Просперити - 1) период хозяйственного подъема в США, в частности после первой мировой войны; 2) экономический подъем, временное процветание

Густав Стикли -Объединенные ремесла (1898-1915, США). Основатель/руководитель - Стикли, Густав. Густав Стикли был лидером движения «Искусств и Ремёсел», которое буквально расцвело в начале 20-го века. Это движени зародилось в Англии и было своеобразным ответом на всё поглощающую и морально угнетающую индустриализацию с её массовым производством одинаковых и часто безликих товаров. По обе стороны Атлантики это движение стремилось отойти как можно дальше от скученности и громоздкости типичной для викторианской эпохи и провозгласило начало эры декоративного искусства и развитие таких важных элементов как обои, плитка, осветительные приборы, посуда. Иными словами, это было движение, принесшее новый стиль. Стикли представил ремесленный стиль, когда открывал здание United Crafts в Иствуде, Нью-Йорк, 1898 г. Новаторский дизайн художника основывался на высоком качестве врубок и соединений элементов. Стулья с высокой спинкой, встроенные шкафы и сельский минимализм равноценны ясной простоте архитектурных форм.

Проекты братьев Стикли, весьма радикальные для своего времени, сочетали смелые прямоугольные обрамления и скульптурные формы. Использование прозрачных отделочных покрытий было также важной частью работы. Отделка подчеркивала качество фактуры дерева, полученной методом радиального распила. Стикли были разработаны специальные рецепты для обработки грубых поверхностей и придания дереву состаренного вида с эффектом патины.

 

Луис Тиффани - (1848 –1933) – американский художник и дизайнер, представитель модерна. Международное признание Тиффани принесли его изысканные изделия из стекла: витражи, абажуры, бижутерия. Произведения Луиса Комфорта Тиффани украшают храмы и частные дома. Крупнейшая в мире коллекция его ювелирных и стекольных изделий находится в музее «Метрополитен» в Нью-Йорке.

 

Японизм — направление в европейском искусстве XIX cтолетия, сложившееся под влиянием японской цветной ксилографии (укиё-э и художественных ремёсел. Мотивы, техника и подача цвета в японском искусстве отразилось на творчестве таких мастеров, как Мане, Гоген, Винсент ван Гог и другие импрессионисты. Значительное влияние японизм оказал также на искусство стиля модерн и на кубизм. В Великобритании важнейшим представителем японизма следует считать жившего и работавшего там американского художника Уистлера.

Обри Бёрдсли - (1872—1898, Ментона, Франция) — английский художник-график, иллюстратор, декоратор, поэт, один из виднейших представителей английского эстетического движения 1890-х гг. С 1894 по 1896 год (в это время к нему приходит невиданный успех после публикации 16 иллюстраций к уайльдовской «Саломее») его самочувствие резко ухудшается — и тогда создаются мрачные рисунки к «Падению Дома Ашеров» Эдгара По (1895). Бёрдсли более всего известен как иллюстратор книг Оскара Уайльда, но ему принадлежат и иллюстрации ко многим другим произведениям, от древнегреческой драмы до стихов Александра Попа. Литературные образы в его интерпретации выглядят очень субъективными, подчас болезненно-гротескными. Манера художника индивидуальна и легко узнаваема. В ней сплавилось множество разных влияний: от прерафаэлитов, уильяма Морриса и "Движения искусств и ремесел" до древнегреческой вазописи и японской гравюры.

Эдвард Гордон – (1872 - 1966), английский актёр, театральный и оперный режиссёр эпохи модернизма, крупнейший представитель символизма в театральном искусстве, художник. Увлекался театром кукол и масок. Приверженец идеи режиссёрского театра, разрабатывал и внедрял концепцию «актера-марионетки».

Дворец Кацура -КАЦУРА РИКЮ — загородный императорский дворец, расположенный вблизи Киото. Ансамбль дворца Кацура был построен на берегу реки Кацура и занимает площадь 56 тыс. кв. м. В центре находится большой пруд с пятью островками, соединенными друг с другом деревянными или каменными мостиками. Повсюду установлены фонари и каменные чаши для воды различной формы. Посетителям кажется, что пруд то исчезает полностью, то появляется неожиданно, т.е. пейзаж меняется. Это особенность японской традиционной архитектуры — постоянное «движение» пространства. А водоемы — пруд, ручей, а часто и то, и другое — еще в VIII–XII вв. были необходимым элементом богатого жилища. Японцы — великие мастера вмещать природу в небольшое пространство. Кацура Рикю строился как загородный императорский дворец. Изысканную простоту дворца Кацура создают и натуральные строительные материалы, они играют огромную роль в художественном образе зданий. Криптомерия натурального цвета, плетеная решетчатая ограда из бамбука, белые раздвижные стены, дорожки из камня на фоне мха, водостоки, усыпанные мелкими камушками, — все это создает ощущение благородной простоты. Составной частью дворца Кацура являются чайные павильоны.

 

Хокусай - (яп. 1760 – 1849) японский художник укиё-э, иллюстратор, гравёр. Творил под множеством псевдонимов. Является одним из самых известных на Западе японских гравёров. Художник отказался потворствовать вкусам тогдашней публики, требующей привычных работ в жанре укиё-э, стал вырабатывать свой собственный стиль, почерпнув некоторые приемы японских школ живописи Римпа и Тоса, а также применив европейскую перспективу. Хокусай выпустил гравюры известных водопадов, мостов, птиц и привидений, т. е. те работы, которыми он известен более всего в наше время.

 

Сёдзи - Японское слово «сёдзё» переводится как «дева», «девица» или «девушка». В разговорном языке этим словом называют всё, что так или иначе касается девушек школьного возраста: сёдзё-манга, культура сёдзё, сёдзё-романы, сёдзё-мода и так далее.

