Начало нового – III тысячелетия, 21 век

Сontemporary art (англ.)– Актуальное искусство – термин, возникший в 90-х годах 20 века для обозначения современного искусства (условно с 60-х гг 20 века по сегодняшний день). Тонкий намек, что все, что было до этого – уже не актуально.

В актуальном искусстветоже существует свой арт-рынок, который управляется несколькими влиятельными мировыми арт-дилерами, среди которых безгранично властвует Чарльз Саатчи (Великобритания, Лондон).

 Появились Artist-run space — самоорганизованные выставочные пространства, руководимые самими художниками или независимыми кураторами.

И еще официальному арт-рынку актуальногоискусства противопоставил себя новый бунтарский стиль искусства – стрит-арт, вне галерей на улицах городов, называющий вещи своими именами, возникший не легально. Бэнкси, стрит-арт:

Ансельм Кифер (г.рожд. 1945) – современный немецкий художник, скульптор, инсталлятор. Лауреат премии Вольфа (1990), со своим особенным художественным видением, идущим не «от головы», а из сердца, в котором образно говоря «пепел». Человек, родившийся под последними бомбежками Второй мировой войны. Масштабный живописец. Крупнейший из художников послевоенной Германии. Главная болевая точка творчества Кифера — Холокост как воплощение германской катастрофы. Работа с живописными фактурами (тут не передашь). Реальность в ощущениях. «Нюрнберг» - поле мокрой травы (1), «Дух над водою» (2)

«Искусство - это сложно, это не развлечение» (А.Кифер)

1 2

В 1990-2000-х годах создал серии работ, вдохновленных творчеством румынского поэта Пауля Целана, австрийской писательницы Ингеборги Бахман, русского поэта Велемира Хлебникова. Также Кифер известен как театральный художник и книжный иллюстратор.Одна из ключевых для Велимира Хлебникова, идея о бесконечной цикличности судьбоносных военных столкновений, происходящих на воде и суше раз в 317 лет, стала для Кифера основой для размышления на темы войны и мира.

В 90-х годах в своих работах Ансельм Кифер начал анализировать универсальные мифы, повествующие об общих вопросах существования и смысла жизни, постепенно уходя от темы национальной идентичности немцев. В 1991 году в жизни художника происходит резкий поворот: он отказывается от своей студии в Хорнбахе, уходит из семьи (на тот момент у Кифера была жена и дети), уезжает из Германии и в следующие годы совершает несколько поездок в Японию, Мексику и Индию. В 1992 году Кифер начинает обустраивать свою новую студию, теперь в коммуне Баржак, Франция. Как и в Хорнбахе для студии он выбирает заброшенное индустриальное здание (в Баржаке это брошенная фабрика по производству шелка). В художественном смысле в этот период (особенно в 1995-2001 гг.) основной темой художника можно считать космос. Кроме того, в этот период Кифер создаёт большинство из своих скульптур. В 1999 году художник стал лауреатом Императорской премии Японии за прижизненные достижения.

В 2002 году в Милане Ансельм Кифер создает серию скульптурных работ "Башни" для складов Pirelli. Кроме того, он создает ряд арт-объектов на грани живописи, скульптуры и инсталляции, которые можно интерпретировать как своеобразный ответ мастерам XX века, диалог между современностью и столь неоднозначным прошлым. Особое место здесь занимают его работы, посвященные поэтам Полу Целану и Велимиру Хлебникову. В 2006 году выставка Кифера "Велимир Хлебников" впервые прошла в небольшой галереи недалеко от студии художника в Баржаке. Затем выставка переехала в White Cube в Лондоне, а позднее - в Музей современного искусства в Алдриче, штат Коннектикут. Данную "выставку картин" (такого формальное обозначение работы) принято интерпретировать как одну большую инсталляцию, состоящую из 30 больших (2 х 3 метра) картин, висящих на двух стенах в специальном помещении из гофрированной стали (помещение во многом продолжает эстетику студии, в которой вся работа была создана). В идейном плане инсталляция является отсылкой к эксцентричным теориям русского поэта-футуриста Велимира Хлебникова, который разработал "язык будущего" под названием "Заумь", и который постулировал, что разрушительные морские сражения влияют на ход истории раз в 317 лет. В картинах Кифера игрушечные линкоры как будто только что покинули поле боя. Их корпуса часто деформированы, а основным цветом является цвет ржавчины, который местами смешивается с черным, белым, серым. Поверхность картин шероховатая, поверх краски местами нанесена штукатурка, грязь и глина. Местами (что характерно для всего творчества Кифера) на картинах и участках стен между ними нанесены надписи на немецком языке.

