Охарактеризуйте советское искусство периода второй мировой войны. Обоснуйте ведущую роль графики в искусстве этого периода. Рассмотрите творчество Кукрыниксов

Советское искусство 1941–1945 годов.

С началом Великой Отечественной войны художники принимают самое активное участие в борьбе с врагом. Часть из них ушли сражаться на фронт, другие – в партизанские отряды и народное ополчение. Между боями они успевали выпускать газеты, плакаты, карикатуры. В тылу художники были пропагандистами, устраивали выставки, они превратили искусство в оружие против врага – не менее опасное, чем настоящее. В течение войны было организовано много выставок, среди них две всесоюзные («Великая Отечественная война» и «Героический фронт и тыл») и 12 республиканских. В зажатом в кольцо блокады Ленинграде художники выпускали журнал литографических эстампов «Боевой карандаш» и вместе со всеми ленинградцами показали всему миру беспримерное мужество и силу духа.

Как и в годы революции, первое место в графике военных лет занимал плакат. Причем явственно прослеживаются два этапа в его развитии. В первые два года войны плакат имел драматическое, даже трагическое звучание. Уже 22 июня появился плакат Кукрыниксов «Беспощадно разгромим и уничтожим врага!». На втором этапе, после перелома в ходе войны, меняется и настроение, и образ плаката. B.C. Иванов изображает солдата на фоне переправы через Днепр, пьющего воду из каски: «Пьем воду родного Днепра. Будем пить из Прута, Немана и Буга!» (1943). Оптимизмом, народным юмором проникнут плакат Л. Голованова «Дойдем до Берлина!» (1944), образ героя которого близок Василию Теркину.

В годы войны появились значительные произведения станковой графики, причем многообразие впечатлений породило многообразие форм. Это и быстрые документально-точные фронтовые зарисовки, разные по технике, стилю и художественному уровню. Это и портретные рисунки бойцов, партизан, моряков, санитарок, командиров –богатейшая летопись войны, впоследствии переведенная частично в гравюру (литографии Верейского, гравюры С. Кобуладзе, акварели А. Фонвизина, рисунки М. Сарьяна и т. д.). Это и пейзажи войны, среди которых особое место занимают изображения блокадного Ленинграда (гуаши Я. Николаева и М. Платунова, акварели и пастели Е. Белухи и С. Бойма и пр.). Наконец, это целые серии графических листов на одну тему. Так появилась графическая серия Д. Шмаринова «Не забудем, не простим!» (уголь, черная акварель, 1942), возникшая из зарисовок, которые он делал в только что освобожденных городах и деревнях, но окончательно завершенная уже после войны: пожарища, пепелища, плачущие над телами убитых матери и вдовы – все сплавилось в трагический художественный образ.

Особое место в военной графике занимает историческая тема. В ней раскрывается наше прошлое, жизнь наших предков (гравюры В. Фаворского, А. Гончарова, И. Билибина). Представлены также архитектурные пейзажи прошлого. В 1941–1945 гг. развивается и бытовой, и пейзажный жанр, но они всегда так или иначе связаны с войной. Выдающееся место в формировании и того, и другого в военные годы принадлежит А. Пластову. Оба жанра как бы объединены в его картине «Фашист пролетел» (1942): молодые березы, серое небо, далекие, знакомые каждому из нас поля. На фоне этого мирного осеннего пейзажа еще более чудовищным кажется злодеяние фашистского летчика, убившего мальчика-пастушка и коров, которых он пас. Говорят, зрители застывали перед этой картиной, когда она была экспонирована на выставке «Великая Отечественная война» в 1942 г. Кисти Пластова принадлежат также очень яркие, проникновенные пейзажи нашей родины. В последний год войны А. Пластов написал прекрасную картину «Жатва» (1945, ГТГ): серьезные и усталые старик и дети обедают у сжатых снопов –те, кто остался в тылу и кто кормил бойцов. Живопись Пластова сочная, манера письма широкая, щедрая, в пейзаже нет той скорбной, щемящей ноты, которая звучит в предыдущей картине.

