Малиновский Рафаил Болевславович

Педагог-балетмейстер Житомирского колледжа культуры и искусств им. Огиенко, художественный руководитель ансамбля народного танца «Унава». Окончил Краснодарский институт культуры, где определился как хореограф народного танца. Педагогическую деятельность начал в 1974 году как преподаватель хореографических дисциплин Житомирского культпросветучилища. Рафаил Болеславович, обладая неповторимым стилем и языком танца, стоял у истоков возрождения ансамбля песни и танца «Льонок», где и приобрёл профессиональную известность. На протяжении многих лет – главный балетмейстер фольклорного ансамбля национального обряда «Родослав» (г. Житомир).

Вантух Мирослав Михайлович - хореограф и балетмейстер. Герой Украины, народный артист Украины и России, лауреат Национальной премии Украины им. Т.Г. Шевченко, профессор, академик. В 1964 году Мирослав Михайлович Вантух основал ансамбль танца "Юность" при Дворце культуры им. Гагарина г. Львова. За 20-летнюю работу Мирослава Михайловича с этим коллективом на всех всесоюзных конкурсах он завоевал только золотые медали. В 1968 году М.Вантух становится самым молодым заслуженным деятелем искусств Украины. В 1977 г. ему присвоено почетное звание Народного артиста Украины. В марте 1980 года Мирослав Михайлович Вантух возглавляет Национальный заслуженный академический ансамбль народного танца Украины им. П. Вирского. Первой работой балетмейстера в ансамбле имени П. Вирского стала хореографическая композиция "Карпаты": в ней заметный своеобразный стиль художника, который сумел интересно интерпретировать народные обряды, прибегая к современным лексических хореографических средств

8. Вариация – это небольшой сольный классический танец. Обычно технически сложный и композиционно развернутый. Обычно является частью Pas de deux, Pas de trois, Grand Pas. Вариация возможна в качестве самостоятельного эпизода.

9. Понятия духовной и художественной культуры

Духовная культура – это система знаний и мировоззренческих идей, присущих конкретному культурно-историческому единству или человечеству в целом.

Понятие «духовной культуры» восходит к историко-философским идеям немецкого философа и государственного деятеля Вильгельма фон Гумбольдта. Согласно ему, всемирная история – это результат деятельности духовной силы, лежащей за пределами познания, которая проявляет себя через творческие способности и личные усилия отдельных индивидов. Плоды этого сотворчества – есть духовная культура.

Она возникает благодаря тому, что человек признает основным и руководящим духовный опыт, из которого он живет, любит, верит, оценивает все вещи.

Иначе можно сказать, что духовная культура – это сфера человеческой деятельности, охватывающая различные стороны духовной жизни человека и общества. Она включает в себя формы человеческого сознания и их воплощение в искусстве.

Художественная культура – это вид культуры общества, состоящий в образно-творческом воспроизведении природы, общества и жизнедеятельности людей средства народной художественной культуры и профессионального искусства. В структуру художественной культуры входит специализированный уровень (построенное на специальном образовании искусство, или самодеятельное, под контролем профессионалов) и обыденный уровень (бытовое искусство, а также разные виды имитационно-игровой деятельности).

Центральное место в художественной культуре занимает искусство – литература, графика, хореография, музыка, архитектура и др.

Роль художественной культуры в духовном развитии человека огромна – она воздействует на разум человека, на его внутренний мир, побуждая к созданию новых элементов культурного наследия.

10. Народно - сценический танец, как вид искусства.

Народный танец является одним из наиболее распространенных и древних видов народного творчества. Он возник на основе трудовой деятельности человека. В настоящее время существует как вид сценического танца, представляющий собой синтез элементов танцев различных народностей на основе классического танца. В результате этого народный элемент приобретает некоторую условность. Создается балетмейстером для балетного спектакля. В системе подготовки артистов балета в 1930-х гг. сложилась определенная методика обучения народно-сценическому танцу на основе классического экзерсиса, авторами которой являлись А.В. Ширяев, А.В, Лопухов и А.И. Бочаров.

