Билет №1
Наскальная живопись древнейших времен. 1)В глубокой древности для искусства человек использовал подручные материалы — камень, дерево, кость. Первые произведения первобытного изобразительного искусства относятся к Ориньякской культуре (поздний палеолит), названной по пещере Ориньяк (Франция) И в живописи, и в скульптуре первобытный человек часто изображал животных. Склонность первобытного человека изображать животных именуют зоологическим или звериным стилем в искусстве. Первобытная живопись представляла собой двухмерное изображение объекта. Таким образом, первобытные творцы освоили все измерения, существующие в современном искусстве, но не владели его главным достижением — техникой передачи объема на плоскости. Наскальные рисунки и живопись разнообразны по манере исполнения. Взаимные пропорции изображаемых животных (горный козел, лев, мамонты и бизоны) обычно не соблюдались — огромный тур мог быть изображен рядом с крошечной лошадью. Несоблюдение пропорций не позволяло первобытному художнику подчинить композицию законам перспективы. Движение в пещерной живописи передается через положение ног (скрещивающиеся ноги, оказывается, изображали животное на бегу), наклон тела или поворот головы. Неподвижных фигур почти нет. Поскольку изображения животных имели магическое назначение, то процесс их создания представлял собой своего рода обряд, поэтому такие рисунки большей частью укрыты глубоко в недрах пещеры, в подземных ходах в несколько сотен метров длиной, причем высота свода нередко не превышает полуметра. В таких местах кроманьонский художник должен был трудиться лежа на спине при свете плошек с горящим животным жиром. Однако чаще наскальные рисунки расположены в доступных местах, на высоте 1,5—2 метра. Они встречаются как на потолках пещер, так и на вертикальных стенах. При создании наскальной живописи первобытный человек использовал естественные красители и окиси металлов.
Венская классика. Моцарт.
Вольфганг Амадей МОЦАРТ (1756 - 1791) - австрийский композитор, капельмейстер, скрипач-виртуоз, органист. По свидетельству современников, обладал феноменальным музыкальным слухом, памятью и способностью к импровизации. Моцарт широко признан одним из величайших композиторов: его уникальность состоит в том, что он работал во всех музыкальных формах своего времени и во всех достиг наивысшего успеха. Наряду с Гайдном и Бетховеном, принадлежит к наиболее значительным представителям Венской классической школы. Недолгий жизненный путь Моцарта был полон контрастов. Вундеркинд, в четыре года сочинивший свой первый концерт для клавесина; владевший, кроме того, скрипкой и органом, он еще в раннем детстве завоевал всеевропейскую славу, выступая с гастролями по всей Европе. В зрелые же годы Моцарт жестоко страдал от не признанности. Он испытал недоброжелательство и зависть, сгибался под гнетом отчаянной нужды и, несмотря на это, сочинял музыку яркую, жизнеутверждающую, полную оптимистической силы. Моцарт создал особую эпоху и в жанре симфонии. За двадцать лет он написал около пятидесяти симфонических циклов.
Билет№ 2
1) Особенности художественной культуры. Виды искусства и их специфика.
Художественная культура - это вид культуры общества, состоящий в образно-творческом воспроизведении природы, общества и жизнедеятельности людей средствами народной художественной культуры и профессионального искусства.
Она включает функционирование специализированного художественного творчества - искусства; народно-художественную культуру; массовую культуру - профессиональное и коммерциализированное художественное творчество для больших масс людей и потребление его продукта на основе спроса-предложения; элитарную художественную культуру; художественные субкультуры регионов, профессиональных объединений, молодежи и т.п.; художественно-эстетические стороны экономической, политической, правовой и других видов деятельности.
Виды искусств:
1. Архитектура - монументальный вид искусства, целью которого является создание сооружений и зданий, необходимых для жизни и деятельности человечества, отвечая утилитарным и духовным потребностям людей.
2. Графика - это, прежде всего рисунок и художественные печатные произведения
3. Живопись - плоскостное изобразительное искусство, специфика которого заключается в представлении при помощи красок, нанесенных на поверхность изображение реального мира, преобразованных творческим воображением художника.
4. Скульптура - пространственно - изобразительное искусство, ос-ваивающее мир в пластических образах.
5. Декоративно-прикладное искусство - вид творческой деятельности по созданию предметов быта, предназначенных для удовлетворения утилитарных и художественно-эстетических потребностей людей.
6. Литература - вид искусства, в котором материальным носителем образности является слово.
2)Андрей Рублев "Троица"
Лучшее и самое достоверное из произведений Рублева - это знаменитая «Троица».Троицу побеждался страх ненавистной розни мира сего». Это был призыв к объединению всех русских людей - призыв, опиравшийся на глубокое философское осознание устройства мира, нравственной сплоченности людей. Троичность была для Рублева не только законом геометрического построения Вселенной, его диалектики, но и идеальным выражением не замкнутой двойною связью любви, и любви разомкнутой, включающей в себя все мироздание. Три ангела собраны в треугольник, треугольник вписан в восьмигранник - символ вечности, все объединено в круге. Законы земного тяготения не властвуют в этой композиции. Ангелы как бы парят в воздухе, на одеждах их, как бы «дымом писанных», ложатся отблески небесной голубизны. В нежных ликах ангелов ясно ощущается высокая нравственная сила, способность полагать жизнь «за други своя».
Билет №3
1) Классицизм. Характерные особенности стиля.
Классицизм (от лат. classicus - образцовый) - художественный стиль европейского искусства XVII-XIX вв., одной из важнейших черт которого было обращение к античному искусству как высшему образцу и опора на традиции высокого Возрождения. Искусство классицизма отражало идеи гармонического устройства общества, но во многом их утрачивало по сравнению с культурой Возрождения. Конфликты личности и общества, идеала и реальности, чувства и разума свидетельствуют о сложности искусства классицизма. Художественным формам классицизма свойственны строгая организованность, уравновешенность, ясность и гармоничность образов.
Во второй половине XVIII в. живопись обращается к республиканским идеям античности, к образам мужественных борцов против тирании (Ж. Л. Давид).Скульптура эпохи классицизма отличается сглаженностью форм, спокойностью поз, даже движение не нарушает замкнутости форм (Э Фальконе, Ж Гудон).Поздний классицизм, называемый также ампир, приобретает черты парадности и пышности, выразившиеся в архитектуре и прикладном искусстве первой трети XIX в (см. ампир). Русский классицизм во второй половине XVIII - начале XIX вв. воплотил новый, небывалый по размаху, национальному пафосу и идейной наполненности расцвет культуры архитектурные ансамбли и сооружения В. Баженова, М. Казакова, Дж. Кваренги, А. Захарова, К. Росси, А. Воронихина, скульптуры М. Козловского, Ф. Щедрина, И. Мартоса, картины А Лосенко, А Иванова и др. С конца XIX в для русского изобразительного искусства все более характерным становится бездушный, надуманный академический схематизм, с которым ведут борьбу представители романтизма и реализма, пришедших на смену классицизму.
