Артистические профессии средневековья

Одной из проблем исторического искусствознания, по мнению исследователя средневековой музыкальной культуры М. Сапонова, - является ограничение изучения средневековья сферой официальной – ученой и церковной музыки. Чисто «христианское средневековье есть легенда», – утверждает французский ученый Ж. Делюмо. В духовной культуре общества сосуществовали официальная (религиозная) и неофициальная (мирская) традиции. Именно светская народная культура дает возможность представить все стороны средневековой жизни. Свидетельством многообразия последней служит литература 12-13 веков, где находится обилие данных о самых разных музыкальных традициях средневекового быта: музыке фольклорной, сельской, дворцовой, башенной, военной, турнирной, домашней.

Впервые бытовая музыка средневековья была описана и систематизирована в трактате “De musica” Иоанна де Грокейо. В нем автор выделяет три рода музыки:

Церковная музыка – регламентированная нормами богослужебной практики и зафиксированная в установлениях Римской католической церкви традиция григорианского пения.
Ученая музыка (canonica), следующая правилам, упорядоченная (regularis) – авторское профессиональное творчество, в русле которого вырабатываются приемы композиторской техники.
Популярная (cantuspublicus) или бытовая музыка (musica vulgaris, musica simplex, musica civilis).

Бытование cantus publicus характеризует устная традиция. Она звучала на празднествах, застольях, при дворах. Это не фольклор и не сочинения клириков; это продукция особого профессионализма – менестрельного, основанного на устных навыках и самобытной поэтике. Причем, устность является не просто одним из способов передачи информации, а признаком особого состояния художественной культуры на определенном этапе ее развития.

В письменных источниках XII-XV веков встречаются различные определения носителей артистического профессионализма: используются слова «жонглер», «шпильман», «менестрель», причем они употребляются в одном и том же круге значений. Так у Кретьена де Труа[92] даже в пределах одной сцены музыкантов называют то жонглерами, то менестрелями.

Жонглер (франц. jongleur, от лат. joculator) в переводе означает шутник и этим словом обозначали странствующих комедиантов и музыкантов в средневековой Франции. Иногда их называли гистрионами. В Германии им родственны шпильманы, в России — скоморохи. Слово менестрель происходит от латинского menestrallus, производного от mestier – «мастерство», «ремесло», «профессия». И, пожалуй, именно этот термин логичнее всего использовать в качестве определяющего понятия для артистических профессий средневековья, составляющих основу средневековой народной культуры и представляющих устойчивую профессиональную традицию.

Главные разновидности менестрельного артистического профессионализма М. Сапонов объединяет в 4 группы:

1. Зрелищно-цирковой профессионализм (акробаты, эквилибристы, канатоходцы, иллюзионисты, дрессировщики, танцоры и танцовщицы.

2. Профессионализм поющих поэтов, аккомпанирующих себе на струнных инструментах.

3. Профессионализм менестрелей-инструменталистов, владевших игрой на нескольких инструментах, а также навыками ансамблевого музицирования.

4. Синтетические, промежуточные формы профессионализма, основанные на смешанных, межремесленных навыках.

Жанровая сфера, характеризующая профессиональную деятельность поющих поэтов, в трактате Грокейо обобщается в понятии cantus publicus. У Грокейо cantus publicus различаются двояко: «их исполняют либо голосом, либо на изготовленных музыкальных инструментах». «Те [формы], что поются, различаются двояко. Называем их либо кант, либо шансон… И кант, и шансон разделяем трояко. К канту относим либо жесту, либо орнаментированное (коронованное) пение, либо куплетное, а к шансон – либо рондель, либо дукцию».

Сantus publicus

Вокальные с.р. Инструментальные с.р.

Кант Шансон

Жеста Рондель

Орнаментированное пение Дукция

Куплетное пение

Кратко поясним каждый из упомянутых Грокейо жанров.

Жеста – пение героического эпоса и близких ему фабульных повествований.

Орнаментированное пение – cantus-coronatus – изысканно-виртуозный стиль с импровизированными диминуциями[93].

Куплетное пение – силлабически-отчетливый непритязательный cantus-versiculatus (строфический напев).

Группа шансон (cantilena). Рондель («наподобие круга в себе замыкается») подчиняется строгой норме: его мелодия и рифмы должны полностью излагаться уже в рефрене, не изменяясь в дальнейшем в строфе. Эстампи, как и дукция – более свободна, мелодия строфы и ее рифмы не обязаны во всем следовать рефрену. «Рефрен – это то, чем начинается и заканчивается всякая шансон. Дополнения же различаются в ронделе, в дукции и в эстампи. В ронделе они совпадают с рефреном в напеве и рифмовке. В дукции и эстампи некоторые различаются, а другие совпадают мелодически и в рифмах».

Chanson de carole – песня с танцем. Еще одно название дукции – танцевальная шансон.

У менестрелей было гораздо больше разновидностей и наименований инструментов, чем у профессиональных музыкантов последующего времени. Ансамбли при княжеских дворах были весьма пестрыми по составу. Существовало множество местных традиций, вариантов в структуре и строе одних и тех же инструментов, различались манера и школы игры, типы виртуозности.

