Искусство Высокого Возрождения

В конце XV — начале XVI в. в рамках итальянского Возрождения сформировалась художественная культура, не имевшая равных по своим идеалам и эстетическим ценностям. Высокое Возрождение — это период ослепительно ярких взлетов в искусстве и одновременно трагических падений и кризисов в государственной и экономической жизни Италии. Этот недолгий (около 40 лет) период в развитии художественной культуры выдвинул плеяду блестящих мастеров, среди которых в первую очередь следует назвать титанов Возрождения — Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рафаэля.

Новое искусство творили художники, прекрасно осознававшие свое высокое предназначение. Это были люди, обладавшие энциклопедическими знаниями во многих областях науки, философии и искусства. Они прекрасно усвоили законы изображения трехмерного пространства, постигли тайны рисунка, колорита, овладели приемами передачи воздушной среды, света и.тени. В их произведениях появились свобода, гармония и естественность движений. Они в совершенстве изучили видимый мир во всем его бесконечном разнообразии, блеске и красоте.

Какими же были идеалы и мечты творцов Высокого Возрождения? Прежде всего это были идеалы гуманизма, непоколебимой веры в творческие возможности гармонично развитого человека. Проблемы гражданского долга перед обществом, высоких моральных качеств и героического подвига составляют главное содержание искусства того времени.

В отличие от художников Раннего Возрождения, осуществлявших экспериментальные поиски и аналитические исследования окружающего мира, мастера Высокого Возрождения, отказавшись от частностей, пришли к постижению универсальных законов бытия, к синтезу и обобщению явлений реальной жизни. Искусствовед Н. А. Дмитриева писала:

Раннее возрождение — «это анализ, поиски, находки, это свежее, сильное, но часто еще наивное, юношеское мироощущение». Высокое возрождение — «синтез, итог, умудренная зрелость, сосредоточенность на общем и главном, сменившая разбрасывающуюся любознательность Раннего Ренессанса».

Если художники XV в. немало внимания уделяли изображению частностей (обстановки, интерьера, природы, деталей костюма), то в начале XVI столетия главное внимание было приковано к личности Человека, с которой они связывали свои главные мечты и надежды.

Одновременно это было очень трудное и трагическое для Италии время, когда государственная тирания, борьба за власть, соперничество между городами, правителями и представителями церкви приводили к кровавым столкновениям и кризисам. Прославленный гуманист, философ Марсилио Фичино (1433—1499) писал: «Я ничего не слышу, кроме шума оружия, топота коней, ударов бомбарды, я ничего не вижу, кроме слез, грабежей, пожаров, убийств». И это тоже была правда о Возрождении, мечтавшем об идеальном устройстве мира и совершенном Человеке.

Крупнейшим центром художественной культуры в это время становится Рим. Папы Римские Юлий II (1503—1513) и Лев X (1513—1521) делали все возможное для того, чтобы город, более тысячи лет пролежавший в руинах, вновь превратился в центр мира. Флоренция, Неаполь и Милан тщетно пытались удержать своих прославленных мастеров. Рим становился центром мирового искусства.

Основоположником искусства Высокого Возрождения по праву считают Леонардо да Винчи. Он родился в 1452 г. в семье флорентийского нотариуса Пьетро да Винчи. Уже в детстве его отличала исключительная любознательность: он увлекался геологией и ботаникой, наблюдал за игрой солнечного света и тени, за полетом птиц, движением воды. Он усердно изучал латинский язык, открывающий ему путь к постижению различных наук. В ранней юности он получил основательную математическую подготовку и проявил особый интерес к изобретательству. Леонардо занимался также поэзией, пением и музыкой, играл на скрипке и на арфе, был искусным собеседником. Кроме наук и искусств, в молодости он много занимался физическими упражнениями, превосходно ездил верхом, плавал и сражался на шпагах. Рано проявившаяся художественная одаренность юноши побудила отца отдать его в обучение к одному из самых знаменитых художников Италии — Андреа Верроккьо (1435— 1488). Именно тогда раскрылся многогранный талант Леонардо. Его первые творческие работы свидетельствовали об огромном даровании. Живопись стала для него лучшим инструментом познания мира природы и Человека.