Стилистическое направление в европейском искусстве, важнейшей чертой которого было обращение к античному искусству как эталону и опора на традиции Высокого Возрождения. В изобразительном искусстве и архитектуре проявились общие эстетические принципы – использование форм и образцов античного искусства для выражения современных общественно эстетических взглядов, тяготение к возвышенным темам и жанрам, к логичности и ясности образов, провозглашение гармоничного идеала человеческой личности. Предпосылки возникновения классицизма проявились во второй половине 16 века, в эпоху позднего Возрождения в Италии в работах архитектора и теоретика А.Палладио, а теоритических сочинениях архитектора Виньолы, С.Серлио и др. Все эти авторы стремились привести художественное наследие античности и высокого Возрождения в единую строгую систему. И утвердить в искусстве ряд норм и правил античной эстетики.
Как последовательная система классицизм складывается в первой половине 17 века во Франции. Его характеризует провозглашение идей гражданского долга, подчинение интересов личности интересам общества, торжество разумной закономерности. В это время широко используется темы, образы и мотивы античного и ренессансного искусства. Классицисты стремились к скульптурной четкости форм, пластической завершенности рисунка, к ясности и уравновешенности композиции. При этом для классицизма свойственно тяготение к отвлеченной идеализации, отрыв от конкретных образов современности, к установлению норм и канонов, регламентирующих художественное творчество. Крупнейшей фигурой классицизма был художник и теоретик Н.Пуссен. Для архитектуры французского классицизма 17 века были характерны логичность и уравновешенность композиций, четкость прямых линий, геометрическая правильность планов и строгость пропорций. Классицизм формировался как антагонистическое направление по отношению к пышному и виртуозному искусству барокко. Но, когда во второй половине 17 века классицизм стал официальным искусством абсолютистской монархии, он вобрал в себя элементы барокко.
2)В.Л. Боровиковский «Портрет М.И. Лопухиной.
Художник использовал традиционный приём репрезентативного портрета — окружение персонажа предметами и атрибутами, помогающими раскрыть его образ. Однако Боровиковский попытался показать не общественный статус Лопухиной, а личные, интимные стороны её характера. Основной темой портрета стало гармоничное слияние человека с природой, характерное для эстетики конца XVIII века, сложившейся под влиянием сентиментализма. Это слияние художник выражает через композиционно-ритмические и колористические соотношения. Лопухина изображена на фоне пейзажа, во многом условного и декоративного, но в нём прослеживаются уже типичные черты русского национального пейзажа — стволы берёз, колосья ржи, васильки. Пейзаж перекликается с обликом Лопухиной — изгиб её фигуры вторит склоненным колосьям, белые берёзы отражаются в платье, голубые васильки перекликаются с шёлковым поясом, а нежно-лиловая шаль — с поникшими бутонами роз. Художник сумел наполнить образ своей модели жизненной достоверностью, глубиной чувств и необычайной поэтичностью. Этим портретом восхищались не только современники, но и зрители следующих поколений.
Билет №4
ГОТИЧЕСКАЯ АРХИТЕКТУРА
Го́тика - слово происходит от итал. gotico — непривычный, варварский (Goten — варвары; к историческим готам этот стиль отношения не имеет), и сначала использовалось в качестве бранного. Готическая архитектура, архитектура Западной Европы в эпоху позднего Средневековья, примерно между 1150 и 1550. Впервые понятие в современном смысле применил Джорджо Вазари. Готике предшествовал раннесредневековый, или романский стиль, за ней последовал Ренессанс, стиль эпохи Возрождения, зародившейся в Италии в 15 в. Готика завершила развитие европейского средневекового искусства, возникнув на основе достижений романской культуры, а в эпоху Возрождения (Ренессанса) искусство Средневековья считалось «варварским». Готическое искусство было культовым по назначению и религиозным по тематике. Оно обращалось к высшим божественным силам, вечности, христианскому мировоззрению.
Готика в своем развитии подразделяется на:
§ Раннюю готику,
§ Период расцвета,
§ Позднюю готику.
Наиболее известные архитектурные памятники
Собор Парижской Богоматери, Франция – 01
Реймсский собор, Франция – 02
Шартрский собор, Франция – 03
Готическая галерея монастыря Мон-Сен-Мишель, Франция – 04
Миланский собор, Милан – 05
Ка' д'Оро, Венеция – 06
Троица
«Троица» (также «Гостеприимство Авраама») — икона Святой Троицы, написанная Андреем Рублёвым в XV веке, самое знаменитое из его произведений. В основу иконы положен ветхозаветный сюжет «Гостеприимство Авраама», изложенный в восемнадцатой главе библейской книги Бытия. Он повествует о том, как праотец Авраам, встретил у дубравы Мамбре трех таинственных странников (в следующей главе они были названы ангелами).
Икона представляет собой доску вертикального формата. На ней изображены три ангела, сидящие за столом, на котором стоит чаша с головой тельца. На фоне представлены дом (палаты Авраама), дерево (дуб Мамврийский) и гора (гора Мориа). Фигуры ангелов расположены так, что линии их фигур образуют как бы замкнутый круг. Композиционным центром иконы является чаша. Руки среднего и левого ангелов благословляют чашуhttp://ru.wikipedia.org/wiki/%D2%F0%EE%E8%F6%E0_(%E8%EA%EE%ED%E0_%D0%F3%E1%EB%B8%E2%E0) - cite_note-.D0.BB.D0.B0.D0.B7-2. В иконе нет активного действия и движения — фигуры полны неподвижного созерцания, а их взгляды устремлены в вечность. По фону, на полях, нимбах и вокруг чаши заделанные следы от гвоздей оклада.
| |
| Андрей Рублёв | |
| «Троица», 1411 год или 1425-27 | |
| дерево, темпера. 142×114 см | |
| Государственная Третьяковская галерея,Москва | |
Билет №5
1) Искусство в жизни современного человека.
Искусство – часть духовной культуры человечества, специфический род духовно-практического освоения мира. К искусству относят разновидности человеческой деятельности, объединяемые художественно-образными формами воспроизведения действительности,- живопись, художественная литературу,архитектуру,скульптуру, музыку,театр,танец,кино. В более широком значении слово “искусство” относят к любой форме деятельности человека, если она совершается умело,мастерски,искусно.
2) Ф.Рокотов
(1735 - 1808)
Портрет А.П.Струйской
1772, холст, масло, 59,8х47,5cм
Государственная Третьяковская галерея, Москва
Портрет Александры Струйской, несомненно, самый блестящий образ идеально прекрасной женщины во всей русской портретистике. Изображена обаятельная юная женщина, полная пленительной грации. Изящный овал лица, тонкие летящие брови, легкий румянец и задумчивый, отсутствующий взгляд. В ее глазах – гордость и душевная чистота. Портрет написан переливами цвета и света. Тени неуловимо переходят в свет, пепельно-серые тона перетекают в голубые, а розоватые — в бледно-золотые. Световые переливы и цветовые градации не ощутимы и создают легкую дымку, быть может, какой-то загадки.
