Билет 21. В.1. Искусство Нового времени рубежа XIX-XX вв.: стиль постимпрессионизм

В конце 19 века одновременно сосуществовали: импрессионизм, неоимпрессионизм, постимпрессионизм, символизм и модерн. Импрессионизм возник раньше всех остальных стилей, при этом некоторые долгожители-импрессионисты пережили и основателя неоимпрессионизма Сёра, и всех постимпрессионистов.

Постимпрессионизм –стиль живописи конца 19 века, в нем происходило развитие в сторону еще бОльшей субъективности. Главная цель - самовыражение художника, а не подражание природе. Если импрессионисты изображали впечатления от реальности, то постимпрессионисты – хотели передать субъективные эмоции и чувства по поводу впечатлений от реальности. Ушли еще дальше от объективности в субъективность.

Художники постимпрессионизма: Поль Сезанн (1), Винсент Ван Гог (2), ПольГоген (3), Анри де Тулуз-Лотрек (4) - автопортреты.

1 4 2 3

Если неоимпрессионисты увлеклись формальной стороной и развивались в декоративную живопись, то постимпрессионистов – очень непохожих друг на друга и самобытных – объединяло общее желание вернуть в искусство содержание, размышление. В этом их связь с художественными традициями прошлого.

В их стиле тоже было исходство, и различие с импрессионизмом.

Три последние выставки импрессионистов – демонстрировали жизнеспособность этого стиля мгновенных фиксаций впечатлений от происходящего, но и показали, что он уже занял свою нишу в художественном процессе, он перестал быть чем-то новаторским. Импрессионисты свой новый путь уже исследовали до конца. После этого другим художникам в поисках нового художественного видения оставалось только вернуться к созданию картин с продуманными композициями.

В картинах постимпрессионистов образ мира возникает тоже на основе впечатлений от натуры, природы, реальности, но главное отличие в том, что эти впечатления всегда пропущены через внутренний мир художника, преломлены им. У художника при этом уже нет задачи воспроизводить объективный мир, подражать ему.

Картина с этого момента перестала быть «окном в объективный мир», она стала самостоятельным миром, отражением внутреннего субъективного мира художника в первую очередь.

Творчество Поля Сезанна (1839 – 1906) – французский художник. Художественная система Сезанна: кажущаяся неподвижность, геометричность. Если импрессионисты воспевали перемены и движение, то Сезанн наоборот, захотел найти способы отобразить чувствоцелостности и незыблемых основ. Открытая композиция импрессионистов, с обрезами фигур, уводящая взгляд зрителя за пределы холста, сменилась у Сезанна закрытой, замкнутой композицией. Сезанн стремился навсегда удержать взгляд зрителя на поверхности картины, где уже содержится всё. Зачем еще куда-то переводить взгляд? Методы П.Сезанна: построение контрастами цвета прочной, устойчивой объемной формы, ее обобщение и геометричность.

По мнению Сезанна, задача художника заключается не в фиксации мгновенных впечатлений от действительности, а в глубоком ее изучении, выявлении и передаче общих, основополагающих качеств – объема, структуры, весомости; в поисках средств выразить вечный монументальный характер мира, его устойчивые, непреходящие черты. Свой творческий принцип, который он назвал «воплощением», Сезанн сформулировал в высказывании «писать, как Пуссен, но с натуры», то есть через наблюдение и изучение природы посредством работы с натуры постигнуть конструктивный замысел Творца. Сезанн выявил основные геометирческие фигуры - шар, цилиндр, конус, которых достаточно, чтобы моделировать мир. Их он и использовал.

В основе сезанновской живописи – рисунок, цвет и контрасты. Цвет – это ведущее формообразующее начало. Ввел ограничение по цвету: его краски – это градация (по его выражению, модуляции) трех основных цветов – зеленого, голубого, охристого – и белого, а с помощью контрастов и соотношений тонов художник лепит объемы, добиваясь ощущения их плотности, весомости и придавая предметам особую значительность.

Неподвижность у Сезанна обманчива, если импрессионисты изображали фрагмент целого, оставляя остальную часть за кадром, то Сезанн изображал целое. Его картины, как и фрески древних египтян (1) –– это соединение сразу нескольких моментов с разными ракурсами – в одном образе одновременно: часть в анфас, часть в профиль, что символизировало фигуру в разные фазы движения. При таком подходе ни Сезанн, ни египтяне не строили пространство планами. Излюбленный прием – совмещение разных точек зрения на объект при его изображении (2 – египетские фрески из гробницы Небамона: вид сбоку и сверху – «развертка»),Сезанн «Натюрморт с вишнями и персиками» (3).