В 2007 году художественный триптих Кифера (картина "Атанора" (2) и две скульптурные работы - "Даная"(3) и "Hortus Conclusus" (1))

вошел в постоянную экспозицию Лувра и т.о. он стал первым живым художником удостоенным подобной чести со времен Жоржа Брака в 1953 году.

В 2008 году Ансельм Кифер переехал в Париж. Т.о. он был вынужден покинуть свою студию в Баржаке и перебраться ближе к новому месту жительства. Для своей новой студии он выбрал здание бывшего универмага La Samaritaine на трассе Периферик в пригороде Парижа. Для переезда Киферу понадобилось 110 грузовиков. Это мероприятие широко освещалось в французских СМИ.

В декабре 2011 года Ансельм Кифер (не отказываясь от своей студии под Парижем) приобрел часть выведенной из эксплуатации АЭС Мюльхайм-Керлих на западе Германии, вблизи Кобленца. Художник заявил, что собирается превратить данные помещения частично в арт-объект, частично в студию. Для заключения подобной сделки Кифер писал письма непосредственно главе электроэнергетической компании RWE Юргену Гроссману.

В 2008 году Ансельм Кифер стал первым художником, который был удостоен Премии Мира немецких книготорговцев (нем. Der Friedenspreis des Deutschen Buchhandels).

С 30 мая по 3 сентября 2017 года в Санкт-Петербурге, в Николаевском зале Зимнего дворца состоялась выставка «Ансельм Кифер – Велимиру Хлебникову», организованная Государственным Эрмитажем совместно с галереей Тадеуса Ропака (Galerie Thaddaeus Ropac, London/ Paris/ Salzburg). Выставка была посвящена великому русскому поэту Велимиру Хлебникову.

Дамиен Хёрст (г.рожд. 1965) – один из самых масштабных британских художников, великий мистификатор и самый богатый из ныне живущих художников в мире. Последовательно воплощает в скульптуре игровое сознание постмодернизма. Наиболее яркий представитель группы Britart, доминирующей в искусстве Англии последние четверть века (сейчас ему за 50 лет). Работа Хёрста «Физическая невозможность смерти в сознании живущего» (1991), представляет тигровую акулу в аквариуме с формальдегидом, - это символ этого объединения.

В 2017 году представил на Венецианской выставке (биеннале) современного искусства грандиозный проект «Сокровища с места крушения «Невероятного» - многослойный лабиринт из скульптур, псевдоисторических объектов, фотографий и видеосъёмок «обнаружения» и «спасения» бесценного груза. Эстетика постмодернизма.

По легенде, корабль пошёл ко дну у берегов Восточной Африки. На его борту находилась обширная коллекция произведений искусства, принадлежащая освобождённому рабу по имени Сиф Амотан II. Собрание включало артефакты всех известных на тот момент цивилизаций и направлялось на музейный остров, где должно было быть выставлено напоказ. Судно затонуло, и все его ценности безмятежно покоились в морских глубинах до 2008 года. Теперь эти сокровища предстали перед нами.