Сёдзи –журнал.

 

Фусума - скользящая дверь в виде обклеенной с двух сторон бумагой деревянной рамы, используется для деления большой васицу, японской комнаты, на отделы. Бумага достаточно тонкая и пропускает свет, часто на неё наносят рисунки. Размеры фусума примерно совпадают с размером татами. Поэтому дверь-перегородку называли «фусума сёдзи», что впоследствии преобразовалось просто в «фусума». По другой версии дверь-фусума по форме напоминает лежанку-фусума, что и привело к называнию «фусума».

 

Таконома - альков или ниша в стене традиционного японского жилища, является одной из 4 основных составляющих элементов главного помещения японского аристократического дома.Традиционно токонома представляет собой небольшую неглубокую нишу в стене помещения, в которой располагается либо традиционная японская гравюра, либо свиток с каллиграфически написанным изречением, девизом или стихотворением. Считается, что токонома появились в японских домах под влиянием эстетики дзен в эпоху Муромати. В традиционных японских домах самого почётного гостя сажают спиной к токонома: считается неприличным намеренно демонстрировать убранство токонома.Входить в токонома категорически запрещается.

 

Хибати - переносная жаровня, сделанная из металла, глины или фарфора. Используется для обогрева в легко продуваемых помещениях японского дома.

Каталония - исторический регион и автономное сообщество в Испании. Крупнейшим архитектором Каталонии остаётся Антони Гауди. Среди каталонских художников мировым признанием пользуются Сальвадор Дали, Жоан Миро и Антони Тапиес. Крупнейшими художественными музеями являются Театр-Музей Дали в Фигерасе (Жирона), Фонды Антони Тапиеса и Жоана Миро (оба в Барселоне), также как Национальный музей каталонского искусства и Барселонский музей современного искусства.

Жорж Брак –(1882-1963) Начинал как художник-декоратор. Был близок к фовизму, после открытия для себя живописи Сезанна и встречи с Пикассо, резко изменил художественную манеру, стремясь к лаконизму живописных средств и геометризации предметов. Брак тяжело пережил Вторую мировую войну, в 1945 г. долго болел. В 1949—1956 гг.создал цикл из восьми больших полотен «Мастерские», ставший вершиной его творчества. Исполнил ряд декоративных работ: занимался церковными витражами, оформил потолок в этрусском зале Лувра.

Роберт Делоне - французский художник, один из основоположников (вместе со своей женой — одесситкой Соней Терк-Делоне) нового арт-стиля — «орфизма». Начинал под влиянием постимпрессионистов, прежде всего Сезанна. Остро чувствовал движение, ритм. С 1912 года вместе со своей женой Соней Терк-Делоне пришёл от кубизма к своеобразной манере абстрактной живописи, которую Гийом Аполлинер назвал орфизмом.

Марсель Дюшан – (1887 -1968), французский и американский художник, теоретик искусства, стоявший у истоков дадаизма и сюрреализма. Творческое наследие относительно невелико, однако благодаря оригинальности своих идей Дюшан считается одной из самых влиятельных фигур в искусстве XX века. Его творчество оказало влияние на формирование таких направлений в искусстве второй половины 20 века, как Поп-арт, Минимализм, Концептуальное искусство, и др. Дюшан переходит к радикальному авангардистскому поиску («Обнаженная, спускающаяся по лестнице»,; «Невеста, раздетая своими холостяками, одна в двух лицах»), который сближает его с дадаизмом и сюрреализмом. При этом он демонстративно сторонится роли художника, профессионала, да и собственно живописью в традиционном смысле слова занимается все реже, практикуя шокирующий публику метод «готовых вещей» (ready-made), которые делает художественным объектом лишь воля и подпись автора, контекст выставки или музея. Таким объектом могут стать и пародируемые в качестве образцов «высокого искусства» произведения старых мастеров — например, «Джоконда» Леонардо да Винчи («L.H.O.O.Q.»), Продукция Дюшана этих лет, крайне немногочисленная и всегда носящая провокативно-игровой характер вплоть до изобретения мнимых авторов (самая известная из этих альтер-эго — так называемая Роза Селяви), постоянно сопровождается подробными до абсурда аналитическими заметками автора.Велосипедное колесо

Иоханнес Иттен - (1888-1967), швейцарский художник, теоретик нового искусства и педагог. Получил всемирную известность благодаря сформированному им учебному курсу Баухауза, так называемому форкурсу, который лёг в основу преподавания многих современных начальных художественных учебных заведений. Как и в российском ВХУТЕМАСе, И. Иттен, вместе с другими создателями Баухауса, стремился преодолеть старый узкокорпоративный подход в обучении художников, развить у них мастерство свободного владения формой и цветом как основными, универсальными инструментами изобразительного творчества. Цветовой круг И. Иттена

Ласло Мохой-Надь - венгерский художник, теоретик фото- и киноискусства, журналист, одна из крупнейших фигур мирового авангарда первой половины XX века. Вошел в круг дадаистов, в архитектурных проектах развивал принципы конструктивизма. В 1923—1928 работал в Баухаузе. познакомился с В.Маяковским, создал несколько его фотопортретов. Писал киносценарии, снимал короткометражные фильмы. Мохой-Надь создал в Чикаго Школу дизайна, которой и руководил с 1939 до конца жизни.

