Мифы древней Греции. Именно здесь родились мифы. Они открывают увлекательный мир богов и героев, чудовищ и волшебных растений – мир, в котором, кажется, преспокойно жили обычные греки, сплетничая об интригах небожителей, споря с ними и выдавая за них замуж своих прекрасных дочерей. Постепенно, мы привыкаем к этим историям и для нас они, также, становятся почти обыденными, тем более, что на них так часто ссылаются, поминают всуе, иносказательно, встречаем в литературных произведениях самых разных писателей. Читайте детям мифы Древней Греции, смотрите мультфильмы, предлагайте качественные красочные игры для детей. Именно они дадут возможность понять образы русской культуры и литературы, имеющие античные корни, обаяние и красоту древности.
Что же такое мифы? Это произведения, созданные фантазией народа. Мифы - это народные сказания о легендарных героях, богах, явлениях природы. Возникли мифы так же, как и народные сказки. Смешивая правду и вымысел, древние греки придумывали и рассказывали друг другу удивительные истории о том, как возник мир и что его наполняет, почему люди бывают то смелыми и мудрыми, то глупыми и трусливыми. Яркие образы воплотились и в музыке древних греков. Сложилось множество преданий о богах, героях и чудесных существах. Изображая богов и героев, древние греки воплощали в них самые лучшие и самые дурные свойства человека. Мы находим в этих мифах примеры благородства, отваги, крепкой дружбы и нежной любви, но рядом же - жалкая трусость, жадность, коварство и вероломство. В преданиях часто отражены реальные исторические события, услышанные и записанные. Троя, известная по поэмам Гомера, считалась выдуманной, но когда Шлиман открыл этот легендарный город, пораженное чело вечество получило доказательство правдивости древних сказаний. Впечатляют знания древних греков о происхождении Вселенной и человека. В греческих мифах можно провести много параллелей с легендами других народов. Взглянув на карту Древней Греции, видно, как близко эта земля расположена от Египта. Берега этих стран омывает одно и то же Средиземное море. Им одинаково светит жаркое солнце юга. Возможно поэтому представления об устройстве мира и значении природы для человека в греческих мифах напоминают мифы Древнего Египта. Но боги, в которых верили древние греки, больше похожи на скандинавских богов, хотя природа этих стран совсем разная. Вместе с тем в мифах Древней Греции есть одна совершенно новая особенность. В центре внимания здесь не происхождение мира и его дальнейшая судьба, и не борьба между богами и титанами. Главное — это отношения богов и людей. Древняя Греция, колыбель современной цивилизации... История этой страны не менее интересна, чем ее прекрасные мудрые сказания — мифы. Всем нам знакомые и любимые с детства сюжеты о Ясоне и Медее, о Геракле и Эврите, о Тесее и Ариадне. Тем не менее мы каждый раз открываем для себя что-то новое, когда вновь и вновь погружаемся в этот таинственный и чарующий мир сказок
2) Пейзаж-поэтичная живопись (И.Левитан "Озеро Русь","Над вечным покоем")
В пейзажах Левитана природа одухотворена незримым присутствием человека, его настроениями и мыслями, о существовании которого напоминают церкви, мостики, избы, могилы. Среди пейзажей Левитана выделяется группа произведений, где настроение переводится в план раздумий о судьбе человека, судьбе России. К пейзажам с «философской программой» относится картина «Над вечным покоем» (1894). Это словно бы край земли, царство безмолвия, навевающее мысли о вечности и смерти. Многочисленные искания художника, размышления о жизни и смерти, о извечности мира и бренности человеческой жизни нашли отражение в этом масштабном полотне. Левитан писал картину в Тверской губернии, на озере Удомля под Вышним Волочком. Однако это не изображение конкретной местности, а скорее выражение монументального эпического образа при роле, не подвластному времени. Решая картину в стилистике, близкой модерну, Левитан остался верен овальности. Островок земли с заброшенным кладбищем и часовней, окруженный со всех сторон золой и небом, выражает не только настроение, но чувства и мысли художника, писавшего о картине «в ней я весь, со всей моей психологией, со всем содержанием». Разительный контраст к ней — незавершенное полотно «Озеро. Русь» (1900) — собирательный образ русской природы, ликующий гимн красоте родной земли, поэма о России, ее красоте и величии. Левитан особенно приближает чистый пейзаж к человеческой жизни. Радостный, полный солнечного света, воздуха пейзаж картины с ее торжественными просторами земли и неба кажется олицетворением праздничного дня в деревне. Он не успел завершить работу. 22 июля 1900 года Левитана не стало. А.П. Чехов, близкий друг художника, писал о нем: «До такой изумительной простоты и ясности мотива, до которых дошел в последнее время Левитан, никто не доходил, да и не знаю, дойдет ли кто и после». Творчество Левитана оказало огромное воздействие на следующее поколение пейзажистов.
Билет №16
1) Как начиналась Третьяковская галерея?
Государственная Третьяковская галерея, ГТГ (известна также как Третьяковка) — художественный музей в Москве, основанный в 1856 году купцом Павлом Третьяковым и имеющий одну из самых крупных в мире коллекций русского изобразительного искусства. Экспозиция в главном корпусе «Русская живопись XI — начала XX в» (Лаврушинский переулок, д. 10) является частью Всероссийского музейного объединения «Государственная Третьяковская галерея», образованного в 1986 году.
