Дмитрий Дмитриевич Шостакович

Билет № 1 1. Барокко 2. Шостакович 3. V симф. Бетховена

Музыка Барокко

Слово "барокко" происходит от итальянского "barocco", означающего "причудливый, странный", хотя, возможно, "пышный, изобильный" будет лучшим вариантом перевода, более точно отражающим смысл. Использование этого термина началось в 1860-х годах для описания богато украшенных религиозных и общественных зданий в Италии, Германии и Австрии, построенных в 17-18 веках. Позднее, в начале 1900-х годов термин "барокко" стал применяться к музыке 17-го и начала 18-го века, и сегодня термин "барокко" указывает на четко определенные типы и жанры музыки, возникшие около 1600 и развивавшиеся примерно до 1750.

Музыка средневековья была довольно примитивной с точки зрения мелодии и гармонии. В эпоху Возрождения и Барокко чувствуются большие изменения. Итальянские музыкальные школы, в первую очередь, и отдельные композиторы других стран начинают создавать чудесные мелодии и удивительно прекрасные стихи, которые сопровождают друг друга. Но главным их стремлением было поиск и исследование новых форм: мелодические линии и гармонические прогрессии, комбинации инструментов, новые жанры и формы музыки. Прогресс, начавшийся в конце 16-го века, обрёл устойчивые формы, и в период 1700-1750 - "высокое барокко" можно ясно увидеть его кульминацию.

Было два основных географических центра развития музыки. Один в северной Германии и Голландии, композиторы Иоганн Фробергер, Иоганн Керль и, особенно, Дитрих Букстехуде концентрировали свои усилия на искусстве контрапункта, главным образом на фуге. Голос и орган были здесь главными элементами. Другим центром был юг Европы - Италия, здесь формировались инструментальные формы - сонаты и концерт.

Каждый период в музыке имеет свои некие узнаваемые клише, и многое из того, что типично для музыки Барокко - определённые каденции и построение мелодий имеет единое происхождение - Арканджело Корелли, который, кажется, повлиял на всех, начиная со своих современников и студентов до Георга Генделя, который был в Риме с 1704 по 1710. Из Рима "итальянское влияние" распространилось на север, в то время как строгие немецкие формы текли на юг, смешение производило общий стиль Барокко. Слияние музыкальных тенденций в разных частях Европы было удивительно обширным, учитывая относительно примитивные средства передвижения и связи. Антонио Вивальди, Франческо Джеминиани, Арканджело Корелли, Алессандро Скарлатти, Георг Гендель и многие другие встречались друг с другом или хорошо знали музыку друг друга. Иоганн Себастьян Бах отправился на север из Тюрингии и Саксонии - южных земель Германии, чтобы услышать Букстехуде, впоследствии он путешествовал в Дрезден и Берлин. Он нередко копировал музыку других композиторов, своих современников, обрабатывая её для других инструментов. Это был признанный метод исследования, широко практиковавшийся в эпоху Барокко.

При рассмотрении музыки и композиторов эпохи Барокко или любого другого времени важно учитывать обстоятельства, в которых они работали. К примеру, Вивальди, хотя и создал много прекрасных концертов (как "Четыре сезона"), но он также написал и много простейших произведений. Это были упражнения для учеников, Вивальди работал большую часть своей творческой жизни в оспедале ("приют невинных") - детский дом для многочисленных незаконнорожденных девочек дворян и знати. Анонимные отцы щедро жертвовали средства на содержание детей и молодые барышни жили в роскошной обстановке и под хорошим присмотром, музыкальные стандарты их обучения были одними из самых высоких в Венеции. Многие из концертов Вивальди фактически были упражнениями, которые он разучивал со своими учениками.

В эпоху Барокко было необычайно велико влияние церкви и государства на развитие музыки. Ни Италия, ни Германия в то время не существовали в том виде, в каком мы знаем их сегодня. Германия представляла собой сложную массу мелких княжеств, каждое со своим правителем и придворными музыкантами. Альянсы заключались и распадались, например, в случаях брачного союза княжеских родов образовывались новые временные государства. Судьба многих композиторов и их статус во многом зависел от благосклонности и от отношения к музыке двора, где он служил, и композиторы-музыканты искали места в городах или при дворах, где их музыка обретет известность и будет процветать под покровительством короля или принца.