 

Марсель Брёйер - (1902-1981), американский архитектор и дизайнер мебели, один из основоположников промышленного проектирования. Творчество Брёйера не было связано с каким-либо одним стилем или течением в искусстве; он свободно использовал широкий диапазон форм, конструктивных идей и материалов, поэтому его работы предлагают огромное разнообразие вариантов даже по современным меркам. стул из металлических трубок "Василий", конструкция которого навеяна формой велосипедного руля (это произведение было посвящено Василию Кандинскому. он разработал новые варианты односемейных домов, которые сыграли заметную роль в дальнейшем развитии жилого строительства США. В 1953 он получил первый крупный заказ на проектирование комплекса ЮНЕСКО в Париже.

 

Хайматштиль - стиле народного искусства??????????????????

 

Альберт Шпеер - государственный деятель Германии, архитектор, рейхсминистр вооружений и военной промышленности (1942—1945). В январе 1934 года после смерти Пауля Людвига Трооста стал личным архитектором Гитлера, автором проектов новой рейхсканцелярии и территории съездов НСДАП в Нюрнберге. Шпеер был назначен генеральным инспектором имперской столицы по строительству, в задачу которого входила перестройка Берлина. В 1938—1939 годах Шпеер разработал генеральный план его реконструкции. По замыслу Гитлера Берлин должен был стать столицей нового мира в монументальном архитектурном стиле.

 

Борис Арватов - искусствовед и литературовед, деятель Пролеткульта

Борис Кушнер - С 1918 - активный участник футуристического движения, ближайший сотрудник журналов «Искусство коммуны» и «Леф». С 1923 выступает как очеркист и принадлежит к числу наиболее выдающихся мастеров этого жанра. Своеобразный поэт машинной техники.

Чандигарх- (Индия)Город Чандигарх был построен в 1951—1956 г. по проекту французского архитектора Ле Корбюзье. Чандигарх был разделён на зоны: административный центр, промышленные районы, жилые комплексы. Самим Корбюзье спроектирован комплекс административных зданий города, Капитолий — Секретариат, Дворец Юстиции, Парламент, а также Дворец Губернатора, который не был построен. Позже был возведено здание художественного музея, в комплексе с художественной галереей, также по проекту Ле Корбюзье.

 

Просперити - 1) период хозяйственного подъема в США, в частности после первой мировой войны; 2) экономический подъем, временное процветание.

Одеон - В новое время это название связано, главным образом, со знаменитым парижским театром «Одеон»

Рокфеллеровский центр — крупный офисный центр, который был построен в манхэттенском Мидтауне на деньги финансовых магнатов Рокфеллеров в 1930-е годы. Наиболее известны 14 высотных зданий с отделкой в стиле ар-деко.

 

 

Норман Бел Геддес (1893 - 1958) — американский театральный и промышленный дизайнер, крупнейший теоретик и практик футуродизайна. Бел Геддес предложил светом моделировать сценическое пространство. Приблизительно в 1927 году открыл в Соединенных Штатах одно из первых в мире частное проектное бюро примышленного дизайна, где разрабатывал реальные и футуристические проекты, основанные на концепции аэродинамики. обнародовал проект трансатлантического лайнера-амфибии (англ. Air Liner Number 4) колоссальных размеров. «Футурама» (англ. Futurama) — наиболее прославившийся футурологический проект павильона компании «Дженерал Моторс» на Всемирной выставке в Нью-Йорке в 1939 году.

 

Уолтер Дорвин Тиг (1883-1960 гг.)-Известный американский дизайнер первого поколения, общепризнанный "Король индустриального дизайна". Один из организаторов Общества промышленных дизайнеров Америки. Его фотокамера "Кодак Брауни" В разные годы сотрудничал с крупнейшими американскими корпорациями - "Форд", "Юнайтед Стейтс стил", "Дюпон", "Вестингауз", проектируя самые разнообразные изделия - от оптических инструментов до упаковки стеклянной посуды. Его кожух фотокамеры "Полароид" (1948 г.) считается одним из лучших изделий американского дизайна.

 

Ро́ялти - авторский гонорар, периодические выплаты, причитающиеся держателю авторских прав

Джордж Нельсон - Нельсон получил огромную популярность как проектировщик мебели, Проектировал осветительную арматуру, часы, мебель, упаковку, занимался выставочным дизайном. Наиболее известны: серия настенных часов 1949 года, диван "Слинг софа", светильники "Китайские фонари", набор посуды "Флоренс".

«Деревянные макароны» -???????????????????????????????????????????????????????

Санаторий в Паймио – АалтоА., В стройном, высоком блоке, с крыльями террас, он упорядочил линеарно помещения при максимальном открытии к солнцу и воздуху. Оборудование приспособлено к длительному времени нахождения пациентов, потолки темно-тонированные, косвенное освещение. Раскинувшийся в ландшафт комплекс с его однозначно разделенными областями и функциями стал во всем мире образцом для многочисленных больниц. «Кресло Паймио». Оно не производилось специально для санатория в Паймио

 

Вилла Майреа -(1937 – 1939),

Специалисты сравнивают виллу "Майреа" с известным домом над водопадом Ф. Райта, который был построен в 1937 году. Та же естественность, живая перекличка с окружающей природой. Алвар Аалто использовал принцип "перетекающего" пространства. Интерьер получился теплым и уютным. А деревянные элементы в наружной отделке помогли очень естественно вписать кирпичный дом в окружающий лесной ландшафт. В 30-е годы Аалто участвует в разработке проектов "минимальных квартир" и начинает широко использовать дерево как в сооружении павильонов выставок, так и жилых домов (самый яркий пример - вилла "Майреа").