Павел Третьяков начал собирать свою коллекцию живописи в середине 1850-х. Годом основания Третьяковской галереи принято считать 1856, когда Павел Третьяков приобрел две картины русских художников: «Искушение» Н. Г. Шильдера и «Стычка с финляндскими контрабандистами» В. Г. Худякова, хотя ранее в 1854—1855 годах он купил 11 графических листов и 9 картин старых голландских мастеров. В 1867 году для широкой публики в Замоскворечье была открыта «Московская городская галерея Павла и Сергея Третьяковых». Её коллекция насчитывала 1276 картин, 471 рисунок и 10 скульптур русских художников, а также 84 картины иностранных мастеров.
В августе 1892 года Павел Михайлович передал свою художественную галерею в дар городу Москве. В собрании к этому времени насчитывалось 1287 живописных и 518 графических произведений русской школы, 75 картин и 8 рисунков европейской школы, 15 скульптур и коллекция икон. 15 августа 1893 года состоялось официальное открытие музея под названием «Московская городская галерея Павла и Сергея Михайловичей Третьяковых».
2) Иконопись. Образ Владимирской Богоматери. И́конопись (от икона и писа́ть) — иконописание, иконное писание, вид средневековой живописи, религиозной по темам и сюжетам, культовой по назначению. В наиболее общем смысле — создание священных изображений, предназначенных быть посредником между миром Божественным и земным при индивидуальной молитве или в ходе христианского богослужения, одна из форм проявления Божественной истины.
Владимирская икона Божией Матери, одна из самых почитаемых икон Пресвятой Богородицы, по преданию, была написана Евангелистом Лукой.
По желанию благочестивых современников апостол изобразил кистью на доске лик Богоматери с Младенцем на руках.
Владимирская икона Божией Матери писана, как гласит предание, на доске того стола, за которым в юности Спасителя трапезовали Иисус Христос, Дева Мария и Иосиф Обручник. Она единственная икона в России, которая дошла до наших дней в первозданности. Это не список, не копия, а подлинная святыня, прошедшая сквозь два тысячелетия.
На правой руке Божией Матери сидящий, прильнувший к ней Младенец. Богомладенец тесно прижался щекой к лицу Пресвятой Богородицы и обнимает ее за шею. Из-под покрова на голове Богородицы (мафория, или омофора) видна Его ручка. Левая ножка Спасителя чуть согнута и видна ступня (говорят "пяточка"), по которой и узнают Владимирскую икону. Левая рука на уровне груди чуть касается одеяния Спасителя. Образ Богоматери почти лишен движения: голова наклонена к Младенцу, руками Она поддерживает Иисуса Христа. Головы Богоматери и Младенца обращены друг к другу.
Билет №17
1) Архитектура исторического города
Одним из самых полезных для жизни человека искусств является архитектура. Если сравнивать архитектуру с другими искусствами, то по мере условности к ней ближе всего музыка. Ведь музыка так же как архитектура и математика, не имеет аналогов в окружающем мире — ее форма абстрактна. Не явилось ли это основанием для постоянного сравнения архитектуры с музыкой? «Застывшей музыкой» назвал архитектуру Ф. Шеллинг; «отзвучавшей мелодией» — И.-В. Гёте. Многие композиторы были тонкими ценителями архитектуры.
С древнейших времен человек научился строить для себя жилище. Для этого использовались природные материалы, которыми была богата окружающая местность. Большое количество домов образовывало поселения. Для обороны от врагов поселения обносились стенами, огораживались тыном или частоколом, плетнем или деревянной стеной. Поэтому русское слово «город» первоначально означало «укрепление» и произошло от выражений «огораживать», «обносить оградой», «городить». Планировка и строительство городов — это одна из областей архитектуры, она получила название «градостроительство». Планировка городов Античности, Средневековья, эпохи Возрождения, древнерусских городов во многом различалась. В Античности на укрепленном холме строили храмовый комплекс. Примером может служить Афинский Акрополь — политический, религиозный, культурный центр города. Он был ориентиром среди располагавшейся внизу прямоугольной сетки улиц. Каждый средневековый город ограждали могучими каменными стенами с зубцами и башнями, окружали глубоким рвом, делая его мощной, надежной крепостью. Город-крепость имел оборонительное значение, овладеть его воротами означало овладеть всем городом.
В отличие от западноевропейского города, заключенного в высокие каменные стены, раз и навсегда определившие его границы, город средневековой Руси был слит с природой и сельским окружением. Русский город и его оборонительные укрепления возводились с учетом условий природного ландшафта. Немаловажную роль в выборе места для будущего города играло эстетическое чувство людей. Летописи сохранили много рассказов, содержащих такие сообщения: «и виде место красно и лесно на горе... И возлюбив место то и помысли, да сожижет на нем градец мал» (Ипатьевская летопись).
Город обычно вырастал на возвышенном месте. Центральное место в его композиции и силуэте занимал детинец (с ХIV в. — кремль). Он был внутренним ядром городских укреплений, под его защиту уходили люди после падения внешнего пояса обороны. В кремле были сосредоточены самые большие, монументальные сооружения — собор и дворец. Характерным примером является план древней Москвы.
Центром западноевропейского города был кафедральный собор. Поблизости располагалось административное здание ратуши и рыночная площадь. Улицы стекались к ним по касательной от городских ворот. Феодальный замок располагался за городской чертой.
Экономическим и стратегическим центром восточного средневекового города была площадь, на которой строилось медресе — высшая школа, готовящая служителей культа, учителей и т. п. Рядом с мечетью высились минареты — башни, с которых мусульман призывали на молитву. Важную роль в архитектурной композиции города играл дворец правителя и торговая часть — караван-сарай, базар (торговые купола). От площади к городским воротам разбегались дороги. По ним в мирное время шли в город караваны со всего света, в военное время перемещались воины. В эпоху Возрождения архитекторы вновь обратились к античной традиции градостроительства: в конце широких прямых улиц обязательно размещался какой-нибудь архитектурный ансамбль, определяющий величественность перспективы.