Александра Петровна Струйская, о портрете которой идет речь в замечательном стихотворении Николая Заболоцкого, была второй женой пензенского помещика Николая Струйского (друга и почитателя Рокотова), господина весьма странного. Страстный графоман, он сочинял стихи, над которыми потешались все, кому доводилось их слышать. Самого же автора это ничуть не смущало. чтобы публиковать свои творения, он даже организовал у себя в имении типографию, которая стала едва ли не лучшей в России. И в то же время сохранились свидетельства о необычайной жестокости просвещенного помещика, проводившего над своими крепостными судебные следствия с применением самых изощренных пыток и даже построившего в своих владениях тюрьму, где заключенных содержали в кандалах.
В отношении его к жене заметна такая же двойственность. С одной стороны, известно множество стихов, ей посвященных: «Почтить твои красы, как смертный, я немею. Теряюсь я в тебе… Тобой я пламенею». Казалось бы, такие строки мог написать только страстно влюбленный человек, но есть и другие свидетельства — что на супругу он особого внимания не обращал, что обращался с ней порой как с крепостной девкой, и даже как-то проиграл ее в карты соседу-помещику.
Кто знает, как все было на самом деле? Жила ли Александра Петровна в атмосфере красоты и покоя, окруженная заботой и вниманием, или же мучилась под властью супруга-тирана — этого нам узнать не дано. Известно только, что, хорошо или плохо, прожила она с мужем 24 года до внезапной его смерти, родила за это время восемнадцать детей — но выжили из них только две пары близнецов, остальные умерли в младенчестве. Мужа своего Александра Петровна пережила на 44 года, вырастила детей и многих внуков. Современники, даже те, кто Николая Струйского недолюбливал, отзывались о ней с неизменной симпатией и уважением, отмечая ее очарование, ум, доброту, любезные манеры и верность друзьям.
Но всё это еще впереди. А пока юная девушка, глядящая на нас с портрета, ничего не знает о своем будущем. Ей всего 18 лет, она только что вышла замуж… Сохранилась легенда о любви Рокотова к Александре Петровне. Что ж, даже если художник и не был влюблен в свою модель, то совершенно явно относился к ней не так, как к обычной заказчице, иначе созданный им образ не получился бы столь пленительным и чарующим.
Он как бы соткан из переливов цвета — настолько тонких, что колорит кажется монохромным, легчайших нюансов пепельно-серых, золотистых и розоватых тонов, создающих ощущение дымки, будто мы заглядываем в глубину туманного зеркала.
Это ощущение усиливается за счет использования художником необычного приема — световая моделировка не совпадает с тем, как фигура расположена в пространстве. Так, Струйская написана в трехчетвертном повороте, ее лицо немного развернуто влево, но рассеянный свет, заливающий полотно, превращает его в изображение анфас.
Билет № 6.
1) Симфония - философская повесть о жизни.
Симфо́ния (от греч. συμφωνία — «созвучие») — музыкальное произведение, как правило, в сонатной циклической форме, предназначенное для исполнения, как правило, симфоническим оркестром; один из важнейших жанров симфонической музыки.
Среди многочисленных музыкальных жанров одно из самых почетных мест принадлежит симфонии. Всегда, с момента своего возникновения и до наших дней, она чутко отражала свое время: симфонии Моцарта и Бетховена, Берлиоза и Малера, Прокофьева и Шостаковича - это размышления об эпохе, о человеке, о путях мира и жизни на земле. Симфония как самостоятельный музыкальный жанр возникла сравнительно недавно: каких-нибудь два с половиной столетия тому назад. Однако за этот исторически недолгий срок она прошла гигантский путь.
Слово symphonia в перевод е с греческого означает всего лишь созвучие. В Древней Греции так называли приятное сочетание звуков. Позднее им стали обозначать то оркестр, то вступление к танцевальной сюите. В начале 18-го века этот термин заменял нынешнее понятие увертюры. Первые симфонии в теперешнем понимании появились в центре Европы во второй половине 18-го века. И место и время ее рождения - не случайны. Зародившись одновременно в разных частях Европы, в недрах старых, сложившихся ранее музыкальных форм - танцевальной сюиты и оперной увертюры, симфония сформировалась окончательно в странах немецкого языка - dopinfo.ru. В Италии национальным искусством была опера. Во Франции, предреволюционной, уже насыщенной атмосферой свободомыслия и бунтарства, вперед вышли другие искусства. Такие, как литература, живопись и театр - более конкретные, непосредственно и доходчиво выражавшие новые, будоражащие мир идеи. Когда же несколько десятков лет спустя дело дошло и до музыки, в строй революционных войск полноправным борцом вошла песня - «Карманьола» и «Марсельеза».
Первая часть симфонии - быстрая, активная, иногда предваряемая медленным вступлением. Она пишется в сонатной форме.
Вторая часть - медленная - обычно задумчивая, элегическая или пасторальная, то есть посвященная мирным картинам природы, спокойному отдохновению или мечтам. Бывают вторые части и скорбные, сосредоточенные, глубокие.
Третья часть симфонии - менуэт, а позднее, у Бетховена, и скерцо. Это - игра, веселье, живые картинки народного быта, увлекательный хоровод...
Финал - это итог всего цикла, вывод из всего, что было показано, продумано, прочувствовано в предшествующих частях. Часто финал отличается жизнеутверждающим, торжественным, победным или праздничным характером.
Симфония в России - это прежде всего Чайковский. Его симфонические сочинения - волнующие, захватывающие повести о борьбе человека за жизнь, за счастье. Но это и Бородин: его симфонии отличаются эпической широтой, мощью, истинно русским размахом. Это Рахманинов, Скрябин и Глазунов, создавший восемь симфоний - прекрасных, светлых, уравновешенных. В симфониях Д. Шостаковича воплощен 20-й век с его бурями, трагедиями и свершениями. В них отражены события нашей истории и образы людей - современников композитора, строящих, борющихся, ищущих, страдавших и победивших. Симфонии С. Прокофьева отличаются эпической мудростью, глубоким драматизмом, чистой и светлой лирикой, острой шуткой.
Любая симфония - это целый мир. Мир художника, ее создавшего. Мир времени, ее породившего. Слушая классические симфонии, мы становимся духовно богаче, мы приобщаемся к сокровищам человеческого гения, равным по значению трагедиям Шекспира, романам Толстого, стихам Пушкина, картинам Рафаэля.
Среди отечественных авторов симфоний Н. Мясковский, А. Хачатурян, Т. Хренников, В. Салманов, Р. Щедрин, Б. Тищенко, Б. Чайковский, А. Тертерян, Г. Канчели, А. Шнитке.
2) Охотники на привале (Василий Перов)
Картина "Охотники на привале" Перов написал в 1871 году. И еще картина "Охотники на привале" написана Перовым в двух экземплярах, оригинал хранится в Третьяковской галерее, а копия картины в Русском музее в Петербурге. В этом произведении художник изобразил трех охотников отдыхающих на привале, после удачной охоты.
Художник Перов надо признаться и сам был страстным любителем охоты. Не раз в своей жизни художник видел подобные сцены, потому, как сам был участником всяких веселых баек, пересудов и небывалых рассказах об охоте со своими товарищами охотниками после трудной но интересной охоты.