В целом, можно выделить несколько основных групп инструментов:

· Струнные-смычковые – виела, ребек, крут (смычковая лира) и т.д.

Сугубо профессиональным инструментом менестрелей являлась виела – символ и чуть ли не единственный инструмент, упоминаемый в старопровансальских жизнеописаниях. Это один из главных атрибутов музыкальной жизни Средневековья. Виела – общее названий средневековых струнных смычковых инструментов с лютнеобразным или гитарообразным корпусом и прикрепленным к нему грифом (в немецко-язычных странах - фидель). Первоначально виела имела 3 или 4 струны. С 13 века появляется 5-ти струнная виела – 4 струны были натянуты с определенной высотой, одна струна использовалась в качестве бурдона[94]. Играли на виеле, держа на коленях, в дальнейшем она переместилась на плечо, тем самым, позволив исполнителю играя свободно двигаться и даже танцевать.

Ребек – трехструнный инструмент грушевидной формы с длинной головкой и квинтовым строем, обладающий сильным, резким звуком. Существовал в нескольких разновидностях: дискант, тенор, бас.

· Струнные-щипковые – арфа, рота (по своей форме близка античной лире), псалтерий (инструмент напоминает гусли), цистер и т.д.

Арфа – один из наиболее распространенных инструментов. Она существовала в локальных вариантах и в каждой стране имела свое название. Ее использовали как профессиональные исполнители, так и любители. В средневековой иконографии арфе уделяется особое внимание.

· Орган-портатив – переносной (чаще на ремне через плечо) орган, на котором правой рукой играют, а левой управляются с мехами, накачивая туда воздух. Инструмент одноголосный, с ровным светлым тембром – он очень быстро превратился в один из популярных инструментов жонглеров.

· Духовые инструменты.

Одно из высших мест в социальной иерархии инструментов занимали трубы, издающие «громогласные звуки». В «Песне о Роланде» описаны различные функции военных трубачей: сигналы построения, тревоги, сбора в поход, атаки, боевые сигналы во время битвы, сигналы к отходу. Большую роль трубачи играли во время турниров. Чаще всего трубы объединялись с барабанами. И даже в обыденной жизни использовались сигналы трубачей: «Когда еду приготовили, слуги затрубили к омоновению рук, играли на двух трубах».

Среди других духовых инструментов были распространены флейты, двойные флейты, шалмеи (деревянный духовой инструмент с двойной тростью, прямым каноническим стволом и широким раструбом). Расширение регистра в нижней части шалмея привело к созданию бомбарды – ближайшего предка фагота, звук которой был достаточно грубым и невыразительным.

Помимо этого, в менестрельной практике использовалась и волынка– духовой язычковый инструмент. В мех (воздушный резервуар из кожи или пузыря животного) вделаны маленькая трубочка для нагнетания воздуха и несколько игровых трубок: одна с игровыми отверстиями (на ней исполняли мелодию) и одна-две басовые, звучащие как бурдон.

С XI века в инструментальной практике появился духовой мундштучный инструмент цинк (рожок) с чашеобразным мундштуком. Инструмент имел 7 отверстий (6 с внешней стороны и 1 с внутренней), его обтягивали кожей, благодаря чему он приобретал более мягкое тембровое звучание (позднее в Италии – корнет).

Сакбут – медный мундштучный инструмент, напоминающий по своей форме тромбон.

· Среди ударных инструментов, наряду с барабанами использовались бубен, кастаньеты, тарелки, колокольчики, треугольники, тамбурин (род барабана небольшого диаметра в форме вытянутого цилиндра с двумя кожаными мембранами).

Большую роль в жизни городов и сел играл колокольный звон, выполнявший различные функции: времяизмерительные, информативные, календарные, ярмарочные, сигнала тревоги и т.д.

В русле менестрельного профессионализма необходимо рассматривать и рыцарское музыкально-поэтическое искусство – поэзию трубадуров, труверов и минезингеров.

Яркой звездой на небосклоне Средневековья сверкнула поэзия трубадуров [95]. Два столетия продолжалась эпоха трубадуров – певцов Любви и Прекрасной Дамы. За это время они успели создать рифмованную лирическую поэзию на новом романском языке, наметить основные направления и формы европейской поэзии, а главное, определили модель любовного переживания, ставшую неотъемлемой частью европейской «культуры чувств». Новое куртуазное[96] мировоззрение, выработанное трубадурами, кардинально изменяло взгляд на женщину, внушаемый церковью. Из «сосуда греха» женщина превратилась в высшее существо, служение которому составляло цель жизни куртуазного рыцаря. Причем рыцаря вела не любовь-обладание, а любовь-служение, совершенствующая и возвышающая душу – идеальная любовь. Соотносясь с общей идеей служения, пронизывающей средневековый мир (вилланы служат феодалу, вассал служит своему сеньору, король служит опорой церкви, церковь служит Господу), это была любовь-служение. Сведений о повседневной жизни трубадуров сохранилось мало. Трубадуры - знатные сеньоры жили в замках, трубадуры - бедные рыцари проводили жизнь в странствиях, стремясь найти богатого и щедрого покровителя. Поэты слагали стихи о мирской любви на окситанском языке, сочиняли к ним музыку и чаще всего, сами же исполняли.