Одним из типичных примеров влияния королевского покровительства и мобильности композитора в эпоху Барокко является творчество Генделя. Георг Фридрих Гендель родился в Галле (Германия) 23 февраля 1685, всего за месяц до рождения Баха. Отец Генделя намеревался сделать сына юристом, но музыкальные способности Георга возобладали и он начал учиться на музыканта. После учебы в Германии Гендель отправился в Италию, где он провел более трех лет, во Флоренции, Риме, Неаполе и Венеции. В Риме он учился у Корелли и, несомненно, встречался и обменивался мнениями с рядом других итальянских композиторов. В Италии к нему пришла слава мастера "итальянской оперы". Из Италии Гендель уехал в начале 1710 и отправился в Ганновер, где был назначен капельмейстером ганноверского курфюрста Георга I, который был законным наследником английского трона. В 1714, после смерти английской Королевы Анны Георг I стал Королём Англии. Гендель, который и раньше уже бывал в Лондоне, последовал за своим королём и принял Британское гражданство. Часть его успеха в Лондоне несомненно связана с королевским покровительством. Он активно участвовал как музыкально, так и коммерчески в развитии оперного искусства Великобритании. Позже, в 1730-х он будет создавать свои оратории, оды и т.д. в традиционном английском стиле. Он один из немногих иностранцев признан в Англии как величайший английский композитор.

На творчество Баха также повлияли перемены мест работы в разных городах, хотя, конечно, большая часть его творческой жизни прошла в Лейпциге на должности кантора церкви Св.Фомы., и в сравнении с другими композиторами, в том числе с членами его музыкальной семьи, он путешествовал меньше, но все время хорошо знал об изменениях в музыкальном мире. В его музыке собрались вместе различные формы и стили Барокко и были доведены до совершенства.

После Баха развитие музыки приняло иной оборот - наступал период "галантного" стиля, который был легче, с более простыми и чистыми формами. Здесь блистали такие композиторы, как Гайдн и Моцарт, за которыми последовали композиторы "романтического" периода - Бетховен и Чайковский. Вместе с тем в период Барокко определился основной музыкальный язык, и последующие композиторы часто "возвращались к истокам", изучая и играя работы Баха, писали фуги в стиле Барокко или обрабатывали произведения композиторов Барокко. Моцарт, Шуман, Бетховен и многие другие создавали фуги в точном следовании стилю Барокко, Мендельсон был инициатором попыток возродить Барокко.

В эпоху Барокко многие инструменты достигли пика своего развития. Органы, постороенные немцами Арпом Шнитгером и Готфридом Зильберманом, были и до сих пор остаются лучшими инструментами. Скрипки и другие струнные инструменты, созданные в эпоху Барокко итальянскими мастерами, и сейчас обладают неповторимым звучанием и являются мечтой многих профессиональных музыкантов. Домашние, а потом концертные клавишные инструменты являются примером того, как музыкальный инструмент сначала исчезал, потом модифицировался и вновь возвращался. Широко распространённый клавесин в эпоху Барокко начал сменяться первыми фортепиано, которые также изготавливал друг И.С.Баха органостроитель Готфрид Зильберман.

Музыка в своей мелодичности сконструирована таким образом, чтобы отразить "полный порядок" вселенной - это суть музыкального стиля Барокко.
По словам композитора и музыкального теоретика Барокко Иоганна Йозефа Фукса: "Музыкальное произведение отвечает требованиям хорошего вкуса, если оно хорошо построено, избегает мелочей, а также умышленной эксцентричности, направлено на возвышенное, но движется в естественном порядке, сочетая блестящие идеи с совершенным мастерством." В эти дни все больше и больше людей стремятся вернуться к музыке для души, содержащей в себе красоту, основывающуюся на упорядоченной структуре. Таким образом, мы являемся свидетелями возрождения интереса к музыке Барокко и тех, кому посчастливилось быть еще не знакомым с ней, ожидает интересное открытие.