Народный танец — один из самых древних и массовых видов искусства. В нем находят отражение социальные и эстетические идеалы народа, его история, трудовая деятельность, жизненный уклад, нравы, обычаи, характер. Возникновение танца относится к глубокой древности, когда пляска, танец были неотъемлемой частью жизни людей. Народно-сценический танец, источником которого является народное творчество, прошел долгий и сложный путь развития. Народный танец прошел путь развития от простой пляски к сценическому танцу, сделав виртуозную технику способом выразительности. Под народно-сценическим танцем мы понимаем народный танец, обработанный для сцены и дополненный новыми выразительными средствами, сохраняя основные национальные особенности. Народно-сценический танец обладает богатым арсеналом выразительных средств, которые служат для воплощения содержания хореографического произведения. Народные танцы, включенные в программу, представляют собой сценическую интерпретацию национального танцевального фольклора. Народно-сценический танец же является одним из основных предметов специального цикла хореографических дисциплин, неотъемлемой частью начального образования. Он всегда имеет ясно выраженную тему и идею – всегда содержателен.

11.Перечислить фамилии балетмейстеров народного танца стран СНГ.

Павел Вирский,

Игорь Моисеев,

Надежда Надеждина,

Илья Сухишвили,

Нина Рамишвили,

Мирослав Вантух,

Файзи Гаскаров,

Александр Опанасенко

- Государственный академический ансамбль народного танца имени Игоря Моисеева — хореографический ансамбль народного танца, созданный в 1937 году хореографом и балетмейстером Игорем Александровичем Моисеевым. ГААНТ имени Моисеева — первый в мире профессиональный хореографический коллектив, занимающийся художественной интерпретацией и пропагандой танцевального фольклора народов мира.Для достижения максимальной выразительности и экспрессивности танцевального действа Игорем Моисеевым были использованы все средства сценической культуры: все виды и роды танцев, симфоническая музыка, драматургия, сценография и актерское мастерство. Помимо этого Моисеев взял за основу принцип равенства артистов ансамбля, в коллективе с самого начала не было солистов, ведущих танцоров и кордебалета — любой участник мог исполнять как главную, так и второстепенную роль в постановке.

Репертуар ансамбля составляют около 300 хореографических произведений, созданных Игорем Моисеевым, начиная с 1937 года. По жанровому признаку все танцы делятся на хореографические миниатюры, танцевальные картины, сюиты танцев и одноактные балеты. Тематически танцы объединены в циклы «Картинки прошлого», «Советские картинки» и «По странам мира». В списке приведены наиболее часто исполняемые хореографические номера.

- Национальный заслуженный академический ансамбль танца Украины имени Павла Вирского. История ансамбля начинается с 1937 года. Известные балетмейстеры Павел Вирский и Николай Болотов впервые в Украине соединяли вокруг себя хореографический коллектив народного танца, который в 1940 году был реорганизован в ансамбль песни и танца Украины.

Опираясь на народные национальные традиции П.Вирский создал больше пяти концертных программ, в которые вошли яркие хореографические композиции “Мы из Украины”, “Куклы”, “Моряк”, ”Гопак”, “Сестры”, “Чумацкие радости”, “Ой, под вишней”, “Повзунець”, “Подоляночка”, “О чем ива плачет”, “Запорожцы”, “Мы помним!”

Под художественным руководством Павла Вирского ансамбль вырос в зрелый профессиональный коллектив, искусство которого тронуло сердца многочисленных зрителей деревень, городов и государств мира. С 1980 года ансамбль возглавил народный артист Украины Мирослав Вантух. Самое главное в его работе – направленный творческий поиск. Благодаря созданной в коллективе атмосфере, художественный руководитель добился от артистов высокого исполнительского мастерства, ясной образности, творческого и требовательного отношения к своему труду

- Государственный академический хореографический ансамбль «Берёзка» образован в 1948 году выдающимся хореографом XX века Надеждой Надеждиной. Она привела классическому танцу поэзию старинного хоровода, соединила прошлое с настоящим. Сочиненный ею девичий хоровод на тему русской народной песни «Во поле березонька стояла» (музыкальная обработка Евгения Кузнецова, костюмы Любови Силич) более полувека завораживает зрителей своим диковинным, «плывущим» шагом, словно целая березовая роща вдруг ожила, сдвинулась с места и предстала в торжественно величавом параде. Первыми исполнительницами танца «Берёзка» были молодые колхозницы Калининской области. Вскоре понравившийся всем хоровод исполнили профессиональные артисты.

Мира Кольцова с 1957 года — солистка балета, с 1979 года — художественный руководитель и главный балетмейстер.