Игра со зрителем, цитаты и отсылки ко всему мировому искусству, как и в архитектуре – ироническое переосмысление наследия истории искусства, двойное кодирование - ориентация одновременно на широкий круг зрителей – и простых людей и знатоков.

Ян Фабр (г.рожд. 1958) - один из крупнейших мастеров современного европейского искусства, бельгийский художник, график, скульптур, инсталлятор. В 2017 году в Эрмитаже состоялась его выставка «Ян Фабр: Рыцарь отчаяния — воин красоты». Фабр в Эрмитаже был показан в диалоге с фламандскими мастерами XVII века. До этого на выставке Яна Фабра в Лувре инсталляции художника соседствовали с шедеврами фламандской и голландской школ живописи.Фабр рассказал о том, что его работы в залах искусства Фландрии призваны заставить зрителей «остановиться, уделить время искусству». «Современные посетители проходят мимо Рубенса, как мимо витрин большого магазина, они не смотрят на детали», — говорит художник.

«Для меня быть рыцарем — это самое романтичное из всего того, что я могу себе представить. В творчестве есть надежда. Это всегда вера в надежду, что художник создает лучший мир. Когда я не смогу улучшать мир вокруг себя или кого-нибудь, я перестану быть художником. Отчаяние для меня — это черная дыра, в которой я могу обнаружить самый красивый оттенок розового. Отчаяние позволяет моим нервам быть более обостренными во всем…» — из интервью Яна Фабра.

Внук известного энтомолога Жана-Анри Фабра, автора знаменитой книги «Жизнь насекомых», Ян Фабр широко использует эстетику животного мира. Он в качестве художественного материала пользуется панцирями жуков, скелетами, рогами, чучелами и изображениями животных в различных материалах. Этим не исчерпывается список необычных средств выражения художественных идей, среди них — собственная кровь художника, пепел от долларовых купюр и синие чернила шариковой ручки BIC.

В 2002 году по заказу королевы Бельгии Паолы Ян Фабр создал работу «Небо восхищения». Он покрыл плафоны роскошного потолка в Зеркальной комнате королевского дворца, а также одну из люстр, надкрыльями более чем миллиона златок.В Конго, Малайзии и других странах златок едят, как в Европе едят устриц. «Это важный продукт питания, в нем много белка. Я заранее договорился с ресторанами, и они собирали для меня надкрылья жуков. К тому же я сотрудничал с крупным энтомологическим институтом," - отмечает Фабр.

Генеральный директор Государственного Эрмитажа Михаил Пиотровский пишет, в частности, следующее: «Его инсталляции с чучелами кошек и собак в Главном штабе шокируют. Но это напоминание о варварском отношении к животным, о чем свидетельствует даже название. Надо не возмущаться, а задуматься, о чем говорит художник. Да, очень резко. Но искусство не всегда должно доставлять только эстетическое удовольствие. Фабр „кричит “о том, что происходит в мире. Неуютно? Да, но вспоминайте о том, что происходит» — отмечает Михаил Пиотровский.

Ро́берт «Роб» Гонса́лвес (англ. Robert "Rob" Gonsalves, 1959-2017) – канадский художник, придумавший стиль «магический реализм»

Картины Гонсалвеса — это всегда волшебное объединение миров, незаметные метаморфозы, перетекание объектов из одной ипостаси в другую. Художник как бы намекает нам — все в мире взаимосвязано.

Роб начал рисовать свои первые работы в 12 лет — его интересовали архитектура, перспектива, всевозможные конструкции. Художник и сейчас отдает центральное место в своем творчестве архитектуре, только теперь он строит иллюзии. Да так мастерски, что порой сложно разглядеть, где заканчивается один мир и начинается другой. Творчество Гонсалвеса взросло на почве из искусства Дали, Магритта и Эшера.

«Ночная авиация» (1),«Незаконченный пазл» (2)

1 2

 

Подробнее о художниках «актуального искусства» (на русском языке):

http://contemporary-artists.ru