 

Мебель фирмы «Артек» - За сравнительно короткое время - примерно три последних десятилетия - сложился феномен "финского мебельного дизайна". Движущей силой в нем стали произведения таких талантливых художников, как Ээро Сааринен и Альвар Аалто. Последний из них утверждает: искусство - это непрерывный процесс облагораживания дерева, меди, стекла и других материалов для раскрытия их свойств, но не ради самодавлеющей формы, а для удовлетворения человеческих потребностей. Однако сам Аалто вошел в историю именно как новатор в работе с деревом. Его кресло "Paimio" стало поистине легендарным и заняло первые ряды классических моделей ХХ века: оно необычайно комфортно, слегка пружинит, а изогнутые спинка и сиденье крепятся к каркасу из гнутовыклейной светлой древесины. Ведущие финские фирмы "Asko", "Isku" и "Artek" до сих пор выпускают мебель из гнутовыклейной многослойной фанеры, внедренной Аалто.

Ваза «Савой» Алвара Аалто - мировой известности произведение из стекла, своей формой удивительно точно рифмуется с личностью своего создателя: «аалто» по-фински «волна». Аалто, главнейший северный дизайнер и архитектор, как никто другой смог в камне и дереве воспроизвести все, чем живет и гордится страна. Основанная им в 30-х компания «Артек» до сих пор радеет за чистоту и разумность линий, а в ее хельсинкском магазине всегда нарасхват трехногие табуретки Аалто. Вазу-волну же тиражирует еще одно важное финское предприятие — заслуженные стеклодувы Iittala, на полках она соседствует со стаканами, спроектированными женой дизайнера Айно, и декоративными фарфоровыми уточками.

Марчелло Ниццоли - С 1931 г. сотрудничаете " Оливетти" в качестве свободного дизайнера-графика, с 1938 года - в штате отдела рекламы Оливетти, а затем как руководитель отдела дизайна продукции. В 1948 г. разрабатывает пишущую машинку "Lexikon 80", которая считается манифестом т.н." органического стиля" в дизайне, шедевром скульптурного итальянского дизайна, введшим понятие "линия Ниццоли" в профессиональный обиход. "Лексикон 80", а также, вышедшая на два года позже, портативная пишущая машинка Ниццоли "Lettera 22" обеспечили первый ошеломляющий успех итальянского дизайна на международной арене. "Lettera 22" на X Миланской триеннале "Compaso d’Oro" получает национальный приз в области дизайна "Золотой циркуль" (1954 г.).

 

Этторе Соттсасс - Наиболее известный как основатель Мемфисского коллектива в 1981 году, он также проектировал культовые электронные изделия для Olivetti, наряду с красивым стеклом и керамикой. Вместе с инженером Марио Чу они создали ряд значительных продуктов, которые были технически инновационными и эстетически привлекательными благодаря любви Соттсасса к поп-арту и культуре битников. Они выиграли престижный конкурс Compasso d’Oro в 1959 году с Elea 9003, первым итальянским калькулятором, и усовершенствовали дизайн пишущей машинки в первой электрической модели Olivetti, Tekne. Работа с компанией достигла высшей точки в ярко-красной пластиковой пишущей машинке Valentine), которую он описал как «шариковую ручку среди пишущих машинок». «Memphis» воплотил темы, с которыми Соттсасс экспериментировал начиная с середины 1960-х, когда создавал «superbox»: яркие цвета, провинциальный кич и дешёвые материалы.

 

Марио Беллини (Mario Bellin) (1935) - Известный итальянский дизайнер. Марио Беллини приобрел общемировую известность как архитектор, дизайнер мебели и промышленных объектов. С 1963 года руководит отделом дизайна фирмы Оливетти. С неименьшим энтузиазмом занимался дизайном мебели и светильников. Беллини не ограничивается проектированием технически сложных изделий. Он сотрудничает с "Кассиной", "Артемиде", "Буснелли", создавая мебель и светильники. Многие из этих проектов стали классикой дизайна: серия мебели "Cab" для Кассины, стол "Коллонато", гамма мягкой мебели "Le Bambole" для B&B, кресло "932/2" - редизайн "Гран Комфорт" Ле Корбюзье. Одной из вершин карьеры Беллини можно считать его сотрудничество со знаменитым мебельным концерном Vitra. И хотя офисное оборудование уже давно было "коньком" дизайнера, именно тогда мастер столкнулся с новой для себя темой - "стул для офиса". Беллини в соавторстве с Дитером Тилем создает три модели: "Persona", "Figure" и "Imago".Разработанная Беллини в 1988 году, серия "Metropol". Эта серия основана на четком функциональном разделении пространства офиса: рабочее место больше не статично и может изменяться согласно индивидуальным запросам. Возможности комбинаторики всех элементов просто безграничны: кроме обычной одноуровневой стыковки используются соединения на разных уровнях. Техническое оборудование и документы могут располагаться над главным столом на дополнительных рабочих поверхностях или под ним в специальных подвижных контейнерах-тумбах, оставляя таким образом рабочее пространство свободным.

Ульмское училище - Ульмская школа была новой передовой школой для дизайнеров, которая заменила Баухауз после второй мировой войны.Основана в 1951 году.

Её первым директором стал Макс Билл, получивший дизайнерское образование в Баухаузе. Он придерживался концепции чистого, функционального дизайна на протяжении тех пяти лет, пока был директором в Ульме. В течение второй половины 50-х годов эта концепция получила теоретическое обоснование. К этому времени директором Ульмской школы стал аргентинец Томас Мальдонадо. Более четверти своего времени в Ульме студенты тратили на изучение эргономики, социологии, экономики и психологии, чтобы затем в профессиональной деятельности уметь применять системный подход к процессу проектирования. Ульмские профессора сетовали на то, что богатство западных стран увеличилось настолько, что дизайн стал удовлетворять не только действительные потребности, но и капризы заказчика. Эта критика капиталистической системы, которой занимались Мальдонадо и его коллеги, бывшие ульмские студенты, Гуи Бонсип и Клод Шнейдт, а также упорные дебаты привели к закрытию школы в 1968 году.