С 1987 года ансамбль выступает с программой, в которой множество постановок его нового художественного руководителя — Миры Кольцовой. В совершенстве овладев стилем и хореографической пластикой ансамбля «Берёзка», она умело использует это в подготовке и выпуске новых постановок и программ, много работает по воспитанию нового поколения артистов ансамбля, обогащая их профессиональное мастерство передачей им всех тонкостей исполнительского стиля и хореографических традиций «Берёзки»

- Ансамбль народного танца Грузии. Первыми руководителями ансамбля и его солистами стали народные артисты СССР Нина Рамишвили и Илья Сухишвили.

В репертуаре ансамбля — народные танцы различных народностей Грузии, Осетии а также театрализованные сюжетные постановки с музыкальным сопровождением на грузинских народных инструментах..

- «Жок» — государственный академический ансамбль народного танца Молдавии. Ансамбль был создан 1945 года. двумя энтузиастами танца — Леонидом Леонарди и Леонидом Зельцманом. Ансамбль «Жок» — один из главных популяризаторов народной молдавской музыки и танцев как в Молдавии, так и за её пределами. Репертуар ансамбля включает в себя разнообразные фольклорные танцы: молдовеняска, бэтута, хора, цэрэняска, крэицеле, хангул, кэлушарий.

На фольклорной основе ансамблем был создан ряд хореографических сюит и картин: «Жок», «Котовцы», «Нунта молдовеняскэ», «Ликуй, Молдова», «Карпаты»

Владимир Курбет – молдавский балетмейстер. В 1958 году художественным руководителем и главным балетмейстером Молдавского государственного академического ансамбля народного танца «Жок». Владимир Курбет, народный артист СССР и Республики Молдова, лауреат Государственной премии СССР, страстный этнограф и фольклорист, неутомимый исследователь народного танца и музыки, артист энциклопедического склада. На протяжении этих лет маэстро В. Курбет сумел собрать самые прекрасные элементы танца, музыки, национального костюма Молдовы, которые удачно использовал в танцах.

Он поднял их до уровня спектаклей, настоящих хореографических жемчужин, художественная форма которых сохранила исполнительский стиль и манеру, музыку, костюмы и духовность народа во всей ее подлинности. Благодаря его творческой деятельности, коллектив «Жок» постоянно развивался, завоевывая все большее национальное и международное признание. «Жок» успешно гастролировал в более чем 65 странах мира

- Александр Григорьевич Опанасенко (1913 -2005). Государственный ансамбль танца Беларуси Основатель коллектива – заслуженный артист Украинской ССР, заслуженный деятель искусств БССР.

Репертуар коллектива того времени необычайно разнообразен: белорусские, русские, украинские, молдавские народные танцы, танцы стран народной демократии. Такие танцы как «Украинский гопак» и «Метелица», поставленные Александром Опанасенко ещё в первые годы существования коллектива, исполняются до сих пор.

12. Балетмейстер -

Балетмейстер – автор и постановщик балетов, танцев, хореографических номеров, руководитель труппы. Он создает систему движений, выбирает костюмы и грим, декорации.

Категории классификации балетмейстерской деятельности:
1. Балетмейстер-сочинитель, сочиняет новые постановки, движения, выстраивает взаимоотношения в постановке.
2. Балетмейстер-постановщик, передаёт то, что сочинил балетмейстер сочинитель. Он разучивает с артистами все партии.
3. Балетмейстер-реставратор, специфика его работы - это сохранение богатства классического и народно-сценического наследия, он переставляет балет с коллектива на коллектив, сохраняет и продлевает жизнь постановкам.
4. Балетмейстер-педагог, занимается обучением и воспитанием, специфика его работы доведения образа героя до совершенства.
5. Балетмейстер-репетитор. Его задача донести до зрителя то, что сделали балетмейстер-постановщик и балетмейстер-сочинитель. Он доводит исполнительское мастерство до совершенства.

13. Классификация видов искусства. Классификация видов искусств (появилась с конца 18 века):

Виды искусства - это исторически сложившиеся, формы творческой деятельности, обладающие способностью художественной реализации жизненного содержания и различающиеся по способам ее материального воплощения (слово в литературе, звук в музыке, пластические и колористические материалы в изобразительном искусстве и т. д.)