Леонардо да Винчи привлекали евангельские сюжеты, в художественном воплощении которых раскрылся непревзойденный талант тонкого психолога («Поклонение волхвов», «Тайная вечеря»). Произведения Леонардо принесли иное, по сравнению с предыдущим периодом, понимание женской красоты. Воплощением женского идеала становится Мадонна с младенцем Иисусом Христом — возвышенный символ материнства и жертвенной любви к людям. Лучшие произведения художника на этот сюжет — «Мадонна Литта» и «Мадонна Бенуа» — жемчужины коллекции Эрмитажа. Не менее известны его картины «Мадонна в скалах» и «Святая Анна с Марией и младенцем Христом». Не раз художник обращался и к образам своих современниц. «Портрет Изабеллы д’Эсте», «Дама с горностаем» и «Портрет Джинервы Бенчи» — это возвышенно поэтические образы эпохи Возрождения.

Среди шедевров Леонардо — «Джоконда» — самое загадочное произведение художника. Четыре года он работал над портретом Моны Лизы — молодой жены богатого и известного флорентийца Франческо Джокондо. Впрочем, можно ли это произведение назвать портретом? Кажется, это гораздо больше, чем просто портрет, это «песнь торжествующей любви» самого художника. По свидетельству Вазари, во время работы Леонардо приглашал в свою мастерскую певцов, шутов, музыкантов, которые должны были не только поддерживать веселое настроение Моны Лизы, но и давать возможность художнику наблюдать за сменой ее чувств, неуловимой изменчивостью выражения лица.

Смелым новаторством и глубоким философским смыслом проникнуты замысел и воплощение «Джоконды». В портрете художнику удалось создать глубоко обобщенный, идеально возвышенный образ человека эпохи, лицо, озаренное чувством собственного достоинства и внутренней духовной силой. Не случайно Вазари подчеркивал, что, создав этот портрет, Леонардо «совершил настоящее чудо», «это вещь скорее божественная, чем человеческая». Да и сам художник так полюбил его, что по окончании работы не пожелал расстаться с ним и всю оставшуюся жизнь возил с собой.

В чем же секрет неувядающей славы и силы эмоционального воздействия этого произведения? Почему вот уже пять столетий оно приковывает внимание зрителей? Исследователи утверждают, что главный секрет таится в загадочной улыбке Джоконды. Вглядываясь в нее, мы невольно ловим себя на мысли, что вступаем в незримый диалог с этой женщиной, мучительно пытаясь разгадать что-то очень важное, лежащее за пределами реальной жизни. Может быть, во всей мировой живописи нет подобного образа, создающего иллюзию улыбки живых глаз. Джоконда буквально меняется на наших глазах: сначала она поражает своей задумчивостью, затем ее взгляд кажется то сосредоточенным и напряженным, то рассеянным. На смену легкой иронии приходят открытая доброжелательность и участие.

Как чуткий собеседник, она откликается на любое наше настроение и мысли. Благодаря теням, таящимся в уголках рта, улыбка то исчезает, то неожиданно появляется вновь. Нежнейшая светотень — сфумато (от итал. «затуманенный, рассеянный»; термин, обозначающий мягкость живописной манеры, плавность тональных переводов, размытость контура), которой мастерски пользовался Леонардо, помогала преодолеть скованность и неподвижность лица, действительно сделав его зеркалом душевных переживаний. Техническая сложность этого приема заключалась в том, что масляные краски, которыми пользовался художник, по природе своей непрозрачны. Для достижения желаемого эффекта Леонардо наносил поверх высохшего красочного слоя несколько десятков лессировок (тончайших слоев прозрачных и полупрозрачных красок). Их мерцание создавало впечатление воздушной дымки, сквозь которую проступали неясные, размытые очертания предметов. Теофиль Готье (1811 — 1872), французский поэт-романтик, уподоблял Джоконду древнему загадочному сфинксу, «который таинственно улыбается из рамы картины Леонардо да Винчи и, кажется, предлагает восхищенным столетиям загадку, которую они еще не решили». Несомненны также композиционные и колористические достоинства этого произведения. Мона Лиза изображена сидящей в кресле на высоком балконе, с которого открывается прекрасный горный пейзаж. Между скалами извивается уходящая в горы дорога, справа через реку перекинут каменный мост. Коричневые скалы, кажущиеся издали голубыми, лента дороги, поблескивающая на солнце вода представлены обобщенно. Это не столько конкретное изображение определенной местности, сколько собирательный взгляд художника на природу как на «regnum hominis» («царство человека»). Удивительный парадокс: небольшая по размерам картина воспринималась как монументальное полотно. Это ощущение рождало соотношение фигуры и величественного фона.