Но это все не главное в картине, задачей Перова в этом произведении все таки три охотника с их разными характеристиками. Самая ярко выраженная фигура в картине
"Охотники на привале" это конечно пожилой с виду охотник, страстно рассказывающий своим сотоварищам о своих явных или не совсем приключениях на охоте, фрагмент из того, что приблизительно он рассказывает: Вот досада разведя руки в сторону, второго зайца упустил а он был аж в два раза больше первого, первого то я удачно подстрелил. Второй товарищ, что посередке средних лет, тоже опытный охотник с иронией слушает пожилого охотника, почесывает ухо, можно сказать рассказчик явно вызывает у него саркастическую усмешку своей охотничьей, очередной и неправдивой байкой и он явно не доверяет ему, но при этом послушать все равно интересно, думает он. Молодой охотник, что справа внимательно и доверчиво выслушает расказни старого прожженного охотника, вполне вероятно он и сам тоже, что то хочет поведать и о своей охоте на куропатку, но старик явно не дает ему и слова сказать.
Сюжет картины "Охотники на привале" получился прямо анекдотическим, относительно других произведений Перова. Современники по разному отнеслись к работе мастера, Салтыков-Щедрин критиковал художника за неестественно выглядящими лицами охотников, как будто играют актеры а не живые охотники. А Стасов В. В. наоборот восторженно восхищался картиной сравнивая ее с рассказами писателя Тургенева.
В. Г. Перова «Рыболов»
Картина В. Г. Перова «Рыболов» была написана художником в 1871 году. Хранится в Третьяковской галереи. Она интересна тем, что детально отображает процесс древнего промысла, дошедшего до наших дней – рыболовства. Картина написана удивительно живыми и яркими красками, создавая ощущение реалистичности изображённой рыбной ловли.
Сюжет для своего произведения мастер выбрал не случайно, ведь он сам нередко увлекался рыбной ловлей и, как никто другой, разбирался в психологии этого процесса. Помимо этого, Перов часто любил изображать в своих творениях быт и нравы простых людей, что переплетается воедино в данном сюжете.
Композиция произведения состоит из нескольких мысленно выделенных частей: образа пожилого рыболова в шляпе, рыбацкого места с множеством необходимых для ловли рыбы атрибутов и образа другого рыбака, сидящего неподалёку за холмом.
Глядя на фигуру опрятно одетого рыболова с ярким, повязанным на шёю, платком и блестящими сапогами, возникает лёгкое недоумение: автор изобразил на картине не крестьянина или рабочего, а довольно обеспеченного пожилого человека, который всецело отдался любимому увлечению. Он внимательно вглядывается в утреннюю озёрную гладь с медленно плывущим по ней поплавком.
Поражает изображенное художником обилие рыбацких снастей, качество их прорисовки и логика расположения – всё размещено рыболовом так, чтобы в случае необходимости можно было быстро взять нужный предмет, просто протянув руку.
На заднем плане художник изобразил другого рыболова, который скрупулёзно надевает на крючок червяка в надежде поймать большую рыбу. Чуть выше, на холме, на фоне безоблачного утреннего неба, купаясь в лучах восходящего солнца, красуются молодые берёзки.
Сюжет картины указывает на гармонию человека и природы, стремление к тихому наслаждению этим единением.
Билет №7
1)жанр портрета. Образ Нефертити.
К этому жанру относятся произведения изобразительного искусства, в которых запечатлен внешний облик конкретного человека. Каждый портрет передает индивидуальные приемущие только портретируемому черты. Само слово это жанра происходит от старофранцузкого выражения, означающее «воспроизведение что-либо черты в черту». Однако внешнее сходство не главный критерий художественного достоинства портрета.
Нефертити- главная супруга древнеегипетского фараона 18 династии Эхнатона. Образ Нефертити стал одним из неизменённых символов древнеегипетской цивилизации. До наших дней дошло любовное письмо Эхнатона, написанное супруге: «Любовь моя, королева юга и севера, возлюбленная моя, Нефертити, я бы хотел, чтобы ты жила вечно…»Портрет Нефертити: нежный овал лица, красиво очертанный небольшой рот, прямой нос, прекрасные миндальные глаза, слегка прикрытые тяжелыми веками. Гробница и мумия Нефертити не найдена до сих пор, многие загадки, связаннее с Нефертити не раскрыты.
2)Венская классика (Бетховен).
В истории музыкальной культуре творчество Венских классиков является непревзойденным в искусстве. Гайдн, Моцарт, Бетховен сумели не только подытожить всё лучшие, чего достигла европейская музыка, но и сделать собственные творческие открытия.
Венская классика-направление европейское классической музыки второй половины 18 века в Вене. Особенностью данного направления является применение 3 приёмов: обязательно аккомпанементов, наличия сквозных тем и работа над темой и формой. В творчестве венский классиков выражено динамическое понимание жизненных процессов, нашедшая наиболее полной воплощение в сонатной форме и обусловывше симфонизии многих их сочинений.
Бетховен (1770(50)-1827)-ключевая фигура западной классической музыки в период между классицизмом и романтизмом. За свою жизнь он создал 9 симфоний, 5 концертов для фортепиано с орк6етром, скрипичный концерт, оперу, балет 32 фортепианных сонат, а так же множество увертюр, ораторий, фантазий, песен и т.д. Его произведения полны героики и трагизма. Бетховен был невероятно талантлив. В 1802 году от теряет слух, но при этом продолжает писать музыку. «Я хочу вцепится судьбе в глотку, совсем пригнуть меня к земле ей не удастся!» Одолеваемый недугами, Бетховен не успевает написать 4 квартета. 26 мая 1827 года он умирает, но его музыка до сих порт «выжигает огонь из людских сердец».
Билет №8
• Пейзаж А.Саврасова «Грачи прилетели»
Уже в названии этой замечательной картины слышится радостное провозглашение наступления утра года; все в ней исполнено глубокого, близкого сердцу смысла. Человеку, создавшему ее, был внятен язык природы.
Серенький весенний день. Корявые березки на окраине раскинувшегося на холме села. Вестники тепла галдят, суетятся, обновляя старые гнезда, свивая новые. Воздух свеж и прозрачен. В проталинах отражается проглядывающее из-за рыхлых кучевых облаков голубое небо. За дощатыми заборами, среди изб возвышаются старинная церквушка и колокольня с облупившейся штукатуркой стен. Еще дальше расстилаются просторы полей с нежно-лиловыми перелесками и белыми полосами не растаявшего снега на бурой почве.
Все в этой картине пронизано единым ритмом, напоено легким дыханием весны. С удивительным совершенством отзывается здесь художник на неуловимые смены состояний атмосферы, воссоздавая на холсте "не слепок, не бездушный лик", а ощущение жизни как единого трепетного целого. Именно - Жизни, а не просто "естественного окружения" человека. Ведь в Грачах... радости весеннего обновления причастны и птицы, и талый снег, и голубые дымки, курящиеся из труб над крышами изб, и невидимые обитатели этих жилищ, и сам автор, сумевший передать и нам, людям уже двадцать первого века, свое весеннее настроение.
Этюды к этой картине были написаны в деревне Молвитино (ныне Сусанино) Костромской губернии. На ней изображена Воскресенская церковь, сохранившаяся до наших дней. Доработка картины происходила в Москве, в мастерской художника. В конце 1871 года картина «Грачи прилетели» впервые предстала перед публикой на первой выставке Товарищества передвижных художественных выставок. «Грачи» стали открытием в живописи. Статичные пейзажи Куинджи и Шишкина сразу потеряли статус новаторских.
