Ф.Шуберт. «Фантазия фа минор».

Ф.Лист. Этюды.

Ф.Шопен. Вальс (ми-минор); Мазурка №40.

Э.Григ. Соната для виолончели и фортепиано.

О СТИЛЯХ СОВРЕМЕННОЙ МУЗЫКИ. ИМПРЕССИОНИЗМ.

Рассматривая тему «О стилях современной музыки» важно подчеркнуть, что в истории человеческой цивилизации, охватывающей несколько тысячелетий, не было, вероятно, момента соль бурного и важного для будущего, как рубеж XIX-XX столетий. Многие характерные приметы нашего атомного, космического века зарождались в этот короткий, но чрезвычайно насыщенный событиями период.

К исходу XIX века завершается промышленный переворот в крупнейших европейских странах и в Америке. В результате окончательно утверждается капитализм как новая общественная формация. Ведущие капиталистические государства включаются в борьбу за сферы влияния в мире. В течение нескольких десятилетий войны из локальных (франко-прусская, англо-бурская, русско-японская) перерастают в первую мировую войну. В России происходит первая русская революция – 1905 года – и Великая Октябрьская социалистическая революция, изменившая весь уклад жизни человечества в будущем. И, как это обычно бывает в истории, чем более насыщенной оказывалась общественно-политическая жизнь, тем пестрее были сменяющие друг друга и конкурирующие между собой художественные направления.

В 1874 году происходит событие, оказавшее огромное влияние на дальнейшее развитие искусства – первая выставка французских живописцев, возвестившая о рождении импрессионизма. Такое название дала новому направлению картина французского художника Клода Мане «Впечатление». Живописцы применяли особую технику беглых пятен-мазков, которые вблизи казались беспорядочными, а на расстоянии рождали реальное ощущение живой игры красок, причудливых переливов света. К этому стилю принадлежали художники Эдуард Моне, Эдгар Дега, Клод Мане, Камилл Писсаро, Альфред Сислей, Огюст Ренуар, Поль Сезанн, Виссент Ван-Гог. «Греческим скульптором восхищаются за красоту строгих форм его статуй, – писал исследователь творчества импрессионистов Л. Вентури, – живописцем-импрессионистом – за темпераментную вибрацию света в его картинах».

Итак, импрессионизм – это художественное течение в музыке и живописи, развившееся в конце XIX- начале XX века в европейском искусстве. Представители импрессионизма ставили своей целью отображение жизненных впечатлений в том виде, в каком они ощущаются и непосредственно воспринимаются. Передавая свои мимолетные впечатления, импрессионисты стремились отобразить окружающий их мир во всей его изменчивости, подвижности и естественности.

Возникнув в среде художников, импрессионизм как направление вскоре захватил скульпторов, а затем и композиторов. Основателем импрессионизма в музыкальном искусстве по праву считается Клод Дебюсси, обогативший все стороны композиторского мастерства – мелодику, гармонию, оркестровку, форму. Дебюсси написал множество фортепианных и вокальных миниатюр, несколько пьес для камерных ансамблей, три балета, лирическую оперу «Паллеас и Мелизанда». Одухотворенные картины природы удивительной, почти зримой конкретностью переданы в его оркестровых пьесах «Послеполуденный отдых фавна», «Ноктюрны». Огромное влияние на его творчество оказало знакомство с музыкой народов Востока – индийской, арабской, индонезийской, китайской. Необычные для европейского слуха лады, своеобразные музыкальные тембры словно раздвигали перед музыкантом звуковые горизонты. В его творчестве чувствовалось влияние и русских композиторов, особенно Н. А. Римского-Корсакова, А. П. Бородина, М. П. Мусоргского.

В 90-е годы окончательно складывается его стиль, и Дебюсси становится одним из ведущих композиторов Франции. Одно за другом появляются его прославленные произведения: симфонический триптих «Море», оркестровая сюита «Иберия», циклы фортепианных произведений. В них раскрылся образный мир, полный красоты и поэтичности.

Создание новой образности приводит композитора к обновлению всех музыкально-выразительных средств. Особенно интересны открытия Дебюсси в области гармонии. С помощью гармонии, тембров, приемов фактур композитор передает игру света и тени, мелькание солнечных бликов, радужное сияние водяных струй. Мелодия же – главная носительница эмоции – утрачивает свою господствующую роль. Открытия Дебюсси в области музыкального языка, оказали исключительное влияние по силе воздействия на творчество музыкантов последующих поколений. Они послужили важным стимулом для решительного переосмысления выразительных возможностей музыки, поисков новой образности, отражающей проблемы XX века.