1 2 3

 

+ у Сезанна приемы обратной и сферической перспективы, с изгибающимися и наклонными линиями, создание лаконичных, упрощенных, сведенных к геометризованным объемам и цветовым плоскостям форм.

Поиски объективных закономерностей в изображении реального мира и субъективный характер их преломления в работах художника. Пейзажи Сезанна: «Таяние снега в Эстаке» 1870(1), «Дорога в Понтуазе» 1877(2),

1 2

«Дома в Эстаке» 1882-1885(1), «Берега Марны» 1888(2) «Гора Сент-Виктуар» 1900(3). Натюрморты Сезанна: «Натюрморт с драпировкой» 1898-1899(4),

1 2 3 4

«Яблоки и апельсины» 1898-1899(5). Поиски синтеза формы и цвета.Портрет сына в «Пьеро и Арлекин» (7)

5 6 7

Сын Сезанна увлекался любительским театром. «Пьеро и Арлекин» - отклик художника на его интерес к сцене. Шестнадцатилетний Поль представлен в образе Арлекина, рядом с ним в роли Пьеро друг Луи Гийом. Персонажи картины контрастны, начиная с выражения лиц и заканчивая цветом и одеждой.

Метод обобщения: все природные формы Сезанн пытался свести к простейшим - щару, конусу и цилиндру.

Сезанн унаследовал поместье родителей и постоянный доход, поэтому мог всецело посвятить себя искусству без необходимости продавать картины. В поздние годы главным мотивом стала гора Св. Виктории в окрестностях Экса- на родине художника, где он жил. Она присутствует в большинстве его пейзажей. Многие годы он вел жизнь затворника, изредкапоказывая картины в парижских галереях, не стремясь к продаже. Это не помешало группе молодых художников-экспериментаторов заинтересоваться его творчеством. Они стали посещать Сезанна, называя такие поездки «паломничеством в Экс». Среди них был и знаменитый в будущем Пабло Пикассо.

Эстетика Сезанна была подхвачена целой группой художников, развивавших его стиль. Это худ.движение получило название «сезаннизм». Сезанн сыграл важнейшую роль в формировании языка изо иск-ва 20 века.

Воздействие его искусства сказалось на творчестве П.Гогена и художников группы Наби, фовистов, кубистов и русских «сезаннистов» из объединения «Бубновый валет» (П.Кончаловский, И.Машков, А.Лентулов, Р.Фальк и др.). Сезанна рассматривали порой как «художника для художников» и представителя «Чистой живописи», а иногда как создателя своего рода философской концепции мира и искусства.

Мастера сезаннизма: Поль Сезанн, Петр Кончаловский, Аристарх Лентулов, Илья Машков, Роберт Фальк, Александр Куприн, Пабло Пикассо. Интересный факт: Пикассо, например, вывел из сезаннизма кубизм. У Сезанна основными фигурами для моделирования мира были шар, цилиндр и конус. Тогда Пабло Пикассо взял неохваченную вниманием мэтра фигуру – куб. - и сделал его основой своего творчества. Через год после смерти Сезанна состоялась большая выставка, показавшая весь масштаб его творчества, и значение для развития нового искусства. Несколькими месяцами позже Пикассо выставил свою картину «Авиньонские девицы», послужившую началом одного из первых художественных стилей нового 20 века (модернизм) – кубизма.

Винсент Ван Гог (1853-1890) - прямая противоположность Сезанну. В основе творчества Сезанна было рациональное, продуманное до мелочей построение, а у Ваг Гога – порыв, вихрь эмоций, живое бурное переживание, он писал чувствами. Чувства интуитивно переводил в линии, цвет, динамику мазка, и они были способны организовать картину не менее эффектно, чем разум. В отличие от импрессионистов, Ван Гог писал не саму реальность, а горячий и подвижный ландшафт своей души.

Он родился в Голландии в семье протестантского священника, атмосфера дома была аскетичной, лишенной простых житейских радостей. Винсент был старшим ребенком в семье, сдетства лишенным чувства обыденности. Жизнь, не наполненная высоким смыслом, служением, ожиданием чуда была не для него.

В семье Ван Гога признавались две профессии – пастора и торговца картинами. Винсен особенно был близок со своим младшим братом Теодором (Тео), оба они начали карьеру в фирме по продаже картин. Отслужив там 7 лет, Ван Гог научился не торговать, а думать об искусстве, жить им. Он пришел к выводу, что у искусства нет больших врагов, чем продавцы картин - они поощряют самые пошлые и низменные вкусы обывателей.

