Исторические условия формирования жанра

Экзаменационный билет № 1

Дисциплина «Звукозрительный анализ фильма»

1. Появление звука в кино. Фильм «Певец джаза».

2. Жанр мюзикл в Голливуде. Особенности и основные характерные черты. Анализ фильма «Поющие под дождем».

 

Несмотря на успех немого кино, работа над совершенствованием кинематографа не прекращалась. В 1927 году обществу был представлен первый звуковой фильм, «Певец джаза». Речь шла уже не о музыкальном сопровождении, герой на экране говорил. В данном фильме это было всего несколько реплик, однако это было настолько ново, что вызвало резонанс в обществе.

 

Так началось становление звуковых фильмов, в процессе которого качество звука менялось и совершенствовалось.

 

Общество встретило звуковые фильмы восторженно. Впрочем, актеры немого кино, в том числе и знаменитый Чарли Чаплин, считали, что с приходом звука, актерская игра утратит свою выразительность. Это было отчасти правдой, играть в звуковых фильмах действительно было гораздо проще, но возможностей для воспроизведения реальности стало гораздо больше.

 

Изначально звук в кино был фотографическим. На непрозрачную область кинопленке наносилась звуковая дорожка, ширина которой изменялась в зависимости от колебаний звука. В конце 1950 годов появилась альтернатива этой технологии – магнитный звук. На кинопленку наносились полоски оксида металла, и звук записывался на магнитные полосы. Считывалось звучание с помощью магнитной головки, как у магнитофона. Технология магнитного звука помогла достигнуть стереоэффектов в кино, которые популярны даже сегодня.

 

Первой компанией по созданию звуковых фильмов была кинофабрика «Уорнер Бразерз».

 

Во время становления звукового кино появилось множество однотипных фильмов, вся суть которых сводилась к диалогу, и кинокритики считают это минусом. Однако с развитием звука увеличивалась и продолжительность кинолент, и их сложность. Режиссеры получали новые возможности для раскрытия той или иной темы и демонстрации зрелищных сцен. Спецэффекты в кино неразрывно связаны со звуком.

 

Появление звука в кино повлияло не только на технические аспекты кинематографа, но и на стилистику. Звук усиливал эффект реальности происходящего на экране. С рождением звукового кино, увеличилось качество демонстрации фильмов. Кинокомпании поставили производство фильмов на поток. Появились новые принципы съемки, например, панорамная и широкоэкранная.

 

Качество демонстрации фильмов делало кинематограф все более популярным в обществе. Первые звуковые фильмы стали основой для создания масштабных картин со спецэффектами, которыми мы можем наслаждаться в наше время.

 

 

Певец джаза» (1927) — первый в истории звуковой фильм

Звуковое кино — разновидность кинематографа, в которой, в отличие от «немого кино», изображение сопровождается звуком (речью, музыкой, звуковыми эффектами)[1].

Первый известный публичный показ звукового фильма состоялся в Париже в 1900 году, но коммерчески успешное производство звукового кино началось лишь через два десятилетия[2].

Главными проблемами реализации технологии оставались ненадёжная синхронизация раздельных носителей изображения и звука, а также низкая громкость и неудовлетворительная разборчивость фонограмм ранних звуковых фильмов.

Фильм рассказывает о сыне певчего в церкви, мечтающего стать певцом джаза. Ему помогает звезда комедии и песен в стиле сок, которая его любит и двигает его карьеру вперед. Отец ожидает, что сын пойдет по его стопам, но у того на уме только шоу-бизнес. Он порывает с отцом и едет в Нью-Йорк, чтобы сделать карьеру. 6 октября 1927 года — день премьеры «Певца Джаза» — принято считать днём рождения звукового кино.

«Певе́ц джа́за» — музыкальный кинофильм. Став первым в истории полнометражным фильмом с использованием озвучивания синхронных реплик, он положил начало коммерческму превосходству звуковых фильмов в прокате и закат эпохи немого кино. Звук записан по технологии «Вайтафон». В главной роли снялся Эл Джолсон, исполнивший шесть музыкальных номеров. Премьера фильма состоялась 6 октября 1927 года[1].