Произведение было сразу же куплено Павлом Третьяковым для его коллекции. В 1872 году Саврасову было впервые заказано повторение картины «Грачи прилетели». Позже А. Саврасовым было сделано ещё несколько реплик картины.
• Живопись К.П.Брюллова («Всадница», «Последний день Помпеи»)
«Всадница»
На картине изображена сцена прогулки. Воспитанница Ю. Самойловой Джованнина подъезжает к подъезду дома своей приемной матери, восседая на вороной лошади. Композиция «Всадницы» полна динамизма. Скакун, разгоряченный ездой, фыркает и поднимается на дыбы, мохнатая собака(на ошейнике которой стоит фамилия заказчицы — «Samoylova») лает, кружась под ногами коня, маленькая Амацилия, одетая в розовое платьице и зеленые туфельки, выбегает встречать ее и восхищенно смотрит на свою старшую подругу.
Картина написана в 1832 году по просьбе графини Юлии Павловны Самойловой. На ошейнике собаки, изображенной на этом портрете, художник написал фамилию «Самойлова». Была в 1832 г. выставлена в Милане, в галерее Брера. И тогда на нее было очень много откликов, которые собрал, перевел один из верных учеников Брюллова художник Михаил Железнов. Полотно находилось в собрании графини, которое было распродано в 1872 году, незадолго до смерти разорившейся Самойловой.
В 1896 году «Всадница» была приобретена для галереи П. М. Третьякова. Сначала предполагалось, что на картине изображена сама графиня, но искусствоведы доказали, что это не так, сравнивая картину с более поздними произведениями Брюллова «Портрет графини Ю.П. Самойловой с воспитанницей Джованниной и арапчонком» и «Портрет графини Ю.П. Самойловой, удаляющейся с бала с приёмной дочерью Амацилией». На картине изображены две воспитанницы графини Самойловой — Джованина и Амацилия Пачини. Амацилия Пачини была дочерью итальянского композитора Джованни Пачини, друга Ю. Самойловой. О Джованине известно мало. Существует версия, что её настоящее имя Джованнине Кармине Бертолотти и она является дочерью Клементины Перри, сестры второго мужа Самойловой. Художник назвал свою работу «Джованин на лошади».
В Италии существуют гравюры с этой картины, считающиеся портретом знаменитой певицы Малибран, сестры Полины Виардо.
«Последний день Помпеи»
Последний день Помпеи — картина Карла Брюллова, написанная в 1830—1833 годах.
Брюллов посетил Помпеи в 1828 году, сделав много набросков для будущей картины про известное извержение вулкана Везувий в 79 году н. э. и разрушения города Помпеи близ Неаполя. Полотно выставлялось в Риме, где получило восторженные отклики критиков и переправлено в парижский Лувр. Эта работа стала первой картиной художника, вызвавшей такой интерес за рубежом. Сэр Вальтер Скотт назвал картину «необычной, эпической».
Классическая тема, благодаря художественному видению Брюллова и обильной игре светотени, вылилась в работу, на несколько шагов вперёд отстоящую от неоклассического стиля. «Последний день Помпеи» отлично характеризует романтизм в русской живописи, смешивающийся с идеализмом, повышенным интересом к пленэру и страстной любовью того времени к подобным историческим сюжетам. Изображение художника в левом углу картины является автопортретом автора. На полотне также трижды изображена графиня Юлия Павловна Самойлова - женщина с кувшином на голове, стоящая на возвышении в левой части полотна, разбившаяся насмерть женщина, распростертая на мостовой и рядом с ней живой ребенок - обоих, предположительно, выбросило из сломавшейся колесницы - в центре полотна, и мать, привлекающая к себе дочерей, в левом углу картины.
В 1834 г. картина «Последний день Помпеи» была отправлена в Петербург. Александр Иванович Тургенев говорил, что эта картина составила славу России и Италии. Е. А. Боратынский сочинил по этому случаю знаменитый афоризм: «Последний день Помпеи стал для русской кисти первым днем!». Стихотворением откликнулся и А. С. Пушкин: «Кумиры падают! Народ, гонимый страхом…» (Эту строку запретила цензура.) В России полотно Брюллова воспринималось не компромиссным, а исключительно новаторским произведением.
Анатолий Демидов подарил картину Николаю I, который выставил картину в Академии художеств как руководство для начинающих живописцев. После открытия Русского музея в 1895 году полотно переехало туда, и к нему получила доступ широкая публика.
Билет №9
1 В театре, кино, на телевидении также активно взаимодействуют различные виды искусства. Синтетическими видами искусства являются театр и кино. Они объединяют драматическое, музыкальное, изобразительное искусство. Зритель и слушатель испытывает на себе воздействие сюжета литературного произведения. Декорации и костюмы погружают его в атмосферу реальности, в которой разворачивается сюжет. Соотношение искусств участвующих в синтезе, определяется стилем произведения, художественным замыслом автора и вкусом заказчика.
2 Карл Павлович Брюллов - русский художник живописец, монументалист, акварелист, рисовальщик, представитель академизма. Родился в семье француза Павла Ивановича Брюллов и немки Марии Ивановны Шредер(Schroeder). Был учеником Андрея Ивановича Иванова. Первая его работа относится к 1820г. (Нарцисс). Самые известные его картины – это «Всадница» и «Последний день Помпеи».
Картина «Всадница» была написана в 1832 по просьбе графини Юлии Павловны Самоиловой. В1896г. Картина была приобретена для Третьяковской галереи. На картине изображена не сама Самойлова, а её воспитанницы (Джования и Амацилий Пачини). Тема: на картине изображена сцена прогулки. Воспитанница Джованина подъезжает к дому своей приёмной матери (Самоиловой) восседая на вороной лошади. Эта картина полна динамизма. Скакун, разгорячённый ездой, фыркает и поднимается на дыбы. Собака, на ошейнике которой стоит фамилия заказчицы, лает, кружась под ногами коня. Маленькая Амицилия, одетая в розовое платье и зелёные туфли, выбегает встречать свою старшую подругу.
Картина «Последний день Помпеи» была написана в 1830-1833г. Эта работа художника вызвала огромный интерес за рубежом, и получила восторженные отклики критиков. Тема: эта картина отлично характеризует романтизм в русской живописи, смешивающийся с идеализмом и страстной любовью к историческим сюжетам. Изображение художника в левом углу картины - является автопортретом
Билет №10
1) Художественный образ — это обобщенное представление о действительности, выраженное языком искусства отношение к жизни, к окружающему миру. Раскрывая свой внутренний мир, художник всегда настроен на волну своего времени со всеми его тревогами и радостями, предчувствует те или иные перемены. Поэтому и становится возможным создание художественного образа эпохи.
Стиль (от греч. stylos — буквально палочка для письма) означает почерк, совокупность характерных черт, приемов, способов, особенностей творчества. В искусстве различают стиль эпохи (исторический), национальный стиль (принадлежность тому или иному народу), индивидуальный стиль конкретного художника в широком смысле этого слова. Характеризуя стиль в архитектуре, говорят, что «стиль — это эпоха», в других искусствах — в живописи, музыке, литературе — «стиль — это человек».