Получив увольнение, Винсент попробовал себя на втором семейном поприще – стал пастором в небольшом шахтерском поселке на юге Бельгии - Боринаже. Бедный, суровый край с тяжёлым трудом, там Винсент был поражен нищетой и безысходностью местной человеческой жизни. Все свои деньги и силы он тратил на помощь людям. Именно там он начал рисовать. Серия рисунков, созданных в Боринаже (1878-1881).За участие в шахтерском восстании Ван Гог был лишен места пастора. С этого времени рисование, а затем живопись стали его главным и единственным занятием. Он вернулся на родину, но поселился не в благополучном родительском доме, а в хижине, спал на соломе, недоедал и постоянно чувствовал, что родные относятся к нему с опаской. Единственным другом, кто его всегда поддерживал, был брат Тео. Он высылал Винсенту средства для жизни и материалы для рисования, а однажды прислал краски. Ван Гог попробовал писать маслом, появилась его первая большая работа «Едоки картофеля» - о крестьянской семье за ужином.Интерес к народной жизни, демократические тенденции его искусства. Поиски напряженной экспрессии образов. «Земляной» колорит подчеркивает связь образа жизни этих людей с землей. Но это уже не труд крестьян как у Милле, наполненный достоинством и смыслом, здесь скудная палитра цвета говорит об скудости и бедности жизни. Произведения, созданные в Нуэнене: «Башня Нуэнен» (1884). Тематическое разнообразие творчества Ван Гога: «Едоки картофеля» 1885(1), «Сеятель» (1888), серия «Ткач у станка» (3).

1 2 3

Почувствовав в себе художника в возрасте 32 лет, Ван Гог стал задаваться вопросом у кого и как учиться. Он был начинающим художником в том возрасте, когда некоторые другие мастера уже завершили свой жизненный путь (как Сёра, например). И словно бы хотел уложиться в отпущенное ему временя, - у него оставалось всего 5 лет жизни. В возрасте 37 лет его не стало. После работы по продаже картин он пренебрежительно относится к ремеслу, академической выучке, которыми часто ограничивались художники, не доводя творчество да уровня искусства. Он не хотел тратить время, чтобы этому учиться, а видел смысл искусства в изображении живой души по наитию. Единственной школой мастерства стало для него вдумчивое копирование гравюр и рисунков настоящих мастеров, которым он доверял – особенно Франсуа Милле. Он копировал, делал авторские интерпретации картин Милле (1). Ван Гог «Полуденный отдых от работы» (по Милле) (2)

1 2

В 1886-1888 гг. Ван Гог переехал в Париж к брату Теодору, тот продолжал заниматься продажей картин, сделал небольшую карьеру и был знаком с импрессионистами. Ван Гог открыл для себя после барбизонцев импрессионизм, он оказался очень ему созвучным и близким. Ван Гог парижского периода – импрессионист. Он пишет парки, виды Монмартра на пленэре, в светлой красочной гамме. Трудно поверить, что яркие, наполненные светом, виды Парижа писал автор «Едоков картофеля». «Ресторан в Париже» (1), «Огород на Монмартре в Париже»

1 2

Произведения парижского периода: «Ваза с красными гладиолусами» 1886(1).

Влияние японского искусства: «Портрет папаши Танги» 1887(2,3).

1 2 3

В Париже в то время продолжали открывать искусство Востока, японское в первую очередь. Если в 18 веке в рококо было заметно увлечение культурой Китая (стиль «шинуазри»), в романтизме 19 века – путешествиями в арабские страны, то на искусство рубежа 19-20 вв. влияние оказало искусство Японии, ставшее доступным на Западе с началом эпохи Мэйдзи(1868 -1912), когда до того момента замкнутая на себе Япония начала вдруг активно использовать достижения друг стран и делиться своими.

В жизни в Париже Ван Гогу не хватало какой-нибудь большой цели. Заручившись поддержкой Тео, он загорелся идеей создания «Школы юга», главой которой должен был стать непревзойденный колорист. Таким он считал Поля Гогена, с которым познакомился в Париже. Это было поверхностное знакомство.

Зимой Ван Гог переехал в Арль, город на юге Франции, купил там небольшой дом, в котором должна была разместиться школа и жили бы сами художники. Наступившая вскоре яркая южная весна поразила художника. Буйство цвета, непривычное для уроженца северной Голландии так его захватило, что он стал с упоением все это писать. Вскоре весь дом уже был увешан свежими картинами и был готовслужить центром нового направления в живописи.

Пейзажи Арля и его окрестностей: «Цветуший сад» (1), «Подъемный мост в Арле» (2), (все 1888). «Дорога с кипарисом и звездой» (3) «Звездная ночь над Роной», «Звездная ночь в Арле» 1889 (4,5) «Пшеничное поле с кипарисом» 1889 (6) Серия «Подсолнухи» 1888 (7)

1 2 3 4

5 6 7 «Ночное кафе в Арле» 1888(1), «Внутренний вид кафе в Арле» 1886-1887(2)Портреты: несколько вариантов портретов «Почтальон Рулен» (3), членов его семьи(4), «Девушка из Арля» 1888(5).