Художественный стиль барокко, пришедший на смену Возрождению во второй половине XVI века, необычайно ярко проявился в музыкальном искусстве. Внешняя театральность и помпезность эпохи выразилась в бурном развитии театральной музыки. Трагедии здесь заканчивались хорошо, душевные переживания сводились лишь к любовным конфликтам.

Однако для барокко характерно и пристальное внимание к внутренней, духовной жизни человека. А здесь все было не так гармонично, как в театре. Музыка прекрасно сумела отразить и эту сторону эпохи. Более того, именно музыканты XVII века пытаются выразить внутренние переживания человека. Причем, особенно сильно это стремление сказалось в культовой музыке. Теперь уже недостаточно рассматривать отношения всего человечества с Богом. Гораздо интереснее общение с ним отдельного индивида и его чувства по этому по поводу.

Отражением этого деления в сфере музыкальных жанров стали: опера, фуга и оратория. Об опере разговор шел в очерке о музыкальном театре. Ораторию, в том числе и духовную (страсти, пассионы), современники часто воспринимали как оперу без костюмов и декораций.

Надо сказать, что оратория и была, прежде всего, духовным жанром. Само слово оратория (ит. oratorio) происходит от позднелатинского oratorium - "молельня", и латинского ого - "говорю, молю". Зародилась оратория одновременно с оперой и кантатой, но в храме. Ее предшественницей стала литургическая драма. Развитие этого церковного действа шло в двух направлениях. С одной стороны, приобретая все более простонародный характер, она постепенно превратилась в комические представления. С другой стороны, стремление сохранить серьезность молитвенного общения с Богом все время толкало к статичности исполнения, даже при самом развитом к драматическом сюжете. Это и привело в конечном итоге к возникновению оратории как самостоятельного, сначала чисто храмового, а потом и концертного жанра.

Ведущим жанром в огромном творчестве Баха, одного из ярчайших представителей немецкого барокко, является духовная кантата. Первоначально этим термином (от итальянского cantare -"петь"), появившимся в Италии в XVII веке, обозначали чисто вокальную музыку, в отличие от сонаты (от итальянского sonare -"звучать"). В Германии, в отличие от Италии, долгое время бытовала исключительно духовная кантата. Тексты для своих сочинений немецкие композиторы заимствовали из Нового завета, протестантских хоралов. Иногда использовали и авторские поэтические тексты. Сами композиторы свои произведения кантатами не называли, предпочитая говорить о них, как о Kirchenmusik ("церковной музыке").

И.С. Бах создал пять больших годовых циклов кантат к разным датам протестантского церковного календаря. В этих произведениях для солистов, хора и органа (оркестра) напевные арии чередуются с речитативными диалогами и большими хоровыми построениями. Сам композитор тоже предпочитал не называть свои произведения кантатами. Так их назвали в изданиях Баховского общества, основанного в Лейпциге в 1850 году. Сам же Бах именовал их "концертами", "мотетами", "диалогами", в зависимости от специфики композиции.

Драматургические принципы, выработанные в кантатах, Бах блестяще претворяет в мессах и "Страстях". "Страсти", или пассионы (от латинского passionis - страдание) - это храмовое действо, основанное на евангельском сюжете о страданиях и смерти Христа. В церковный обиход "Страсти" вошли в IV веке, как торжественное чтение мессы на страстной неделе. С XIII века "Страсти" уже исполнялись несколькими священниками "по ролям". В XVII веке появились оригинальные "Страсти", в которых канонический евангельский текст бьш дополнен протестантскими песнопениями и свободными поэтическими фрагментами. При этом устанавливается их роль и место в общей композиции.

К лучшим достижениям этого сложного жанра относятся "Страсти по Иоанну" и "Страсти по Матфею" И.С. Баха.

С конца XVI столетия в музыке все более утверждается гомофония (от греч. homos - "один", и phones - "звук"). В этом роде многоголосия голоса подразделяются на главный (главные) и сопровождающий (сопровождающие).