Для того чтобы показать общие черты разных видов искусства и их различия, предложены различные основания для их классификации. Так, выделяют виды искусства:

§ по количеству использованных средств — простые (живопись, скульптура, поэзия, музыка) и сложные, или синтетические (балет, театр, кино);

§ по соотношению произведения искусства и реальности — изобразительные, изображающие действительность, копируя се, (реалистическая живопись, скульптура, фотография), и выразительные, где фантазия и воображение художника творят новую действительность (орнамент, музыка);

§ по отношению к пространству и времени — пространственные (изобразительное искусство, скульптура, архитектура), временные (литература, музыка) и пространственно-временные (театр, кино);

§ по времени возникновения — традиционные (поэзия, танец, музыка) и новые (фотография, кино, телевидение, видео), обычно использующие для построения образа достаточно сложные технические средства;

§ по степени применимости в быту — прикладные (декоративно-прикладное искусство) и изящные (музыка, танец).

Временные(слуховые)-музыка(Иоган Себастьян Бах-токатты,прелюдии;Людвиг Ван Бетховен-«Лунная соната»,опера «Фиделио»;Вольфганг Амадей Моцарт-«Реквием», оперы «Женитьба Фигаро», «Волшебная флейта»;Камиль Сен Санс-«Умирающий лебедь»;Петр Ильич Чайковский-«Щелкунчик», «Спящая красавица», «Лебединное озеро»),литература(Достоевский Федор Михайлович «Преступление и наказание»,А.С.Пушкин «Евгений Онегин»,Л.Н.Толстой «Война и мир»,Владимир Винниченко «Федько-халамыднык»,Леся Украинка «Лисова писня»).-жизнь в развитии.

Пространственные(зрелищные)-живопись(Леонардо Да Винчи-«Мона Лиза»,Сандро Ботичелли-«Рождение Венеры»,Павло Пикассо-«Девочка на шаре»,Винсент Виллем Ван Гог-«Абрикосовые деревья», «Сиеста»,Исаак Ильич Левитан-«Золотая осень»,Виктор Михайлович Васнецов-«Ковер-самолет»),скульптура(Франсуа Огюст Роден-«Мыслитель»,Микелянджело-«Давид».скульптура Венеры Милосской(автор не известен),архитектура(Байдарские ворота,Генуэзская крепость, Драматический театр имени Луначарского,Ласточкино гнездо, Массандровский дворец,Пизанская башня,Эйфелева башня)-остановленное мгновение.

Пространственно-временные-театр,кино(«Калина красная»-Василий Шукшин, «Любовь и голуби»-Владимир Меньшов, «А зори здесь тихие»-повесть Бориса Васильева,режиссер-Станислав Ростоцкий),опера(«Фиделио», «Женитьба Фигаро», «Дон Жуан»),балет(«Сильфида»-б.Август Бурнонвиль,муз.Адольф Адан; «Жизель»-б.Жан Коралли,м.Адольф Адан; «Ромео и Джульетта»-б.Кеннет Мак Миллан,м.Сергей Пркофьев),цирковое искусство(цирк им.Бориса Николаевича Тезикова,цирк du Soleil в Канаде).-синтетические.

Основные формы народно - сценического танца.

Хоровод – это массовый танец. В нем принимают участие и молодежь, и люди среднего возраста, и даже старики. Музыка танца обычно медленная, напевная, лиричная. Музыкальный размер чаще используется 4/4, но бывает и 2/4, реже, 3/4. Танец часто сопровождается пением.

Большая роль в хороводе отводится хороводнице – женщине, которая пользуется всеобщим уважением, благодаря чему и заслужила право руководить танцем. В другое время хороводница может быть свахою на свадьбах, бабою-позываткою на пирах, кумою на крестинах. Основные фигуры хоровода – это хождение по кругу. Хороводница руководит хождением танцующих в одном большом кругу, затем разбиванием его на несколько маленьких, вновь схождением в один большой круг.

В старину хороводы водились на особенных местах, каждое из которых получало свое название. Это были озера, реки, лужайки, рощи, пустоши, огороды, дворы. На одних местах собирались хороводы только праздничные, на других – повседневные. Для праздничных хороводов селяне пекли пироги, караваи, красили в желтый цвет яйца.

Виды хоровода

Этот танец является поистине универсальным, и в том или ином виде, под разными названиями встречается у многих народностей. Так, в Болгарии хоровод называется хоро, в Молдавии – хора, хурэ, в Литве – карогод, в Сербии – коло, что в переводе означает «круг».

Различают хороводы женские и смешанные. Молодые парни могут принять участие в хороводе только по приглашению хороводницы. Это прекрасная для них возможность познакомиться с понравившейся девушкой, с ее окружением и родными.