1 2 1 2 3

Около 40 автопортретов Ван Гога (1):.

1 2

В Париже художники завели традицию обмениваться живописными посланиями. Так Гоген и Ван Гог обменялись портретами с символическим смыслом. Ван Гог, в 1888 году еще продолжавший считать себя импрессионистом, выбрал только что оконченный им автопортрет в образе последователя Будды в подарок Полю Гогену в ответ на его очень яркий и выразительный автопортрет в контрастном колорите, в котором Гоген тем не менее показался Ван Гогу "узником без тени веселья"(1)Ван Гог «Автопортрет в виде буддийского монаха» 1888(2)

1 2

Вместе с японским искусством европейцы знакомились и с буддизмом Востока. Появились первые переводы буддийских текстов на европейские языки. Буддийское учение о непостоянстве оказалось созвучно мироощущению импрессионистов. Нет смысла стремиться «остановить прекрасный момент», удержать его невозможно, счастье - в постоянной смене таких моментов, жизнь – в движении. Целью развития человека не может являться какой-то застывший миг триумфа. Цель и есть сам путь человеческого духа, осознанно наполняемый сочувствием и смыслом, которому не бывает конца.

"Портрет, который я посылаю Гогену в обмен, - писал Ван Гог своему брату, - может потягаться с его портретом. Я написал Гогену в ответ на его письмо, что если и мне позволено возвеличить свою личность, то я это сделал, стараясь изобразить в портрете не только себя, но и вообще импрессиониста. Я представил себя на нем бонзой (будд.монахом), бесхитростным почитателем учения вечного Будды. И когда я сравниваю свою концепцию с концепцией Гогена, то вижу, что она у меня так же серьезна, но менее безнадежна" (Ревалд 1996: 147).

Поль Гоген в то время сильно бедствовал и согласился приехать в Арль, думая не о новом направлении, а о надежной крыше над головой. Художники прожили в доме в Арле всего два месяца, мечта Ван Гога не воплотилась из-за разницы темпераментов и отношения к жизни у них с Гогеном. Во время одного из многочасовых споров Ван Гог из-за нервного перенапряжения в отчаянии отрезал у себя мочку уха. Когда это случилось, жители быстро выжили неудобного странного соседа из Арля, художнику не довелось надолго обрести свой дом. Его, одинокого чужака-голландца,поместили в лечебницу для душевнобольных. Но и там он работает, ему позволено ходить на пленэры.

Огромную роль в полотнах Ван Гога играет не только цвет, но и пластика мазка. Он пишет очень часто и много, кисти быстро изнашивались, а новых купить было не на что, он стал реже пользоваться кистью, выдавливая краски из тюбика прямо на холст, работая пальцами, словно вылепливая на картине необходимый рельеф. Полотна его наполнены вихрями, которые захватывают своим движением элементы пейзажа, фигуры, все предельно динамично (в отличие от статичного Сезанна). Натюрморты художника. Наиболее плодотворный период - 1888 - 1890 - последние годы жизни.

Произведения последних лет: «Стул с табачной трубкой» (1888-1889), «Комната художника в Арле», пейзажи: «Большая дорога в Провансе» (1890), «У подножия Альп» (1890),, «Портрет доктора Гаше» (1890). «Куст сирени» 1889(1),«Персиковое дерево в цвету» (1890), «Цветущие ветки миндаля» 1890 (2) – их стоит увидеть в хорошем качестве

Южная природа, ее яркие душные краски уже не соответствовали новому состоянию Винсента, он стал чаще вспоминать о родной, привычной ему северной природе. Он попросил брата Тео помочь ему вернуться в Голландию, но брат не хотел оставлять его одного, и поселил неподалеку от Парижа, в местечке Овернь, где прошли 2 последних месяца жизни. Получив известия о болезни маленького племянника и грозящем Тео увольнении, осознавая, что не способен без помощи брата прокормить себя, и что в таких обстоятельствах больше не должен отягощать его, Ван Гог в полях Оверни выстрелил себе в сердце. Поиски напряженной экспрессии образов: «Церковь в Овере» 1890(3), «Стая ворон над хлебным полем» 1890(4) – последняя картина.

1 2 3 4

Винсент Ван Гог умер 29 июля 1890 года в возрасте 37 лет, к тому моменту из его более чем 600 полотен при жизни было продано только одно. Всю жизнь емупомогал деньгами как мог родной брат, чтобы Винсент мог заниматься живописью

Слава его пришла после того как Теодор опубликовалих с Винсентом переписку, в которой Ван Гог рассказывал о своих картинах - «письма к брату». Когда неудобного и непонятного художника не стало, его картины быстро нашли покупателей, а в50-е гг 20 века появилось еще огромное количество подделок – спрос на Ван Гога был так велик, а современных методов анализа подлинности еще не было.Сейчас картины Ван Гога, прошедшие тщательную экспертизу, входят в список самых дорогих полотен мира и выставляются на обозрение широкой публики на самых престижных выставках. А Ван Гогу при этом иногда нечего было есть и не было денег на кисти. Книга: Стоун И. «Жажда жизни: Повесть о Винсенте Ван Гоге».