По этому же принципу построен и Санкт-Петербург. Он возводился по плану, заранее составленному и тщательно выверенному Петром I. Улицы и проспекты в центральной части города трезубцем сходятся к площадям.
• Рафаэль Санти «Сикстинская мадонна»
Рассмотрим картину. Прежде всего, мы в театре и перед нами сцена. Взвился вверх первый занавес. Впереди, облокотившись на рампу, подперев пухлыми ручонками головы, стоят два мальчика-ангелочка с крылышками, как у бабочек, и смотрят вверх отрешенными, безразличными глазами. Немного в глубину сцены слева боком к нам стоит старик с тонзурой в белой длинной рубашке и светло-коричневом саккосе (золотой парчовой мантии) с красным подбоем. Рядом, на бортике, его тиара. Он изображает папу Сикста IV. Справа, лицом к нему, опираясь на вытянутую левую и полусогнутую правую ногу с крутым бедром, стоит прелестная юная пухленькая девушка. Сквозь шарф и платок Варвары проступает крутая полнота ее тела в туго охватывающей ее одежде. В наряде Варвары – все краски картины, но доведенные до максимальной яркости. У нее квадратное лицо, острый подбородок, широко расставленные глаза, аккуратный прямой нос, короткая верхняя губа. Волосы перехвачены лентами. Одним словом, красавица. На ней солнечно-желтая кофточка, оставляющая наполовину открытыми плечи, пышная в рукавах, у локтей – ослепительно синяя. Серый узкий шарф, зеленая накидка, темная юбка. Она – в роли св. Варвары. (Ей приписывают дар спасать от внезапной и насильственной смерти. Может быть, Рафаэль предчувствовал свою короткую жизнь). Старик и девушка стоят лицом к лицу в метре друг от друга.
Раздвинулись в стороны середины тяжелых темно-зеленых занавесей в глубине сцены. Все пространство за ними заполнено синими младенческими головками. Клубящееся белое облако сверху вниз и к нам несет на себе высокую молодую женщину в ярко-голубом плаще. Прижимая к себе, она держит на руках полуторалетнего голенького пухлого сына, толстощекого, взъерошенного. Он сидит на руках как в креслице, по взрослому опираясь на согнутую ногу. В глазах любопытство, взгляд младенческий, не совсем осмысленный. Но мать полна тревоги. У нее чуть вытянутое прямоугольное лицо, мягко очерченный подбородок, схожее с лицом девушки – св. Варвары, но более удлиненное. Небрежная женская прическа. Глаза широко раскрыты и в них неуверенность, беспокойство, страх. Она несет ребенка, чтобы отдать его в жизнь, боль оттого, что не во власти воспротивиться неизбежному, бессилие перед неотвратимым и вынужденное смирение. Красное платье сердечной тревоги, широкая свободная темно-синяя накидка в контраст красному и оттеняя его, нежный полупрозрачный шарф на плече, коричневый платок надувается ветром и охватывает мать по пояс и ребенка в единое целое. Высокая талия. Чуть согнутая в колене нога подчеркивает стройную фигуру. Облако времени несет мать и ребенка на нас.
Старик повернул голову вверх, глядя на лица матери и ребенка. Левую руку прижал к груди, разделяя ее тревогу. Правую руку протянул к нам и чуть вверх, вытянув указательный палец. Девушка, при появлении матери повернула к нам и опустила голову, устремив глаза вниз.
Каково содержание "Сикстинской Мадонны"? Из множества младенческих душ, кружившихся в небе, одна материализуется, становится младенцем. Неумолимое облако времени выносит мать с младенцем на сцену жизни, с ее болезнями, обидами, неожиданностями, тревогами и потерями. Страх матери перед неизвестным и невозможность навсегда удержать сына около себя и оградить от бед. Можно избежать, говорит религия в лице папы-старика, многих неприятностей, потерь, тревог, если следовать путем Бога, его заповедям, его примеру. Высокие духовные предписания будут опорой неопытной душе на всем жизненном пути. Живи, говорит девушка-прелесть и земля, радостями и безумствами, увлечениями и разочарованиями, живи земной жизнью ты, рожденный землей. Не отвергай духовную мудрость старика, но соедини ее с творчеством, искусствами, красотой, чувствами, с любовью земных прекрасных женщин, и в этом вторая мудрость жизни.
Конец: два служебно-отрешенных, привычно-равнодушных ангела примут оставившую свою тленную земную оболочку душу, прожившую долгую жизнь бывшего пухленького малыша и он снова вольется в бесконечный водоворот призрачных синих небесных головок-душ.
Идею и композицию "Сикстинской мадонны" Рафаэль заимствовал у Леонардо, но это и обобщение его собственного жизненного опыта, изображений и размышлений над мадоннами, местом религии.
Картина находится в Галерее старых мастеров, Дрезден, Германия. Рафаэль Санти написал еев 1512-1513гг.
Билет № 18.
1) Архитектура современного города.
Архитекту́ра-искусство проектировать и строить здания и сооружения (также их комплексы).
Сейчас же в архитектура используется новый стиль. Архитектурный модернизм (фр. modernisme, от фр. moderne — новейший, современный; «англ. modern» — современный, новый) — движение в архитектуре двадцатого века, переломное по содержанию, связанное с решительным обновлением форм и конструкций, отказом от стилей прошлого. Охватывает период с начала 1900-х годов и по 70-е—80-е годы (в Европе), когда в архитектуре возникли новые тенденции. В специальной литературе термину «архитектурный модернизм» соответствуют английские термины «modern architecture», «modern movement» или же «modern», употребляемые в том же контексте. Выражение "модернизм" употребляется иногда как синоним понятия «современная архитектура»; или же как название стиля (в англоязычной литературе - «modern»).