Виды хоровода:

Орнаментальные.
Если в тексте песни, сопровождающей хоровод нет конкретного действия, ярко выраженного сюжета, действующих лиц, то это орнаментальный хоровод. Участники хоровода ходят кругами, рядами, заплетают из хороводной цепи различные фигуры, согласую свой шаг с ритмом песни, являющейся лишь музыкальным сопровождением. Игровые.
Хоровод, в песне которого имеются действующие лица, игровой сюжет, конкретное действие, то содержание песни разыгрывается всеми участниками хоровода одновременно. Исполнители с помощью пляски, мимики, жестов создают различные образы и характеры героев. Часто персонажами песни являются животные, птицы

Пляска
В древности пляски носили обрядовый, культовый характер, но со временем приобрели бытовой. Пляска - это наиболее распространенный и любимый жанр русского народного танца.
Пляска родилась в хороводе и вышла из нее, разорвав хороводную цепь, усложнив техническую основу, создав свои формы и рисунки, заменив хороводную песню плясовой и различным музыкальным сопровождением. Пляской можно выражать различные состояния человека. Пляска состоит из ряда отдельных движений - элементов, которые отличаются характерной манерой исполнения, имеют русский национальный колорит. Каждые движения в пляске наполнены смыслом. В пляске могут участвовать парни и девушки, мужчины и женщины, подростки и пожилые люди. Для мужской пляски характерны широта, размах, удаль, сила, внимание и уважение к партнерше. Для женской пляски характерны величавость, плавность, благородство и задушевность, однако часто она исполняется живо, с задором.
В каждой пляске есть свое содержание, сюжет. Одной из отличительных особенностей пляски является индивидуальная импровизация. Пляска отличается от хоровода более богатой и сложной лексикой танцевальных движений. Помимо обогащения лексики пляска дает возможность и для усложнения и разнообразия пространственного рисунка: лихие выходы парней, задорные проходки девушек, перебежки, разнообразные по рисунку переходы пар и т.д. - все это создает новые рисунки и построения, присущие только пляске. Отличает пляску от хоровода и музыкальное сопровождение. Пляски идут не только под песни, а под аккомпанемент различных музыкальных инструментов

ВИДЫ ПЛЯСКИ
Одиночная.
Бывает мужской и женской. В ней наиболее полно отражается индивидуальность, мастерство, изобретательность исполнителя. Одиночная пляска основана на импровизации исполнителя.

Парная.
Ее исполняют в основном парень и де вушка. Содержание парной пляски - как бы сердечный разговор, диалог влюбленных. Чаще всего это свадебные пляски.

Перепляс.
Это соревнование в силе, ловкости, изобретательности. Это показ индивидуальности исполнителя

Массовый пляс.
В этой пляске нет ограничения ни в возрасте, ни в количестве участников. Массовый пляс чаще всего исполняют в парах - один против другого. Пляшут по одному, по трое, по четверо, но у каждого исполнителя пляса есть своя задача - не только показать себя, но и сплясать лучше, чем стоящий рядом.

Групповая пляска.
В групповой пляске может участвовать много народа. Групповая пляска имеет установленное построение. Она вобрала в себя многие фигуры хороводов, в некоторые групповые пляски вошли одиночная или парная пляска, используется импровизация.

Кадриль
По количеству исполнителей кадриль можно отнести к групповым пляскам, но ее более позднее возникновение и появление в быту русского человека, своеобразное построение, четкое деление на пары и фигуры и ряд других признаков отличают кадриль от традиционных плясок. Поэтому кадриль выделяется в самостоятельную форму. Кадриль ведет свое происхождение от салонного французского танца. Французская кадриль начала распространятся в русском народе в начале XIX столетия.
В народе кадриль десятилетиями видоизменялась, совершенствовалась и создавалась заново. Она приобрела своеобразные движения, рисунки, манеру исполнения, взяв от салонного танца лишь некоторые особенности построений, да название. Русский народ сделал кадриль разнообразной по рисунку, введя в нее многие фигуры русских хороводов и плясок. Богаче стала и форма кадрили, она стала исполняться и линиями, и квадратом, и в круговом построении. В кадрили стали принимать участие различное количество пар: 2, 4, 6, 8 и больше, но обязательно четное. В некоторых местностях, где было мало мужчин, появляются кадрили, исполняемые одними девушками. Если французская кадриль состояла из 5 - 6 фигур, то в русской народной кадрили встречается, от 3 до 14 и даже более фигур. Названия фигур французской кадрили почти не имели отношения к существу танца. В русской же кадрили фигуры получили разнообразные названия исходя из местных особенностей, а самое главное - названия эти ярко характеризуют каждую фигуру с точки зрения хореографии или ее содержания.

