История развития Отечественной песни

 

    Песня всегда была самым демократическим жанром музыки. Она быстро откликалась на различные общественно-политические события и отличалась богатством образов и тем.

    Песни гражданской войны. Большую роль играли песни дооктябрьского периода («Интернационал», «Марсельеза», «Варшавянка», «Смело, товарищи, в ногу» и др.). Многие песни были связаны с боевыми походами Красной Армии («Мы – красные солдаты», «Смело мы в бой пойдем»). Переосмысливались тексты солдатских песен времен первой мировой войны, старые мелодии перекладывались на новый текст («Проводы» на сл. Д. Белого). Появляются первые песни, созданные профессиональными авторами («Песни коммуны» А.Митюшкина, «Красная Армия всех сильней» С. Покрасса, «Марш Буденного» Дм. Покрасса и др.). Для песен этого периода характерны общие стилистические черты: ритмы маршей и походов, плясовые ритмы, активные, уверенные интонации, куплетная форма.

 

    Песни 20 -х годов. 20-е годы – период формирования советской массовой песни. Песни призывали к единению созидательных сил, к защите и укреплению молодого государства. Появляются новые образы, темы, сюжеты. Главным героем песен была молодежь («Наш паровоз», «Молодая гвардия», «Там, вдали за рекой»). Создаются первые пионерские песни («Взвейтесь кострами» С. Кайдана). Большим вкладом в развитие песенного жанра этого периода явилось творчество проколловцев и их лидера А. Давиденко

.

    Песни 30-х годов. В 30-е годы наблюдается бурный расцвет массовой песни в творчестве профессиональных композиторов. Появляется замечательная плеяда поэтов-песенников – В. Лебедев-Кумач, М. Исаковский, М. Светлов и др. Ведущей песенной темой стала тема труда («Марш энтузиастов» Дунаевского, «Спят курганы темные» Богословского). Характерным стало обращение к героике прошлых лет. Появляются песни с сюжетным началом («Каховка» Дунаевского, «Орленок» Белого, «Прощание» Дм. и Дан. Покрассов). Нередко песни отражали тревожную атмосферу предвоенного времени (песни братьев Покрассов – «Если завтра война», «То не тучи, грозовые облака», «Три танкиста» из к-ма «Трактористы» и др.). Заметно усиление лирического начала, задушевности, эмоциональной открытости, прямодушия. Композиторы приближали песни к традициям бытовой музыки, раскрывали темы любви девушки и бойца («Чайка» Милютина, «Я на подвиг тебя провожала» Богословского, «Катюша» Блантера), использовали в песнях танцевальные ритмы («Неудачное свидание» Цфасмана, «Утомленное солнце» Петербургского).

 

22

 

    Большой вклад в развитие песенного жанра внес И. Дунаевский. Его творчество связано с русскими песенными традициями: со старинным жанром попутной песни («Молодежная» из к-ма «Волга-Волга»), с традициями современного молодежного марша («Марш веселых ребят» из к-ма «Веселые ребята», «Спортивный марш» из к-ма «Вратарь» и др.), с величаво-торжественными гимническими песнями («Песня о Родине» из к-ма «Цирк»).

    Важное место в развитие песенного жанра занимает творчество А. Александрова и В. Захарова. Александров делал обработки русских народных песен, использовал песенный фольклор революции, гражданской войны, создавал собственные песни, многие из которых были написаны для Ансамбля песни и пляски Советской Армии («Эшелонная», «Забайкальская», «Бейте с неба, самолеты»). Захаров долгие годы сотрудничал с Государственным народным хором им. Пятницкого. Он создал большое количество песен о колхозной деревне («Вдоль деревни», «И кто его знает», «Провожанье» и др.).

 

    Песни Великой Отечественной войны. В годы войны песня играла огромную роль как духовное оружие фронта и тыла. Главной песенной темой была тема защиты Родины. Песни создавались самого разного характера и настроения. Ведущее значение имели героико-патриотические песни, в которых ощущалась связь с походно-строевыми маршами и гимнами («Священная война» Александрова, «До свиданья, города и хаты» Блантера, «Песня смелых» Белого). Песни посвящались различным видам войск, целый цикл песен был посвящен морскому флоту («Морская гвардия» Милютина, «Это в бой идут матросы» Терентьева, «Прощайте, скалистые горы» Жарковского, «Заветный камень» Мокроусова и др.). Песни отражали партизанскую борьбу («Ой, туманы мои, растуманы» Захарова, «Шумел сурово брянский лес» Каца), тему человека и природы («Песнь о Днепре» Фрадкина). Особой популярностью пользовались военные песни В. Соловьева-Селого.