В творчестве Мориса Равеля (1875-1937) отразилась более поздняя эпоха. Став продолжателем направления, открываемого творчеством Дебюсси, Равель смог найти свою индивидуальную манеру высказывания, еще больше расширив звукоизобразительные, колористические возможности музыки. Рисунок его сочинений острее, резче, краски более четкие и контрастные. Но и в его композиторской манере также встречается утонченная звукопись, сложная и пестрая игра красок, типичная для музыкального импрессионизма. В лучших фортепьянных пьесах Равеля господствует прихотливая переливчатость звуков, навеянных живой природой («Игра воды», «Печальные птицы», «Лодка посреди океана»). Всю свою жизнь композитор разрабатывал мотивы любимой им Испании. Так появились «Испанская рапсодия» для оркестра, комическая опера «Испанский час», «Болеро». Большое внимание Равель уделял жанрам танцевальной музыки. Среди нескольких его балетов выделяется балет-сказка «Дафнис и Хлоя», созданный им в сотрудничестве с русской труппой С. П. Дягилева. Равель хорошо знал секрет музыкального юмора, с любовью писал музыку для детей. Таковы его пьесы «Матушка-гусыня», превращенные в балет, или опера «Дитя и волшебство». В своих произведениях для симфонического оркестра и других сочинениях композитор, несмотря на яркую новизну стиля, не отвергает классические и романтические традиции.

В последние год жизни Равель обратился к более современным, ритмически обостренным музыкальным средствам, в частности к интонациям джаза (соната для скрипки и фортепьяно, два концерта для фортепьяно).

Традиции импрессионизма, начатые французскими мастерами, нашли свое продолжение в творчестве композиторов различных национальных школ. Их оригинально развивали М. де Фалья в Испании, С. Скотт и Ф. Дилиус в Англии, К. Шимановский в Польше.

Влияние импрессионизма испытали в начале XX века и некоторые русские композиторы (Н. Н Черепнин, В. И Ребиков, С. Н. Василенко). У А. Н. Скрябина самостоятельно сформировавшиеся черты импрессионизма сочетались с пламенным экстазом и бурными волевыми порывами. Так, А. Скрябин совместил в своем творчестве мир зыбких, утонченных душевных переживаний человека и мир возвышенных порывов. Самобытно претворенные достижения французского импрессионизма заметны в ранних произведениях И. Ф. Стравинского (балет «Жар-птица», «Петрушка», опера «Соловей»)

Однако Скрябина и его произведения нередко связывают с символизмом. Символизм – это литературно-художественное и философско-эстетическое направление в европейском искусстве конца XIX-начала XX века. Символисты стремились с помощью условно-иносказательных (в противовес реальным) образов-символов раскрыть «скрытый реалиями» мир. В этом художественном течении отразилось ощущение нарастания, приближения больших общественно-политических событий, таких, как первая мировая война, русские революции 1905 и 1917 годов.

Идеи символизма владели умами и сердцами многих художников, причем не только русских. Например, Дебюсси тоже находился под воздействием литературы французских символистов Малларме и Метерлинка. Скрябин метал о том, чтоб музыкальное произведение стало синтетическим художественным действом. Найдя абсолютно оригинальные ритмические и мелодико-гармонические элементы музыкального языка, но не выходя за рамки традиционного ладо-тонального письма, Скрябин совместил в своем творчестве два, казалось бы, полярных начала: мир зыбких, утонченных переживаний человека и мир грандиозно возвышенных порывов, прямо-таки космических устремлений человеческого духа.

И все-таки, какими бы новаторскими ни были художественные искания и свершения Дебюсси, Равеля, Скрябина, их наследие – преддверие той эпохи в музыке, которую мы сегодня называем современной.

Современная музыка. Она охватывает творчество композиторов, работавших в течение почти целого столетия. Не случайно синоним выражения «современная музыка» - «музыка XX века». В эту область искусства включаются произведения различных художествен6ных направлений, многих национальных школ, наконец, выдающихся композиторов, не связанных с определенными течениями, но сказавших свое яркое слово в искусстве.

Направление, оказавшее решающее влияние на все развитие художественного творчества XX века – модернизм.

Модернизм – общее название ряда художественных течений в современном искусстве, которые роднит стремление к новаторству, обновлению содержания искусства и его языка, сопровождаемое во многих случаях отказом от традиций, в том числе и прогрессивных. К модернизму относятся экспрессионизм, авангардизм. Также в это время развиваются неоклассицизм и реализм.

Первые признаки модернизма проявились в искусстве еще задолго до первой мировой войны, в конце XIX столетия. Иногда датой рождения модернизма часто называют 1918 год, когда в Париже увидела свет книга Жана Кокто «Петух и Арлекин» – заметки о музыке. Ее автор – известный в то время французский поэт, художник и музыкальный критик – сформулировал главные эстетические положения этого течения, противопоставлявшего себя «расплывчатости импрессионизма и символизма». Он писал: «…Довольно облаков, туманов, аквариумов и ароматов ночи (намек на сюжет импрессионистов), нам нужна музыка земная, музыка повседневности!...».

Отчасти такая позиция была прогрессивной. Творчеству импрессионистов в целом был свойствен уход от больших тем. Однако и модернисты в этом смысле не смогли создать искусство, в котором отражались важные жизненнее проблемы.

Модернизм – очень сложное течение, включившее несколько различных направлений в искусстве, очень неоднородных и по художественным результатам, и по влиянию, оказанному на будущее музыки.