 

Томас Мальдонадо - Наиболее полно взгляды Мальдонадо на возможности и методы дизайна были выражены в период, когда он был ректором Ульмской школы. Так называемая ульмская концепция ориентировалась на теорию антикоммерческого дизайна. То есть дизайнеры должны использовать научно обоснованные методы проектирования, при этом их произведения должны иметь гуманистическую направленность. Мальдонадо ввел и развил принцип системного подхода в дизайне, исследовав связь дизайна и науки. Он разработал теорию уровней сложности проектируемых изделий - от чашки до вертолетов и ЭВМ.

 

Стиль Браун - Пример достижения большого успеха с помощью дизайнеров - это фирма "Браун". Сразу же после окончания второй мировой войны фирма выпускала добротные, но внешне непритязательные предметы - кухонное оборудование, радиоаппаратуру, фотографические принадлежности. К середине пятидесятых годов, когда невзгоды войны стали забываться, и на сцену вышел потребитель с совсем иными, чем прежде, понятиями о красоте, ведущий дизайнер фирмы Фриц Айхлер проанализировал продукцию фирмы и нашел, что ее внешний вид не отвечает ее сущности. "Стиль Брауна"- это отсутствие всяких декоративных накладок, профилей, цветовых пятен, имитации материалов, это скромная колористическая гамма, построенная на тонких оттенках серого цвета, сочетания черного и белого. Это создание цельного образа самыми простыми и минимальными средствами. Это -"экономный" стиль.

Первоначальный успех "Брауна" отчасти объяснялся еще и тем, что в конце пятидесятых годов наступило пресыщение "обтекаемым" стилем оформления вещей, массовому потребителю хотелось чего-то нового. И тут геометрическая простота и лаконичность изделий "Брауна" пришлась как нельзя кстати. Новизна формы обеспечила им на определенное время превосходную конкурентоспособность.

 

Дитер Рамс - дизайнер, один из главных дизайнеров компании Braun. Многие инновации Рамса вошли в обиход мирового дизайна: он придумал прозрачную крышку на проигрывателе, он первым сделал кнопки управления на радиоаппаратуре выпуклыми, а не вогнутыми, как было принято прежде, он расположил ручку фена под углом, чтобы удобнее было сушить волосы сзади, он предложил самую распространенную ныне конструкцию кофеварки (цилиндр с фильтром и емкость для воды вставлены друг в друга) и сделал ее компактной. „Браунстиль" есть следствие „браунфилософии", которую представляет и отстаивает Дитер Рамс. Он стремится экономно обращаться с формой и цветом, отдает предпочтение простой форме, избегает ненужной сложности. Дизайн строится на упорядочении формы, ясности конструктивного решения, на простоте обращения с вещью, стремлении достичь ее максимальной полезности. Рамс никогда не употребляет понятия „функционализм", но постоянно говорит о функциях вещи, подчеркивая, что трактует их в широком смысле, учитывая также и психологические, и эстетические, и экологические функции.

 

Дитер Рамс - В мебельном дизайне Рамс реализует принципы модульности, сборности-разборности, вариабельности, полифункциональности. Он делает мебель без оглядки на моду, вневременную, выбирает простые, нейтральные, почти анонимные формы, отрабатывает с филигранной точностью каждый угол, кант, крепежный болт.

Хороший дизайн — инновативный; хороший дизайн делает изделие полезным; хороший дизайн — эстетичный; хороший дизайн — незаметный; хороший дизайн делает изделие легко понятным (Рамс всегда большое внимание уделяет узнаваемости, „разговорчивости", коммуникативности изделия); хороший дизайн — честный; хороший дизайн — долговечный; хороший дизайн последователен, вплоть до малейших деталей; хороший дизайн экологичен (Рамс при этом имеет в виду не только природоохранительную позицию, но и защиту от загрязнения визуальной среды); хороший дизайн — это, по мере возможности, минимум дизайна.

 

Скутер «Веспа» - Vespa — старейшая марка концерна Piaggio. История скутеров Vespa началась в 1946 году в итальянском индустриальном городе Понтедера. По просьбе сына основателя завода Piaggio & Co Энрико Пьяджо изобретатель Коррадино Д’Асканио, известный своими вертолетными опытами, занялся проектом дешевого наземного средства передвижения. Отличительными чертами нового скутера стали компактные формы, а ниже руля появились металлические листы, защищающие ноги водителя от луж и дорожной грязи. Увидев эту «малютку» с пронзительно жужжащим моторчиком в действии, Энрико Пьяджо воскликнул: «Это напоминает мне осу!» Так появилось имя для нового аппарата (по-итальянски «оса» будет «vespa»).

 

Джо Коломбо - один из наиболее ярких представителей футурологического дизайна жилой среды 60-х годов. Коломбо — автор множества проектных разработок: мебели и комплексов жилого оборудования, светильников, фототехники и т. п., в ряду которых как вполне реалистичные и прагматичные объекты массового производства, так и концептуально-футурологические прототипы-инсталляции, выполненные для выставок и крупных международных конкурсов. C 1959 по 1962 гг. работает в своей семейной электрической фирме, в это же время начинает свои первые опыты в области промышленного дизайна и эксперименты с новыми материалами, в том числе с формованной пластмассой. В 1962 году создает собственный офис в Милане и целиком переключается на дизайн, занимается проектированием изделий используя передовые технологии и новые материалы, главным образом пластмассы. Людям будущего, по мнению Коломбо, потребуется новый тип среды обитания: «пространства, которые могут трансформироваться, пространства подходящие для медитации и экспериментов, для интимности и для общения». Также как и в живописи и скульптуре, в дизайне Коломбо предпочитал смелые изогнутые формы и избегал острых углов и прямых линий. Среди наиболее известных разработок Коломбо: серия светильников для компании O-Luce (например лампа Acrylica (1962), выполненная из Perspex), а также кресла, стулья и табуреты из пластмассы, рассчитанные на крупносерийное производство на потоке методами штамповки, отливки и т. п., в том числе один из первых в Италии стульев, изготовленных целиком из пластмассы, то есть в мономатериале.. Его стаканы для курящих 1964 года позволяли держать стакан и одновременно курить (стакан зажимался у основания большим пальцем руки). В конце 60-х годов широкую популярность Коломбо принесли его концептуально-футурологические проекты полностью оборудованных жилых ячеек, многофункциональных трансформирующихся микропространств — агрегатов для жилья, напоминающих принципы «материальной установки» конструктивизма и также предполагающих индустриальное поточное производство.