Архитектурный модернизм включает такие архитектурные направления, как европейский функционализм 20-30-х годов, конструктивизм и рационализм в 20-х годах России, движение «баухауз» в Германии, архитектурный ар-деко стиль, интернациональный стиль, брутализм, органическая архитектура. Таким образом, каждое из этих явлений — суть одна из ветвей общего дерева, архитектурного модернизма.
Основные представители архитектурного модернизма — это пионеры современной архитектуры Фрэнк Ллойд Райт, Вальтер Гропиус, Рихард Нойтра, Людвиг Мис ван Дер Роэ, Ле Корбюзье, Алвар Аалто, Оскар Нимейер, а также некоторые другие.
2) Стиль «Рококо» в искусстве.(Ф.Буше «Госпожа Помпадур»)
Рококо́ (фр. rococo, от фр. rocaille — дробленый камень, декоративная раковина, ракушка, рокайль, реже рококо) — стиль в искусстве (в основном, в дизайне интерьеров), возникший во Франции в первой половине XVIII века (во время регентства Филиппа Орлеанского) как развитие стиля барокко. Характерными чертами рококо являются изысканность, большая декоративная нагруженность интерьеров и композиций, грациозный орнаментальный ритм, большое внимание к мифологии, эротическим ситуациям, личному комфорту. Наивысшее развитие в архитектуре стиль получил в Баварии.
Франсуа Буше (фр. François Boucher, 29 сентября 1703, Париж — 30 мая 1770, там же) — французский живописец, яркий представитель художественной культуры рококо.
Буше вырос в художественной среде, его отец был гравёром. Буше учился у Франсуа Лемуана в Королевской Академии, три года провёл в Италии, в 1734 г. стал членом Академии, в 1761 г. — её ректором, в 1765 г. — директором. Своей карьерой Буше обязан не только своему таланту, но и покровительству маркизы де Помпадур, всесильной фаворитки Людовика XV.
Билет №19
1) Специфика изображений в полиграфии.
Одними из самых распространенных и популярных видов искусства в окружающей нас повседневной жизни являются искусства, связанные с полиграфической
промышленностью: книжная и журнальная графика, плакаты, афиши, рекламные листовки и проспекты, промышленная графика.
Книга — синтетическое произведение, над ней работают люди разных творческих профессий: писатели, редакторы, дизайнеры, художники.
Книжная графика включает в себя конструирование книги, выбор компонентов ее оформления, изготовление макета, иллюстраций.
Специфика оформления книги зависит от типа издания: детская книга, художественная литература, учебник, книга по искусству и т. д. Так, детские и подарочные книги обычно имеют большой формат, печатаются на плотной бумаге, содержат много цветных иллюстраций, тщательно и нарядно декорированы. В художественной литературе главное — содержание, поэтому ее оформление обычно скромнее. Иллюстрации, как правило, черно-белые, но их образность направлена на выявление характеров, настроений и намерений персонажей.
Иллюстрации, зримо представляющие образы героев и происходящие события, усиливают воздействие литературного содержания на читателя. Зрительные образы помогают читателю в осознании замысла автора.
Создание иллюстраций к художественному произведению — дело сложное и деликатное. Художнику-иллюстратору недостаточно владеть материалом, техникой и художественными приемами, недостаточно знать эпоху и ее материальную культуру, необходима особая интуиция, умение почувствовать подтекст произведения в духовном единении с автором. Только в этом случае возникает феномен слияния изобразительного и литературного образа. Неразрывная его целостность и остается в сознании читателя.
Билет №20
1) Декоративно-прикладное искусство (от лат. decoro — украшаю) — раздел декоративного искусства, охватывающий создание художественных изделий, имеющих утилитарное назначение.
Произведения декоративно-прикладного искусства отвечают нескольким требованиям: обладают эстетическим качеством; рассчитаны на художественный эффект; служат для оформления быта и интерьера.[ Такими произведениями являются: одежда, плательные и декоративные ткани, ковры, мебель, художественное стекло, фарфор, фаянс, ювелирные и другие художественные изделия. В научной литературе со второй половины XIX века утвердилась классификация отраслей декоративно-прикладного искусства по материалу (металл, керамика, текстиль, дерево), по технике выполнения (резьба, роспись, вышивка, набойка, литьё, чеканка, интарсия и т. д.) и по функциональным признакам использования предмета (мебель, посуда, игрушки). Эта классификация обусловлена важной ролью конструктивно-технологического начала в декоративно-прикладном искусстве и его непосредственной связью с производством.
История развития
Декоративно-прикладное искусство существовало уже на ранней стадии развития
человеческого общества и на протяжении многих веков являлось важнейшей, а
для ряда племён и народностей основной областью художественного творчества. Древнейшим произведениям декоративно-прикладного искусства свойственны исключительная содержательность образов, внимание к эстетике материала, к рациональному построению формы, подчёркнутой декором. В традиционном народном творчестве эта тенденция удержалась вплоть до наших дней.
С началом классового расслоения общества всё большее значение приобретает интерес к богатству материала и декора, к их редкостности и изысканности. Выделяются изделия, служащие целям представительности (предметы для культовых ритуалов или придворных церемоний, для убранства домов знати), в которых ради повышения их эмоционального звучания мастера нередко жертвуют бытовой целесообразностью построения формы
2)Композиция в живописи (от лат. compositio – составление, связывание), взаимосвязь частей и компонентов живописного произведения между собой и с окружающим пространством: размещение и взаимодействие предметов, отдельных фигур и групп людей в пространстве холста; ритм линий и цветовых пятен; соотношение света и тени; выбор формата картины, высокой или низкой точки зрения, линии горизонта и т. д. Композиция, как и др. выразительные средства живописи, помогает художнику выявить образный смысл произведения.
