетия, закрепил компромисс буржуазии и дворянства, то во Франции антифеодальное движение имело более массовый характер и готовило буржуазную революцию. Общим для всех стран был кризис феодализма, его идеологии, формирование широкого общественного движения — Просвещения, с его культом первичной нетронутой Природы и Разума, ее оберегающего, с его критикой современной испорченной цивилизации и мечтой о гармонии благостной природы и новой демократической цивилизации, тяготеющей к естественному состоянию.

Восемнадцатый век — век Разума, всеразрушающего скепсиса и иронии, век философов, социологов, экономистов; развивались связанные с техникой точные естественные науки, география, археология, история, материалистическая философия. Вторгаясь в умственный обиход эпохи, научные знания создали и для искусства фундамент точного наблюдения и анализа действительности. Просветители провозгласили целью искусства подражание природе, но природе упорядоченной, усовершенствованной (Дидро, А. Поп), очищенной разумом от пагубного воздействия рукотворной цивилизации, созданной абсолютистским режимом, общественным неравенством, праздностью и роскошью. Рационализм философско-эстетической мысли 18 века, однако, не подавлял свежести и искренности чувства, но порождал устремленность к соразмерности, изяществу, гармонической завершенности художественных явлений искусства, начиная с архитектурных ансамблей и кончая прикладным искусством. Просветители придавали огромное значение в жизни и искусстве чувству — средоточию благороднейших устремлений человечества, чувству, жаждущему целеустремленного действия, заключающего в себе силу, революционизирующую жизнь, чувству, способному возродить исконные добродетели «естественного человека» (Дефо, Руссо, Мерсье), следующего естественным законам природы.

Афоризм Руссо «Человек велик только своими чувствами» выражал одну из примечательных сторон общественной жизни 18 столетия, породившей углубленный утонченный психологический анализ в реалистическом портрете и жанре, поэзией чувств проникнуты лирический пейзаж (Гейнсборо, Ватто, Берне, Робер) «лирический роман», «поэмы в прозе» (Руссо, Прево, Мариво, Фильдинг, Стерн, Ричардсон), она достигает высшего выражения в подъеме музыки (Гендель, Бах, Глюк, Гайдн, Моцарт, оперные композиторы Италии). Героями художественных произведений живописи, графики, литературы и театра 18 века стали, с одной стороны, «малые люди» — люди, как все, поставленные в обычные условия эпохи, не избалованные достатком и привилегиями, подверженные обыкновенным естественным движениям души, довольствующиеся скромным счастьем. Художников и писателей в них восхищали искренность, наивная непосредственность души, близкая природе. С другой стороны, в центре внимания — идеал эмансипированного цивилизованного интеллектуального человека, порожденного просветительской культурой, анализ его индивидуальной психологии, разноречивых душевных состояний и чувств с их тонкими оттенками, нечаянными порывами и рефлектирующими настроениями.

Острая наблюдательность, утонченная культура мысли и чувства характерны для всех художественных жанров 18 века. Художники стремились запечатлеть разнообразные в оттенках обыденные жизненные ситуации, самобытные индивидуальные образы, тяготели к занимательным повествованиям и феерической зрелищности, острым конфликтным действиям, драматическим интригам и комедийно построенным фабулам, утонченному гротеску, буффонаде, грациозным пасторалям, галантным празднествам.

Новые проблемы были выдвинуты и в архитектуре. Уменьшилось значение церковного строительства, и возросла роль гражданской архитектуры, изысканно простой, обновленной, освобожденной от излишней импозантности. В некоторых странах (Франция, Россия, отчасти Германия) решались проблемы планировки городов будущего. Рождались архитектурные утопии (графические архитектурные пейзажи — Джованни Баттиста Пиранези и так называемая «бумажная архитектура»). Становились характерными тип частного, обычно интимного жилого дома и городские ансамбли общественных зданий. Вместе с тем в искусстве 18 века по сравнению с предшествующими эпохами снизились синтетическое восприятие и полнота охвата жизни. Нарушилась былая связь монументальной живописи и скульптуры с архитектурой, в них усилились черты станковизма и декоративности. Предметом особого культа стало искусство быта, декоративных форм. Вместе с тем возросло взаимодействие и взаимообогащение различных видов искусства, достижения, обретенные одним видом искусства, свободнее использовались другими. Так, было весьма плодотворным влияние театра на живопись и музыку.