Свой классический период фуга переживает в середине XVIII века в творчестве И.С. Баха и Г.Ф. Генделя. К этому времени складываются основные конструктивные части фуги. Классическая фуга состоит из трех разделов: экспозиционного (лат. expositio - "изложение, показ"), развивающего и завершающего. Наиболее четок по строению экспозиционный раздел. Здесь тема фуги (обычно очень краткая выразительная мелодия) последовательно проходит во всех голосах. Начинается фуга с изложения темы в одном голосе. Затем в другом голосе звучит "ответ", в то время как первый голос исполняет противосложение. Потом вступает третий голос с изложением темы, а в остальных звучит противосложение и т.д. Так голоса один за другим вступают в общее звучание. Постепенное вступление голосов и составляет экспозицию фуги. Затем, в развивающем разделе, тема проводится в разных голосах и в разных видах. Тема может звучать увеличенными длительностями, задом наперед (ракоход) или вверх ногами (инверсия). Но при этом чуткий композитор всегда оставляет характерные признаки темы вполне узнаваемыми для слушателя. Завершается же фуга разделом, в котором в измененном виде повторяется экспозиция.

Форма фуги в качестве высочайшей музыкальной формы барокко могла использоваться композиторами практически во всех жанрах музыки от небольших хоральных прелюдий до грандиозных ораториальных хоров.

Излюбленными музыкальными инструментами барокко становятся клавесин и орган. Именно эти инструменты сумели лучше других выразить сам дух этой глубокой и неуравновешенной эпохи.

ДМИТРИЙ ДМИТРИЕВИЧ ШОСТАКОВИЧ

(1906—1975)

Шостакович Дмитрий Дмитриевич (1906-1975) - один из крупнейших композиторов современности, выдающийся пианист, педагог и общественный деятель. Шостакович был удостоен звания Народного артиста СССР (1954), Героя Социалистического Труда (1966), Государственной премии СССР (1941, 1942, 1946, 1950, 1952, 1968), Государственной премии РСФСР (1974), премии им. Сибелиуса, Международной премии мира (1954). Почетный член академий и университетов многих стран мира.

Польского происхождения, Дмитрий Шостакович родился в Санкт-Петербурге 12(25) сентября 1906 г., умер в Москве 9 августа 1975г. Отец - инженер-химик, любитель музыки. Мать - одаренная пианистка, она дала первоначальные навыки игры на фортепиано. После занятий в частной музыкальной школе в 1919 г. Шостакович принят в Петроградскую консерваторию по классу фортепиано, позже стал заниматься композицией. Еще студентом он начал работать - был тапером во время показа "немых" кинофильмов.

В 1923 г. Шостакович окончил консерваторию как пианист (у Л.В. Николаева), а в 1925 г. - как композитор. Его дипломной работой была Первая симония. Она стала крупнейшим событием музыкальной жизни и положила начало мировой известности автора.

Уже в Первой симфонии можно видеть, как автор продолжает традиции П.И. Чайковского, Н.А. Римского-Корсакова, М.П. Мусоргского, Лядова. Все это проявляется как синтез ведущих течений, преломленных по-своему и свежо. Симфония отличается активностью, динамичным напором, неожиданными контрастами.

В эти же годы Шостакович концертирует как пианист. Он получил почетный диплом на первом Международном конкурсе им. Ф. Шопена в Варшаве, какое-то время стоял перед выбором - сделать своей профессией сочинение музыки или концертную деятельность.

После Первой симфонии началась краткая полоса экспериментов, поиска новых музыкальных средств. В это время появились: Первая соната для фортепиано (1926), пьеса "Афоризмы" (1927), Вторая симфония "Октябрь" (1927), Третья Симфония "Первомайская" (1929).

Появление кино- и театральной музыки ("Новый Вавилон" 1929), "Златые горы" 1931, спектакли "Клоп" 1929 и "Гамлет" 1932) связано с формированием новых образов, особенно социальной карикатуры. Продолжение этого было найдено в опере "Нос" (по Н.В. Гоголю 1928) и в опере "Леди Макбет Мценского уезда" ("Катерина Измайлова") по Н.С. Лескову (1932).

Сюжет одноименной повести Н. С. Лескова переосмыслен Шостаковичем как драма незаурядной женской натуры в условиях несправедливого общественного устройства. Сам автор назвал свою оперу "трагедией-сатирой". В ее музыкальном языке гротеск в духе "Носа" сочетается с элементами русского романса и протяжной песни. В 1934 опера была поставлена в Ленинграде и Москве, шла под названием "Катерина Измайлова"; затем последовал ряд премьер в театрах Северной Америки и Европы (опера 36 раз выходила в (заново переименованном) Ленинграде, 94 раза в Москве, ее также ставили в Стокгольме, Праге, Лондоне, Цюрихе и Копенгагене. Это был триумф и Шостаковича поздравляли как гения.)