История создания картины
В 1551 году Джорджо Вазари писал, что картина, изображающая пришествие весны (итал. Primavera) находилась на вилле Медичи в Кастелло.
В 1477 году поместье было приобретено Лоренцо ди Пьерфранческо Медичи, двоюродным братом Лоренцо Великолепного. Поэтому долгое время предполагалось, что «Весна», как продолжали называть картину, была написана для четырнадцатилетнего Лоренцо ди Пьерфранческо. Опись, датированная 1499 годом, которая была найдена только в 1975 году, перечисляет имущество Лоренцо ди Пьерфранческо и его брата Джованни и указывает, что в XV веке «Весна» была выставлена в городском дворце Флоренции. Картина украшала приемную Лоренцо.
Согласно инвентарной описи, некогда дворцовые покои, где висела «Весна», украшали ещё две картины. Там, куда смотрит Меркурий, находилось полотно Боттичелли «Паллада и кентавр», а с другой стороны висела картина «Мадонна с младенцем» неизвестного автора. Композиции составляли содержательно единое целое и прославляли идеал божественной любви.
Семантика картины
«Весна» ярко иллюстрирует иконографию Возрождения и отражает философию неоплатонизма.
Хотя некоторые из фигур были изображены на манер древних скульптур, они не были прямыми копиями, а были созданы на собственном, особенном языке форм Боттичелли: стройные, идеализированные фигуры, чьи тела кажутся иногда слишком утонченными, предвещают изящный, изысканный стиль XVI столетия — маньеризм.
Венера, богиня любви, стоит в центре картины, немного позади других фигур. Справа Зефир, холодный весенний ветер, настигает нимфу Хлорис. Та сбегает от него и превращается во Флору, Весну, одетую как подобает замужней флорентийке из богатой семьи.
Над Венерой Купидон метит свои стрелы в танцующих Граций (справа Красота, в центре Целомудрие, слева Наслаждение). Считается, что прообразом фигур Граций была Симонетта Веспуччи, а правая Грация имеет лицо Катерины Сфорца, также изображенной Боттичелли на известном портрете в Катерина Александрийская из Музея Линденау.
Сад Венеры охраняет Меркурий в шлеме и с мечом, простирающий руку, чтобы разогнать облака невежества кадуцеем, изображенным в виде двух крылатых драконов.
Существуют и другие интерпретации сцены. Например, Весна рассматривается также как политический образ: Купидон был бы Римом, Три Грации — Пиза, Неаполь и Генуя, Меркурий — Милан, Флора — Флоренция, Май — Мантуя, Хлорис и Зефир — Венеция и Больцано (или Ареццо и Форли).
Билет №22
1)Могучая кучка- творческое содружество русский композиторов
«Могучая кучка» (Балакиревский кружок, Новая русская музыкальная школа) — творческое содружествороссийских композиторов, сложившееся в Санкт-Петербурге в конце 1850-х и начале 1860-х годов. В него вошли: Милий Алексеевич Балакирев (1837—1910), Модест Петрович Мусоргский (1839—1881), Александр Порфирьевич Бородин (1833—1887), Николай Андреевич Римский-Корсаков (1844—1908) и Цезарь Антонович Кюи (1835—1918). Идейным вдохновителем и основным немузыкальным консультантом кружка был художественный критик, литератор и архивистВладимир Васильевич Стасов (1824-1906).
Группа «Могучая кучка» возникла на фоне революционного брожения, охватившего к тому времени умы русской интеллигенции. Бунты и восстания крестьян стали главными социальными событиями того времени, возвратившими деятелей искусства к народной теме. В реализации национально-эстетических принципов, провозглашённых идеологами содружества Стасовым и Балакиревым, наиболее последовательным был М.П.Мусоргский, меньше других — Ц.А.Кюи. Участники «Могучей кучки» систематически записывали и изучали образцы русского музыкального фольклора и русского церковного пения. Результаты своих изысканий в том или ином виде они воплощали в сочинениях камерного и крупного жанра, особенно в операх, среди которых «Царская невеста», «Снегурочка», «Хованщина», «Борис Годунов», «Князь Игорь». Интенсивные поиски национальной самобытности в «Могучей кучке» не ограничивались аранжировками фольклора и богослужебного пения, но распространились также и на драматургию, жанр (и форму), вплоть до отдельных категорий музыкального языка (гармония, ритмика, фактура и т.д.)
Основополагающими принципами для композиторов-"кучкистов" были народность и национальность. Тематика их творчества связана преим. с образами нар. жизни, историч. прошлого России, нар. эпоса и сказки, древними языч. верованиями и обрядами. Мусоргский, наиболее радикальный из членов "М. к." по своим художеств. убеждениям, с огромной силой воплотил в музыке образы народа, многие его произв. отличаются открыто выраженной социально-критич. направленностью. Нар.-освободит. идеи 60-х гг. получили отражение в творчестве и др. композиторов этой группы (увертюра "1000 лет" Балакирева, написанная под впечатлением статьи А. И. Герцена "Исполин просыпается"; "Песня тёмного леса" Бородина; сцена веча в опере "Псковитянка" Римского-Корсакова). Вместе с тем у них проявлялась тенденция к известной романтизации нац. прошлого. В древних, исконных началах нар. жизни и мировоззрения они стремились найти опору для утверждения позитивного нравственного и эстетич. идеала.