Искусство 18 века прошло два этапа. Первый продолжался до 1740—1760 годов. Он характеризуется видоизменением поздних форм барокко в декоративный стиль рококо. Своеобразие искусства первой половины 18 века — в сочетании остроумного и насмешливого скептицизма и изысканности. Это искусство, с одной стороны, утонченное, анализирующее нюансы чувств и настроений, устремленное к изящной интимности, сдержанному лиризму, с другой стороны, тяготеющее к «философии наслаждения», к сказочным образам Востока — арабов, китайцев, персов. Одновременно с рококо развивалось реалистическое направление — у некоторых мастеров оно приобрело острообличительный характер (Хогарт, Свифт). Открыто проявлялась борьба художественных направлений внутри национальных школ. Второй этап связан с углублением идеологических противоречий, ростом самосознания, политической активности буржуазии и народных масс. На рубеже 1760—1770-х годов. Королевская Академия во Франции выступила против искусства рококо и пыталась возродить парадный, идеализирующий стиль академического искусства конца 17 века. Галантный и мифологический жанры уступили место историческому с сюжетами, заимствованными из римской истории. Они были призваны подчеркивать величие утратившей авторитет монархии в соответствии с реакционным истолкованием идей «просвещенного абсолютизма». Представители передовой мысли обратились к наследию античности. Во Франции граф де Кейлюс открыл научную эру исследований в этой области («Собрание древностей», 7 томов, 1752—1767). В середине 18 века немецкий археолог и историк искусств Винкельман («История искусства древности», 1764) призывал художников вернуться к «благородной простоте и к спокойному величию древнего искусства, несущего в себе отражение свободы греков и римлян эпохи республики». Французский философ Дидро нашел в античной истории сюжеты, обличающие тиранов, призывающие к восстанию против них. Возник классицизм, противопоставивший декоративности рококо естественную простоту, субъективному произволу страстей — познание закономерностей реального мира, чувство меры, благородство мысли и поступков. Художники впервые изучали древнегреческое искусство на вновь открытых памятниках. Провозглашение идеального, гармоничного общества, примат долга над чувством, пафос разума — общие черты классицизма 17 и 18 веков. Однако классицизм 17 века, возникший на почве национального объединения, развивался в условиях расцвета дворянского общества. Для классицизма 18 века характерна антифеодальная революционная направленность. Он был призван объединить прогрессивные силы нации для борьбы с абсолютизмом. За пределами Франции классицизм не имел революционного характера, которым он отличался в первые годы французской революции.

Одновременно с классицизмом, испытывая его воздействие, продолжало жить реалистическое направление. В нем наметились рационалистические тенденции: художники стремились обобщать жизненные явления.

Во второй половине 18 века зародился сентиментализм с его культом чувства и страсти, преклонением перед всем простым, наивным, искренним. Возникло и связанное с ним предромантическое направление в искусстве, пробудился интерес к средневековью и народным формам искусства. Представители этих течений утверждали ценность благородных и активных чувств человека, раскрывали драматизм его конфликтов с окружающей средой, побуждавших к вмешательству в реальные общественные дела во имя торжества справедливости. Они прокладывали путь «к познанию человеческого сердца и магическому искусству представлять глазам зарождение, развитие и крушение великой страсти» (Лессинг) и выражали назревавшую потребность в искусстве взволнованном, патетическом.

 

31 билет. Особенности художественной культуры 19 века.

В ЕВРОПЕ И АМЕРИКЕ:

На протяжении 19 века капитализм становится господствующей формацией не только в Европе, но и на других континентах. Именно в этот период резко обостряется борьба двух культур — прогрессивной демократической и реакционной буржуазной. Выражая передовые идеи времени, реалистическое искусство 19 века утверждало эстетические ценности действительности, воспевало красоту реальной природы и человека труда. От предшествующих веков реализм 19 века отличался тем, что непосредственно отражал в искусстве основные противоречия эпохи, социальные условия жизни людей. Критические позиции определили основу метода реалистического искусства 19 века. Его наиболее последовательным воплощением было искусство критического реализма — наиболее ценный вклад в художественную культуру эпохи.

Неравномерно развивались различные области культуры 19 века. Высочайших вершин достигает мировая литература (Виктор Гюго, Оноре Бальзак, Анри Стендаль, Федор Достоевский, Лев Толстой), музыка (Иоганн Бетховен, Фредерик Шопен, Рихард Вагнер). Что касается архитектуры и прикладного искусства, то после подъема, определившего стиль ампир, оба эти вида искусства переживают кризис. Происходит распад монументальных форм, стилевого единства как целостной художественной системы, охватывающей все виды искусства. Наиболее полное развитие получают станковые формы живописи, графика и отчасти скульптура, тяготеющая в лучших проявлениях к монументальным формам.

 

Домье. Собиратели гравюр

1859, Музей Лувр, Париж

 

Курбе. Девушка в белых чулках

1861, Собрание Барнса, Мэрион

 

Мане. Бар в Фоли-Бержер

1882, Галерея Кортолда, Лондон

При национальном своеобразии в искусстве любой капиталистической страны усиливаются общие черты: критическая оценка явлений жизни, историзм мышления, то есть более глубокое объективное понимание движущих сил общественного развития как прошлых исторических этапов, так и современности. Одно из главных завоеваний искусства 19 века — разработка исторической тематики, в которой впервые раскрывается роль не только отдельных героев, но и народных масс, конкретнее воссоздается историческая среда. Широкое распространение получают все виды портрета, бытовой жанр, пейзаж с ярко выраженным национальным характером. Расцвет переживает сатирическая графика.