ВИДЫ КАДРИЛИ
Квадратная.
Она исполняется четырьмя парами, стоящими друг напротив друга по углам квадрата. Движение и переходы пар происходят по диагонали или крест – накрест

Линейная.
Может участвовать от 2 до 16 пар. Пары располагаются в таком порядке: слева от зрителя первая пара, в другой линии, напротив нее, вторая пара и т.д. Каждая пара пляшет почти всегда только с противостоящей парой. Линейным кадрилям присущи свои построения и переходы пар:

15. Ведущие профессиональные коллективы У. Крыма

1. «Таврия» — Симферопольский государственный вокально-хореографический ансамбль «Таврия» имени Л. Чернышевой (1971)

Сегодня ансамбль «Таврия», с гордостью носящий имя своей основательницы, бережно сохраняет и приумножает традиции и творческие принципы, заложенные Лидией Чернышевой.

Композиции, созданные Чернышевой, органически сочетали музыку, танец, слово и пение. Они отличались национальной самобытностью, высоким профессионализмом.

В 1982 году ансамбль преобразован в Государственный вокально-хореографический ансамбль Украины "Таврия".

2.Ансамбль песни и пляски Черноморского флота РФ

марте 1932 года была организована небольшая группа певцов и танцоров, вошедших в состав созданного в это же время Краснофлотского театра Черноморского флота.

Первой крупной постановкой ансамбля была музыкально-литературная композиция «Красный Флот в песнях», с которой коллектив много раз выступал на кораблях, береговых батареях и в других воинских частях флота. Первым художественным руководителем ансамбля был С.П.Кузнецов, ранее работавший с флотской художественной самодеятельностью. И хотя репертуар, с которым ансамбль выступал в те годы, был актуален с политической точки зрения, но он воспитывал у участников коллектива хорошие хоровые навыки.

В 1938 году ансамбль приказом Народного комиссара Военно-морских сил был выделен из Краснофлотского театра в самостоятельную творческую единицу с определенным штатом участников. В конце 1938-го года в ансамбле был создан оркестр

В годы Великой Отечественной войны ансамбль не прекращал своей деятельности. Помогая нашим воинам защищать Севастополь, певцы, музыканты, танцоры появлялись на самих различных участках его обороны: выступали на боевых кораблях, передовых позициях, в землянках, окопах, одним словом везде, где яркое художественное слово, песня, пляска могли содействовать подъему воинского духа моряков, солдат, офицеров.

16. Год создания государственного академического ансамбля танца России

17. Истоки зарождения и развития танца.

1 этап: ритуальные танцы. Все важнейшие особенности образа жизни людей отражались в ритуальных плясках. Основные темы были таковы: охота и война и тема любви. Чуть позже появляется деление на пляски-игры, культовые пляски и бытовые пляски.

2 этап: греко-римский. Танец стали преподавать в учебных заведениях. Они делились на несколько категорий: священные танцы (исполнялись в храмах) и общественные (воинские пляски, массовые гуляния)

3 этап: мрачное средневековье. Этот этап носит такое название, потому что танец полностью искореняли из жизни общества. Ему присвоили культ «дьявольского наваждения», а тело (в особенности женское) стало символом любых форм осквернения.

4 этап: феодализм. Одной из главнейших форм развлечения знати были балы и маскарады.

5 этап: появление балета. Заимствованный в Италии, балет появился во Франции, в XVI. в качестве придворного балета. Самостоятельным видом танцевального искусства он становится во второй половине XVIII в. благодаря реформам Жан-Жоржа Новерра.

6 этап: современный танец. Основоположница нового направления – Айседора Дункан. Источником вдохновения она считала природу. Выражения ее чувств не имело ничего общего с какой-то определенной хореографической системой. Импровизация, танец босиком, отказ от традиционного балетного костюма – все это послужило развитию такого стиля танца, как модерн.

18. Основные формы бального танца.

Бальные танцы – группа различных парных танцев, некоторые из которых имеют народные истоки. Эти танцы очень сильно видоизменялись, каждая эпоха влекла за собой какие-либо изменения.

Большинство бальных танцев в наше время имеют африканские корни, сильно замаскированные европейской школой.

В XX в. английские специалисты стандартизировали все известные к тому времени танцы: вальс, фокстрот, танго. Так появились конкурсные танцы. Позже к ним добавились еще 5 танцев из латиноамериканской программы: ча-ча-ча, самба, джайв, румба и пасадобль.