 

Съёмки обошлись в 422 тысячи долларов — крупная сумма даже для кинокомпании Warner Bros., редко тратившей больше 250 тысяч. Лишь две картины стоили больше: полностью немое «Морское чудовище» (англ. «The Sea Beast») (503 тыс.) и «Дон Жуан» (546 тыс.) с Джоном Берримором в главных ролях обеих. Тем не менее, издержки обусловили серьёзный риск, особенно в свете денежных затруднений компании: Гарри Уорнер перестал получать зарплату, а его дочь Дорис «вспоминала, что во время съёмок фильма „Певец джаза“ Гарри заложил драгоценности жены и переселил семью в небольшую квартиру».

Хотя многие и более ранние ленты содержали звуковое сопровождение, их длительность не превышала длины одной стандартной части 10 минут. В 1921 году в Нью-Йорке был показан полнометражный фильм Д. Гриффита «Улица грёз» (англ. Dream Street), содержавший единственный песенный эпизод и шумы толпы. Показ фильма был предварён программой звуковых короткометражек, в том числе эпизодом, в котором Гриффит обращается напрямую к аудитории. Однако, сам фильм не содержал разговорных эпизодов. Подобным же образом ранние звуковые полнометражные картины компании Уорнер, выпущенные в 1926 году (например, «Дон Жуан»), содержали лишь синхронизированные музыкальные и шумовые эпизоды. Однако, в фильме «Певец джаза» помимо этого, включены многочисленные песенные эпизоды и несколько речевых. Основная часть реплик не озвучена, а снабжена интертитрами, как в классических немых картинах. В качестве юного Джеки Рабиновича, Джолсон исполнил две популярные песенки, его отец исполнил молитву «Кол нидрей», известный композитор Йоселе Розенблат в роли самого себя — другую религиозную мелодию. В качестве взрослого Джека Робина, Джолсон исполнил шесть песен, пять популярных джазовых мелодий и «Кол нидрей».

 

Звук для фильма записал звукоинженер Джордж Гроувз. В качестве режиссёра был приглашён Алан Кросланд, уже имевший опыт звукового производства по двум картинам: «Дон Жуан» и «Старый добрый Сан-Франциско», вышедшим в прокат, когда «Певец джаза» был в производстве.

 

Появление вокала Джолсона приходится на пятнадцатую минуту фильма. Первая речевая реплика — «Подождите, подождите, вы ещё ничего не слышали» (англ. Wait a minute, wait a minute, you ain’t heard nothin' yet) — стала впоследствии исторической, символизируя начало эры звукового кино[1]. Кроме того, она была визитной карточкой Джолсона: в ноябре 1918 года на гала-концерте, посвящённом окончанию Первой мировой войны, во время аплодисментов после выступления великого тенора Энрико Карузо, Джолсон выбежал на сцену и воскликнул: «Друзья, вы ещё ничего не слышали!» В целом, синхронных речевых эпизодов в фильме наберётся едва ли на две минуты. Большинство синхронных кадров вокального пения сняты средним и общим планами, когда несовпадение артикуляции почти незаметно.

 

 

Мюзикл.

 

Мюзикл, мьюзикл (англ. musical, от music — музыка), жанр музыкального фильма, основу которого составляют пение и хореографические номера, представляющие собой единое целое и объединенные единым художественным замыслом.

В 1930-е годы, золотой век Голливуда, популярность мюзикла растет благодаря ведущему голливудскому хореографу-постановщику Банни Беркли, который сумел придать этому жанру стремительный электризующий характер. В его известных мюзиклах «Золотоискательницы 1933 года» (1933), «42-я стрит» камера Беркли была постоянно в движении — то скользила вдоль зеркальной поверхности пола, то устремлялась в гущу танцующих, где мелькали их руки и ноги.

Другим королем мюзикла 1930-х годов был замечательный танцовщик Фред Астер, выступавший со своей постоянной партнершей Джинджер Роджерс. Актер был не только постановщиком танцев в мюзиклах, но и автором песен («Сногсшибательная шляпа», 1935, «В ритмах свинга», 1936, «Потанцуем», 1937 и др.).