Лаконизм, простота изобразительных средств, но и досадная прямолинейность отличают сюжетные картины 1941–1942 гг. Характерна в этом отношении картина Сергея Герасимова «Мать партизана» (1943), получившая высокую оценку современников скорее в связи с актуальностью темы, чем за художественные достоинства. Герасимов развивает «конфликтную линию» вслед за Иогансоном, но делает это еще более иллюстративно. В скульптуре военных лет даже явственнее, чем в живописи, ощутим приоритет портретного жанра. Скульпторы стремятся прежде всего запечатлеть образ героя войны, сделать его правдивым, лишенным внешнего эффекта. Совсем не «героически-вдохновенно» лицо летчика – полковника И.Л. Хижняка, под шквальным огнем спасшего эшелон боеприпасов, или отмеченное шрамами лицо полковника Б.А. Юсупова, выдержавшего поединок с вражескими танками, в бюстах В. Мухиной (оба – гипс, 1942). «Наша Отечественная война,– писала В.И. Мухина,–родила такое количество новых героев, дала пример такого яркого и необычайного героизма, что создание героического портрета не может не увлекать художника. Русские богатыри старинного нашего эпоса опять воскресают в советском человеке и эпические образы живут с ним и среди нас...»

Вучетичем же исполнена после войны (1945–1949) знаменитая 13-метровая бронзовая фигура солдата с ребенком на одной руке и с опущенным мечом в другой для грандиозного мемориала «Советскому воину-освободителю» в Трептов-парке в Берлине (арх. Я.Б. Белопольский и др.). Пространственная архитектурно-скульптурная композиция в парковой планировке включает две аллеи и партер с захоронениями, завершающийся курганом с мавзолеем. У начала аллей, ведущих к кургану, поставлена фигура Матери-Родины из серого гранита на постаменте из полированного красного гранита. Из этого же материала исполнены знамена с бронзовыми фигурами коленопреклоненных воинов на пропилеях. Мавзолей венчает фигура воина с ребенком на руках –центральная фигура мемориала. Появление подобного монумента сразу после войны было закономерным: оно отражало роль нашего государства в победе над фашизмом. В 1941–1945 гг., в годы великой битвы с фашизмом, художниками было создано немало произведений, в которых они и выразили всю трагедию войны, и прославили подвиг победившего народа.

Кукрыниксы — творческий коллектив советских художников-графиков и живописцев, в который входили действительные члены АХ СССР, народные художники СССР (1958), Герои Социалистического Труда Михаил Куприянов (1903—1991), Порфирий Крылов (1902—1990) и Николай Соколов (1903—2000).Содержание [убрать]

Биография коллектива

Псевдоним «Кукрыниксы» составлен из первых слогов фамилий Куприянова и Крылова, а также первых трёх букв имени и первой буквы фамилии Николая Соколова. Три художника работали методом коллективного творчества (каждый также работал и индивидуально — над портретами и пейзажами). Наибольшую известность им принесли многочисленные мастерски исполненные карикатуры и шаржи, а также книжные иллюстрации, созданные в характерном карикатурном стиле.

В группе происходил поиск нового единого стиля использовавшего мастерство каждого из авторов. Первыми под перо карикатуристов попали герои литературных произведений. Позже, когда Кукрыниксы стали постоянными сотрудниками газеты «Правда» и журнала «Крокодил», они занялись преимущественно политической карикатурой. По воспоминаниям художника журнала «Крокодил» Германа Огородникова, с середины 60-х годов, Кукрыниксы практически не посещали журнал:

Кукрыниксы, - те практически ни разу небыли в «Крокодиле». Ни разу небыли! Я не помню случая. Только был один раз Соколов, а Крылова я не видел, Куприянова тоже никогда не видел. Но я работал с 1965 года, по этому может до меня и были, но на нашем этаже я никогда их не видел.

Значимым моментом в творчестве стал военный плакат «Беспощадно разгромим и уничтожим врага!». Он появился на июньских улицах Москвы одним из первых — сразу же после нападения гитлеровской Германии на СССР. Кукрыниксы прошли всю войну: их листовки сопровождали советских солдат всю военную дорогу до Берлина. Кроме того, был очень популярен цикл плакатов «Окна ТАСС».