С победой капитализма главной заинтересованной силой в ограничении и подавлении реалистических и демократических тенденций искусства становится крупная буржуазия. Творения передовых деятелей европейской культуры Констебла, Гойи, Жерико, Делакруа, Домье, Курбе, Мане часто подвергались гонениям. Выставки заполнялись вылощенными работами так называемых салонных художников, то есть занимавших господствовавшее место в художественных салонах. В угоду вкусам и запросам буржуазных заказчиков они культивировали поверхностное описательство, эротические и развлекательные мотивы, дух апологетики буржуазных устоев и милитаризма.

Еще в 1860-х годах Карл Маркс заметил, что «капиталистическое производство враждебно известным отраслям духовного производства, например искусству и поэзии». Искусство интересует буржуазию главным образом либо как выгодное вложение средств (коллекционирование), либо как предмет роскоши. Конечно же, встречались коллекционеры с истинным пониманием искусства и его назначения, но это были единицы, исключения из правил. В целом же, выступая законодателем вкусов и основным потребителем искусства, буржуазия навязывала художникам свое ограниченное понимание искусства. Развитие массового широкого производства с его обезличенностью, расчетом на рынок влекло за собой подавление творческого начала. Разделение труда в капиталистическом производстве культивирует одностороннее развитие личности, лишает сам труд творческой цельности. Говоря о враждебности капитализма искусству, Маркс и Энгельс не имели в виду вообще невозможность художественного прогресса в 19—20 веках. Основоположники научного коммунизма давали в своих трудах высокую оценку завоеваниям, например, критического реализма 19 века.

Демократическая линия искусства, раскрывающая роль народа как движущей силы истории и утверждающая эстетические ценности демократической культуры нации, проходит ряд этапов развития. На первом этапе, от Великой Французской революции 1789—1794 годов до 1815 года (времени национально-освободительной борьбы народов против наполеоновской агрессии), эксплуататорская сущность буржуазного общества не была еще полностью осознана. Демократическое искусство формируется в борьбе с пережитками дворянской художественной культуры, а также с проявлениями ограниченности буржуазной идеологии. Высшие достижения искусства в это время были связаны с революционным пафосом народных масс, веривших в победу идеалов свободы, равенства и братства. Это период расцвета революционного классицизма и зарождения романтического и реалистического искусства.

Второй этап, от 1815 до 1849 года, приходится на время утверждения капиталистического строя в большинстве стран Европы. В передовом демократическом искусстве этого этапа свершается переход к решительной критике эксплуататорской сущности буржуазного общества. Это период наивысшего расцвета революционного романтизма и сложения искусства критического реализма.

С обострением классовых противоречий между буржуазией и пролетариатом, достигающих апогея во время Парижской коммуны (1871), еще сильнее обозначается антагонизм между реакционной буржуазной и демократической культурами. В конце 19 века критика капиталистического уклада как в литературе, так и в произведениях изобразительного искусства ведется с позиций крепнущего мировоззрения революционного пролетариата.

В РОССИИ:

В I половине XIX века русская культура совершает стремительный рывок. Этот период можно назвать первым этапом развития русской классики.

Первые десятилетия XIX в. в России прошли в обстановке всенародного подъема национального самосознания, связанного с Отечественной войной 1812 г. В умах людей зародились надежды на перемены к лучшему. Идеи того времени нашли выражение в поэзии молодого Пушкина. Война 1812 г. и восстание декабристов 1825 года во многом определили характер русской культуры первой трети столетия.

Особенно остро противоречия времени обозначились в 40-е годы. Именно тогда началась революционная деятельность А.И. Герцена, с блестящими критическими статьями выступил В. Г. Белинский, страстные споры вели западники и славянофилы.

Общественный подъем в России сопровождался динамичным развитие всех видов искусства. Русские писатели, художники, музыканты считали важнейшей задачей искусства воспитание в соотечественниках гражданственности, патриотизма, сострадания у ближнему.

В литературе и искусстве появляются романтические мотивы, что естественно для России, уже более столетия вовлеченной в общеевропейский культурный процесс. Путь от классицизма к критическому реализму через романтизм определил условное разделение истории русского искусства первой половины XIX в. как бы на два этапа, водоразделом которых явились 30-е годы.

Многое изменилось по сравнению с XVIII в. в изобразительных, пластических искусствах. Возросли общественная роль художника, значимость его личности, его право на свободу творчества, в котором теперь все более остро поднимались социальные и нравственные проблемы.

Рост интереса к художественной жизни России выразился в создании определенных художественных обществ и издании специальных журналов: «Вольного общества любителей словесности, наук и художеств» (1801), «Журнала изящных искусств» сначала в Москве (1807), а затем в Петербурге (1823 и 1825), «Общества поощрения художников» (1820), «Русского музеума...» П. Свиньина (1810-е годы) и «Русской галереи» в Эрмитаже (1825), провинциальных художественных школ, вроде школы А.В. Ступина в Арзамасе или А.Г. Вен