Кроме линейной перспективы, передающей глубину пространства, Леонардо использовал перспективу воздушную, передающую изменения в цвете и ясности очертаний предметов в зависимости от расстояния. Цветовая гамма портрета — зеленые, голубые и золотистые тона — отличается благородной сдержанностью, тонкостью цветовых сочетаний и сложнейшими переходами от полутени к полусвету. Рассматривая «Джоконду» в разное время дня, при разных условиях освещения, мы видим особую игру красок, вызванную изменчивостью природы.

Не раз обращались художники к этому образу, многие пытались копировать творение Леонардо, но никому не удалось постичь тайну загадочной улыбки «Джоконды».

Последние годы жизни Леонардо провел во Франции, куда был приглашен королем Франциском I. Здесь вплоть до самой смерти в 1519 г. он писал трактаты о живописи, природе воды, строении различных машин, ставил опыты. Он пробовал объяснить причины движения, распространения звука, света и тепла, пытался сформулировать основные законы механики. Во многих высказываниях Леонардо не раз повторялась мысль, что искусство должно не только учиться у природы, но и попытаться превзойти ее.

С единственного автопортрета, выполненного художником в преклонном возрасте, на нас пристально смотрит человек, умудренный жизненным опытом. Лицо старца изборождено глубокими морщинами, густые брови нависли над глазами, пышная борода растрепана. Плотно сжатые уголки губ запечатлели скорбную усмешку. Грустный проницательный взгляд выражает не только прежнюю силу и мощь, но и затаенную печаль. Да, это взгляд мудреца, сумевшего лучше других исследовать тайны человеческой души, познать законы мира и выразить их возвышенным языком искусства.

Непримиримый и гордый, бунтующий и суровый, Микеланджело перенес все муки творческого человека эпохи Высокого Возрождения. Борьба, страдание, протест, неудовлетворенность жизнью, душевный разлад, поиски смысла бытия — вот что наполняло жизнь выдающегося мастера. Любимые герои Микеланджело — библейский пророк Моисей и Давид, мужественный Прометей, кроткая и смиренная Мария, оплакивающая сына Христа, — обозначили важнейшие вехи творческого пути художника.

Микеланджело родился в 1475 г., а умер в 1564 г., пережив Леонардо да Винчи и Рафаэля на четыре с половиной десятилетия, оставив далеко позади эпоху Высокого Возрождения. В последние годы жизни он стал свидетелем того, как грубо попираются идеалы гуманизма. Все это глубоко возмущало и ранило художника.

В историю мировой культуры Микеланджело вошел как блестящий мастер скульптуры. Уже в 23 года он создал удивительное произведение, которое принесло ему известность и славу. Тысячи паломников и жителей Рима ежедневно толпились у статуи «Пьета» в соборе Святого Петра. В городе только и было разговоров, что об этом произведении и о его великом творце. Хвалебным речам и заказам, казалось, не было конца. Один из кардиналов заказал у скульптора сразу 15 статуй для сиенского собора...

В своем творчестве Микеланджело последовательно отстаивал веру в безграничные возможности человека, в силу его воли и разума. Именно ему принадлежало создание ярчайшего символа эпохи — замечательной скульптуры «Давид» (1501 —1504). «Флорентийский гигант» (высота 5,5 м) — так называли современники одно из самых прекрасных созданий художника. Вершиной художественного мастерства стала также скульптура библейского пророка Моисея, которой было посвящено сорок лет жизни...

В 1520 г. Микеланджело получил заказ на выполнение внутреннего убранства погребальной капеллы герцогов Медичи во флорентийской церкви Сан-Лоренцо. Гробница известных представителей династии должна была обессмертить их имена. Первоначально было задумано пять гробниц, но сделать удалось лишь две — у южной и северной стен капеллы. Каждая представляла собой саркофаг, на крышке которого возлежат аллегорические фигуры «Утра» и «Вечера», «Дня» и «Ночи». Мастерство скульптора проявилось в умелом объединении пристенных надгробий с архитектурой капеллы. В надгробии Джулиано Медичи Микеланджело создал единый ансамбль, обладающий необычайной силой эмоционального воздействия на зрителей.

Идея трагического бессилия человека перед силой всесокрушающего времени объединила все созданные им скульптурные образы. Фигура «Ночи» стала одним из самых ярких символов Жизни и Смерти. Сильная и красивая женщина спит, но сны ее беспокойны и тревожны. Мучительно неудобная поза выражает скрытое движение, отрешеннбё выражение усталого и скорбного лица призвано подчеркнуть трагический смысл образа.