1941 годом датирована яркая музыкальная комедия «Серенада солнечной долины», которую, можно без преувеличения сказать, обессмертил выдающийся джазовый музыкант Глен Миллер и его оркестр. В СССР этот фильм попал только после войны вместе с другими трофейными картинами и сразу же завоевал бешеную популярность — мелодии этой ленты напевали повсюду.

Ни одна из голливудских студий не хотела отставать в области мюзикла. Но, пожалуй, ведущей студией по производству наиболее удачных мюзиклов стала Метро-Голдвин-Майер (МГМ). В 1940-е и в начале 1950-х годов, когда жанр мюзикла достиг своего пика, засверкали звезды Джуди Гарленд («Встретимся в Сент-Луисе», 1944, В. Минелли), («Девушка с обложки», Риты Хейворт, 1944), Джина Келли и Стенли Донена («Увольнение в город», 1949, «Петь под дождем», 1952, «Всегда прекрасная погода», 1955).

 

МЮЗИКЛ (англ. musical), особый сценический жанр, где в неразрывном единстве сливаются драматическое, музыкальное, вокальное, хореографическое и пластическое искусства. На современном этапе – один из самых сложных и своеобразных жанров, в котором, в той или иной степени, нашли свое отражение чуть ли не все стили сценического искусства, существовавшие прежде. Сформировался в США в начале 20 в.

ИСТОРИЧЕСКИЕ УСЛОВИЯ ФОРМИРОВАНИЯ ЖАНРА

Театральное искусство США до конца 19 в. развивалось сложно, по особому пути, практически не соотносящемуся с общеевропейским. Английские пуритане, составлявшие большинство переселенцев в молодую страну, привезли с собой крайне нетерпимое отношение к художественной культуре вообще, и к театральному искусству в особенности. Истоки этого можно проследить еще в 17 в., со времен английской буржуазной революции, когда в 1642 английский парламент специальным указом запретил все театральные представления. Однако Англия, несмотря на свое островное расположение, все же не могла развиваться изолированно от общих тенденций европейского Просвещения 18 в., поставившего театр на службу своей идеологии, а следовательно – уделявшего театральному искусству много внимания. США же, в силу своей удаленности от Европы, обладали куда большей возможностью сопротивления интеграции тенденций художественной культуры. Переселенцы-пуритане, последовательно проповедуя идеологию аскетизма, на протяжении двух столетий отводили театру роль «низкого» и социально неодобряемого вида человеческой деятельности, провозглашая средоточием духовной жизни интеллектуальное, но не художественное развитие. Это не могло уничтожить театр вовсе, но обусловило совершенно определенные формы его развития.

Существование в 19 в. американского театра вне официальной идеологии способствовало развитию его самых простых и грубоватых форм, рассчитанных на неискушенного и потому непритязательного зрителя. К тому же мигрирующие из Европы театральные труппы и отдельные актеры, как правило, были не самыми талантливыми и не самыми состоятельными людьми, не сумевшими добиться успеха на родине. Наибольшее распространение в то время получили бродячие труппы, состоящие из небольшого количества актеров. Малый состав трупп обусловливал их репертуар: набор разнородных, преимущественно комических, номеров, короткие скетчи, музыкальные или танцевальные сценки. Как любой бродячий театр, чье материальное благополучие напрямую связано с конкретными интересами зрителей, эти труппы были вынуждены осваивать «местную специфику», в том числе – негритянский фольклор. К середине 19 в. сформировались американские театральные жанры, представляющие, несмотря на заимствование своих названий из европейского театра, совершенно особую их разновидность. Все они имели общую направленность – развлекательную. Различия между этими жанрами были скорее формальными, нежели принципиальными.