В январе 1936 спектакль "Катерина Измайлова" посетил Сталин. Опера шокировала его. Реакция нашла свое выражение в редакционной статье "Сумбур вместо музыки", опубликованной в "Правде" и на долгие годы определившей пути развития советской музыки. Спустя несколько дней "Правда" напечатала еще одну редакционную статью на музыкальную тему "Балетная фальшь"; на этот раз уничтожающей критике был подвергнут балет Шостаковича "Светлый ручей" (1935).

После статей "Правды" большинство произведений Шостаковича, написанных до 1936, практически исчезло из культурного обихода страны. Композитор был вынужден отменить назначенную на осень 1936 премьеру симфонии N4 (впервые она была исполнена в 1961). "Катерина Измайлова" была "реабилитирована" на родине только в 1962. Сочинения 1920-х годов (за исключением симфонии N1 и некоторых миниатюр) не исполнялись в СССР вплоть до середины 1960-х годов, а "Нос" был возобновлен только в 1974.

Четвертая (1934), Пятая (1937), Шестая (1939) симфонии представляют собой интересный новый этап в творчестве Шостаковича.

Развивая симфонический жанр, Шостакович одновременно придает все большее значение камерно-инструментальной музыке.

Появляются ясные, светлые, грациозные, уравновешенные Соната для виолончели и фортепиано (1934), Первый струнный квартет (1938), Квинтет для струнного квартета и фортепиано (1940) стали крупнейшими событиями музыкальной жизни.

Седьмая симфония (1941) стала музыкальным памятником Великой Отечественной войне. Продолжением ее идей стала Восьмая симфония.

В послевоенные годы все больше внимания Шостакович уделяет вокальному жанру.

В феврале 1948 было опубликовано Постановление ЦК ВКП(б) об опере В. И. Мурадели "Великая дружба", в котором музыка крупнейших советских композиторов в том числе Прокофьева, Шостаковича, Хачатуряна объявлялась "формалистической" и "чуждой советскому народу". Новая волна нападок на Шостаковича в прессе значительно превзошла ту, что поднялась в 1936. Вынужденный подчиниться диктату, Шостакович, "осознав ошибки", выступил с ораторией "Песнь о лесах" (1949), кантатой "Над Родиной нашей солнце сияет" (1952), музыкой к ряду фильмов исторического и военно-патриотического содержания и др., что отчасти облегчило его положение. Параллельно сочинялись произведения более высокого художественного достоинства концерт N1 для скрипки с оркестром, вокальный цикл "Из еврейской народной поэзии" (оба 1948) (последний цикл никак не согласовывался с антисемитской политикой государства), струнные квартеты N4 и N5 (1949, 1952), цикл "24 прелюдии и фуги" для фортепиано (1951); за исключением последнего, все они были исполнены только после смерти Сталина.

Симфонизм Шостаковича дает интереснейшие примеры использования классического наследия бытовых жанров, массовых песен (Одиннадцатая симфония "1905 год" (1957), Двенадцатая симфония "1917 год" (1961)). Продолжением и развитием наследия Л.-В. Бетховена стала Тринадцатая симфония (1962), написанная на стихи Е. Евтушенко. Сам автор говорил, что в его Четырнадцатой симфонии (1969) использованы идеи "песен и плясок смерти" Мусоргского.

Важная веха - поэма "Казнь Степана Разина" (1964), она стала кульминацией эпической линии в творчестве Шостаковича.

Четырнадцатая симфония соединила достижения камерно-вокального, камерно-инструментального и симфонического жанров. На стихи Ф. Гарсия Локи, Т. Апполинаро, В. Кюхельбекера и Р.М. Рильке создано глубоко философское, лирическое произведение.

Завершением большой работы по развитию симфонического жанра явилась Пятнадцатая симфония (1971), которая объединила все лучшее, что было достигнуто на различных этапах творчества Д.Д. Шостаковича.