Вернер Пантон - Вернер Пантон никогда не был дизайнером законченной формы, поэтому все его разработки остаются актуальными по сей день, а некоторые все ещё рассматриваются как экспериментальные модели. Визитной карточкой Пантона можно по праву назвать инсталляцию «Фантастический ландшафт» в придуманной им волнистой комнате Visiona II в 1970 году (в Кёльне, Германия). Этот сюрреалистический интерьер, где стены, пол, потолок и мебель представляют собой единый организм, стал настоящей эмблемой 60-х. Пантон утверждал, что цвет важнее формы, и своей целью ставил научить людей, окружающих себя традиционными серо-бежевыми цветами, использовать воображение в оформлении интерьеров. Работая с ярким, чистым цветом, чаще всего противоположным тому, который был бы естественен для того или иного объекта, он предложил новый, революционный подход к оформлению помещений. В числе таких вещей — знаменитый Panton Chair (1960), стул из единого куска формованного пластика.

именно Пантон принимает непосредственное участие в работе над проектом стула «Ant» («Муравей»)

 

 

Андре Курреж - Культ молодости, возникший в Лондоне, перемещается на французские подиумы, благодаря Андре Курежу, знаменитому модельеру, предложившему космический стиль. Вдохновленный освоением космического пространства и первым полетом в космос в 1961 году советского космонавта Юрия Гагарина, Куреж в 1964 году представляет свою новую коллекцию, для которой использует чудо промышленной химии 60-х - винил и синтетические ткани. Он так и называет ее «Космическая эра». Для показа Куреж подбирает особенных манекенщиц – юных, со спортивными фигурами, узкими бедрами, окрестив их «лунными девушками». Головные уборы, похожие на шлемы, серебристые синтетические материалы и белые полусапожки из винила на низком каблуке делали манекенщиц похожими на астронавток или инопланетянок. Это была первая коллекция «от кутюр», адресованная молодым. В качестве прет-а-порте Куреж предлагает женщинам носить брючные костюмы, мини-платье трапециевидного силуэта без акцентирования талии, двубортный жакет. Любимые сочетания белого, черного и серебристого Куреж соединяет с оранжевым и зеленым, желтым и розовым. А вот при составлении ансамблей кутюрье придерживается традиционных представлений, подбирая к каждому платью, костюму или пальто головной убор, обувь, перчатки и очки.

Пьер Карден — конструктивные костюмы с мини-юбками, свитеры, брюки, кожаные куртки с молниями, комбинезоны. Визитная карточка Кардена - геометрические линии кроя и геометрический декор. В 1967 году он демонстрирует платья, с выпуклым узором, дополненные длинными перчатками и сапогами выше колен из лакированной кожи. Сочетание супер-мини и высоких сапог вошло в моду благодаря Кардену.

 

Арне Якобсен - датский архитектор и дизайнер, основоположник стиля «датский функционализм». Помимо архитектурных сооружений он создал целый ряд весьма оригинальных стульев и другой мебели. Он получил несколько международных дипломов и медалей. Стул-яйцо, Стул-муравей

ТИМО САРПАНЕВА - всегда был сторонником всего нового в искусстве. В течение всей своей карьеры он был и остается первооткрывателем- авангардистом За последние 10-15 лет Сарпанева занимался в основном скульптурой. Из всех возможных материалов, с которыми он работал в течение последних 50 лет, Сарпанева отдает предпочтение стеклу.

Юрий Сомов - В качестве архитектора участвовал в проектировании высотного здания МГУ. Он автор его Актового зала и парадных интерьеров. За рубежом были осуществлены его проекты выставочных павильонов СССР. Выиграл ряд архитектурных конкурсов.

 

Сенежская студия, руководители проекта Евгений Розенблюм, Андрей Боков, Андрей Скокан. Макеты, выполненные в Сенежской студии, представляли художественный результат дизайнерского творчества, имеющий самостоятельное значение, независимо оттого, будет ли реализован позже проект или нет. Самоценное, по существу, станковое изделие, (ибо никуда, кроме как на выставку оно не годилось) было эфемерно и уже через год-другой начинало разрушаться физически.

 

Брюс Гофф - Стремясь определить место Гоффа в истории американской архитектуры, критики пытаются, прежде всего, представить его, вслед за Ф.Л. Райтом, сторонником органической архитектуры. Он считал, что архитектура выигрывает от использования материалов неожиданным образом, даже если это использование представляется противоречащим их основным характеристикам: «Материалы должны переступать пределы своей физической природы, так же как в человеке мы ожидаем увидеть больше того «материала», из которого он сделан». Дом семьи Бавинджер в Нормане, штат Оклахома (1951–1955), получивший название дома улитки, вызвал сенсацию.