В незавершенной аллегорической скульптуре «День», выполненной из грубо обработанного камня, заметны следы резца. Можно увидеть использование техники non-finito («не законченное»), которую Микеланджело часто применял в скульптурных произведениях последних лет жизни.

Четырнадцать лет жизни Микеланджело посвятил сооружению этой гробницы, ставшей своеобразным реквиемом культуре итальянского Возрождения. Капелла Медичи была последним произведением, выполненным в родной Флоренции. В 1534 г. он отправился в Рим, где ему суждено было сделать не менее важные художественные открытия.

Мировую известность Микеланджело принесли росписи свода Сикстинской капеллы в Риме, в которых нашли отражение трагические противоречия эпохи Возрождения. Он долго не соглашался, так как считал себя скульптором, а не живописцем, но Папа Римский Юлий II настаивал, и великому мастеру пришлось уступить. Ему предстояло расписать площадь в 600(!) м². Отказавшись от помощи учеников, Микеланджело все делал сам. Работа растянулась на долгие четыре года и потребовала от художника большого напряжения физических и духовных сил. День за днем, ночь за ночью он проводил в капелле, сутками не спускаясь с лесов. Это был невыносимо тяжелый, поистине титанический труд.

По замыслу автора свод должны были украсить эпизоды сотворения мира и человека от первых дней творения до грехопадения, Всемирного потопа и истории Ноя. Художнику очень хотелось показать зрителям эволюцию духовного восхождения человека от низшего к высшему, от греховности к святости, от человека в толпе к идеальной и совершенной личности. Получив одобрение Папы Римского, Микеланджело приступил к работе... Так появились замечательные фрески «Отделение света от тьмы», «Сотворение Адама», «Грехопадение и изгнание из рая», «Потоп» и др.

В 1536—1541 гг. Микеланджело продолжил работу в Сикстинской капелле, украсив ее алтарную стену фреской «Страшный суд», ставшей апофеозом страдания и справедливого возмездия. Вновь здесь были возведены леса, и на них появилась фигура художника, с утра и до последнего луча солнца наносившего мазки на свежую штукатурку. Как ему хотелось передать в красках человеческие чувства и страсти: надежду и отчаяние, измену и предательство, бессильный гнев и нестерпимую физическую боль, ужас и умиление, радость и восхищение...

Глядя на фрески, потрясенные зрители действительно испытывали смятение и страх, им мерещились крики и стоны несчастных, напрасно молящих о помощи. Ужас всемирной катастрофы и возмездия за грехи человеческие художественно представлен в сложных сплетениях тел, разнообразии поз и ракурсов, усилен богатством колорита, контрастами света и тени. В общей композиции, насчитывающей более 300 фигур, зрители различали души воскресших к новой жизни: блаженных, святых апостолов, пророков и мучеников. Одни из них показывали раны на теле — зримые свидетельства земных страданий, другие смиренно ждали своей участи. Над душами тех, кого ожидало спасение, витали ангелы.

В центре концентрической композиции Микеланджело изобразил мощную фигуру Христа, карающего людей за совершенные грехи. В величественном облике Творца-Демиурга, в его страстном и волевом жесте нашел отражение диалектический взгляд художника на мир, сущность которого заключалась в постоянном столкновении противоборствующих сил. Поднятой правой рукой Христос обрушивает вниз фигуры грешников, пытающихся подняться вверх, а левой — притягивает к себе избранных, стоящих справа от него. Его фигуру можно воспринимать не только как орудие справедливого возмездия, но и как единственную точку опоры, надежду на спасение и созидание нового. Именно это обстоятельство выявило суть авторского замысла, определило оптимистический характер восприятия монументальной фрески. Долгий и трудный путь на земле Микеланджело закончил созданием вознесшегося к небесам купола собора Святого Петра в Риме. В городе, некогда поразившем его творческое воображение, ему суждено было оставить вечную память о себе. В предложенном им проекте нашла воплощение идея центрального купольного сооружения, усилившая монолитность и динамичность всего архитектурного облика. При жизни мастера были завершены алтарные стены и пилоны, начал возводиться купол. Микеланджело не суждено было увидеть свою работу завершенной, замысел архитектора был воплощен по его проектам и чертежам уже после смерти.

Умирая, Микеланджело оставил краткое завещание: «Я отдаю душу Богу, тело земле, имущество родным». В своей жизни он сделал гораздо больше: он подарил человечеству свои бессмертные творения, снискав в веках славу Гения.