Язык любого искусства помогает услышать в произведении живой голос художника, многовековую мудрость народа. Выразительность, эмоциональность, образность языка живописи и графики, музыки и скульптуры, поэзии и танца обеспечивают композиция, форма, — фактура, ритм, тон, интенсивность. Это общее — в языке искусств.
При этом каждый вид искусства говорит своим языком: живопись — цветом, графика — линией и пятном, скульптура — объемом, музыка — звуком, интонацией, танец — пластикой жестов и движений, литература — словом. Авторы в своих произведениях с помощью специфичных для того или иного искусства средств выражения расставляют смысловые акценты, выделяют самое существенное. Это позволяет им передавать зрителям, слушателям, читателям различные чувства, доносить до них содержание своих произведений.
Чтобы научиться разбираться во всем многообразии искусства, надо понять образный строй художественного произведения, принадлежность к определенному стилю, направлению.
2) РЕПИН Илья Ефимович (1844-1930) – русский живописец, график. Учился в Петербургской Академии художеств и одновременно в Рисовальной школе Общества поощрения художников у И.Н. Крамского. Академик живописи (1876). Творчество Репина занимает особое место в истории русской художественной культуры второй половины XIX в., вобрав в себя важные устремления русского реализма. Самым ярким его качеством стала жажда познания жизни во всех формах ее проявления. На протяжении своей долгой жизни Репин постоянно обращался к портретному жанру: он – создатель «подлинной нашей галереи предков». Его портреты, в целом близкие по стилю к работам В.Г. Перова и И.Н. Крамского, наделены новым качеством: герои Репина как бы вступают в диалог со зрителем, демонстрируя распространенное представление о себе.
Билет №11
1) Михаил Иванович Глинка (1804 - 1857) – великий русский композитор. Родился 20 мая 1804 года в Новоспасском Смоленской губернии.
Играть на фортепиано в своей биографии М. Глинка стал уже в десятилетнем возрасте. С 1817 года он стал обучаться в Благородном пансионе при педагогическом институте Санкт-Петербурга. Закончив пансион, все свое время посвящал музыке. Тогда же в биографии Глинки были созданы первые сочинения. Как настоящему творцу, Глинке не до конца нравятся свои произведения, он стремится расширить бытовой жанр музыки.
После путешествия на Кавказ отправляется в Италию, Германию. Под влиянием итальянских композиторов Беллини, Доницети Глинка меняет свой музыкальный стиль. Затем в Берлине в биографии Михаила Глинки велись работы над полифонией, композицией, инструментовкой.
Вернувшись в Россию, Глинка с усердием работал над национальной оперой «Иван Сусанин». Её премьера в 1936 году в Большом театре Петербурга обернулась громадным успехом. Премьера следующей оперы «Руслан и Людмила» в 1842 году уже не была такой громкой. Сильная критика подтолкнула композитора к уезду, он покинул Россию, отправившись во Францию, Испанию, лишь в 1847 году вернулся на родину.
В 1851 году Глинка возвращается в Санкт-Петербург. У него появляются новые знакомые, в основном молодежь. Михаил Иванович давал уроки пения, готовил оперные партии и камерный репертуар с такими певцами как Н. К. Иванов, О. А. Петров, А. Я. Петрова-Воробьёва, А. П. Лодий, Д. М. Леонова и другими. Под непосредственным влиянием Глинки складывалась русская вокальная школа.
Уехав в Берлин в 1856 году, Глинка скончался там в феврале 1857. Песен и романсов Глинки насчитывается около 20. Также он написал 6 симфонических, несколько камерно-инструментальных произведений, две оперы. Музей Глинки расположен в Новоспасском селе.
2)«Аполлон и Дафна» (итал. Apollo e Dafne) — мраморная скульптура в стиле барокко работы итальянского мастера Бернини, выполненная в1622-1625 годах, находится в Галерее Боргезе в Риме. Сюжет основывается на одном из рассказов, включенных в «Метаморфозы» Овидия.
Сюжет
Скульптор запечатлел итог мифологической погони бога солнца Аполлона за прекрасной нимфой Дафной. Настигаемая Аполлоном, Дафна просит помощи у богов — и начинает превращаться в лавр. Мы видим героев в тот самый миг, когда Аполлон практически настиг беглянку, но пальцы рук Дафны уже превращаются в ветви, а ноги — в корни лавра.
История
Бернини начал работать над «Аполлоном и Дафной» в 1622 году по заказу кардинала Боргезе, но отложил работу для создания скульптуры Давида. Композиция была завершена только в 1625 году. Кардинал Маффео Барберини, будущий папа Урбан VIII написал двустишие: «Quisquis amans sequitur fugitivae gaudia formae / fronde manus implet, baccas seu carpit amaras», которое можно перевести примерно так: «Каждый, кто будет искать наслаждения исчезающей красотой, очнётся с руками, полными листвы и горьких ягод». Эти назидательные строки должны были служить оправданием присутствия скульптуры на языческую тематику в коллекции кардинала. Изначально скульптура располагалась возле стены, но Антонио Аспруччи в конце XVIII века переместил её в центр зала, сделав её тематическим центром помещения. Сюжет «Аполлона и Дафны» отразил художник Пьетро Анджелетти в росписи на потолке третьего зала галереи Боргезе.
Билет №12
1.Массовые, общедоступные искусства
Огромную популярность в XX в. приобрели виды искусства, связанные с техническим прогрессом. Фотография, кино, телевидение, продукция полиграфической промышленности (книги, журналы, газеты) стали символами времени.
Слово «фотография» переводится как «светопись», что отражает основополагающую роль света в процессе фотографирования. Техника фотографирования основана на знакомом людям с древности оптическом эффекте: луч света, попадая в небольшое отверстие камеры, дает на ее противоположной стенке перевернутое изображение освещенных предметов.
Фотография, являясь одним из самых распространенных средств массовой коммуникации, имеет огромное историческое значение как свидетель своего времени. Даже не обладающая художественной ценностью, фотография через много лет становится ценным историческим документом.
Широкое распространение получила художественная фотография. Взгляд через объектив фотоаппарата позволяет увидеть экзотические страны, диковинных животных, подводные глубины океана, культурно-исторические реликвии древней архитектуры, популярных актеров, новые течения в моде (одежда, прически, интерьеры домов и др.). Свое отношение к нему автор передает через выбор момента съемки, ракурс, распределение света и тени.
Фотография развила свою особую систему выразительных средств, но не потеряла связи с древними изобразительными искусствами. Это проявляется, в частности, в том, что их основные жанры — портрет, пейзаж, натюрморт, картина — представлены и в фотоискусстве. Говорят, например, что портрет делает отсутствующих присутствующими и умерших — живыми. Особенность изобразительного образа в фотографии заключается в его документальности, так как он — всегда объект реального мира или существенный момент действительности.
Чем же фотография отличается от живописи? Прежде всего, тем, что фотография ловит мгновения, передает одномоментный образ происходящего события, тем самым переводя его в вечность.