    Много песен создавалось о фронтовом быте. Это песни о крепкой солдатской дружбе («Давай закурим» Табачникова, «Два Максима» Каца), шуточные, сатирические («Вася-Василек», «Самовары-самопалы» Новикова), лирические песни («Моя любимая» Блантера).В годы войны был создан Государственный Гимн Советского Союза (муз. Александрова, сл. Михалкова и Эль-Регистана).

        

Песни в послевоенный период. Происходит сближение массовой и эстрадной песни. Тематика песен самая разнообразная: о возвращении с войны («Ехал я из Берлина» Дунаевского, «Где же вы теперь, друзья-однополчане?» Соловьева-Седого, «Дороги» Новикова), о мире, гимнические песни, студенческие («Песня московских студентов» Новикова, «Да здравствует юность», «У нас в общежитие свадьба» Каца), песни о любимых

 

23

 

городах («Севастопольский вальс» Листова, «Киевский вальс» Майбороды, «Вечерняя песня» Соловьева-Седого, «Здравствуй, Москва» Лепина и др.).

    Создавалось немало песен, предназначавшихся для сольного концертного исполнения («Три года ты мне снилась» Богословского, «Я сказал тебе не все слова» Эшпая).

 

    Песни 60-х годов. Главенствующее положение в 60-е годы занимает эстрадная песня, в которой усиливается роль сопровождения. Тематика песен также разнообразна:

1) публицистические песни. Их отличала гражданская направленность. Родилась новая разновидность этого жанра – песни-манифесты («Я люблю тебя, жизнь» Колмановского, «Огромное небо» Фельцмана, «Красная гвоздика» Островского);

2) молодежные песни. Появились новые темы, связанные с молодежными стройками, молодым задором. Много песен на эту тематику создала А. Пахмутова – «Гайдар шагает впереди», «Орлята учатся летать», «ЛЭП-500», «Геологи» и др.;

3) песни о личностных жизненных раздумьях: «Прощайте, голуби» Фрадкина, «Мальчишки» Островского, «Я шагаю по Москве» Петрова;

4) гимнические песни. Утверждается лирико-гимнический монолог («Родина» Туликова, «Моя Родина» Долуханяна);

5) патриотические лирические песни. В песнях о Родине стало преобладать лирическое начало («С чего начинается Родина?» Баснера). Они обогатились темой «человек и природа» («Течет Волга» Фрадкина, «Русское поле» Френкеля, «Карелия» Колкера).

6) Песни-воспоминания о Великой Отечественной войне. Для них характерно сохранение памяти о прошлых страницах истории, воплощение идеи нерасторжимости времен («Баллада о солдате» Соловьева-Седого, «На безымянной высоте» Баснера из к-ма «Тишина», «Журавли» Френкеля);

7) песни о космонавтах. Космические темы были связаны с мечтой о будущем, романтикой, надеждами («Я верю, друзья» Фельцмана), с лирическими раздумьями («И на Марсе будут яблони цвести» Мурадели), с диалогом матери-Земли и ее посланцев («Я – Земля» Мурадели);

8) эстрадно-бытовая лирика. В этих песнях преобладает показ городской жизни, мироощущение современного горожанина («Московские окна» Хренникова, «В нашем городе дождь» Колмановского). Особой любовью пользовались лирико-бытовые песни А. Островского, А. Петрова, А. Эшпая, А. Бабаджаняна. Любовная тема часто звучит в творчестве Пахмутовой («Старый клен»), Френкеля («Калина красная») и других;

24

 

9) современная гитарная песня. В 60-е годы возрождаются традиции бытового музицирования и старой студенческой песни. Гитарные песни были тесно связаны с подъемом советской поэзии. Песни нередко исполняли профессиональные поэтыи литераторы: Б. Окуджава, Н. Матвеева, А. Галич. Популярным было песенное творчество Ю. Визбора, Ю. Кима, Е. Клячкина, С. Никитина и др. Огромное духовное воздействие на современников оказали песни В. Высоцкого.