Прославление любви в стихах, положенных на музыку, с использованием каждый раз новой метрической формы – вот изобретение трубадуров. В основу нового стихосложения, основанного на количестве слогов, было положено место ударного слога в конце стиха, а вскоре изобретена рифма.

Среди основных жанров рыцарского музыкально-поэтического творчества:

· Кансона – песня лирического содержания, отличающаяся изысканным и сложным строением строфы.

· Альба – строфическая песня с одинаковым завершением каждой строфы, рисующая расставание влюбленных на заре.

· Пасторела – лирическая песня, изображающая встречу рыцаря с пастушкой.

· Баллада – плясовая песня.

· Сервента – песня политического или общественного содержания.

· Тенсона – спор-диалог двух поэтов.

· Плач – выражает печаль поэта по поводу утраты кого-либо.

На севере Франции средневековых поэтов-певцов именовали труверами (франц. trouvere, от trouver — находить, придумывать). Труверы также писали повести, куртуазные романы (Кретьен де Труа), драмы (Жан Бодель), лирические стихи (Гас Брюле). Искусство труверов, близкое народу, отражало влияние трубадуров, но было более рассудочным.

Дошедшее до нас музыкальное наследие трубадуров достаточно скромно: на более чем 2,5 тысячи поэтических текстов приходится лишь около 250 мелодий. Мелодий труверов на старофранцузском сохранилось около 1400. Среди них много версий одного и того же напева. Долгое время напевы передавались в устной традиции. Всего в распоряжении исследователей имеются 4 рукописных сборника: два хранятся в Национальной библиотеке в Париже (1253-54 гг. и 1240г.), один записан в Тулузе и один в Ломбардии. Мелодии зафиксированы квадратной нотацией. Среди крупнейших авторов – Маркабрюн, Бертран де Борн, Джауфре Рюдель, Арнаут Даниэль, Пейре Видаль, Гильем де Кабестань и др.

Под сильным воздействием поэзии романских трубадуров и труверов складывается куртуазная лирика миннезингеров (нем. Minnesinger — певец любви) - немецких рыцарских поэтов-певцов XII-XIV вв. Главными темами немецкого миннезанга являются служение Даме, высокая любовь, переживания лирического героя. Основные жанры, в которых творили немецкие миннезингеры, это любовная песнь (Minnelied), песнь рассвета (Tagelied), лейх (Leich), шпрух (Spruch). Большинство поэтических форм миннезанга связано с романскими образцами. Так, Tagelied (дневная песнь, песнь рассвета) восходит к альбе, а Minnelied и Minnekanzone (любовная песня) к канцоне. Французская поэзия была адаптирована немецкой в тех областях, которые могли считаться отражением дворянской рыцарской и придворной культуры Франции. Немецкие авторы стремились к наиболее точной передаче новых французских придворных веяний. В основном немецкие переработки отличаются от оригиналов в определенных аспектах: меньшую роль играет чувственный элемент, сильные эмоции смягчаются, черты типизации и идеализации усиливаются. Первыми миннезингерами считаются Кюренберг и Дитмар фон Айст, расцвет миннезанга связан с именами Вальтера фон дер Фогельвейде, Вольфрама фон Эшенбаха, Гартмана фон Ауэ, Генриха фон Морунгена. К миннезингерам позднего периода относят Нейдхарта и Тангейзера.

Ваганты (от лат. vagantes — бродячие) - создатели латиноязычной поэзии, расцвет которой приходится на западноевропейское «высокое» Средневековье (конец XI — начало XIII вв.), когда в средневековых городах множатся школы, возникают первые университеты и складывается первая в истории Европы ситуация избытка образованных людей. Ваганты — клирики, не имевшие постоянного прихода и скитавшиеся от одного епископского подворья к другому, школяры и студенты, странствовавшие из города в город в поисках знаний и лучших учителей, беглые монахи. Их объединяет причастность к латиноязычной культуре и существование «на обочине» общества. Само название вагантов — голиарды[97] (goliard, возможный перевод «обжоры», «винопийцы»; от лат. gula — глотка), произвольно возводили к имени их мифического прародителя — стихотворца-обжоры верзилы Голиарда, отождествлявшегося с Голиафом вследствие созвучия двух имен.

Поэзия вагантов — органичная часть средневековой клерикальной литературы и культуры. Вместе с тем, она тесно связана со средневековой народной смеховой культурой, наивысшим проявлением которой были карнавальные празднества. Подобно карнавалу, поэзия вагантов творит рядом с миром жестокой повседневности, всеобщей регламентации и аскезы особый «второй» смеховой мир, являющийся вывороченным наизнанку кривозеркальным подобием первого. Размеры и строфика духовных песнопений используются вагантами для восхваления беззаботной распутной жизни, веселого времяпрепровождения в кабаке за игрой в карты и в кости, для воспевания достоинств и прелестей возлюбленных — девиц легкого поведения, для обличения жадности и лицемерия высокопоставленных церковников. Высмеивая эти и другие пороки отдельных церковников и даже клира в целом (разврат, невежество, злобу), ваганты, в конечном счете, стремятся к очищению мира от греха. Подобно карнавалу, поэзия вагантов нацелена не на разрушение, а на конечное утверждение существующего мироустройства и христианской этики.