 

Виктор Вазарели - французский художник, график и скульптор венгерского происхождения, ведущий представитель направления «оп-арт». 1947 художественный период «Бель-Иль», мастер работает с круглыми и эллипсоидными формами, 1955 пишет «Жёлтый манифест» (фактически, программа «оп-арата»); кинетический период творчества, архитектонические работы.

Бриджит Райли - 1931, Лондон. Английская художница. Представитель оп-арта. В нач. 1960-х сложилась живописная система Райли: занимающие всю поверхность картины серийные элементы, варьируясь в размере, очертаниях, положениях, вызывают иллюзорные эффекты движения, мерцания, вспышек, волнообразного колыхания плоскости. Воздействие формальных комбинаций на сетчатку глаза предварительно изучалось художницей на специальных экспериментальных таблицах. Свои композиции, основанные на закономерностях работы зрительного аппарата, она рассматривает как некие объективные, природоподобные явления. Ранние работы Райли были черно-белыми. С 1965 в ее живописи появляется цвет. Построения из прямых линий и сверкающих красок порождают те же эффекты оптических вибраций.

СУПЕРГРАФИКА — прием декорировки наружных стен здания, выработанный архитекторами постмодернизма: лаконичные, броские мотивы, обычно ярких чистых цветов, нарисованные на фасаде многоэтажного здания во всю его высоту.

 

 

Брутализм - одно из направлений современной архитектуры. Возникло в середине 1950-х гг. в Великобритании (архитекторы супруги Алисон и Питер Смитсон). Бруталисты стремятся создать архитектуру, эстетические свойства которой определяют грубые, подчёркнуто тяжёлые формы, обнажённые конструкции и системы инженерного оборудования зданий. «béton brut» — «необработанный бетон». Архитекторы-бруталисты всячески подчёркивали грубую фактуру бетона, которую не считали нужным скрывать ни штукатуркой, ни облицовкой, ни покраской. Предпочитали нарочито тяжёлые, монотонные, прямолинейные формы («дома-коробки»). Лёгкости и гладкости «интернационального стиля» были противопоставлены тяжеловесность конструкций и шершавость монохромных поверхностей. Брутализм получил наибольшее распространение в Великобритании (особенно в 1960-е гг.) и в СССР (особенно в 1980-е гг.)

Национальный королевский театр в Лондоне.

Группа «Архигрем» - английская архитектурная группа, оформившаяся в 1960-х годах вокруг журнала «Аркигрэм» и оказавшая большое влияние на развитие постмодернистской архитектуры. Наиболее значимыми членами группы «Аркигрэм» были Питер Кук, Уорен Чок, Рон Херрон, Дэнис Кромптон, Майкл Уэбб и Дэвид Грин. Своими корнями их идеология восходит к необрутализму. Аркигрэмовцы утверждали, что главные свойства современной архитектуры — текучесть, динамизм, ничем не сдерживаемая изменчивость. Группа «Аркигрэм» создала серию проектов «вне архитектуры», в каждом из которых исходная техническая идея, как правило, связанная с реальными техническими экспериментами, доведена до гротеска.

«Подчеркнута тонкая графика псевдоинженерных чертежей, с пространными надписями, иногда использующая как образцы комиксы, усиливает впечатление сюрреального кошмара./…/ Типичный атрибут американского пригородного ландшафта — кинотеатр „драйв-ин“, /…/ дал сюжет для изображенного „очень всерьез“ „драйв-ин-хоум“ — дома, в который не входят, а въезжают, и который сам может съезжаться в некое целое и разъезжаться на части. Скафандр космонавта превращен в „дом-одежду“, упаковку человеческого тела, которая может быть пальто, домом и даже автомобилем, если ввести в нее мотор. /…/ „Аркигрэм“ пророчествует о превращении города в россыпь мобильных капсул среди природной идиллии».[1] Проекты «Аркигрэм» были одновременно и утопичны (в том смысле, что они не были созданы для реального воплощения) и антиутопичны одновременно, так как антигуманны по сути. В целом деятельность «Аркигрэм» имела значительные последствия для архитектуры и становления теории постмодернизма.

Проекты:

Плаг-ин-сити (Plug-in-City), Питер Кук, 1964;

Шагающий город (The Walking City), Рон Херрон, 1964;

Инстант Сити (Instant City)

Единственным реализованным воплощением идей группы можно считать здание Кунстхауса в Граце, Австрия (2003, архитекторы — Питер Кук, Колин Фурнье)

 

Центр Жоржа Помпиду - полное название Национальный центр искусства и культуры имени Жоржа Помпиду. Центр включает в себя парижский Музей современного искусства, большую библиотеку, концертные и выставочные залы, Институт исследования и координации акустики и музыки. Обширную площадь перед Центром Помпиду облюбовали художники, бродячие артисты, музыканты и циркачи. Справа от Центра Помпиду небольшую площадь Стравинского украшает одноимённый экстравагантный фонтан. Построено по новаторскому проекту Ренцо Пьяно и Ричарда Роджерса, выбранному из 680 конкурсных работ. Оригинальная идея архитекторов была в расположении всех технических конструкций (арматурные соединения, все трубопроводы, лифты и эскалаторы) снаружи здания, что позволило высвободить максимум полезной площади в 40 тыс. м². Арматурные соединения выкрашены белым цветом, вентиляционные трубы — синим, водопроводные — зелёным, электроподводка — жёлтым, а эскалаторы и лифты — красным.

 

 

Марио Ботта - (1943) — Архитектурный стиль Постмодернизм, швейцарский архитектор. Расцвет творчества Ботты приходится на рубеж 20 и 21 веков. В это время он создаёт многие культовые и культурные сооружения, свободно смешивая традиции античной и средневековой архитектуры с находками современности, не забывая и о теоретических построениях. Среди созданных по проектам Ботты зданий — музеи в Сан-Франциско, Базеле и Роверето, синагога в Тель-Авиве, библиотека в Дортмунде и Бергамо (2004), церкви и часовни в Монте-Тамаро (1990-96) и Моньо (1986-98)., Музей в Сан-Франциско, Собор в Эври.