Более пяти столетий имя Рафаэля (1483—1520) окружено ореолом поклонения и восхищения. Исследователи отмечали «непринужденный вкус в выборе прекрасного, способность ума извлекать из многих частностей красоту, живое чувство... легкость послушнейшей кисти в воплощении творческой фантазии...» Современники, высоко ценившие его талант, называли художника «божественным Рафаэлем».

Эти слова не были преувеличением. Как никто другой из живописцев, Рафаэль умел убедить в правдивости созданных им образов и в то же время зародить в душе стремление к поискам прекрасного. Свои творческие искания он воплотил в совершенных образах Мадонны, в монументальных фресках, алтарных картинах и реалистических портретах. Он умер в зените славы, в полном расцвете сил, но за свою недолгую жизнь создал множество произведений, составивших гордость мировой культуры. Первые творения Рафаэля («Сон рыцаря», «Святой Георгий, поражающий дракона») свидетельствовали об огромном даровании начинающего художника.

Рафаэля справедливо считают певцом женской красоты. Он говорил: «Чтобы написать красавицу, мне надо видеть многих красавиц. Но ввиду недостатка... в красивых женщинах, я пользуюсь некоторой идеей, которая приходит мне на ум. Имеет ли она какое-либо совершенство, я не знаю, но очень стараюсь его достигнуть». Благородные овалы лиц, длинные прямые волосы, спокойные и добрые глаза, чуть тронутые улыбкой губы — таковы созданные им женские образы.

Рафаэлем написано более двадцати Мадонн, среди которых достойное место занимает ранняя работа — «Мадонна Конестабиле». На фоне пейзажа изображена молодая женщина с ребенком на руках. Задумчивое, немного грустное лицо обращено к книге Священного Писания. Рассеянным взглядом она скользит глазами по давно знакомым строчкам. А в это время шаловливый ребенок пытается перевернуть страницы книги. Молодая мать и ее дитя удивительно трогательны и простодушны. Рафаэль мастерски вписывает фигуры Марии и малыша в очень сложную для живописцев форму тондо (итал. «круг»). При этом он соблюдает все законы перспективы, не нарушая естественных форм зрительного восприятия мира.

Увлекшись монументальной живописью, выполняя многочисленные заказы, художник не расставался с темой материнской красоты. С вдохновением и любовью Рафаэль пишет непревзойденную «Сикстинскую мадонну», давно уже вошедшую в наше сознание как символ жертвенной любви во имя спасения человечества. Композиция поражает величественностью и гениальной простотой. Дева Мария медленно сходит на землю... Она только что сделала шаг навстречу людям, но главное ее движение еще впереди. Взгляд Марии лучистый, глаза широко и доверчиво открыты, они светятся нежностью и добротой. Мадонна держит на руках младенца — самое дорогое, что есть у нее в этом мире. Она несет его людям, прекрасно понимая, какая трагическая судьба уготована ему. Но и перед лицом грядущих испытаний она не теряет спокойствия, она пришла на землю не для того, чтобы призывать людей к покорности и самоотречению, а чтобы служить грядущим поколениям примером человеческого достоинства, самопожертвования и любви.

В 1508 г. по приглашению Папы Римского Юлия II Рафаэль переехал в Рим. Здесь он получил ответственный заказ — расписать несколько помещений второго этажа дворца в Ватикане. В Станца делла Сеньятура, служившей одновременно библиотекой и кабинетом Папы Римского, Рафаэль создал четыре известнейшие фрески: «Афинская школа», «Парнас», «Диспута» и «Юриспруденция». Каждая из них посвящена разным формам духовной деятельности человека: философии, искусству, богословию и законодательству.

Фреска Рафаэля «Афинская школа» — подлинный гимн человеческому знанию. В центре ее великие греческие философы Платон и Аристотель. Один указывает на небо, другой — на землю. Неподалеку Сократ со своими учениками, одинокий, глубоко задумавшийся Гераклит. Здесь же математики Пифагор и Евклид, астрономы Птолемей и Зороастр. В небрежной позе лежит на ступенях лестницы Диоген, учивший довольствоваться в жизни лишь самым необходимым. Многочисленные слушатели и ученики окружают беседующих или размышляющих мудрецов, исполненных сдержанного достоинства и уважения друг к другу. Каждый из изображенных наглядно воплощает представления об идеальном человеке. Каждый обладает высочайшей духовной энергией и глубокой нравственной силой. Каждый неуклонно верит в действенность человеческой мысли и знаний

Интересно, что грандиозная композиция, в которой представлено более 50(!) фигур, не кажется перегруженной. Напротив, она создает удивительное впечатление простора и свободы, безупречной легкости в изображении каждой из многочисленных групп. Как великолепна и изящна архитектура с уходящими в бесконечность арками величественного собора, сквозь которые видна синева клубящегося облаками неба!