Помимо церковной поэтической традиции, истоками лирики вагантов являются вновь открытая в XI-XII вв. римская поэзия (прежде всего, лирика «певца любви» Овидия) и народная обрядовая поэзия (отсюда — распространенность в поэзии вагантов «весенних песен», жанра прения).

Вагантская поэзия сохранилась в рукописных сборниках XIII-XIV вв.. Среди них самый объемный (содержит около 250 произведений) — «Кармина Бурана» (Carmina Burana), рукопись которого была обнаружена в 1803 году в одном из монастырей возле южнонемецкого города Берена (в лат. огласовке Беурана). Большая часть вагантской лирики анонимна.

Искусство Европы XIV века

XIV столетие принято называть «осенью средневековья». В Италии уже творили Данте, Петрарка, Джотто, а в остальных странах расцветает стиль «пламенеющей готики». Ведущим архитектурным типом стал городской собор: каркасная система готической архитектуры (стрельчатые арки опираются на столбы; боковой распор крестовых сводов, выложенных на нервюрах, передается аркбутанами на контрфорсы) позволила создавать небывалые по высоте и обширности интерьеры соборов, прорезать стены огромными окнами с многоцветными витражами. Устремление собора ввысь выражено гигантскими ажурными башнями, стрельчатыми окнами и порталами, изогнутыми статуями, сложным орнаментом, необъятными лабиринтами внутренних ниш и переходов. Избыточное количество деталей, прорастающих сквозь все поверхности и линии архитектурных форм, становится отличительной чертой. Развивались градостроительство и гражданская архитектура (жилые дома, ратуши, торговые ряды, городские башни с нарядным декором). В скульптуре, витражах, живописных и резных алтарях, миниатюрах, декоративных изделиях символико-аллегорический строй сочетается с новыми духовными устремлениями, лирическими эмоциями; расширяется интерес к реальному миру, природе, богатству переживаний. В XV-XVI вв. готику сменяет Возрождение.

В социально-политическом плане период XIV века – смутное время европейской истории. Обрушившаяся эпидемия чумы (1347-1353) унесла жизни 24 млн. человек. Конфликт Англии и Франции перерос в Столетнюю войну (1337-1453). Рыцарские идеалы вырождались. В среде духовенства царили разврат и продажность (см. роман Фр. Рабле «Гаргантюа и Пантагрюэль»).

Около 1320 года в Париже был создан трактат Филиппа де Витри “Ars Nova”- «Новое искусство» [98]. Сегодня он считается одним из самых знаменитых памятников того времени. Он дал название целой эпохе западноевропейской музыки. Вслед за автором трактата предшествующий XIV веку период принято именовать ars antique (XIII век). Эти два столетия, тем не менее, не столько противопоставляются друг другу, сколько воспринимаются в последовании одного за другим: более поздний период дополняет, совершенствует достижения более раннего.

20-е годы XIV века – прежде всего новый этап в практике и теории ритмической нотации – совершается переход от модусной ритмики к мензуральной. Помимо этого, произошли существенные изменения в системе музыкальных жанров. Наряду с духовными, благодаря взаимодействию традиций полифонической музыки и менестрельного искусства, развиваются светские жанры. Значительное место стало уделяться полифонической песне: расцветают жанры баллады, рондо, виреле и ле во Франции; мадригала, баллаты и каччи – в Италии. XIV век – начало формирования авторских музыкальных стилей. В этот период складываются самобытные национальные композиторские школы во Франции и Италии.

Ключевая фигура во Французской музыке XIV века – Филипп де Витри. Знаменитый поэт, композитор и музыкальный теоретик Филипп Витрийский (родом из города Витри в Шампани) родился 31 октября 1291 года, умер 9 июня 1261 года в Париже. Учился в Сорбонне, получил степень магистра искусств. Помимо поэзии и музыки, его интересовали философия, математика, астрономия и древняя литература. Он был крупным политическим и церковным деятелем эпохи, министром и советником трех французских королей. Последние 10 лет своей жизни - епископом в Мо. Сохранилось немногим более 10 мотетов[99] Витри (Н. Симакова говорит о 13 латинских и 1 французском мотете). К сожалению есть лишь свидетельства современников о том, что Витри писал баллады, рондо и ле. Тексты для них сочинялись самим композитором. Петрарка характеризовал Витри как «первого поэта в нынешней Галлии, страстного искателя правды». Поэтическое содержание мотетов многообразно. Выделяются мотеты-памфлеты, мотеты-басни (в них в аллегорической форме обличаются произвол светской и духовной властей) и мотеты-проповеди с традиционной духовной тематикой.