К сер. 70-х гг. "М. к." как сплочённая группа перестала существовать. Отчасти это было вызвано тяжёлым душевным кризисом Балакирева и его отходом от активного участия в муз. жизни. Но гл. причина распада "М. к." - во внутр. творч. расхождениях. Балакирев и Мусоргский неодобрительно отнеслись к педагогич. деятельности Римского-Корсакова в Петерб. консерватории и рассматривали это как сдачу принципиальных позиций. С ещё большей остротой проявились назревшие в "М. к." расхождения в связи с пост. в 1874 в Мариинском т-ре оперы "Борис Годунов", оценка к-рой членами кружка оказалась не единодушной. Бородин видел в распаде "М. к." проявление естеств. процесса творч. самоопределения и нахождения своего индивидуального пути каждым из входивших в её состав композиторов. "...Так всегда бывает во всех отраслях человеческой деятельности, - писал он в 1876 певице Л. И. Кармалиной. - По мере развития деятельности индивидуальность начинает брать перевес над школою, над тем, что человек унаследовал от других". Одноврем. он подчёркивал, что "общий склад музыкальный, общий пошиб, свойственный кружку, остались". "Кучкизм" как направление продолжал развиваться и далее. Эстетич. принципы и творчество "М. к." оказали влияние на мн. рус. композиторов более молодого поколения. С "М. к." преемственно связан Беляевский кружок, к-рый, однако, не обладал присущим ей боевым новаторским запалом и не имел определённой идейно-художеств. платформы.
2)Византийский стиль. Храм святой Софии в Константинополе.
Собо́р Свято́й Софи́и — Прему́дрости Бо́жией, Святая София Константинопольская, Айя-София — бывший патриаршийправославный собор, впоследствии — мечеть, ныне — музей; всемирно известный памятник византийского зодчества, символ «золотого века» Византии. Официальное название памятника на сегодняшний день Музей Айя-София. Более тысячи лет Софийский собор в Константинополе оставался самым большим храмом в христианском мире — вплоть до постройки Собора Святого Петра в Риме. Высота Софийского собора — 55,6 метров, диаметр купола 31 метр.
Собор был построен в 324—337 годах при византийском императоре Константине. Этот храм сгорел во время народного восстания в 404 году[8]. Построенная вновь церковь была уничтожена пожаром 415 года. Император Феодосий II повелел выстроить на этом же месте новую базилику, что было выполнено в том же году. Базилика Феодосия сгорела в 532 году во время восстания «Ника». Её руины были обнаружены лишь в 1936 году во время раскопок на территории собора. Спустя сорок дней после пожара император Юстиниан I повелел на его месте построить новую церковь того же имени, которая должна была стать по его замыслу украшением столицы и служить выражением величия империи. Невиданное и неслыханное великолепие храма до такой степени поражало народную фантазию, что сложились легенды о непосредственном участии в его сооружении небесных сил. По одной легенде, Юстиниан хотел покрыть золотом стены Святой Софии от пола до сводов, но астрологи предрекли, что «в конце веков придут очень бедные цари, которые, с целью захватить все богатства храма, сроют его до основания», и император, заботившийся о своей славе, ограничил роскошь постройки.
Строительство собора поглотило три годовых дохода Византийской империи. «Соломон, я превзошёл тебя!» — такие слова произнес, по преданию, Юстиниан, войдя в построенный собор и имея в виду легендарный Иерусалимский Храм[15]. Торжественное освящение храма 27 декабря 537 года совершил константинопольский патриарх Мина.
Прокопий Кесарийский, современник строительства, описывая постройки императора Юстиниана, восторженно описывает собор Святой Софии:
Собор также пострадал от землетрясения 989 года, в особенности разрушению подвергся его купол. Здание подперликонтрфорсами, от которых оно утратило свой прежний вид. Обвалившийся купол перестроил армянский архитектор Трдат, авторАнийского собора, причём архитектор сделал купол даже более возвышенным.
16 июля 1054 года в Софийском соборе на святом алтаре во время богослужения легатом папы римского кардиналом Гумбертомконстантинопольскому патриарху Михаилу Керулларию была вручена отлучительная грамота. (Именно эту дату принято считать датой разделения церквей на католическую и православную.)
До разграбления крестоносцами Константинополя в 1204 году в соборе хранилась Туринская плащаница.
Во второй половине XVI века при султанах Селиме II и Мураде III к зданию собора были пристроены тяжелые и грубыеконтрфорсы, существенно изменившие внешний вид здания[24]. До середины XIX века никаких реставрационных работ в храме не производилось. В 1847 году султан Абдул-Меджид I поручил архитекторам Гаспару и Джузеппе Фоссати провести реставрацию Ай-Софии, которой угрожала опасность обрушения[25]. Реставрационные работы продолжались два года.
В 1935 году, согласно декрету Ататюрка, Айя-София стала музеем, а с фресок и мозаик были счищены скрывавшие их слои штукатурки. В 2006 году в музейном комплексе было выделено небольшое помещение для проведения мусульманских религиозных обрядов сотрудниками музея[26].
В плане собор представляет собой продолговатый четырёхугольник (75,6 м длины и 68,4 м ширины), образующий три нефа: средний — широкий, боковые — более узкие. Это базилика с четырехугольным средокрестием, увенчанным куполом. Гигантская купольная система собора стала шедевром архитектурной мысли своего времени. Прочность стен храма достигается, по мнению турецких исследователей, за счёт добавления в строительный раствор экстракта листьев ясеня[27].