Сегодня техника фотографирования, пережив множество усовершенствований, достигла цифрового уровня. Компьютер помогает добиться необычайного эффекта в фотографии, дает возможность соединять различные объекты, трансформировать или частично менять форму, фактуру или цвет предметов, комбинировать объекты наподобие коллажа.
• Найдите в справочной литературе объяснение принципов работы фотоаппарата.
2. Кипренский О. «Портрет А.С.Пушкина»
lСогласно ленинскому плану монументальной пропаганды, в списке лиц, кому победивший в Октябрьской революции пролетариат должен был поставить памятники, значилось и имя русского художника Ореста Адамовича Кипренского. И хотя памятник так и не был сооружен, но уже сам факт включения О.А. Кипренского в такой список примечателен и характерен, так как показывает значение этого живописца для русского народа и для русской художественной культуры. Произведения О. Кипренского, особенно его замечательные портреты, являются одной из самых больших жемчужин нашего художественно наследия.
Выходец из крепостной среды, своим трудом добившийся всеевропейской славы, О. Кипренский написал лучший портрет А.С. Пушкина. Заказ на создание портрета русского поэта последовал в 1827 году от А. Дельвига. Весной 1827 года художник возвратился из Италии, в мае этого же года в Петербург - проездом из Москвы в Михайловское - приехал и А.С. Пушкин. У них был общий круг знакомых и друзей, и, по преданию, в доме одного из них - Н.Д. Шереметева - и писался этот знаменитый портрет. То, что портрет А.С. Пушкина заказывал именно А. Дельвиг, не случайный факт: поэт называл А. Дельвига "художников друг и советник".
Сам А.С. Пушкин портретироваться не любил, хотя художник был ему хорошо знаком: несколькими годами раньше О. Кипренский писал портреты людей пушкинского окружения - В.А. Жуковского, К. Батюшкова, П.А. Вяземского, И.А. Крылова, П.П. Гнедича. Художественный стиль Ореста Кипренского, в котором сочетались пластическая выразительность формы с правдивостью, а умение показать характер с возвышенным идеалом, мог импонировать поэту.
Несомненно, что во время сеансов позирования художник и поэт беседовали. Сейчас, конечно, уже трудно точно сказать, о чем именно, но можно предположить, что беседовали они об Италии, об искусстве древнем и новом.
Пушкинский портрет исполнен О. Кипренским с большим вдохновением и с полным сознанием огромной исторической ответственности. Один из современников так отозвался об этом Произведении О. Кипренского: "Гений Поэта как будто бы воодушевил художника... Пусть исследует художник движения собственной души в те минуты, когда он одушевлял полотно! Не составил ли себе сперва идеал характера Поэта, не ловил ли души его, не разглядывал ли тайн и порывов пламенной фантазии и не стремился ли потом выразить свои и его чувства в чертах видимых!" Первое впечатление от портрета - впечатление предельной завершенности. Тщательная отделка деталей, строгая гармония целого создают ощущение торжественной тишины.
На светлом желто-зеленом фоне рисуется изображение поэта, одетого в строгий сюртук с перекинутым через плечо клетчатым красно-зеленым шотландским пледом (некоторые исследователи называют его плащом). Изящная фигура написана в фас, лицо поэта обращено слегка направо, в ту сторону, где в глубине, за креслом, стоит бронзовая статуэтка Гения с кифарой в руках. В лице поэта О. Кипренский мягко передает его характерные "арапские" черты, густые каштановые волосы свободно вьются на голове, не спускаясь на высокий лоб и не выбиваясь беспорядочно.
"Портрет А.С. Пушкина" имел успех, хотя и вызывал споры. Одни отмечали удивительное сходство, другие (кто привык видеть поэта подвижным, разговаривающим, кто помнил необычайно изменчивое выражение лица А.С. Пушкина) заявляли, что никакого сходства нет. Ф. Глинка, например, отмечая безупречную выстроенность портрета, тем не менее писал А.С. Пушкину из Петрозаводска: "У меня есть Ваш портрет, только жаль, что Вы в нем представлены с некоторой пасмурностью. Нет той веселости, которую я помню в лице Вашем. Ужели это следствие печалей жизни?" (Имеется в виду снятая с него гравюра).
Карл Брюллов (по свидетельству Т.Г. Шевченко) заметил, что О. Кипренский изобразил А.С. Пушкина "каким-то денди, а не поэтом". Такое недовольство "великого Карла" происходит, может быть, оттого, что сам он при изображении художников и поэтов отмечал их свободный порыв, раскованность, мятежную силу вдохновения, любил эффектные приемы композиции и цвета.
Люди, хорошо знавшие А. Пушкина, отмечали, что и такое положение рук, как на портрете, не характерно для него. Русский писатель Н.В. Кукольник, например, высоко оценив достоинства портрета, счел нужным указать на отсутствие "пушкинской простоты" и несвойственность поэту "такого оборота тела и глаз".
Но именно такая поза придает всему образу внутреннюю собранность и говорит о большом напряжении внутренних сил. Творческое прозрение самого О. Кипренского оказалось в этом портрете исключительно глубоким. Исходя из общего замысла, художник с гениальной уверенностью пренебрег некоторыми частностями, придал А.С. Пушкину лично ему не свойственную, но для портрета единственно необходимую, абсолютно точную позу.
Образ поэта на портрете немыслим без этой позы со скрещенными на груди руками.
Незадолго до 14 декабря 1825 года К. Рылеев в письме к А.С Пушкину писал: "На тебя устремлены глаза России; тебя любят, тебе верят, тебе подражают. Будь Поэт и Гражданин!" Орест Кипренский и увидел великого русского поэта глазами лучших людей России.
Однако споры среди искусствоведов не умолкают и до сих пор. Некоторые современные исследователи видят в позе поэта, изображенного со скрещенными на груди руками, воплощение безмятежной гармонии. Они обозначают его состояние словом "прислушивается", это та самая минута, когда "стихи свободно потекут". Отмечают, что на смуглом лице поэта читается вдохновение, созревающая поэтическая мысль. Взгляд А.С. Пушкина глубок, но в то же время и слегка рассеян, как будто поэт внимает только одному ему слышимым голосам.
Однако литературовед В. Зименко находит в портрете некоторую напряженность позы поэта. Он замечает, что вся фигура поэта "натянута, как струна, лицо его сурово, глаза широко открыты и беспокойно (а не безмятежно!) всматриваются во что-то находящееся за пределами" картинной рамы. Печать нелегких размышлений, едва уловимая горечь, тень двух последних лет, мрачных для России, - вот что можно заметить на лице поэта. Если в устах А.С. Пушкина и прозвучат сейчас стихи, то это будут не изящные мадригалы, а строки глубоких раздумий. Например, такие:
Блажен в златом кругу вельмож Пиит, внимаемый царями. Владея смехом и слезами, Приправя горькой правдой ложь.
Что видел за пределами рамы поэт? Так он мог глядеть на ненавистную ему "светскую чернь", на своего противника Дантеса, хладнокровно поднявшего пистолет.
Сам поэт высоко ценил свой портрет, написанный О. Кипренским, ощущая, что именно здесь он запечатлен в своей "высшей типичности", как поэт серьезной и трагической музы. Потрясенный работой художника, А.С. Пушкин на другой день вручил О. Кипренскому листок со стихами.