Творчество Витри в некотором отношении синтезирует «ученое» полифоническое искусство и искусство менестрельной традиции. Он одним из первых стал создавать многоголосные обработки песенных жанров.

Подлинность всего теоретического наследия, приписываемого Витри, – 4-х трактатов – сегодня подвергается сомнению. Лишь “Ars nova” не вызывает разногласий в авторстве. Тем не менее, нельзя оспаривать тот факт, что именно Ф. де Витри в своих сочинениях и теоретических трудах создает новое – мензуральное[100] – учение. В последней главе трактата “Ars Nova”– “De tempore imperfecto” («О несовершенном темпусе») Витри излагает учение о пролации (prolatio – буквально означает проговаривание, произношение). Согласно этому, существует два вида темпуса – перфектный и имперфектный, и две пролации – большая и малая. Тем самым можно определить 4 способа деления бревиса и семибревиса. Первый уровень деления бревиса дает два варианта: perfectus (совершенное) – в одном бревисе содержится 3 семибревиса и imperfectus (несовершенное) – в одном бревисе – 2 семибревиса. Второй уровень обозначает деление семибревиса на минимы. Большая пролация – major – определяет соотношение 3-х миним в одном семибревисе; малая пролация – minor – соответствует 2-м минимам в одном семибревисе. В трактате “Ars perfecta”, чья принадлежность Витри оспаривается, введены знаки для видов сочетания темпуса и пролации:

Перфектная большая пролация

Имперфектная большая пролация С

Перфектная малая пролация

Имперфектная малая пролация С

Обоснование двоичного и троичного деления и появление знаков, их определяющих, можно рассматривать в качестве прообраза нашего размера, который проставляется в начале нотной системы. Интересно, что именно с Витри и его трактатом “Ars nova” связывают появление в нотации точки, увеличивающей мензуру (что сохранилось и в современной нотации, где точка рядом с нотой увеличивает ее длительность на половину).

В практике XIV и XV веков использовались следующие нотные знаки черной и белой нотации:

Гильом де Машо родился в Машо в 1300 году. До 1323 года никаких сведений о его жизни не сохранилось. В 1322 или 23 году он получил должность при дворе короля Богемии Яна Люксембургского (сначала клерка, затем секретаря). Более 20 лет он жил в Праге, а также сопровождал короля в его поездках и походах. После смерти короля Богемии, Гильом де Машо находился на службе у французских королей Иоанна Доброго и Карла V. Помимо этого получил каноникат в соборе Нотр-Дам в Реймсе. При жизни он прославился как блистательный поэт. Часть стихов он положил на музыку. Иногда он дополнял свои крупные поэтические произведения музыкальными вставками.

Творческое наследие Машо сохранилось в рукописных копиях. Им создано 23 мотета (3-4-х голосные), 42 баллады (2-3-х голосные), 22 рондо, 32 виреле (в основном одноголосные, лишь 7 двухголосных и 1 трехголосное), 19 ле (лишь 2 неодноголосных), ряд канонов (chasse) и месса. Г. де Машо считается автором первой мессы, созданной одним композитором на текст ординариума. Помимо нее дошли три анонимные мессы – их рукописи обнаружены в Турне, в Тулузе и в Барселоне. Месса создавалась Машо для коронации французского короля Карла V в Реймсе в 1364 году. Коронация проходила в соборе Notre Dame, поэтому месса получила свое название от имени собора. В мессе Машо шесть частей; в ней нашли применение все приемы многоголосной композиции, сложившиеся в композиторской практике того времени - техника изоритмии и кондукта.

Термин изоритмия был введен в начале ХХ столетия немецким музыковедом Фр. Людвигом. Это понятие обозначает принцип композиции мотетов (использовался и в мессах) XIV-XV вв., основанный на остинатном повторении в теноре ритмического (talea) и звуковысотного (color) построений, различных по протяженности, и периодическом ритмическом членении верхних голосов. Истоки изоритмии – в дискантных разделах органума с остинатно ритмизованным тенором.

В творчестве французских композиторов обнаруживаются два композиционных типа изоритмического мотета:

· Одночастный мотет, где talea и color повторяются без изменений несколько раз;

· Многочастный (чаще двухчастный) мотет с ритмическим уменьшением color.

Характерной чертой фактуры мотетов является деление на два плана: тенор (плюс контратенор в четырехголосии) излагается длительностями крупной мензуры, верхние голоса – более подвижны, их ритмическая организация подчиняется системе пролаций.

Один из вопросов, наиболее часто обсуждаемых в связи с творчеством Машо, – участие инструментов в исполнении его сочинений. Можно лишь высказывать предположения о возможностях включения инструментов: дублирования голосов вокальных партий, исполнения голосов нижних партий, переложений. Однако достоверных свидетельств нет.