Поль Гоген (1848 – 1903) – тоже стал художником, будучи уже взрослым человеком. В молодые годы занимался бизнесом, играл на бирже, прекрасно разбирался в экономике и финансах. Женился, обзавелся домом, стал отцом пятерых детей. По воскресеньям занимался любимым хобби – живописью. Подружился с импрессионистами и даже взял несколько уроков у Камиля Писсарро. Но на бирже случился кризис, который стал переломным моментом судьбы. Гоген разочаровался во всем, бросил дом, семью, прежнюю работу, весь свой круг общения, уехал на север Франции, где решил посвятить себя живописи. Период работы в Бретани: «Видение после проповеди» 1889(1), «Желтый Христос» 1889(2). У него появились даже поклонники – молодые художники, образовавшие позже общество «Наби». Гоген научил их писать большими плоскостями чистых цветов, ориентироваться на древнее и средневековое искусство, с их декоративностью: египетские росписи, готические витражи. Он, как и Сезанн, тоже своим методом сделал обобщение, но по-своему. Картина, по Гогену, сложное декоративное целое. По приглашению Ван Гога, Гоген провел два месяца в Арле, поскольку в этот момент финансово бедствовал, и надеялся на стабильный кров и возможность писать свои картины. Арльский период: «Ночное кафе в Арле» 1888 (3).

1 .2 3

Картины в Париже не продавались. Тогда Гоген уехал из Европы в Океанию (Полинезию), сначала на Таити, а затем на остров Хинь-Оа, разорвал связи с цивилизацией. Взял в жены местную аборигенку, поселился в туземной хижине, ел бананы и кокосы, и рисовал.

Метод Гогена – работа большими ярко окрашенными плоскостями, примитивизация, упрощение, декоративная организация холста – полностью соответствовали жизни в Океании с ее пейзажами и не тронутой цивилизацией жизнью, где миф тесно сплетен с реальностью. Черты символизма в искусстве. Гогена. Основные произведения: «Женщина, держащая плод» 1893(1), «Жена короля» 1896 (2), «Женщины Таити» (3), «Откуда мы? Кто мы? Куда мы идем?» 1897 (4). Увлечение полинезийской экзотикой в его искусстве. Декоративно-плоская трактовка реального мира в работах Гогена. Значение чистого цвета, поиски линеарной выразительности.

1 2 3

4

В 19 веке поиски эстетического идеала велись в искусстве средневековья и Востока, иеще в художественном творчестве «примитивных» народов, чью культуру не затронула западная цивилизация. Гоген – один из художников, кто стал развивать стиль примитивизм.

В конце 19 — начале 20 веков многие прогрессивные европейские художники сталивосторгатьсядекоративным стилем, выразительностью и лаконичностью артефактов первобытных культур. Незамысловатая и грубая наивность африканских ритуальных масок и фигурок из дерева казалась им простым и очевидным ответом на поиски способов преодоления застоя в академической живописи.

К тому моменту импрессионизм уже утратил новизну и скандальность, поэтому не мог претендовать на роль сотрясателя устоев.Им стал уход в примитивизм. К произведениям первобытных культур относятся как доисторическая наскальная живопись или каменные истуканы, так и культурные традиции современных племенных народов, заселяющих Африку, Океанию и т.д.Так африканские маскистали решающим фактором в возникновении многих авангардных течений 19-го века.

При этом в 19 веке сложились два понятия – «примитивизм» и еще возникло «наивное искусство» - творчество художников – самоучек, с их упрощением изображения. Наив-арт получил одобрение публики в середине 19 веке во Франции, когда одним из самых известных художников-самоучек стал француз Анри Руссо (1844—1910). Но теперьчасто бывает, что понятия «примитивизм» и «наивное искусство» используют как синонимы.

 

Анри де Тулуз-Лотрек (Анри Мари Раймон де Тулуз-Лотрек - Монфа (1864 – 1901)) –

родился в знатной семье, был последним потомком графов Тулузских, его прямой предок возглавлял рыцарское войско в первом крестовом походе в 12 веке. Но у Анри было слабое здоровье, + подростком он получил травму, из-за чего перестал расти. Не желая сносить насмешки и жалость, он отдалился от аристократического круга и стал художником – у него рано открылось это дарование, уже в детстве мастерски рисовал лошадей. Главные выразительные средства – линия и цветовое пятно. Развитие в его творчестве некоторых теорий Дега. Изображение парижской жизни: «Прачка» (1889), «Бал в Мулен Руж» (1890), «В кафе» (1891). Темы цирка и скачек в произведениях Тулуз-Лотрека. Сочувствовал простым людям, чувствовал себя таким же изгоем.