Они стали классиками советской политической карикатуры, которую понимали как орудие борьбы с политическим врагом, и совершенно не признавали иных веяний в искусстве и в карикатуре, проявившихся в полной мере в первую очередь в новом формате «Литературной газеты» (отдел юмора «Клуб 12 стульев»). Их политические карикатуры, часто публикуемые в газете «Правда», принадлежат к лучшим образцам этого жанра («Клещи в клещи», «Потеряла я колечко…», «Под Орлом аукнулось, в Риме откликнулось», «Уолл-стрижка», Обширная коллекция художественных работ, принадлежащих перу Кукрыниксов, собрана в частной коллекции семьи Мамонтовых.

Музей-заповедник «Царицыно» с 30 апреля 2008 года выставлял посмертную выставку, посвящённую Дню Победы «История глазами Кукрыниксов. 1928—1945. Военный плакат. Карикатура. Живопись. Графика»

 

 

Расскажите о развитии советской скульптуры военного и послевоенного времени. Покажите силу воздействия монументального искусства и опишите наиболее известные советские военные мемориалы.

 

В конце января 1942 года всю страну и весь мир потрясла статья Вл. Лидова, помещенная в газете "Правда": "В первых числах декабря 1941 года в Петрищеве, близ города Вереи, немцы казнили восемнадцатилетнюю комсомолку-москвичку, назвавшую себя Татьяной...

Она умерла во вражьем плену на фашистской дыбе, ни единым звуком не выдав своих страданий, не выдав своих товарищей. Она приняла мученическую смерть, как героиня, как дочь великого народа, которого никому и никогда не сломить! Память о ней да живет вечно!

К Всесоюзной художественной выставке 1942 года "Великая Отечественная война" скульптор М. Г. Манизер (1891-1966) исполнил портретную статую Зои Космодемьянской (бронза, ГТГ), главной темой которой стал момент принятия Зоей твердого решения: "Умереть или вернуться героем" - последние ее слова, сказанные матери при прощании...

В портретной статуе скульптор создает возвышенный образ героини. Композиция памятника зеркально повторяет известную античную скульптуру, изображающую Артемиду - прекрасную и воинственную богиню древней Греции. Сам образ Зои Космодемьянской решен классически строго и выразительно, несмотря на академическую тщательность в трактовке деталей одежды.

Желание воссоздать образ современника, образ воина, найти решение, созвучное классической скульптуре, характеризует портретное искусство Е. В. Вучетича этого периода. В это время он работает над созданием портретов героев Великой Отечественной войны. Портрет генерала армии Черняховского (бронза, ГТГ) - наиболее удачная работа Е. В. Вучетича тех лет. Воспоминания скульптора о процессе создания этого портрета раскрывают творческий метод его работы.

Е. В. Вучетич создал романтический образ легендарного полководца Великой Отечественной войны: энергично, властно повернута голова военачальника, напряжено лицо, взметнулся плащ вокруг могучих плеч. Романтическое решение портрета достигнуто беспокойным силуэтом и динамикой всей композиции. Это портрет человека легендарного, которого скульптор представил в момент наибольшего напряжения духовных и физических сил, в момент торжественный. Черняховский изображен в парадной форме, при всех орденах и медалях. Намеренно красива декорировка плащом обреза бюста, постановка бронзового портрета на классическую мраморную колонну. Это придает ему особую торжественную парадность. Мы представляем этот бюст установленным в триумфальном зале, в зале Победы. Портрет Черняховского работы Е. В. Вучетича воспринимается нами как памятник.

В те же годы над образом Черняховского работал и другой советский скульптор - Н. В. Томский. Он разработал идею и композицию памятника, после войны установленного в Вильнюсе. Его понимание героя близко трактовке Е. В. Вучетича.

И другие работы этих скульпторов - портрет маршала И. Т. Пересыпкина, портреты дважды Героев Советского Союза М. Е. Катукова, А. М. Василевского, В. И. Чуйкова работы Е. В. Вучетича; портреты дважды Героев Советского Союза М. Г. Гордеева, А. С. Смирнова работы Н. В. Томского - отличают парадность, триумфальность решения, романтичность композиции, достигнутая тщательным исполнением всех воинских регалий. По постановлению правительства уже во время войны начинают устанавливать такие монументальные героические портреты-бюсты дважды Героев Советского Союза на их родине.