Баллада, получившая широкое распространение в творчестве трубадуров и труверов, являлась одной из излюбленных поэтических форм Г. де Машо. Из 200 произведений 42 положены на музыку (по большей части 2-х и 3-х голосные композиции). Баллада (слово происходит от глагола balar, что означает танцевать) представляла собой песню, под которую танцевали. Именно Машо закрепил за балладой стабильную поэтическую форму: три строфы (куплета) по 6-8 стихов (строк) с типичной схемой рифм: аб аб вв…:

Et an donner m’a dit que vrais

Li sui et loyans amou reus

Et qu’ en riens ne me sui me ffais

Vers li, dont mout sui mervi lleus

Car je a’ay espoir ne re cours,

Cuer, penser ne desir ai llours...

Музыкальная композиция баллад представляет собой 2-х частную форму, причем первый раздел повторяется дважды (меняются лишь каденции):

А А1 В

Данный тип формы получил название “barform”[101]. Мелодическая линия напевов складывается на основе варьирования мотивных ячеек и ритма. Характерным является использование малых пролаций.

Рондо (рондель, от фр. rondeau < rond круглый) также принадлежит к популярным светским жанрам, бытовавшим в практике средневековья. В творчестве Машо рондо превратилось в изящную по технике письма композицию. Поэтическая форма представляет собой строфу из 8 строк с регулярным появлением рефрена, состоящего из одной или двух строк:

А б в А г д А б

рефрен рефрен рефрен

Cinc un, treze wit, nuel d’amour fine.

M’ont espris sans definement.

Qu’ Espoir wet que d’amer ne fine.

Cinc un, treze wit, nuel d’amour fine.

Si que plus que fins ors s’affine.

Mes cuers pour amer finement.

Cinc un, treze wit, nuel d’amour fine.

M’ont espris sans definement.

Музыкальная форма рондо состоит из двух разделов, которые чередуются в следующем порядке:

А В А А А В А В

Интересный пример композиторской техники представляет собой рондо Машо «Мой конец – мое начало»: оно основано на повторении всей музыки – нота за нотой – в обратном порядке, начиная с середины композиции.

Песней для танца – “chanson à danser” – называли и виреле (от старофр. Vireli – припев, рефрен). Это также рефренная по структуре и многокуплетная форма. Из 33 виреле у Машо лишь 8 написаны для нескольких голосов, в основном они одноголосные. Причем, многоголосные виреле у него значительно проще по приемам письма, нежели в других жанрах. Поэтическая форма состоит из трех строф с рефреном в начале и в конце каждой строфы. Музыкальная форма, как в балладе и рондо, строится на основе чередования двух разделов:

А В В А А

рефрен рефрен

Поэтическая форма ле (фр. lai, lay – танец, игра) представляет собой одну из наиболее развернутых (порой до 300 строк!) и сложных песенных форм. Соотношение поэтической и музыкальной структур можно представить следующим образом:

строфы АВ CD EF …

муз. разделы AA` BB` CC` …

Всего Г. де Машо написал 19 ле. Из них 17 – одноголосных. Два трехголосных ле Машо написаны с использованием канонической техники и представляют собой по сути шас (chace) – каноны. Нужно сказать, что ни до, ни после Машо многоголосные ле не писались. Поэтому его образцы являются уникальными для этого жанра.

В отличие от Франции, развитие искусства в Италии XIV столетия во многом взаимосвязано с новыми ренессансными тенденциями. Не случайно именно Италия является родиной Возрождения, и этапы истории искусства Италии долгое время служили главной точкой отсчета в периодизации этого этапа развития европейской культуры в целом. Исследователи выделяют: вводный период - Проторенессанс (ок.1260-1320), треченто (14 век), кватроченто (15 век) и чинквеченто (16 век).

В Италии конца XIII - XIV века творили Данте[102], Петрарка[103], Боккаччо[104] и Джотто[105]. Не менее интересные процессы происходили в области музыкального искусства. Именно в этот период как самостоятельное и самобытное явление складывается профессиональная композиторская школа. Одна из главных ее отличительных черт – формирование и расцвет светских жанров музыкального творчества. В сохранившихся манускриптах этого времени необычайно мало духовных композиций – встречаются лишь единичные части месс. Отсутствуют мотеты и практика композиции на cantus prius factus. Зато светских вокальных композиций в общей сложности насчитывается более пятисот! Среди них – мадригалы, каччи и баллаты. В первой половине XIV века развивается двухголосная техника, с середины столетия появляется трехголосие. По своей тематике светские музыкальные жанры весьма разнообразны: это и любовная лирика (мадригалы), жанровые охотничьи песни (каччи), шуточные, мифологические, басенные и даже злободневно-полемические.

К первому поколению итальянских композиторов относятся Иоханнес да Флоренция, Якопо да Болонья, Пьеро да Казелла, Гирарделло и др. Крупнейшая фигура итальянской школы второй половины XIV века - Франческо Ландини.