 

    Песни 70-х – 80-х годов. В этих песнях значительно возросла роль интеллектуального начала. Происходит дальнейшая индивидуализация образов, обобщение понятий времени, поколения, памяти. Развиваются жанры песни-баллады, связанной с темой революции и гражданской войны («Погоня» Френкеля из к-ма «Новые приключения неуловимых»), песни о молодежи («Детства последний звонок» Бабаджаняна, «Как молоды мы были» Пахмутовой), о космосе (цикл «Созвездие Гагарина» Пахмутовой), о ВОВ («Нам нужна одна победа» Окуджавы, «На всю оставшуюся жизнь» Баснера, «Бери шинель» Левашова, «День Победы» Тухманова). Появляется целая серия лирико-патриотических монологов: «Березовый сок» Баснера, «Гляжу в озера синие» Афанасьева, «Беловежская пуща» Пахмутовой, «Я люблю тебя, Россия» Тухманова; песен, воспевающих природу: «Эти летние дожди» Минкова, «Яблони в цвету», «Лебединая верность» Мартынова; песни о любви и о женской судьбе: «Ты мне снишься», «Музыка любви» Мажукова, «Сладка ягода» Птичкина. В некоторых песнях присутствуют юмористические образы: «То ли еще будет», «Я у бабушки живу» Э. Ханка, «Волшебник-недоучка» К. Зацепина и др.

    Возрастает роль песен в кино, «титровых» песен. Например, «Песня о мгновеньях» и «Песня о далекой родине» Таривердиева из телесериала «Семнадцать мгновений весны», киномузыка А. Рыбникова, М. Дунаевского, В. Шаинского, А. Петрова и др.

    В этот период появляется множество различных ВИА – «Поющие гитары», «Самоцветы», «Песняры», «Верасы» и пр.

    На развитие песенного жанра большое влияние оказала певческая исполнительная культура, такие певцы, как А. Пугачева, Ю. Антонов, И. Николаев, В. Кузьмин, И. Муромов, Ю. Лоза и др. Целую эпоху в песенном жанре составило творчество Р. Паулса.

СЕРГЕЙ СЕРГЕЕВИЧ ПРОКОФЬЕВ (1891 – 1953)

    Творческий путь Прокофьева начинался в сложный и напряженный период жизни России. Это было время революций и кровавых войн, накаленных споров в искусстве, пестроты творческих объединений, многочисленных выставок с экстравагантными названиями: «Ослиный хвост», «0. 10», «Бубновый валет», «Голубая роза» и др. Время социальных переворотов вызвало страстную жажду нового, поэтому уже первые сочинения Прокофьева, по-молодому дерзкие и свежие, сразу захватили слушателей. Маяковский сравнивал его музыку с «вечно живой, обжигающей, упруго-могучей силой вихря».

    С раннего возраста Прокофьев поражал всех смелостью и самостоятельностью суждений. Это качество он сохранил до конца жизни. Его всегда отличали живость, динамизм, неукротимость натуры и редкий оптимизм.

    Наследство Прокофьева поражает как разнообразием жанров, так и количеством созданных им произведений. Это объясняется не только его выдающимися способностями, но и необычайным трудолюбием и дисциплинированностью, воспитанными с детства. Его перу принадлежат оперы, балеты, концерты, симфонии, сонаты, кантаты, камерная музыка, музыка для детей, театра, кино и пр.

    Прокофьева отличает удивительная широта интересов: образы скифов («Ала и Лоллий»), русский фольклор («Шут»), трагедии Достоевского и Шекспира («Игрок», «Ромео и Джульетта»), сказки Андерсена, Перро, Бажова («Гадкий утенок», «Золушка», «Каменный цветок»), страницы русской истории («Александр Невский», «Война и мир»), юмор, сатира («Дуэнья», «Любовь к трем апельсинам»), время гражданской войны («Семен Котко»), ВОВ («Повесть о настоящем человеке») и др.

    Особой областью творчества Прокофьева является музыка для детей. Это и озорные песенки «Болтунья» и «Поросята», и симфоническая сказка «Петя и волк», И цикл фортепианных миниатюр «Детская музыка», и кантата «Баллада о мальчике, оставшимся неизвестным».

    Все творчество Прокофьева отличают самобытность и новизна. Сам композитор писал: «Я не желаю имитировать чужой стиль. Я отвергаю привычные методы композиции. Новизна – это то, к чему я стремился». Прокофьев в своей «Автобиографии» отмечает главные линии своего творчества: классическую, новаторскую, токкатную, моторную и лирическую.

    Классическая линия. Прокофьев стоял у истоков неоклассицизма вместе со Стравинским, Равелем, Хиндемитом, Онеггером. Неоклассицизм проявляется в обращении к забытым жанрам и приемам в условиях нового времени, таким как гавот, менуэт. Своей галантностью, прозрачностью фактуры, структурной четкостью многие его произведения близки стилевым особенностям 17-18 веков. Например, 1-ая «Классическая» симфония, отдельные номера из балета «Ромео и Джульетта» и др.