ИСТОКИ МЮЗИКЛА

Минстрел-шоу (от «менестрель» – средневековый певец, музыкант, декламатор). Первоначально минстрел-шоу представляли собой короткие комические сценки в исполнении белых актеров, загримированных под негров, пародирующих их быт, музыку и танцы. По окончанию Гражданской войны между Севером и Югом появились и негритянские труппы, продолжавшие традиции белых менестрелей. Погружение в негритянский фольклор, и особенно – в его музыкальную культуру, привело к зарождению в минстрел-шоу джаза (в частности, рег-тайма, как одной из его ранних форм). Представляется, что именно потому жанр сыграл особую роль в формировании музыкального и театрального искусства США. Пик популярности минстрел-шоу закончился к 1870-м.

Бурлеск, возникший в Европе как травестия, пародия на серьезные театральные представления, в США превратился в сборник разнообразных эстрадных номеров, основанных на двусмысленности и непристойности. К концу 19 в. в бурлеске начали появляться стриптизные номера, позже составлявшие его главную «изюминку».

Водевиль – в отличие от своей европейской версии, как правило, не имел общего сюжета и, скорее, приближался к варьете, к представлениям мюзик-холла, где различные музыкальные, танцевальные и цирковые номера следовали друг за другом в произвольном порядке. Разновидностью водевиля можно считать ревю, в котором номера соединялись некоей тематической линией.

Пожалуй, единственным музыкально-театральным жанром, сохраняющем в Америке свои европейские корни, была оперетта. В конце 19 в. наибольшей популярностью пользовались оперетты английских, французских и австрийских авторов.

В начале 20 в. произошло то, что без преувеличения можно считать революционным поворотом в развитии культуры Америки, а позже – и всего мира: формирование и становление джаза как нового родового понятия музыкального искусства. Джаз постепенно становился не просто музыкой, но и образом мышления, он проникал во все сферы художественной культуры, включая и театр. Постепенно осознаваемые в качестве самобытной национальной музыки, джазовые композиции приобретали все большую популярность. К началу 1940-х трудно было отыскать спектакль музыкально-комедийного жанра, не включающий в себя джазовых номеров. На их фоне тривиальность других сценок и скетчей выглядела все более пошлой. Качественный скачок музыкально-театральных представлений становился неизбежным. Именно джазовое мышление объединило все, не слишком отличающиеся друг от друга музыкально-зрелищные жанры на новых принципах, придав их легкому и поверхностному характеру неожиданную глубину. Изменение характера музыки неизбежно повлекло за собой и принципиальное изменение драматургической основы. Так, на пересечении, казалось бы, несоединимых художественных направлений возник мюзикл.

МЮЗИКЛ В АМЕРИКЕ

Официальной датой рождения нового жанра принято считать март 1943, когда на Бродвее состоялась премьера спектакля Оклахома! Р.Роджерса и О.Хаммерстайна. Хотя поначалу авторы традиционно именовали свой спектакль «музыкальной комедией», публика и критики восприняли его как новацию, разрушающую сложившиеся каноны. Спектакль композиционно представлял собой единое целое: в нем не было вставных дивертисментных вокальных и танцевальных номеров; сюжет, характеры героев, музыка, пение – все компоненты существовало неразрывно, подчеркивая и развивая разными средствами общую линию сценического произведения. За простой и непритязательной фабулой вставали основополагающие ценности – любовь, социальная общность, патриотизм. Недаром десятью годами позже штат Оклахома объявил песню из этого спектакля своим официальным гимном.

Уже после премьеры, прошедшей с необычайным успехом, авторы предложили новый термин для обозначения жанра спектакля: musical. Мюзикл Оклахома! не сходил с бродвейской сцены более пяти лет; после – объездил с гастрольным турне всю Америку. В 1944 получил Пулитцеровскую премию. Впервые была выпущена пластинка с записью не отдельных музыкальных номеров, но целиком всего спектакля. В 1955 был снят фильм Оклахома!, получивший два Оскара – за лучшую музыку и лучшую работу со звуком. В 2002 был вновь поставлен на Бродвее. Лига Драмы Нью-Йорка объявила Оклахому! лучшим мюзиклом века.