Норман Фостер - британский архитектор, Архитектурный стиль модернизм, Сам Фостер в интервью называет Шухова своим героем и широко использует в своём творчестве шуховские сетчатые оболочки. Первое сооружение Фостера в СНГ — Дворец Мира и Согласия в Астане.

В Москве Фостер и его архитектурное бюро работают над проектами 612-метровой Башни «Россия», планируемой в составе ММДЦ «Москва-Сити» и проекта реконструкции здания Дворянского собрания и его объединения с главным зданием Пушкинского музея.

 

Луиджи Колани — немецкий дизайнер-концептуалист, родоначальник направления в промышленном дизайне называемого био-дизайном.: BMW 700, Porsche 959, Создавал концепт-кары для Porsche, Mazda, Mercedes-Benz, Ferrari, Ford.

 

Чарльз Дженск - американский архитектор, стоявший у истоков и разрабатывавший теорию постмодернизма в современной архитектуре;, ландшафтный дизайнер. Ландшафтный дизайн Шотландской национальной выставки современного искусства, автор Чарльз Дженкс.

Алессандро Мендини - начиная с70-х, внес важный вклад в дискурс постмодернизма.

Становится рупором итальянского проектного авангарда. Серия Мендини "Бесконечная мебель", Среди наиболее известных его проектов такого рода - кресло «Прустэ» (ателье «Алхимия», 1980), мебель-растение «Kaktus», кресло и кушетка «Sabrina», кофейный сервиз, кресло «Сан Леонардо», «Метафизическая мебель», серия малой мебели - зеркала, вешалки, полочки, столики, табуреты и пр. («Балери» и Elam, 19), серия столов «Макаоне», гамма декоративных паттернов — обивочных тканей, декоративных покрытий пола, отделочной плитки и пр.

Студия “Алхимия” - Милан 1976 год основания данной студии. Создана Алессандро Гуерриеро, его задумке это должна была быть галлерея для демонстрации эксперементального. В общем виде на протяжении всей истории существования будет прослеживаться линия радикального дизайна. В начале восьмидесятых студию стал возглавлять Алессандро Мендини. В 1981 году создал серию Mobile Infnito. Главная идея коллекции состояла в том чтобы пользователь мог сам изменять положение декоративных элементов. Таким образом клиент мог сам фантазировать, подходить творчески к использованию объекта. Он так же создал дизай нескольких классических направлений чем поставил под сомнение хороший вкус.Студия Алхимия стала началом второй волны итальянского Радикального дизайна, которая завершилась в итоге появлением идеи Антидизайна.

 

 

Студия Мемфис - была основана в Милане в 1981 году Этторе Соттсассом, Сначала группа существовала как отделение студии "Алхимия" - галереи экспериментальных работ, не предназначенных для промышленного производства. Стиль "Мемфис" стал настоящей анархией в дизайне. В нем сложно выделить "формообразующие черты", так как он ориентирован исключительно на выражение самобытности дизайнера. Но общее, объединяющее - это острота жеста, смелая игра материалами, фактурами и формами, виртуозное смешение стилей. При всем при этом стиль "Мемфиса" был привлекательным, остроумным и забавным. Он как будто кричал: "Не относитесь к дизайну слишком серьезно!" Все было кричаще пестро, наиграно и шутливо. Одним из любимых материалов дизайнеров стал ламинат, который они ценили за "недостаток благородства". Из баров и кафе-мороженных 50-60-х годов они перенесли его в жилые дома. Стекло, сталь, оцинковка, алюминий, как и ламинат стали применяться в новых смысловых комбинациях. Использовались коллажи, построенные по принципу хаоса. Многие из объектов выглядели как детские игрушки. Дизайн "Мемфиса" - это мир яркого, чистого цвета. Сопоставление цветов острое, на грани китча, но в этом и выражается виртуозность - балансировать на грани. Парадоксальная смесь форм, текстур и фактур, материалов. Неожиданные акценты. Смешение тем и косвенное цитирование стилей прошлого, используемое дизайнерами "Мемфиса", способствовали созданию стилистики пост-модернистского дизайна.

 

Студия «Фрогдизайн» - Frogdesign, основанный Хармутом Эсслингером в 19 году, сегодня одна из самых знаменитых немецких консалтинговых фирм в области дизайна. В настоящее время Фрогдизайн имеет свои офисы в Германии и Японии, работает с такими клиентами как AEG, Erco, Apple Computers, Sony. Основная область профессиональных интересов - электроника и мебель. В числе их недавних проектов - Apple 11GS (персональный компьютер для работы с графикой и звуком), компьютер NeXT и прототип 35-миллиметровой SLR камеры для Olympus. Их проекты, как правило, тщательно продуманы с точки зрения коммерческого успеха. И это более яркий, выразительный немецкий дизайн, чем холодный стиль Дитера Рамса. Фрогдизайн также много вкладывает в собственные дизайнерские эксперименты. Среди таких разработок - предметы, предназначенные для помощи пожилым людям. Например, телевизор с вращающимся экраном, который можно смотреть из любого положения.

Френк Гэрри - Архитектор Фрэнк Герри занимается тем, что выпускает авторскую мебель… из картона. Используя бумагу из вторсырья, он практически не затрачивает денег на на материалы. Знаменитые "пьяные" дома Фрэнка Герри, большая достопримечательность Дюссельдорфа и гордость мировой архитектуры.