Любимец моды легкокрылой,
Хоть не британец, не француз,
Ты вновь создал, волшебник милый,
Меня, питомца чистых муз.
И я смеюся над могилой,
Ушед навек от смертных уз...
В этот день между ними состоялся разговор об искусстве. Орест Кипренский признавался А.С. Пушкину, что всю жизнь не переставал искать высший идеал человеческой красоты и что в полной мере нашел его во время работы над пушкинским портретом (а также в те дни, когда создавал портрет Гете). А.С. Пушкин в свою очередь поверял художнику свои взгляды на поэта и природу творчества. Он говорил, что в повседневной жизни поэт ничем не отличается от других людей. Только в минуты творчества он преображается сам и преображает все, что видит вокруг.
Билет №13
1) Преобразующая сила искусства.
Искусство обладает огромной дейтвенной силой, незаметной на первый взгляд. Читая книгу, смотря кинофильм или спектакль, посещая художественный музей или выставку, слушая классическую музыку или современные песни, человек как будто только отдыхает, проводит досуг. На самом деле во время общения с искусством, погружаясь в художественное произведение и сочувствуя героям, персонажам, он словно примеряет на себя другие характеры, разнообразные ситуации, получает новый опыт: сопереживает положительным персонажам, негодует, когда видит несправедливость по отношению к слабым и беззащитным.
Художественные образы служат эстетическими идеалами, которые проявляются в отношении к жизни, в характеристиках положительных и отрицательных персонажей и воплощаются в самых разных формах: в героической поэме и сатире, в трагедии и комедии. Искусство воздействует на ум, сердце, душу человека, восстанавливает психическое и эмоциональное равновесие, помогая снять внутреннее напряжение и волнение, порожденное реальной жизнью, гармонизирует внутренний мир воспринимающего его читателя, слушателя, зрителя. Настоящее искусство спокойно, ненавязчиво, оно «не терпит суеты», «воспитание искусством — это «тихая работа» (Ф. Шиллер).
2) История создания
На полотне стоит подпись художника: «Я написал это с себя / Мне было двадцать шесть лет / Альбрехт Дюрер (нем. Das malt ich nach meiner gestalt / Ich war sex und zwenzig Jor alt / Albrecht Dürer)». Поскольку художнику 21 мая исполнялось 27 лет, то можно с уверенностью сказать, что Дюрер закончил работу над своим портретом в начале 1498 года. Дюрер был сыном ювелира, приехавшего в Нюрнберг из Венгрии в середине XV в. Он является одним из известнейших представителей ренессанса в Германии. 1498 был важным для него годом. В этом году он опубликовал серию из 15 гравюр «Апокалипсис». В этом же году он вернулся из путешествия по Италии, в стиле его полотна заметно влияние венецианской и ломбардийской школы, в частности Джованни Беллини.
Полотно было приобретено Карлом I, а впоследствии королём Испании Филиппом IV.
Художник и джентльмен
Поза художника на полотне очень спокойна и уверена. Он изобразил себя стоящим, слегка повернувшись в сторону, опираясь рукой на выступ. Фигура Дюрера занимает все полотно, почти касаясь головным убором верхней части картины. Его лицо и шея освещены светом, падающим в комнату, и длинные волнистые волосы изображены очень тщательно. По сравнению с более ранним автопортретом, у него здесь настоящая борода, которая была необычным атрибутом для молодых мужчин того времени. Одежда живописца очень изысканна. Его элегантный жакет окаймлен чёрным, под ним у него белая рубаха, вышитая на вороте. У него на голове полосатый головной убор, в тон жакета. Поверх плеча наброшена светло-коричневая накидка, которая удерживается шнуром обвитым вокруг его шеи. На руках у него кожанные перчатки тонкой выработки.
В комнате изображены арка, частично обрамляющая голову художника, а справа раскрытое окно с изысканным ландшафтом. Зелёные поля убегают вдаль к окружённому деревьями озеру, а позади видны покрытые снегами горы, вероятно напоминавшие Дюреру путешествие через Альпы тремя годами ранее. В Германии в это время художник всё ещё рассматривался как мастеровой, что было абсолютно неприемлемо для Дюрера. На автопортрете он изображен аристократом, высокомерным и щёгольским молодым человеком. 
Билет №15
1)Роль искусства в сближении народов.
Наглядным подтверждением художественного общения, интернациональности языка искусства, который понятен без перевода, являются музеи, международные выставки изобразительного искусства, разнообразные конкурсы (литературные, музыкальные, артистов балета, театральные, джазовые), фестивали искусств.
Благодаря общению людей с выдающимися творениями мирового искусства прошлого и настоящего времени становится возможным диалог культур. По мнению академика Д. Лихачева, исследователя древнерусской литературы, «культура объединяет все стороны человеческой личности. Нельзя быть культурным в одной области и оставаться невежественным в другой. Чем больше человек окружен духовной культурой, погружен в нее, тем ему интереснее жить, жизнь приобретает для него содержательность».
Хранилищами художественных шедевров являются музеи. Во всем мире известны такие музеи, как Третьяковская галерея, Музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина (Москва), Эрмитаж, Русский музей (Санкт-Петербург), Лувр, Музей современного искусства (Париж, Франция), музей Прадо (Мадрид, Испания), Национальная картинная галерея (Дрезден, Германия), Британский музей (Лондон, Англия) и др.
Благодаря просветительской деятельности этих музеев, буклетам и альбомам, которые они выпускают, путешествиям их экспонатов по разным странам и континентам, знатоки и любители искусства могут любоваться такими шедеврами культуры, как Владимирская икона Богоматери, «Сикстинская мадонна» Рафаэля, «Девочка на шаре» П. Пикассо, «Золотая осень» И. Левитана и др.
2) Этьен Фальконе. Памятник Петру I в Санкт-Петербурге.Медный всадник
Памятник Петру I "Медный всадник" воздвигнут по приказу Екатерины II в 1782 году по модели скульптора Э. Фальконе. Скульптора рекомендовал Дени Дидро. Скульптор приехал в Санкт-Петербург в 1766 году в сопровождении своей талантливой ученицы Мари-Анн Колло. Именно она выполнила голову Петра для этого памятника, отразив все своеобразие и сложность характера императора. Фальконе постоянно подчеркивал равноправное участие своей ученицы в работе.
К сожалению, Фальконе не дождался окончания работ и открытия памятника и из-за придворных интриг был вынужден покинуть город.
Предельная простота и строгость в сочетании с необыкновенной выразительностью и динамичностью делают этот монумент таким запоминающимся.
Статуя была отлита из бронзы (176 тонн бронзы и 4 тонны железа) и установлена на огромном гранитном монолите весом 1600 тонн, которому была придана форма волны, что символизировало стремления Петра I возвысить Россию как морскую державу, вывести ее из пучины невежества. Вздыбленный конь, которым, тем не менее твердо управляет царь, отражал характер и непокорность народа. А змея под копытами олицетворяла врагов петровских реформ (кроме того, это искусно выполненная третья точка опоры памятника).
Это был первый памятник, установленный на городской площади Санкт-Петербурга.
Билет №14