С середины XX в. бальный танец подразделяется на две категории: спортивный и социальный.

Бальные танцы XX века сложились на основе европейского танца, в который на рубеже XIX—XX веков вдохнула новую жизнь африканская и латиноамериканская музыкальная и танцевальная культура. Подавляющее большинство современных бальных танцев имеют африканские «корни», уже хорошо замаскированные технической обработкой европейской танцевальной школы.

Все бальные танцы являются парными. Пару составляют кавалер и дама, танцующие с соблюдением точек контакта. В Европейской программе этот контакт более плотный. Он сохраняется в течение всего танца. В Латиноамериканской программе контакт более свободный, чаще всего осуществляется за счет соединенных рук и иногда может как вообще теряться, так и усиливаться за счет натяжения при исполнении фигур.

Поскольку исполнение бальных танцев требует определенных навыков и тренированности, их популярность в обществе снизилась с течением времени. Появление твиста в 1960-х годах ознаменовало конец парных танцев. Такие танцы, как вальс, танго, фокстрот и т. д. фактически перестали служить для массового развлечения. В истории бального танца открылась новая страница.

Европейская программа

В Европейскую программу (Modern или Standart) входят 5 танцев: квикстеп (темп—50-52 тактов в минуту), медленный вальс (темп—28-29 тактов в минуту), танго (темп—30-32 тактов в минуту), медленный фокстрот (темп—27-29 тактов в минуту), и венский вальс (темп—58-60 тактов в минуту). В эту программу должны быть одеты в соответствующиетребованиям бальные платья. Кавалеры должны быть одеты во фраки черного или темно-синего цвета и носить бабочку или галстук. Вместо фрака разрешено танцевание всмокинге или в жилете. Современный танцевальный костюм отличается от повседневного в первую очередь покроем, одна из особенностей которого в том, что плечи костюма партнера должны оставаться ровными, когда руки поднимаются в стороны.

Латиноамериканская программа

Латиноамериканские танцы

В Латиноамериканскую программу (Latin) входят танцы: самба (темп — 50-52 тактов в минуту), ча-ча-ча (темп — 30-32 тактов в минуту), румба (темп — 21-25 тактов в минуту),пасодобль (темп — 58-62 тактов в минуту) и джайв (темп — 60-70 тактов в минуту). Из латиноамериканских танцев только самба и пасодобль танцуются с продвижением по линии танца. В остальных танцах танцоры более или менее остаются на одном месте, хотя и в этих танцах возможно перемещение танцоров по танцевальной площадке с возвратом к исходной точке или без. В настоящее время конкурсные платья дам, как правило, короткие, очень открытые и облегающие. Современный конкурсный костюм кавалеров тоже достаточно облегающий, подчеркивающий мужественные линии тела.

19. Основные законы драматургии.

I. Экспозиция знакомит зрителей с действующими лицами, помогает им составить представление о характере героев. В ней намечается характер развития действия; с помощью особенностей костюма и декорационного оформления, стиля и манеры исполнения выявляются приметы времени, определяется место действия. Действие здесь может развиваться неторопливо, постепенно, а может динамично, активно. Длительность экспозиции зависит от той или иной задачи, которую решает здесь хореограф, от его музыкального материала, строящегося, в свою очередь, на основе сценария произведения, его композиционного плана.

II. Завязка. Само название этой части говорит о том, что здесь завязывается – начинается действие: здесь герои знакомятся друг с другом, между ними либо между ними и какой-то третьей силой возникают конфликты. Драматургом, хореографом сделаны первые шаги, которые впоследствии приведут к кульминации.

III. Основное действие перед кульминацией - это та часть произведения, где развёртывается действие. Конфликт, черты которого определились в завязке, обретает напряженность. Ступени перед кульминацией действия могут быть выстроены из нескольких эпизодов. Количество их и длительность, как правило, определяется динамикой развёртывания сюжета. От ступени к ступени она должна нарастать, подводя действие к кульминации. Некоторые произведения требуют стремительно развивающейся драматургии, другие, наоборот, замедленного хода событий.

IV. Кульминация – наивысшая точка развития драматургии хореографического произведения. Здесь достигает наивысшего эмоционального накала динамика развития сюжета, взаимоотношение героев.