1 2 3 4

Острота характеристики в изображениях представителей парижской богемы: «Портрет Иветт Гильбер» 1894(1), «Клоунесса Ша-Ю-Као» 1896 (2). Роль Тулуза-Лотрека в развитии театрального плаката: «Мулен Руж» 1891 (3)), «Аристид Брюан в своем кабаре» 1892 (4), «Японский диван» 1892(5), в «Жардан де Пари» (1893). Эти афиши обладали несомненной художественной ценностью, стиль Лотрека сразу узнаваем. Коллекционеры охотились за этими афишами, и Лотрек повторял тиражи исключительно для знатоков.

1 2 3 4 5

*Если вспомнить афиши и рекламные вывески Антуана Ватто 18 века – они представляли собой картины маслом на холсте («Жиль», «Лавка Жерсена»)

Плакат какжанр графики родился именно в творчестве Тулуза-Лотрека. Особенности худ.приемов: плакат должен подействовать издали и мгновенно. Он ориентирован не на заинтересованного зрителя, а на уличную толпу, спешащую по делам, не думая об искусстве. Поэтому плакат должен любой ценой завладеть вниманием. Его воздействие молниеносно, а композиция остра, парадоксальна. Он связан с афишной тумбой, поэтому родствен с декоративной живописью – фреской, мозаикой. Как и они плакат не допускает большой глубины в изображении пространства, построен на локальных цветовых пятнах. Мастер плаката Тулуз-Лотрек сочетал разные точки зрения и ракурсы. Как и древнеегипетские фрески плакат объединяет текст и изображение – предназначен, чтобы его одновременно читать и смотреть. Плакат – решен в декоративном, а не реалистическом стиле, в нем изображение условно, оно складывается из выразительных линий и пятен. Когда появилась первая такая афиша «Мулен-Ружа» (3), она произвела огромное впечатление на Париж. Сила, смелый вызов (поза не самая изящная), острота композиции. При этом всё в рамках приличий: условность изображения превращала танцовщицу в графический знак. Рекламные экипажи с этой афишей, которые разъезжали по Парижу, садили толпы любопытных, всем хотелось знать имя художника. Лотрек сразу стал знаменит как плакатист.

Билет 23. В.1. Искусство Нового времени рубежа 19-20 вв.: стиль модерн (национальные виды) Одновременно сосуществовали: импрессионизм, неоимпрессионизм, постимпрессионизм, символизм и модерн.Стиль «модерн» (англ. «новый», «современный») сформировался в архитектуре, дизайне текстиля и обоев, книжной графике и декоративно-прикладном искусствепод влиянием символизма, который воплотился в философии, литературе, живописи. Модернимеет условные хронологические границы: конец 1880-х – 1914 год – начало Первой мировой войны, оборвавшей естественное развитие искусства в большинстве стран Европы.Причины создания нового стиля:

- развитие демократии; промышленная революция;проведение Всемирных выставок, где демонстрировались достижениясовременных технологий и ДПИ. Наибольшую известность модерн получил на Всемирной выставке 1900 года в Париже. Возвращение на короткий срок веры в прогресс и лучшее будущее человечества;

- археологические открытия в Египте, на Крите, обнаружение в Малой Азии (совр. Турция) древнего города-государства Троинемецким археологом-любителем Генрихом Шлиманом;

-  знакомство с искусством Востока, японским в первую очередь.Если в 18 веке в стиле рококо было заметно увлечение культурой Китая, в романтизме 19 века – путешествиями в арабские страны, то на стиль модерна рубежа 19-20 вв. влияние оказало искусство Японии, ставшее широко доступным на Западе только с началом эпохи Мэйдзи, когда Япония начала активно использовать достижения других стран и делиться своими (1868-1912гг – до Первой мировой войны).

- теория У. Морриса (1834-1896) о красоте, преображающей мир,

- в европейских странах появлялись художественные ассоциации, работающие в новом стиле: «Выставочное общество искусств и ремёсел» (1888) в Великобритании, «Объединённые художественно-ремесленные мастерские» (1897) и «Немецкие мастерские художественных ремёсел» (1899) в Германии, «Венские мастерские» (1903) в Австрии, «Нансийская школа» во Франции, «Мир искусства» (1890) в России.

- появление художественных журналов и ихважная роль в пропаганде нового стиля.