Ранее всего модернистические тенденции проявились в творчестве композиторов-экспрессионистов. Экспрессионизм – направление в европейском искусстве первых десятилетий XX века, представители которого ставили целью передать субъективный духовный мир человека. Основные черты экспрессионизма – болезненная напряженность эмоциональных образов, гротеск. Экспрессионисты старались выразить в своем творчестве одиночество личности, острые психические состояния человека, его подсознательные ощущения, для чего они отказываются от традиционных принципов композиции, в частности ладо-тональной системы. В музыке это течение было представлено деятельностью композиторов нововенской школы, ее главы Арнольда Шенберга.

В течение столетнего периода истории европейской музыки одни стили последовательно сменялись другими. И хотя сторонники каждого нового стиля отвергали многие принципы предыдущего, преемственность между ними никогда не нарушалась. Она выражалась прежде всего в двух моментах: во-первых, в поисках своего языка композиторы начиная с конца XVI века не выходили за пределы ладо-тональной системы; во-вторых, основой музыкальной фразы, «зерном» любого музыкального произведения являлась музыкальная интонация.

Так было до изобретения Шенбергом, которого называют отцом музыкального модернизма, собственной музыкальной системы, получившей название – додекафония.

Додекафония – метод музыкальной композиции, при котором отрицаются ладовые связи между звуками, и каждый из 12 тонов хроматического звукоряда считается равноправным, без различия тонов на устойчивые и неустойчивые.

Творчество и учение Шенберга произвели переворот в многовековой практике композиции. Впервые реформа музыкального языка отвергала какую бы то ни было преемственность с музыкой прошлого. Шенберг и его последователи полностью порывают с ладо-тональной системой. Сочинение музыки представляет собой, согласно Шенбергу, чисто умозрительное конструирование, подобное решению задач математической логики.

Метод Шенберга нашел последователей в лице таких композиторов, каким был, например, Албан Берг. Его опера «Воццек» – произведение очень выразительное, – вершина творчества экспрессионистов. Это произведение интересно тем, что, как блестяще показал его автор, можно, пользуясь серийной техникой, создать по-настоящему эмоциональную музыку.

Еще большим отходом от традиций классического музыкального наследия отмечено течение авангардизма, основанного на принципах нововенской школы с привнесением других элементов композиции.

Авангардизм – условное наименование различных течений в современном искусстве, для которого характерен отказ от традиций искусства прошлого. Авангардизм обогатил музыку новыми выразительными средствами, хотя некоторые его видные представители не пошли в своем творчестве дальше умозрительного экспериментаторства. Авангардисты включали в звуковую ткань произведения наряду с традиционными звучаниями различного рода шумы, звуки электронных синтезаторов.

Одной из разновидностей музыкального авангарда стала алеаторика. Алеаторика – это течение в современной музыке. Возникло в 50-е годы во Франции. Основано на применении принципа случайности как в процессе создания произведения, так и его исполнения. Наравне с тембрами традиционных инструментов используются произвольно подобраннее звучания. Таким образом, упор делается на красочность звучания, изобретение особых, ранее не использовавшихся композиторами звуковых эффектов.

Все эти интереснее находки остались в арсенале композиторских средств даже тогда, когда модернизм как течение полностью исчерпал себя.

Преодоление романтических тенденций происходит и в творчестве двух других художников XX столетия – Игоря Стравинского и Пауля Хиндемита, которых принято относить к иному направлению в музыке – неоклассицизму.

Неоклассицизм – это направление в музыке XX века, представители которого стремились использовать в своих произведениях формы и стилистические приемы старинной музыки, вкладывая в них современное содержание. Опору для своих творческих исканий эти крупнейшие композиторы XX века ищут в музыке добаховского и баховского времени.

Выдвинув лозунг «Назад к Баху», Стравинский имел в виду возвращение к четкой логике структуры произведения, свойственной музыке барокко, но на новом витке, то есть с использованием современных достижений композиторской техники. На самом же деле неоклассики берут от Баха лишь то, что эстетически близко их восприятию мира. Неизмеримо сужая огромный образный диапазон музыки Баха и его наиболее ярких предшественников, и Стравинский, и Хиндемит во многом игнорируют одну из самых сильных сторон их музыки – эмоциональность. Те же произведения, где эмоциональное начало присутствует (например, опера «Художник Матис» Хиндемита и балеты Стравинского), по праву вошли в золотой фонд музыки XX века.

В советской музыке отдельные неоклассические тенденции проявились в «Классической симфонии» С. С. Прокофьева, в его балете «Золушка», в фортепианном концерте Д.Д. Шостаковича.

Один из самых важных и плодотворных стилей в музыке – реализм.

Реализм – правдивое, объективное отражение действительности в искусстве; направление в искусстве, представители которого отражают жизнь в достоверных образах.

Реализм как метод отличал творения великих композиторов всех эпох, начиная с добаховских времен. Реализм как направление сформировался в музыкальном искусстве XIX века. Реалистическая направленность была свойственна творчеству многих композиторов XX века – Белы Бартока и Золтана Кодаи (Венгрия), Кароля Шимановского (Польша), Джордже Энеску (Румыния), Джорджа Гершвина (США), Бенджамина Бриттена (Англия).

Произведения, рекомендованные для прослушивания: