Актерское искусство имеет обрядовое происхождение. Первыми актерами можно считать жрецо в: выполняя ритуалы, они, по сути, играли роль и должны были знать ее без запинки. Жрецы надевали специальные костюмы, иногда маски.
В современных актеров есть и другие предшественники - скоморох и. Они появились в истории человечества очень рано. Шут, как и жрец, взяв на себя роль, не отказывался от нее на всю жизнь. Такой «родословную» объясняет двойственное отношение к актерам. Существовали две крайние точки зрения.
Актер часто воспринимался зрителями как избранник - служитель высокого искусства, беседует с богами, или как легкомысленный и грубый забавника. В первом случае его сравнивали со жрецами, а во втором - с шутами.
В Древней Греции актеров, исполнявших короткие бытовые сценки, называли мимами, то есть последователями.
В античном мире родилось и другое понятие - «актер» (лат. «поступок», «действие»). Так называли тех, кто играл в трагедиях и комедиях.
Актер на сцене должен действовать согласно сюжету пьесы и играть роль - быть не самим собой, а другим человеком.
Игровое начало подчеркнуто в немецкой названии средневекового актера - шпильман ( нем.- «игра»). Исполнителю необходимо испытывать чувство своего героя.
К концу XX века сложились разные стили актерского искусства. Стиль составленный из отдельных элементов, как мозаика, но зрители не видят «кирпичиков». Для них актер на сцене - живой человек, действует, думает, страдает и радуется.
Т е а т р а л ь н ы й к р и т и к. Анализировать и замечать - дело театральной критики. Главная задача исполнителя - заставить публику переживать, переубедить зрителя. В античную эпоху театральные представления были частью общественной жизни: трагедии и комедии играли на праздниках, посвященных богу Дионису. Пьесы, особенно трагедий, требовало мастерства, однако участники спектаклей не сочли это занятие профессией и после окончания праздников возвращались к повседневным делам. Древние греки очень ценили актерские успехи сограждан и лучших награждали.
А к т ё р. Становление профессионального театра, становления актерской профессии. Первым профессиональным театром стали спектакли итальянской комедии дель арте, возникший в XIV в. Собственно понятие «комико дель арте» и означает «профессиональный актер». В этот период в Италии обострились разногласия между церковью и театром, что существовали всегда. Христианская церковь считала актеров слугами дьявола. Однако уже на рубеже XVI-XVII вв. появились произведения, в которых театральное искусство признавалось занятием полезным, а актеры - воспитателями.
В эпоху Просвещения завязался спор о том, что такое игра актера: спектакль или переживания?
XVIII век - время значительных изменений в театральном искусстве. К сцене стали относиться серьезно, и вполне естественно, что возник вопрос о сущности актерского мастерства. Один из выдающихся мыслителей эпохи Просвещения - драматург и прозаик Дени Дидро (1713-1784 гг.) Написал трактат «Парадокс об актере» (1770 г.). По мнению Дидро, актеру следует выступать с холодной, даже «ледяной» головой, чувствительность же сцене противопоказана. Сильные чувства следует показывать, а не чувствовать. «Чувствительность отнюдь не является свойством гения, - писал Дени Дидро - на всем разбирается не сердце, а голова».
После появления «парадокса об актере» развернулась полемика о природе актерского творчества.
Вопрос обсуждался очень бурно и широко - и в театральных кругах, и среди зрителей. Появились сторонники «школы представления» (по Дидро) и «школы переживания».
Впоследствии разногласия не исчезли. На рубеже XVIII-XIX вв. представители романтизма поддержали «школу переживания». Они считали, что актеру необходимо жить страстями героя и тогда зритель постигнет высшую правду жизни.
Появился произведение, в котором выражалась другая точка зрения. В книге «Правила для актеров» (1803) Гете утверждал, что актеру нужно не только подражать природе, а также научиться идеальном, то есть улучшать, подправлять природу по законам красоты. Исполнитель, рассуждал Гете, находится на сцене, на его смотрят - поэтому он должен представлять собой образец независимо от того, какую роль играет.
Актеры - своенравные и непредсказуемые участники театрального процесса. Они всегда хотели нравиться публике, и очень часто, оставшись на авансцене один на один со зрителем, забывали о правилах, усвоенные в процессе репетиций, и играли на свой страх и риск.
Театровед. К концу XIX в. в европейских странах сложились национальные стили актерского искусства.
В Италии и частично в Австрии любили импровизацию (лат. «неожиданный», «внезапный»), то есть способ игры, при котором в момент представления может родиться новый пластический прием или интонация. Французы привыкли соблюдать правила, произведенных еще в XVII в. Главным в театре считалось слово, поэтому актеры много работали над текстом и на спектаклях демонстрировали красоту языка. На российской сцене играли вопреки Дидро - слушая сердце. В то время во многих европейских странах действовали учебные заведения, готовившие актеров. Старейшее из них - Парижская консерватория (включала драматические классы).
Р е ж и с с е р. Профессия - режиссер. XX век подарил искусству театра столько теорий актерского мастерства, сколько никакое другое столетия. Актеры, режиссеры, драматурги стремились разработать собственные системы. Одна из самых известных принадлежит Константину Сергеевичу Станиславскому (1863-1938 гг.), Одному из создателей Московского Художественного театра.
Труды Станиславского - «Работа актера над собой» и «Работа актера над ролью» - стали своеобразной библией для актеров. Интерес к методике, появившийся в первые десятилетия XX в., Не ослабевает и в конце века. Новые теории, даже опровергая положения Станиславского, так или иначе опираются и на те поистине эпохальные произведения
К. С. Станиславский сам был актером, с ранних лет выступал и в любительских, и в профессиональных спектаклях. Его захватывали загадки профессии, содержание и форма существования артиста на сцене. Достичь правды чувств актер может если вполне превратится, «если влезет в кожу» своего героя. Эту мысль высказал еще великий русский артист Михаил Семенович Щепкин, а Станиславский разработал приемы, с помощью которых можно вжиться в роль. Важным режиссер считал воспитание актера - служитель театра должен владеть собой, этикой, знать, ради чего выходит на сцену и что хочет сказать зрителям.
«Роль актера не кончается с опусканием занавеса - он обязан и в жизни быть искателем и проводником прекрасного», - писал Станиславский.
Долгое время в искусстве сцены не была решена проблема актерского ансамбля.
В спектаклях театра романтизма часто выделялся один актер, исполнитель главной роли. Иногда зрители следили за парой актеров, особенно если они играли любовный дуэт. В театре XX в. - Во многом благодаря Станиславскому - стал важным именно ансамбль актеров.
О значимости такого ансамбля писал и другой выдающийся режиссер - Всеволод Эмильевич Мейерхольд. Именно группа лиц должна развернуть перед зрителем картину жизни, а не один актер солист. Авторский текст, по Мейерхольдом, накладывает определенные рамки на волю режиссерского замысла, но рабом текста постановщик не может и не должен быть в любом случае.
Такие споры продолжаются по сей день, так как с появлением фигуры режиссера в театральном процессе большую роль стала играть интерпретация, то есть понимания, объяснение пьесы постановщиком. Конечно, все зависит от индивидуальности режиссера, его воли, его понимание сущностных проблем бытия - значит, от его мировоззрения.
Когда режиссура утвердилась как сценическая профессия и особая форма театрального мышления, неизбежно встал вопрос о стиле режиссуры.
В е д у щ и й. Понятие метафоры в сценическом искусстве довольно сложное, частично запутанное. Однако речь сцены - это язык искусства. Итак, режиссер должен освоить формы именно художественного мышления, создать собственный образ мира. Режиссерское искусство, как и любое другое, - это, прежде всего, образное мышление. В спектакле образы состоят из актерской игры, ритма, темпа, зависят от построения сценического пространства.
История сценического искусства XX в. знает впечатляющие режиссерские образы мира, отразили особенности художественного мировоззрения различных мастеров.
Т е а т р а л ь н ы й к р и т и к. Выдающиеся режиссеры. Признанными создателями сценических метафор стали:
• Генри Эдуард Гордон Крэг (1872-1966 гг.)
• Всеволод Емильович Мейерхольд (1874-1940 гг.)
• Джордж Стрелер (1921-1997 гг.)
• Юрий Петрович Любимов (род. В! 917 г..)
• балетмейстеры Морис Бежар (настоящая фамилия - Берже, род. В 1927) и Мате ЭГК, а также успешно работающие на оперных сценах Роберт Уилсон и Люк Бонди.
Театровед. Как только режиссер занял одно из главных мест в театре, важной стала проблема взаимопонимания между участниками спектакля. На сценической площадке могут сталкиваться разные стили, разные творческие страсти. Режиссер-постановщик призван соединить все элементы в единое целое, учитывая при этом особенности характеров актеров и вкусы художника, понимая двойственность их роли в подготовке спектакля. Актеры и художник-сценограф одновременно самостоятельные и подчинены воле режиссера-постановщика. Он же в своей работе должен помнить о двойном, точнее, даже тройное подчинение актера. Участник сценического действия должен руководствоваться текстом пьесы (в любом случае произносить слова, написанные драматургом), соблюдать режиссерских указаний и освоить пространство, построенный сценографом.
История театра XX в. показала, что по желанию режиссера и с помощью актеров, воплощают его замысел на сценических подмостках, может быть изменен даже жанр пьесы, положенной в основу спектакля. Комедийный текст по воле постановщика приобретает черты трагедии, трагический сюжет трактуется как сатирический, а драматический персонаж выглядит смешным.
Настоящее произведение театрального искусства рождается только в творческом содружестве всех участников сценического действия, но ведущая роль режиссера обязательно должен сохраняться.
В современном театральном искусстве постепенно складывается новый тип актера драматического театра. Такой артист знаком с ведущими национальными школами, читал Станиславского, Гротовского, Арго, Брехта, интересуется и совершенно новыми идеями. Он может выбирать, но чаще в его творчестве вполне мирно уживаются элементы различных школ, приемы актерской техники, заимствованные из различных теорий.
С ц е н о г р а ф. Термин «сценография» (от греч. «палатку» и «графо») появился сравнительно недавно. Когда принято было говорить о театрально-декорационное искусство. Сюда включалось оформление сцены, обозначение места действия, стиль костюмов персонажей, особенности реквизита. Понятие «сценография» значительно шире. Художник-сценограф строит театральное пространство учитывая взаимодействие сцены и зрительного зала.
В античном театре амфитеатр (греч. «амфи» - «с обеих сторон», «вокруг», «место зрелищ») с местами, которые поднимались уступами, охватывал с трех сторон небольшой круглый площадка - орхестру (с греч. «танцую»), на которую выходили актеры и хор.
Они появлялись из дома сцены, где хранились костюмы и маски, проходили через проскениум - площадку перед стеной сцены и небольшими лестницами спускались на орхестру. Зрителю, что смотрел сверху и сбоку с амфитеатра, пустая круглая плоскость орхестры казалась фоном для фигуры актера.
Античная драматургия не предполагала изображение конкретного места действия. Сидя в огромном амфитеатре, зритель чувствовал себя частью единого театрального целого. Когда он поднимал голову и отводил взгляд от орхестры, и видел за низким домом сцены бесконечное пространство, в котором человек-мир только часть театра-мира и часть Вселенной.
Постепенно появились более сложные решения (организация) места действия. Полукруглий амфитеатр «подвинули» в игровую площадку. За спинами актеров теперь поднималась высокая стена, оградила театр от окружающего мира. Затем придумали навес - потолок, защищающий актеров от яркого солнца или от дождя. Возник вопрос о здании театрального помещения.
Эта задача была решена в эпоху эллинизма (IV-I вв. До н. Э.). В Древнем Риме уже строили каменные и деревянные дома. Появились новые, чисто технические проблемы. В помещении было необходимо специальное свет, нужно дать «картинку» фона, будет перед глазами зрителей в течение нескольких часов действия. В реальную архитектурную композицию вставляли рамы с полотнами - на них изображались другие или дома интерьеры, и тем самым на площадке создавалась иллюзия другого пространства. Было время, когда на холсте писали пейзаж.
В Средневековье спектакли стали снова играть под открытым небом. Формы средневекового народного, уличного театра сохранились в эпоху Возрождения - в конструкции шекспировской сцены. Именем великого английского драматурга называют тип построения театрального пространства, существовавшего в период правления королевы Елизаветы Тюдор (1558-1603 гг.). Особенностью Елизаветинской сцены был ее деление на три игровых площадки.
Ве д у щ и й. История театра продолжается. Театр - зеркало, в котором отражаются события и человек. Но мастера театра - творцы, и поэтому способны не только понять настоящее, но и предсказывать будущее. Не раз в истории человечества сбывались пророчества, произнесенные со сцены. Театра неоднократно предсказывали гибель, но он каждый раз выживал - выдержал конкуренцию с кинематографом, с телевидением, с компьютером. Искусству, создается на глазах у зрителей, суждена долгая жизнь. Преодолевая всевозможные границы и языковые барьеры, зоной дарит миру новые открытия.
Театровед. Одной из древнейших частей костюма актёра является маска. Маска - это накладка с вырезами для глаз, скрывающей лицо участника маскарада, карнавала, иногда с изображением лица человека, головы животного или мифологического зверя. Маска означает потаенность, тайну, трансформацию - перевоплощение и небытие.
Еще в первобытных культурах участники культовых религиозных обрядов надевали маски, стремясь представить себя божеством или злым духом. До сих пор существуют ритуальные маски африканского культа Буду.
Значение древней символики нимфы в том, что она выражает сверхъестественную силу. Шаман как бы сам становится духом, когда надевает маску.
У многих народов в древности на лицо умершего клали погребальные маски. Золотая маска египетского фараона Тутанхамона - это великолепное произведение ювелирного искусства. Египтяне использовали посмертную маску, чтобы жизненная сила человека - Ка - смогла вернуться в тело, узнать его и воскреснуть.
Театральные маски известны еще со времен античного театра. В греческом театре они символизировали трагическую или комическую природу персонажа. Зло - это маска Горгоны. Маска комическая - атрибут музы комедии Талии, трагическая - Мельпомены.
В культовых обрядах шаманы надевали маски, чтобы соединиться с силами природы, в театре - охарактеризовать персонажа.
В японском традиционном театре Но актеры играют в масках, которые отражают душевные переживания героев. Это маски девушки, старой, демона, они подчеркивают характеры персонажей.
В XVI в. во Франции распространилась дамская мода на полумаски с бархата или тафты, носивших в путешествия и прогулок. Носили их как защиту от ветра и пыли и как средство кокетство, но только не в присутствии короля.
С XVIII в. маска становится неотъемлемым атрибутом карнавалов. Венецианский карнавал - самый известный и самый старый карнавал в мире. Именно в Венеции распространилась традиция под маской скрывать титул и чин своего обладателя, чтобы не беспокоиться за свою репутацию.
В XVIII в. главными героями становятся Арлекино, Пьеро и волшебная Коломбина.
В Украине маски традиционно одевают на Рождество - ряженые и колядники.
Маски бывают: обрядовые, культовые, театральные, карнавальные.
ПРОВЕРКА ЗАПИСЕЙ ПО СЦЕНКЕ
Д/З: Создайте образ - маску: современную, венецианскую, греческую, японскую, африканскую, славянскую. Написать литературный этюд для вашей театральной маски.