Само название «модерн» говорит о принципиальной установке этого стиля на современность, а не классику. Ведущий вид искусства модерна – архитектура, синтез искусств: архитектура+ ДПИ.

Национальные разновидности:

«Стиль двадцати» (от наименования «Общества двадцати», созданного в 1884)- Бельгиия

Ар нуво и в нём стиль Гимара, -Францияи франкоговорящие страны

(фр. art nouveau, букв. «новое искусство») или «fin de siècle» (фр. «конец века»)

Югендштиль – Германия(нем. Jugendstil — «молодой стиль» — по названию основанного в 1896 году в Мюнхене иллюстрированного журнала Jugend); Латвия (рижский югендштиль)

Либерти - Италия

Сецессион (нем. Secession — «отделение, обособление») – Австрия, Чехия, Польша

Модернизмо (каталонский модерн) - Испания, регион Каталония

Модерн - Россия

Стиль Тиффани - США

Nieuwe Kunst (новое искусство) - Нидерланды

S tyle sapin «Еловый стиль» - Швейцария

Модерн-стайл («современный стиль») – Англия Стиль Глазго и Макинтош – Шотландия.

Традиционно в модерне выделяются два основных направления: конструктивно е (Австрия, Шотландия) и декоративное (Бельгия, Франция). В Италии и России сильное влияние на него оказали национальные традиции.

Архитектура модерна:

Своеобразие архитектуры модерна – уход от влияния античного ордера,симметрии. Источники вдохновения: природные формы и вся история архитектуры. Здания становятся ассиметричными. Внутренний интерьер разрабатывается по вертикали, а не по горизонтали как раньше. Такой главной осью здания становится как правило центральная лестница, вокруг которой, как в раковине, закручиваются помещения. Они строятся по кругу, а не по прямой – как раньше в классицизме, с его анфиладным (коридорным) принципом размещения смежных комнат. Отличительными особенностями модерна стали отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» плавных кривых изогнутых линий, иинтерес к новым технологиям, расцвет декоративно-прикладного искусства. Универсальный стиль, задействовавший все виды искусства.

Стилю свойственен принцип единства целого. Дом в стиле модерн – это единое произведение искусства. В модерне здание проектируется «изнутри наружу», то есть от внутренних помещений к внешнему облику строения. Архитектор и его команда проектировали строение от конструкции и до мелочей. Все – от решетки ограды до оконных переплетов, дверных ручек, перил, мебели, посуды в таком доме, тканей, светильников и даже одежды обитателей дома– решено в одном ключе (такая попытка уже была в рококо 18 века, но в модерне произошел уже отказ от влияния античного ордера, это целиком и полностью оригинальное искусство).Каждая постройка эпохи модерн обладает совершенно самобытным индивидуальным архитектурным образом, каждая абсолютно уникальна.

Исчезает деление на конструктивные и декоративные элементы здания. Фасады превращаются в живые организмы с растительными орнаментами, напоминающие иногда фантастических животных (Дом Гуэля в Барселона архитектора Гауди).  Они - результат свободного полета фантазии художника. Архитектура и изобразительное искусство сближаются, влияют и дополняют друг друга. Здание – как холст для художника, важны мельчайшие детали, форма лестничных перил, рисунок дверей и окон, цвет отделочных материалов.Двери и окна часто арочные. Строительные материалы модерна – железобетон, сталь, стекло, керамика, бронза, медь, кирпич.В оформлении здания часто используется дерево и кованные изогнутые элементы для дверей, лестниц, решеток балконов и ограды строения – поскольку важнейшим средством худ. выразительности в модерне стала линия.Основные цвета в модерне – пастельные приглушенные оттенки: табачные, увядшей розы, жемчужно-серые, пыльно-сиреневые (исключение – яркий живописный испанский модерн Гауди). Мозаика, эмаль, витражи, латунь – любимые техники, используемые для украшения интерьера здания и мебели.

Древний Египет, Восток, готика (ведущее направление – вертикаль), национальные стили – любимые темы для творческого переосмысления в эпоху модерна. Архитекторы на их основе создают романтические, эмоционально насыщенные образы зданий, используя декоративные детали, дающие дополнительную игру света и тени.

Модерн стремился сочетать художественные и утилитарные функции создаваемых произведений, вовлечь в искусство все сферы жизни человека. Модерн отказывается от традиционных классических архитектурных принципов – симметрии, ордера и античного декора фасадов – в пользу природных плавных текучих форм. Кривая изогнутая линия – главная черта в декоре фасадов и интерьера. Но в отличие от барокко с его эффектами иррационального чуда – она не деформирует привычные прямые линии фасада, а повторяет естественные изгибы форм, встречающихся в природе. В барокко задача кривой линии –деформация, в модерне – наоборот, придать форме здания природную естественность.