В «Афинской школе» Рафаэль придает некоторым героям черты своих известных современников: Платону — Леонардо да Винчи, Гераклиту — Микеланджело. Здесь же он запечатлел и самого себя, наглядно продемонстрировав блестящее мастерство портретиста. Вглядимся в строгие портреты современников Рафаэля. За внешней простотой в них легко угадывается богатство внутреннего мира. «Портрет дамы с единорогом», парные портреты супругов Анджело и Маддалены Дони, «Портрет кардинала», «Портрет графа Бальдассаре Кастильоне», «Портрет папы Льва X с кардиналами», «Дона Велата», «Автопортрет» — шедевры портретного искусства Рафаэля. В основе каждого произведения лежит глубокое и пристальное изучение природы человека, внимание к его психологической характеристике. Портретное сходство с оригиналом также становится неотъемлемым условием творчества художника.

Не идеализируя и ничуть не приукрашивая, Рафаэль изображает известного мецената Анджело Дони, придавая ему черты общественного деятеля эпохи Возрождения. Перед нами человек, полный жизненной энергии, спокойной собранности и силы воли. Контрастность внешнего облика портретируемого усилена строгим черным костюмом с широкими красными рукавами и белым воротничком. Массивные перстни украшают пухлые, немного женственные руки. Фигура Анджело дана на фоне пейзажа, усиливающего эмоциональное воздействие произведения на зрителя. Талант Рафаэля был удивительно разносторонен. Он занимался не только живописью, но и архитектурой, декоративно-прикладным искусством. Им построены палаццо во Флоренции и вилла неподалеку от Рима, создан целый ансамбль портиков, павильонов, парков с прекрасными растениями и сверкающими бассейнами. Ему мы обязаны сохранением знаменитого Колизея, белый туф которого растаскивали несколько веков на всевозможные стройки. После смерти Браманте он руководил строительством римского собора Святого Петра. По картонам Рафаэля вытканы гобелены, изображающие эпизоды из жизни апостола Петра. Впоследствии по сохранившимся эскизам Рафаэля ученики расисывали лоджии Ватикана.

Последним произведением Рафаэля стало «Преображение Господне» (1518—1520). Но, к сожалению, ему не суждено было завершить работу. Лишь верхняя часть картины полностью выполнена великим Мастером. Неоконченное «Преображение» установили у изголовья умершего в день своего рождения художника, и весь Рим, прощаясь с любимцем, с восхищением взирал на чудо, которое совершилось здесь, на земле, а не на небесах. Через два года ученики Рафаэля завершили картину. Художник, оплакиваемый всем Римом, был с почестями похоронен в Пантеоне, «храме всех богов». Один из его современников пророчески написал в те дни:

«Окончилась его первая жизнь; его вторая жизнь, в его посмертной славе, будет продолжаться вечно в его произведениях...»

Вопросы и задания

1. Каковы художественные принципы искусства Высокого Возрождения? Почему этот период в развитии итальянского искусства был назван «золотым веком» Возрождения? В чем проявился универсализм творческих гениев этой эпохи? Каковы их идеалы? Какое воплощение они получили в их произведениях? Что особенно привлекает вас в творчестве титанов Возрождения?

2. Леонардо да Винчи утверждал, что «хороший живописец должен уметь писать две вещи: человека и представления его души. Первое легко, второе трудно, так как оно должно быть изображено жестами и движениями». Что, на ваш взгляд, особенно удалось ему в портрете «Джоконды»? Почему Вазари назвал этот портрет «настоящим чудом», «божественной вещью»? В чем секрет его неувядающей славы и особого эмоционального воздействия на зрителей?

3. Каковы основные вехи творческого пути и особенности художественного языка Микеланджело? Как вы думаете, почему его называют одним из самых трагических художников своего времени? В чем драматизм аллегорических фигур капеллы Медичи? Можно ли в его фреске «Страшный суд» увидеть символ крушения идеалов эпохи Возрождения?

4. Расскажите о живописных шедеврах Рафаэля. Почему его называют певцом женской красоты? Что из его произведений особенно понравилось вам? Объясните свой выбор.