Одним из самых значительных жанров этого периода является мадригал - небольшое музыкально-поэтическое произведение любовно-лирического содержания, 2-3-голосное с инструментальным сопровождением. Истоки мадригала восходят к итальянской народной поэзии: само слово производно от итальянского mandrealе, mandra – старинная пастушеская песня. Однако в XIV веке мадригал, в отличие от сонетов, выделялся свободой строения в отношении количества строк и рифмовки. Он ярко представлял “dolce stilo nuovo” – новый нежный стиль, развивающийся в итальянской поэзии. Поэтическая форма, используемая Франко Сакетти, Франческо Петраркой, Джованни Боккаччо в мадригалах, представляет две разновидности:

терцет: абб – абб – вв

ritornello

strambotto: аб – аб – вв –гг

ritornello

Отличительной чертой являлся повтор строк в завершении стихотворения – раздел назывался ritornello.

В музыке для каждой новой строфы использовался новый музыкальный материал: поэтической форме терцет соответствовала форма A – B – Ritornello, strambotto – A – B – C - Ritornello. Важной стилевой особенностью мадригалов было чередование разделов с силлабическим стилем распевания текста и больших эпизодов с мелизматическими распевами. Ведущую роль играл верхний голос – мелодически выразительный. В ритмическом отношении мадригалы отличались свободой и непринужденностью.

Баллата по своему происхождению представляет собойпесенно-танцевальный жанр. По композиции она близка французской виреле: А – В – В – А – А. Вновь, как и во французских песенных жанрах, форма основана на определенной последовательности двух музыкально-тематических разделов А и В, что типично для бытовых песенных форм.

Особое место занимает качча – в переводе с итальянского языка слово означает охота. По своей форме она является двухголосным каноном[106] с нижним контрапунктирующим[107] голосом (его обычно исполняли на инструменте). Данная особенность объясняется образным содержанием каччи. Это жанровая сценка, изображающая погоню охотника за зверем.

В рукописном собрании музыкальных сочинений итальянских композиторов XIV века хранится 23 произведения Якопо да Болоньо, 19 Иоганнеса да Флоренция, 9 Пьеро да Казелла, 5 Гирарделло, 5 Донато, 2 Бартолино де Падуя и 86 композиций Ландини! Это свидетельствует о необычайной популярности произведений Франческо Ландини. Не случайно биографические сведения сохранились только о нем. Его редкостный талант и разносторонние знания поражали общество флорентийских гуманистов.

Франческо Ландини («Francesco Cieco» - Франческо слепой) – родился около 1325/1335 близ Флоренции в семье живописца. В детстве мальчик перенес оспу и ослеп. По словам Филиппо Виллани, описавшего жизнь Ландини, Франческо рано начал заниматься музыкой, «чтобы каким-нибудь утешением облегчить ужас вечной ночи». Более того, он изучил конструкцию многих инструментов, «как если бы видел их очами», усовершенствовал их и изобретал новые образцы. Ландини обладал редким музыкальным талантом и превзошел всех итальянских музыкантов сначала в игре на органе, а затем в композиции. Вспоминают, что в 1364 году он был увенчан лаврами в присутствии Петрарки в Венеции за свою игру на органе. В 80-е годы Ландини прославился уже на всю Италию. Он писал музыку на тексты Ф. Сакетти, сам сочинял стихи для своих произведений, участвовал в ученых эстетических спорах гуманистов. Умер Ландини во Флоренции 2 сентября 1397 года.

В наши дни известны 154 композиции Ландини. Среди них: 90 двухголосных и 50 трехголосных баллат, 9 двухголосных и 3 трехголосных мадригала, 2 каччи. Интерес представляют его трехголосные мадригалы, так как они свидетельствуют об усвоении Ландини традиций французского полифонического стиля. В одном из мадригалов он использует изоритмическую технику, в другом совмещает различные тексты (как во французском мотете), третий сочетает форму мадригала и каччи. В этом обнаруживается одна из важнейших тенденций нового времени – перехода к Ренессансу.

Среди многочисленных композиторов, творивших в это время во Франции и Италии, особо выделяется фигура Иоханнеса Чикониа. Родился он в Льеже между 1335 и 1340 годами, первые годы провел в Авиньоне. В 1358 году кардинал Жиль д’Альборнос, папский легат[108] вместе с другими музыкантами вывез Чикониа в Италию. Он посетил большое количество итальянских городов, где познакомился с традициями итальянской музыки, освоил ее жанры, так как при дворе кардинала исполнялись итальянские баллаты, мадригалы и каччи. После смерти кардинала в 1367 году, Чиккония вернулся на родину и вплоть до 1403 года жил и работал в Льеже, создавая мотеты и мессы. Последние годы он провел в Падуе, где стал канонником (членом церковного совета) местного собора и получил имя магистра. Там Чиккониа и скончался в 1411 году. В архивах сохранились мадригалы, баллаты, виреле, мотеты, фрагменты месс. Помимо этого он является автором трех теоретических трудов.

В стилевом отношении в творчестве Чикониа объединились традиции итальянской и французской полифонии. Он стремился к ритмо-мелодической однородности голосов хоровой фактуры, отказываясь от ритмической изощренности французов и мелизматической избыточности итальянцев. Его музыка звучит просто и ясно, обретая благозвучие в преобладании терцовых аккордовых вертикалей, зачастую хоральном складе многоголосия. В то же время благодаря широкому использованию имитационности, он полифонизирует всю ткань вокального многоголосия. Во многом эти черты предвосхитили особенности стиля XV века, наиболее ярко выявившиеся в творчестве мастеров нидерландской полифонической школы.