Громадный объем, высочайший уровень творчества Шостаковича - это не только вклад в судьбу и историю отечественной музыки, но и вклад в развитие мировой культуры.

Остается один вопрос - в России ощущается некоторое охлаждение к Шостаковичу, а на Западе его тем временем все чаще называют первым среди равных в семье величайших композиторов XX века. В России видимо срабатывает не очень лицеприятная мысль-"Тут своих проблем хватает. Зачем же еще и в концертном зале душу разрывать на части..."

Шостакович был как зеркало: каждый видел в нем себя, свое. Это свойство величайших художников. Потому мы и зовем их "вечными спутниками".

ШОСТАКОВИЧ, ДМИТРИЙ ДМИТРИЕВИЧ (1906–1975), русский композитор; отличительные черты его стиля – интенсивная ритмика, разнообразное и часто самобытное использование оркестровых средств, высокая драматическая напряженность, оригинальный музыкальный юмор. Творчество Шостаковича то превозносилось властью, то подвергалось резкой критике. Его симфонии, в особенности Пятая и Седьмая, а также ряд фортепианных сочинений получили признание во всем мире.

Шостакович родился 12 (25) сентября 1906 в Санкт-Петербурге. В 13 лет поступил в Петроградскую консерваторию, где занимался по фортепиано у Л.В.Николаева, по гармонии у Н.А.Соколова и по композиции у М.О.Штейнберга. Уже в годы учения сочинил Первую симфонию, которая, вместе с тремя Фантастическими танцами для фортепиано, стала его первым опубликованным произведением. Первая симфония, тепло встреченная критикой после премьеры, осуществленной оркестром Ленинградской филармонии в 1926, вскоре приобрела известность и за пределами страны.

Вторая симфония оказалась гораздо менее удачной, и композитор направил свои усилия на оперный жанр. Но и первый его опыт в этой области – Нос, по фантастической повести Гоголя (1928–1929), продемонстрировавший и театральное чутье, и сатирическое дарование автора, все-таки не был шедевром. Шостакович продолжал много работать, и к тридцати годам в его творческом портфеле имелось множество опусов: сочинения для фортепиано и струнных инструментов, для голоса с фортепиано, четыре симфонии, три балета, две оперы и целый ряд партитур для кино и драматического театра. Первый балет Шостаковича, Золотой век, пользовался большим успехом. Вторая его опера, Леди Макбет Мценского уезда по повести Лескова с мрачным, кровавым сюжетом, блестяще прошла на премьере в Ленинграде 22 января 1934, но через некоторое время, в 1936, подверглась разгрому в официальной печати за «отсутствие простой и понятной мелодии» и потакание извращенным вкусам буржуазных слушателей «своей дергающейся, крикливой, неврастенической музыкой». Этот суровый приговор, опубликованный на страницах центральной советской газеты «Правда» (редакционная статья называлась Сумбур вместо музыки), некоторое время служил препятствием для исполнения музыки Шостаковича, однако прекрасная Пятая симфония, впервые сыгранная оркестром Ленинградской филармонии 21 ноября 1937, вполне реабилитировала ее автора. Шестая симфония появилась в 1939, а работа над знаменитой Седьмой была начата в осажденном Ленинграде в 1941. В 1942 Шостакович получил Сталинскую премию за это сочинение, в котором, как следует из более позднего высказывания композитора, он воплотил мужество своих соотечественников перед лицом как войны, так и сталинского террора.

Композитор вновь впал в немилость в 1948: его музыка была названа формалистической и декадентской. Как примеры «типичного формализма» (т.е. искусства, непонятного народу и чуждого ему) упоминались Восьмая и Девятая симфонии, написанные в период 1943–1945. Шостакович покорно принял адресованные ему обвинения, и это спасло его от более тяжких последствий партийной критики. В том же 1948 он получил официальное поощрение за «реалистическую» и «демократическую» музыку к кинофильму Молодая гвардия. Тринадцатая симфония Шостаковича носит название Бабий Яр и представляет собой вокально-симфонический цикл на стихи Е.А.Евтушенко. Умер Шостакович в Москве 9 августа 1975.

V симф. Бетховена