 

Ар нуво, Бельгия

Родина архитектуры модерна – Брюссель, столица Бельгии. Первый дом в мире в стиле модерн был построен в Брюсселе в 1893 г. бельгийским архитектором Виктором Орта.

Стремление уйти от границ архитектуры к свободе живописи и графики в отделке интерьеров Виктора Орта (1861 – 1947) - линия становится важным выразительным средством: дом Тасселя 1892 – 1893 в Брюсселе (1,2),

1 2 3

Особняк Тасселя был первым в ряду блестящих построек Виктора Орта. Можно считать, что настоящий модерн в архитектуре начинается именно с него. Это небольшая четырехэтажная постройка, выходящая на красную линию застройки торцовым фасадом, втиснутая между соседними зданиями и основным своим телом уходящая в глубину. Здесь Орта отказался от ордерного решения. Правда, фасад особняка еще сохраняет симметрию. Над входом, на уровне второго и третьего этажей, архитектор центрирует здание большим эркером, над которым помещается балкон. Справа и слева от центральной оси располагаются узкие окна. Выступающий эркер органично слит со стеной, он как бы вырастает из нее. Большое окно эркера имеет металлические переплеты. Но еще более новаторским было внутреннее решение особняка. Он спроектирован с учетом движения вверх, а не по горизонтали. Здесь нет анфиладной или коридорной системы. Главную роль играет лестница, которая ведет наверх, становясь едва ли не самым парадным элементом интерьера. Внутри Орта использует тонкие металлические колонны.Изогнутая линия по замыслу Орта должна объединять все элементы здания, придавать им динамизм, начиная от ручки двери и посуды и заканчивая платьем хозяйки дома. В 1924 г. историк Sander Pierron писал о доме Тасселя следующее: "мы должны смотреть на это сооружение как на реликвию; однажды она станет местом паломничества; к нему будут обращаться, чтобы понять архитектуру, которую оно породит".

Виктор Орта отель ван Этвелде 1899, Брюссель – музей Виктора Орта (1,2), Народный дом 1896 – 1899, Брюссель(3).Четыре брюссельских дома работы Виктора Орта включены в Список Всемирного наследия ЮНЕСКО.

1 2 3

Дом как единое произведение искусства в творчестве Анри ван де Вельде (1863 – 1957): дом «Блюменверф» 1895, Уккеле близ Брюсселя(1).Деталь интерьера и платье хозяйки виллы Блюменверф, выполненное по эскизу Хенри ван де Гельде(2).

Гюстав Стровен (Gustave Strauven) удивительным способом втискивал дома в узкие проходы между соседними зданиями, создавая при этом неповторимые образцы ар-нуво. Чтобы не обременять заказчиков расходами на дорогие мрамор и гранит, Стровен использовал при строительстве обыкновенный кирпич, но компенсировал эту простоту выразительностью формы, полихромной кладкой, цветочными мотивами и обилием кованых деталей. Самая известная работа Стровена — особняк Сен-Сира (maison Saint-Cyr), построенный в 1901–1903 годах на площади Амбиорикс square Ambiorix (3). Из-за нарочитой декоративности фасада современники назвали стиль архитектора барочным ар-нуво и долгое время беспощадно критиковали. Однако сегодня прибывшие на отдых в Бельгию туристы не устают восхищаться ажурным шпилем особняка, совершенно разными по форме и оформлению окнами и экстравагантными коваными воротами.

Кованая решетка в стиле ар-нуво. Эрнест Блеро, Брюссель (4).

1 2 3 4

Ар-нуво, Франция. Во французском ар-нуво знаменитым архитектором стал Эктор Гимар. За успехи в учебе в Школе изящных искусств был награжден поездкой в Англию и Бельгию. Вернулся потрясенный интерьером особняка Тасселя в Брюсселе. Стал первым последователем Виктора Орта во Франции.

В доходном доме Кастель Беранже архитектор Гимар впервые сделал металлическую конструкцию главным элементом архитектурного решения.

Если Гюстав Эйфель – создатель знаменитой башни – пропагандировал металл как строительный и конструктивный материал, то Гимар показал его пластические возможности. Архитекторы модерна новые соврмеменные строительные материалы не стали скрывать декором, они извлекали максимум эстетического эффекта из самих материалов конструкции (снова эта тема возникла в современном стиле «лофт»). Заказ на возведение станций Парижского метрополитена. Улицы Парижа украсили диковинные сооружения из металоконструкций, стекла и вставок эмали, похожие на огромные ювелирные украшения.

Металл был окрашен в зеленый, имитируя старую бронзу. Конструкции по образу насекомых. Строительство таких павильонов –породило понятие «стиль метро» - это одно из наименований стиля модерна во Франции.