МУЗЫКАЛЬНАЯ КУЛЬТУРА ЭПОХИ ВОЗРОЖДЕНИЯ

ПЕРИОДИЗАЦИЯ

Периоды в истории итальянского искусства:

Конец XIII – начало XIV вв. – Проторенессанс

XIV в. -Треченто

XV в. -Кватроченто

XVI в. -Чиквеченто

Общая периодизация:

XV в. – Ранний Ренессанс

Конец XV в. – первая треть XVI в. – Высокий Ренессанс

Вторая и третья трети XVI в. – Поздний Ренессанс

ХРОНОГРАФ

XV - XVI вв. – формирование и расцвет нидерландской полифонической школы; четыре поколения мастеров этой школы:

I. Гийом Дюфаи (1400-1474), Жиль Беншуа (1400-1460)

II. Йоханнес Окегем (1425/30-1497), Якоб Обрехт (1450-1504)

III. Жоскен Депре (1440-1521), Генрих Изак (1450-1517)

IV. Адриан Вилларт (ок.1500-1562), Филипп де Монте (1521-1603), Орландо Лассо (1532-1594)

Итальянская композиторская школа:

Адриан Вилларт (1480-1562)

Андреа Габриели (1510-1586)

Джованни Габриели (1557-1612)

Джованни Пьерлуиджи да Палестрина (1525-1594)

1545-1563 гг. - Тридентский собор - вселенский собор католической церкви, заседал в 1545-47, 1551-52, 1562-63 в г. Тренто (лат. Tridentum, нем. Trient), в 1547-49 в Болонье

1555 год - трактат Н. Вичентино “ L’antica musica ridotta alla moderna prattica ” («Античная музыка, приведенная в современную практику»), где обсуждается проблема введения хроматизмов - genere cromatico (musica falsa).

1562-63 гг. - исполнение мессы Палестрины «Папа Марчелло»

Французская композиторская школа:

Клеман Жанекен (1475-1560)

Пьер Сертон (ум. в 1572)

Гийом Котле (ок.1531-1606)

Клод Лежен (ок.1530-1600)

1549 год - создание поэтической школы «Плеяда»

1570 год – Жан Антуан де Баиф в Париже открывает «Академию поэзии и музыки»

Немецкая композиторская школа:

Людвиг Зенфль (1492-1555)

Иоганн Вальтер (1496-1570)

Ганс Лео Гаслер (1564-1612)

Ганс Сакс (1494-1576) - мейстерзингер

31 октября 1517 года - начало Реформации, выступление Мартина Лютера против папских индульгенций.

1524-1526 гг. -Крестьянская война в Германии

1524 год - в Виттенберге Лютером и Вальтером издан сборник духовных песен, предназначенных для пения в церкви, –“Geystliche Gesanck-Büchlein” (38 хоралов).

1586 год - Лукас Осиандер опубликовал «Пятьдесят духовных песен и псалмов, на четыре голоса в контрапунктической манере так расположенных, чтобы их могла петь вся христианская община» - мелодия хорала помещалась в верхнем голосе.

РЕНЕССАНС - общественно-политическое и культурное движение (иначе называемое Возрождение), начавшееся в Италии в XIV веке, в других странах Западной Европы — в XV- XVI вв. и положившее начало жизнеутверждающим и реалистическим принципам в искусстве, давшее образцы такого искусства и ознаменовавшееся великими открытиями и изобретениями.

Происхождение термина приписывается итальянскому архитектору, живописцу, историку искусства Дж. Вазари [109]. Он употребляет слово rinascita (от которого происходит французский Renaissance - возрождение и все его европейские аналоги), подразумевая «расцвет искусств» после долгих веков средневекового «упадка», расцвет, «возродивший» античную художественную мудрость.

Периодизация Возрождения определяется верховной ролью изобразительного искусства в его культуре. Этапы истории искусства Италии — родины Ренессанса — долгое время служили главной точкой отсчета. Специально выделяют: вводный период, Проторенессанс («эпоха Данте и Джотто», ок.1260-1320), треченто (14 век), кватроченто (15 век) и чинквеченто (16 век). Более общими периодами являются Раннее Возрождение (14-15 века), когда новые тенденции активно взаимодействуют с готикой, преодолевая и творчески преобразуя ее; а также Среднее (или Высокое) и Позднее Возрождение, особой фазой которого стал маньеризм.

Новая культура стран, расположенных к северу и западу от Альп (Франция, Нидерланды, германоязычные земли), совокупно именуется Северным Возрождением. Здесь роль поздней готики конца 14—15 веков была особенно значительна. Характерные черты Ренессанса ярко проявились также в странах Восточной Европы (Чехия, Венгрия, Польша и др.), сказались в Скандинавии. Самобытная ренессансная культура сложилась в Испании, Португалии и Англии.