Середина широкого нефа, квадратная в основании, ограничена по углам четырьмя массивными столбами, подпирающими громадные арки, и покрыта довольно плоским куполом 30 м в диаметре, вершина которого отстоит на 51 м от пола. К этому подкупольному пространству примыкают с востока и запада две колоссальные ниши с полусферическим верхом: в восточную нишу открываются своими арками ещё три меньшие ниши, из которых средняя, служившая алтарной апсидой, глубже остальных и выступает из общего плана храма в виде полукружия; к западной большой нише примыкают также три ниши; из них средняя, представляющая вверху не полусферический, а обыкновенный коробовый свод, содержит в себе три двери, ведущие в пристроенные к храму внутренний и внешний притворы (esonartex иexonartex), впереди которых некогда находился теперь несуществующий двор, обнесенный галереей с колоннами.
Подкупольное пространство с северной и южной сторон сообщается с боковыми нефами с помощью арок, поддерживаемых колоннами; под этими арками идёт ещё по ярусу подобных же арок, которыми открываются в подкупольное пространство устроенные в боковых нефах галереи гинекея, а ещё выше — громадные арки, поддерживающие купол, заделаны прямой стеной с окнами, расположенными в три ряда. Кроме этих окон, внутренности храма дают обильное, хотя и несколько рассеянное освещение 40 окон, опоясывающих основание купола, и по пяти окон в больших и малых нишах.
Внутренняя отделка храма продолжалась на протяжении нескольких столетий и отличалась особой роскошью (мозаики на золотом полу, 8 зеленых яшмовых колонн из храма Артемиды в Эфесе). Стены храма также были полностью покрыты мозаиками (как сюжетные композиции, так и орнаменты). Благодаря своей величественной архитектуре и убранству
К достопримечательностям Святой Софии относится «плачущая колонна», покрытая медью (существует поверье, что если положить руку в отверстие и, ощутив влагу, загадать желание, то оно обязательно сбудется), а также «холодное окно», где даже в самый жаркий день веет прохладный ветерок.
В 1935 году с фресок и мозаик были счищены скрывавшие их слои штукатурки. Таким образом, в настоящее время на стенах храма можно видеть и изображения Иисуса Христа и Богоматери, и цитаты из Корана на четырёх больших щитах овальной формы.
На перилах верхней галереи храма можно обнаружить граффити, оставленные на протяжении всей истории его существования. Наиболее древние из них покрыты прозрачным пластиком и считаются одной из охраняемых достопримечательностей (см. раздел Рунические надписи).
Билет №23
1. Какие знания дает искусство?
Искусство помогает людям обратить внимание на то, что в обыденной жизни они сами не всегда видят. Оно как бы открывает привычные вещи и явления с новой стороны.
Особенно важно, что искусство дает людям знания порой незаметно ненавязчиво.
В истории человечества искусство не раз открывало знания, имеющие научное значение. Например, художник XVIII в. Ж.-Э. Лиотар в картине «Шоколадница» разложил свет по законам, в то время еще неизвестным физике.
Французский писатель-фантаст XIX в. Ж. Верн в романе «20 тысяч лье под водой» предсказал появление подводной лодки, а русский писатель XX в. А. Толстой в романе «Гиперболоид инженера Гарина» — появление лазера. Художник В. Кандинский, разработав теорию влияния цвета на эмоции человека, приблизился к решению задач современной психологии и артерапии (исцеления искусством).
Многие произведения литературы, кино, театра, рассказывающие о научных открытиях (например, фильм «Девять дней одного года» режиссера М. Ромма, по роману Д. Гранина «Иду на грозу» и др.), не научат ставить эксперименты или делать опыты. Но из них узнают, какие разные по своему характеру люди занимаются наукой, как от индивидуальности ученого зависит путь исследования и как опасно, когда в науку проникают далекие от ее интересов личности.
Ученые, оцифровавшие и математически рассчитавшие произведения французского художника В. ван Гога, утверждают, что он обладал уникальным даром видеть то, что простым смертным не дано, — воздушные потоки. Своеобразная, будто хаотично закольцованная манера письма художника, как выяснилось, не что иное, как распределение яркости, соответствующее математическому описанию турбулентного потока, теория которого была заложена великим математиком А. Колмогоровым лишь к середине XX в. Ученые, объяснив явление турбулентности, решают серьезную проблему в авиации: ведь сегодня причиной многих воздушных катастроф становится именно турбулентность.
Одной из уникальных догадок о многоголосии Вселенной стало величайшее музыкальное творческое открытие XVII в. — фуга — жанр полифонической музыки, который получил свое развитие в творчестве И.-С. Баха. Через два с половиной столетия А. Эйнштейн, создатель теории относительности, скажет, что Вселенная — слоеный пирог, где в каждом слое свое время и своя плотность, структура, формы движения и существования. Это, по сути, образ, который приближает нас к пониманию фуги.
2) Павел Филонов - один из известнейших художников ХХ века: его картины пользуются заслуженным успехом у нас в стране и за рубежом.
Выполнил графическую композицию- одну из “ формул Вселенной “.В ней он предугадал движение субатомных частиц,с помощью которых современные физики пытаются найти формулу мироздания.
Формула Вселенной, 1920-1928
Акварель, тушь, перо на бумаге. Картина представляет собой некую образную модель строения Вселенной.
Билет №24
1)Знаки и символы в искусстве
С первобытных времен различные виды изображений (скульптурные, живописные, графические) являлись знаковыми и символическими кодами, которые использовались древними людьми для осуществления обрядов, сохранения и передачи информации. Любой значительный звук, жест, вещь, событие может быть либо знаком, либо символом.
Знаки — это общеприня-
тые условные обозначения
предметов, явлений, действий. Примерами знаков могут служить дорожные знаки или условные обозначения на географических картах, звуковые сигналы — SOS или сирена скорой помощи, самые разные жесты и т. п.