Так началась новая эра в истории сначала американского, а потом – и мирового театра, которую прославили такие композиторы, как Дж.Гершвин, Р.Роджерс, Л.Бернстайн, Э.Ллойд Уэббер, Дж.Герман и др. Драматургическими первоисточниками мюзиклов становились произведения У.Шекспира, М.Сервантеса, Ч.Диккенса, Б.Шоу, Т.С.Элиота, Д.Хейуарда и др.

При всей синтетичности жанра мюзикла, его видовым признаком не является обязательное наличие в спектакле «разговорных сцен»: есть несомненные мюзиклы, написанные и поставленные как бы в оперной манере, где роли превращаются в партии: Порги и Бесс, Кошки, Иисус Христос – Суперзвезда, Эвита и др. Во избежание путаницы такие произведения зачастую называют «рок-операми». Однако на самом деле с мюзиклами их роднит общий способ актерского существования, когда любое средство актерской техники, будь то танец, вокальный или пластический номер становится для исполнителя абсолютно органичным в выражении эмоции или мысли. Этот предельно условный, яркий театральный жанр должен непостижимым образом сочетаться с естественностью перехода от одного средства выражения к другому. Кроме того, при высочайшем уровне технического исполнения, постановка вокала или пластики должна быть принципиально иной, нежели в классических музыкальных жанрах: голоса не могут звучать «по оперному», а танец – выглядеть «балетным». Речь, мимика, пластика, танец могут быть только подчинены единой линии сценического поведения, задаче создания цельного образа.

Именно такой способ существования демонстрировали актеры в лучших постановках бродвейских мюзиклов, а также в их кинематографических версиях: Звуки музыки (1965), Вестсайдская история (1961), Хелло, Долли! (1969), Смешная девчонка (1968), Иисус Христос – Суперзвезда (1973), Моя прекрасная леди (1964), Скрипач на крыше (1971) и т.д. Многие из этих фильмов получили высокие кинематографические награды.

Вскоре американские мюзиклы начали свое триумфальное шествие по всему миру. Однако их европейские постановки были сопряжены с серьезными трудностями. Дело в том, что уникальная сценическая подготовка актера-универсала, отвечающего требованиям мюзикла, обусловлена определенной формой театральной практики, принятой на Бродвее: антрепризой, когда конкретная труппа собирается на воплощение конкретного проекта.

Поющие под дождем

Сюжет

 

1927 год, эпоха немого кинематографа. Дон Локвуд — популярный киноактёр, начинавший свою карьеру простым музыкантом и каскадёром. Постоянная экранная партнёрша Дона — самоуверенная, избалованная и эгоистичная Лина Ламонт, которая уверена, что между ней и Доном есть роман, хотя на самом деле это лишь рекламный трюк киностудии, а у Дона Лина и вовсе вызывает только раздражение. Однажды, убегая от преследующих его поклонниц, Дон запрыгивает в машину к танцовщице Кэти Селдон. Согласившись подвезти Дона, Кэти вместе с этим насмехается над его актёрским мастерством. По её мнению игра в немых фильмах — лишь глупое кривляние. На вечеринке у владельца студии, где снимается Дон, Р. Ф. Симпсона, проходит демонстрация технической новинки — звукового кино. Гости, однако, не впечатлены — новшество оценено как «вульгарное» и «несерьезное». В продолжение вечера Дон вновь встречается с Кэти, которая оказывается участницей танцующей на вечеринке группы. Не выдержав подтруниваний Дона, Кэти бросает в него торт, попадая в лицо Лине. Несмотря на этот инцидент, через некоторое время между Доном и Кэти всё же устанавливаются дружеские, а затем возникают и романтические отношения.