Если ы скульптор пошел по пути идеализации образа, по пути парадного портрета, то такие ценные качества, как искренность, непосредственность видения, документальность, портрет утратил бы. А главное - произведение смогло бы потерять героику факта, героику великого события.

Образы воинов в портретах Першудчева несут следы боев и лишений, бессонных ночей и ранений; они выражают несгибаемую волю и смелость не через внешние аксессуары, а через индивидуальные качества людей, преодолевших трудности войны.

Искусство В. И. Мухиной в период Великой Отечественной войны раскрылось новой гранью, выявилось в таких превосходных работах, как портреты Б. Юсупова, Н. Бурденко, А. Крылова, равных которым по силе индивидуальной характеристики и выражения времени, по пластической наполненности и значимости, кажется, трудно найти в советской скульптуре. Эти портреты работы В. И. Мухиной - высшее достижение в искусстве скульптуры периода Великой Отечественной войны. "Волна небывалой войны выплеснула из недр народа таких героев, изобразить которых художник может считать для себя честью. Портретирование стало для художников душевной необходимостью и творческой радостью..."*.

В дальнейшем скульптор выполняет целую группу превосходных портретов в мраморе: М. М. Пешковой, греческого патриота Никоса Белоянниса, Мусоргского, Сократа, Паганини и автопортрет. За последнюю работу скульптор был удостоен Ленинской премии.

Вне сомнения, "Автопортрет" Коненкова по своим задачам шире и значительнее изображения конкретного лица. Мы воспринимаем его, как идеальный образ человека-творца - образ, завершающий серию коненковских портретов своих современников: государственных деятелей, работников культуры.

"Выдающийся, замечательный советский художник Екатерина Федоровна Белашова - это чисто русский талант, - писал Сергей Тимофеевич Коненков. - Созданные ею образы рождены всем укладом нашей жизни: мужеством русских людей, красотой родной природы, замечательным народным искусством. Каждая работа скульптора восхищает любовным проникновением в создаваемый образ, очаровывает широтой мысли, красотой пластики..."*.

В 1950 году скульптору А. П. Кибальникову была присуждена Государственная премия за статую Н. Г. Чернышевского, которая затем послужила моделью для памятника писателю в Саратове. "Еще в годы учебы в Саратовском художественном училище, - писал позже скульптор, - я со своими товарищами по мольберту часто посещал домик над Волгой, где провел свое детство и юность великий ученый, писатель и революционер Н. Г. Чернышевский. Здесь я мечтал о том времени, когда Саратов будет украшен монументальным памятником нашему великому земляку"*.

Скульптор изобразил писателя-демократа в полный рост. Н. Г. Чернышевский, склонив голову, застыл в напряженном раздумье. Ветер отбрасывает пряди длинных волос и полы сюртука, подчеркивая несколько театрально-романтическую трактовку образа. На Всесоюзной художественной выставке 1948 года это произведение было оценено положительно, выделено зрителем из ряда многих работ художников, как и проект памятника А. С. Пушкину для Ленинграда работы М. Аникушина.

Большой подъем испытывает советское искусство во второй половине 50-х - начале 60-х годов. Значительно увеличивается количество выставок, устанавливается много новых памятников. Советских скульпторов продолжает волновать тема борьбы, мужества, героизма. Великая Отечественная война остается темой многих работ живописцев и скульпторов. Произведение молодого скульптора Ф. Фивейского "Сильнее смерти" - один из примеров ее удачного решения в советском искусстве 50-х годов. Эта скульптурная группа получила признание на всесоюзных выставках, на выставке, приуроченной к Всемирному фестивалю молодежи и студентов в Москве, она была удостоена золотой медали. Успех этого произведения объясняется тем, что молодой скульптор по-новому, по-своему и очень остро решил тему, уже много лет волнующую человечество. Ф. Фивейский отказался от изображения внешнего пафоса победы. Перед нами три советских человека, мужество и стойкость которых решили исход страшной и долгой борьбы за мир. Эти люди победили Итак, советская скульптура 50-х - начала 60-х годов оказалась на уровне тех больших требований и задач, которые перед ней ставило время; были созданы произведения, значительные по мысли и форме, вошедшие в золотой фонд советского искусства.