Символ — это предмет, действие и т. п., раскрывающий какой-либо образ, понятие, идею. Символ воплощает общие для людей переживания,
идеи. Символ — это синтез
знака и образа.
Искусство говорит с людьми на языке символов. Символ в искусстве является художественным образом, воплощающем какую-либо идею. Символ, как загадка, многозначен, его смыслы можно раскрывать до бесконечности в отличие от знака, который всеми понимается одинаково. Глубина понимания символа зависит от способности человека к интерпретации, от его эрудиции и интуиции.
Музыкальное искусство говорит с нами языком звуков и наполнено тайнами. С поразительным разнообразием и глубиной с помощью системы знаков и символов музыка выражает богатейший мир человеческих чувств. Даже отдельный звук с учетом всех его сторон — высоты, длительности, тембра, громкости — представляет собой знак-интонацию. Он может свидетельствовать о робости или уверенности, скованности или свободе, нежности или грубости. Можно говорить и о пластических знаках, воспроизводящих жест, движение.
В истории были эпохи, когда люди особенно часто обращались к символам в искусстве. Примером может служить средневековое христианское искусство. В Средние века особый интерес представляла устремленность человека к Богу. Поэтому вещи, окружавшие человека, интересовали художника лишь в той степени, в которой они были связаны со смыслом Священного Писания. На многих средневековых картинах изображаются чаша, виноград (вино) и хлеб — символы таинства причащения; цветы лилии или ириса — символ Богоматери.
Выбор колорита, цвета также символичен: красно-коричневый являлся символом всего земного (глина, земля); красный — цвет пролитой жертвенной крови, огонь веры; голубой или синий символизировал все небесное, святое; а зеленый — цвет надежды, цвет жизни, символ утешения, возрождения к новой жизни.
2)Пабло Пикассо “Девочка на шаре”
Об этой картине искусствоведы всегда говорят: легкость и гибкость девочки-акробатки, балансирующей на шаре, противопоставлена массивности и устойчивости куба, на котором восседает атлет-богатырь. Также общепризнано, что Пикассо – преимущественно мастер формы, это его главный художнический интерес, самая важная проблема, которую он решает в своем творчестве. Потому особенно занятно, зная, к чему этот интерес привел позже, посмотреть, с какой трогательной и виртуозной констатации очевидного Пикассо начинал свой путь. Нежные жемчужные, розовые, голубые тона, новое ощущение воздуха, пространства позволяют считать «Девочку на шаре» одним из шедевров «розового периода».
Картина оказалась в России благодаря промышленнику Ивану Абрамовичу Морозову. До этого полотно побывало в коллекции Гертруды Стайн, откуда перешло в галерею Канвейлера. Именно у него в 1913 г. работу купил Морозов, заплатив за нее 16 000 франков (в 1906 г. Пикассо был счастлив, когда Воллар приобрел у него 30 картин за 2000 франков – так переменчива судьба художника). Личная коллекция И. А. Морозова (как и собрание С. И. Щукина) была национализирована в 1918 г.
Билет №25
1)Предсказания в искусстве. Б. Кустодиев «Большевик» К. Юон «Новая планета»
Примерами предсказаний искусством социальных перемен и потрясений можно считать и офорты Ф. Гойи, картины «Герника» П. Пикассо, «Большевик» Б. Кустодиева, «Новая планета» К. Юона и многие другие. В картине «Большевик» Борис Михайлович Кустодиев (1878–1927) использовал метафору (скрытый смысл), которая на протяжении многих десятков лет не была разгадана. На этом примере можно понять, как содержание картины наполняется новым смыслом, как эпоха с ее новыми взглядами, изменившимися ценностными ориентирами вкладывает в содержание новые смыслы. Многие годы эту картину трактовали как торжественный гимн стойкому, твердому духом, несгибаемому революционеру, возвышающемуся над обыденным миром, который он осеняет взмывающим в небо красным флагом. События последнего десятилетия ХХ в. дали возможность понять то, что осознанно или, скорее всего, неосознанно почувствовал художник в начале века. Сегодня эта картина, как и «Новая планета» К. Юона, наполняется новым содержанием. Но вот как художникам в то время удалось так точно ощутить грядущие социальные перемены, остается загадкой.
2) Музыка в быту. Жанры песни, танца и марша.
Трудно представить жизнь современного человека без музыки. Она окружает его повсюду. Музыка звучит с экранов телевизоров, с мониторов компьютеров. Она сопровождает праздники, развлечения и т. п. Музыка серьезная — это та музыка, которая прошла испытание временем и не подвластна ни изменчивым вкусам, ни влияниям моды. К серьезной музыке относится большое число классических произведений. Напомним, что термин «классический» значит «образцовый». Познание этой музыки требует от слушателей и исполнителей большого напряжения душевных сил. В дни праздников наши предки, как и мы сегодня, не обходились без танцев, которые сопровождались игрой на многочисленных народных инструментах. До наших дней дошли известные плясовые наигрыши: «Калинка», «Барыня», «Камаринская» и др. Пение и танцы сопровождали самые разные музыкальные инструменты. Они составляли часть целого направления музыкальной культуры прошлого — искусства скоморохов. Марш — шествие, движение вперед — организует одновременное, синхронное движение большого количества людей. Обычно маршевая музыка отличается размеренным темпом, соотнесенным с шагом, поступью человека, четкими ритмами, яркими запоминающимися призывными интонациями. Одной из самых древних разновидностей маршевой музыки являются военные марши. В развитии маршевой музыки большую роль играет духовой оркестр. Состав духового оркестра может колебаться от 20 до 100 исполнителей.