В бессюжетном хореографическом номере кульминация должна выявляться соответствующим пластическим решением, наиболее интересным рисунком танца, наиболее ярким хореографическим текстом, т.е. композицией танца. Кульминации обычно соответствует также наибольшая эмоциональная наполненность исполнения.

V. Развязка – завершает действие. Развязка может быть либо мгновенной, резко обрывающей действие и становящаяся финалом произведения, либо, наоборот, постепенной. Та или иная форма развязки зависит от той задачи, которую ставят перед произведением его авторы. Развязка – идейно нравственный итог сочинения, который зритель должен осознавать в процессе постижения всего происходящего на сцене.

Все части хореографического произведения органично связаны друг с другом, последующая вытекает из предыдущей, дополняет и развивает её.

16.Композиция в хореографическом искусстве. Композицию создает балетмейстер – создатель, сочинитель хореографического произведения. Это может быть сочинение целого балета, отдельного танцевального номера, эпизода в пляске, дуэта, трио, квартета и т.д. Каждая композиция включает в себя ряд танцевальных комбинаций, она должна основываться на определенном музыкальном материале и отражать все особенности музыки, строится по законам драматургии и включать в себя экспозицию, завязку, ступени перед кульминацией, кульминацию и развязку. В композиции следует различать рисунок танца и хореографический текст. Композиция танца состоит из ряда компонентов. В не входят: драматургия (содержание), музыка, текст (движения, позы, жестикуляция, мимика), рисунок (перемещение танцующих по сценической площадке), всевозможные ракурсы. Все это подчинено задаче выразить мысль и эмоциональное состояние героев в их сценическом поведении. Композиция составляется из ряда частей – танцевальных комбинаций.

20. Хореография это

21. Композиция - составление целого из частей. В хореографии же композиция представляет собой гармоническое единство формы и содержания хореографического произведения, отличающегося оригинальностью выразительных средств.

Понятие композиции существует во многих видах искусства, например, в живописи (компонент художественной формы, придающий единство и цельность), в литературе (структура, план выражения и построение художественного произведения), в музыке (категория музыкальной эстетики, характеризующая воплощение музыки в виде выработанного и завершенного произведения), в архитектуре (расположение частей и форм здания или комплекса и соотношение их между собой).

21. Временные искусства (динамические или процессуальные, воспринимаются слухом) – музыка и художественная литература

23.Виды балетмейстерской деятельности.

6. Балетмейстер и сфера его деятельности.

Балетмейстер – мастер танца, постановщик танца. Балетмейстеры работают в оперно-балетных театрах, а также в муз.комедии, на эстраде, в ансамблях классического и народного танца соединяют бальные танцы. Одни балетмейстеры создают характерные произведения, другие репетируют, ведет педагогическую работу.

Балетмейстер постановщи к – переносит точность текста произведения; доносит до зрителя мысль произведения. Он ставит уже готовое произведение.

Балетмейстер постановщик должен досконально знать лексику+рисунок+характер+манеру+замысел сочинителя-.Изменения оригинала как в тексте так и в композиции недопустимо. Если исполнители не справляются с работой от неё лучше отказаться.При переносе номера в программу другого коллектива необходимо указывать автора и балетмейстера постановщика

Балетмейстер-репетитор

Как любой художник, балетмейстер должен быть высокообразованным человеком, который не только владеет профессиональными секретами хореографического искусства, но и разбирается в смежных видах искусства - драматургии, музыке, изобразительном искусстве, литературе.

Балетмейстер-репетитор, как правило, присутствует на постановочных репетициях. Если номер или балетный спектакль создается заново, то он присутствует при всей постановочной работе, которую проводит балетмейстер-сочинитель. Если, например, ставится уже поставленный ранее или в другом месте спектакль, то балетмейстер-репетитор, присутствуя на репетициях постановщика, учит хореографический текст, мизансцены, изучает стиль, характер сочинения.

Балетмейстер-сочинитель

Приступая к работе он должен четко определить цели, четко продумать структуру будущего сочинения: как выстроить завязку, как развивать образы, характеры действующих лиц, как вести действие к кульминации,как решать развязку. Творчество балетмейстера-сочинителя сродни к творчеству коомпозитора или поэта, но у каждого свой язык.

балетмейстер-сочинитель должен владеть искусством сочинения танца, пантомимных эпизодов, мастерством режиссерского построения мизансцены, умением создавать драматургию хореографического произведения, так как иначе он не сможет в художественно-хореографических образах раскрыть идею произведения, не сможет раскрыть свой замысел.