 

Между тем, первое звуковое кино «Певец джаза» имеет бешеный успех. Симпсон принимает решение начать в своей студии производство звуковых фильмов, первым из которых должен стать «Кавалер-дуэлянт» с Доном и Линой в главных ролях. Съёмки оказываются сопряжены с массой технических трудностей — актёры не умеют работать с микрофоном. Самой большой проблемой становится некрасивый визгливый голос Лины и её нью-йоркский акцент. Тестовая демонстрация картины оборачивается провалом. Во-первых, из-за того, что звуковая техника в то время была вообще плохо освоена, то голоса актёров на экране почти не слышны, так как их заглушают звуки вроде шуршания складок на одеждах, бряканья бус, хлопанье веера или звука от упавшей трости. Во-вторых, Дон с ужасом обнаруживает, что Кэти была права, когда говорила про глупое кривляние — снимаясь в немом кино он так привык выражать эмоции через жесты, что в звуковом сопровождении его игра кажется переигранной. В-третьих, Лине, несмотря на занятия дикцией, не удалось избавиться от своего жуткого голоса, из-за чего сцены, где её героиня рассуждает о любви, вызывают только смех. Но самый главный провал умудрились допустить монтажёры — в середине просмотра обнаруживается, что при монтаже звук неправильно синхронизировали с изображением, из-за чего публика покатывается со смеху, глядя, как Лина внезапно начинает говорить мужским голосом.

 

«Кавалер-дуэлянт» собираются переснимать, хотя Дон чувствует, что фильм и так обречён на провал. Но его лучший друг Космо Браун, с которым он когда музицировал, находит решение проблемы — фильм можно переозвучить и Кэти продублирует Лину. Симпсону эта идея приходится по душе и «Кавалер-дуэлянт» решают сделать мюзиклом, а все партии Лины, соответственно, опять пропоёт Кэти. Лина единственная, кто этим недовольна, ибо студия собирается указать на афише и в титрах имя Кэти, как голосовой дублёрши Лины, а заодно обеспечить ей рекламу, как начинающей актрисе. Лина перечитывает свой контракт и находит в нём пункт, согласно которому она имеет право вносить изменения во всю пиар-компанию, которую студия создаёт вокруг её имени. После этого в газетах тут же появляется реклама «Кавалера-дуэлянта», сообщающая, что Лина в фильме говорит и поёт своим настоящим голосом. Пригрозив подать на студию в суд, если имя Кэти не будет убрано из титров (так как студия собиралась ещё до премьеры разрекламировать Кэти), Лина вынуждает Симпсона исправить контракт Кэти, по которому та вообще больше не будет сниматься в кино, а только дублировать Лину в её будущих фильмах.

 

Премьера фильма проходит с большим успехом. Когда зрители требуют от Лины живого исполнения песен, Дон и Космо уговаривают Кэти встать за занавесом и озвучить звезду. Подняв занавес, они открывают подмену. Лина в смятении убегает, а Дон представляет зрителям настоящую звезду фильма.

В ролях

 

Джин Келли — Дон Локвуд

Дональд О’Коннор — Космо Браун

Дебби Рейнольдс — Кэти Селдон

Джин Хэген — Лина Ламонт

Миллард Митчел — Р. Ф. Симпсон

Сид Чарисс

Дуглас Фоули

Рита Морено — Зельда Зандерс

 

Создатели

 

Сценарий Адольфа Грина и Бетти Комден

Тексты песен: Артур Фрид, музыка Насио Херба Брауна

Музыкальный директор — Ленни Хайтон

Музыкальные номера, дирижёр, танцовщик, хореограф и режиссёр — Джин Келли и Стэнли Донен

Оператор — Харольд Россон

Консультант цвета Technicolor — Генри Джаффа, Джеймс Гуч

Художники-постановщики — Седрик Гиббонс и Рэндэлл Дуэлл

Редактор — Адриенн Фазан

Звукооператор — Дуглас Шеарер

Оркестровки — Конрад Сэлинджер, Валли Хеджлин и Скип Мартин

Вокальные аранжировки — Джефф Александер

Декорации — Эдвин Б. Уиллис, Джекью Мэпес

Специальные эффекты — Варрен Ньюкомб, Ирвинг Г. Рис

Художник по костюмам — Уолтер Планкетт

Дизайн причёсок — Сидней Гуиларофф

Создание макияжи — Уильям Таттл

Продюсер — Артур Фрид

Режиссёры — Джин Келли и Стэнли Донен