    Новаторская линия. С ней связаны токкатная и моторная линии. Отличается повышенной эмоциональностью, экспрессией, резкостью звучания, упругостью ритма. Эти качества характерны как для ранних произведений Прокофьева («Наваждение», «Скифская сюита»), так и для поздних (2-ая симфония, 7-ая соната).

    Лирическая линия. Она не похожа на известные образцы, поэтому ее долгое время не замечали. В ранних произведениях лирика была завуалирована резкими, колючими звучаниями, но со временем она становилась все более и более отчетливой и покоряла теплотой, искренностью и поэтичностью. Примерами могут служить «Гадкий утенок», 1-ый фортепианный концерт.

    С лирикой тесно связана мелодичность музыки Прокофьева. Прокофьев считается одним из самых ярких мелодистов 20-го века. Его мелодика необычайно разнообразна, она порой непривычна для слуха, т.к. в ней встречаются и скачки на широкие интервалы, и повторность звуков, извилистость рисунка, широта диапазона, сочетание песенности и декламационности.

    Лад. Тональность. В отличие от многих своих современников Прокофьев был сторонником тональной музыки. В его произведениях есть и диатоника (отдельные страницы написаны, по словам композитора, на белых клавишах), и 12-тиступеневая тональность, и расширенная тональность. Он часто использовал повышенные ступени.

    Гармония. Прокофьев не боялся применять самые простые созвучия, но использовал их в необычных сопоставлениях, что создавало ощущение свежести и новизны звучания. Есть и сложные, многоплановые, бифункциональные созвучия, созвучия со сложной альтерацией.

    Ритм. Он ассоциировался композитором с духом времени. Ритм Прокофьева – это регулярный ритм, который проявляется в опоре на постоянный такт с акцентом на сильной доле. Большую роль играет остинатность, в том числе хоровое остинато. Например, хор «Пити, пити» - рефрен 12-ой картины оперы «Война и мир».

    Форма. Прокофьев, как правило, опирался на классическую форму. Он любил квадратные структуры, часто строил темы в форме 8-митактного периода, что редко встречается в музыке 20-го века. Его перу принадлежат и

и сугубо индивидуальные композиции. Например, «Ледовое побоище» из кантаты «Александр Невский» написано по принципу кинематографической смены кадров.

Прокофьев был не только выдающимся композитором, но и замечательным пианистом. Современники отмечали его феноменальное техническое мастерство, мужественность, железный ритм, огромную силу звука, особенную «эпичность» исполнения.

    Творчество Прокофьева можно разделить на 3 периода:

1. первый период (1908 – 1918);

2. второй период (1918 – 1934);

3. третий период (1934 – 1953).

Первый период – становление творчества, начало творческой зрелости. В это время он тесно сближается с Мясковским, увлекается музыкой Равеля, Шоссона, Шенберга, Стравинского, создает первые свои произведения: две программные картины «Сны» и «Осеннее», пьесы ор.4, среди которых самой яркой является «Наваждение», 1-ый и 2-ой фортепианные концерты, 2-ую сонату, Токкату ор.11, Балладу для виолончели, оперу «Маддалена», балет «Ала и Лоллий», «Скифскую сюиту» и др. Это было время учебы в Петербургской консерватории и первые творческие шаги после ее блестящего окончания. Уже в первых сочинениях проявляется интерес Прокофьева к «неоклассицизму», намечаются основные приметы его стиля: остинатность, неожиданные скачки, эмоциональная взрывчатость. К концу первого периода полностью складывается индивидуальная манера письма, начинается творческая зрелость. Лучшими произведениями этого периода является фортепианный цикл «Сарказмы», вокальная сказка «Гадкий утенок», опера «Игрок», 1-ая «Классическая» симфония, «Мимолетности».

Второй период – зарубежный. В этот период Прокофьев посещает Америку, Японию, страны Европы, занимается не только композиторской деятельностью, но и исполнительской (много выступает как пианист), знакомится с выдающимися людьми – Равелем, композиторами французской «Шестерки», художниками Пикассо, Матиссом, дирижером Кусевицким, Рахманиновым и др. В этот период он создает «Сказки старой бабушки», оперы «Любовь к трем апельсинам», «Огненный ангел», балеты «Сказка о шуте», «Стальной скок», «Блудный сын», «На Днепре», 2, 3, 4 симфонии, 3, 4, 5 фортепианные концерты (4-ый для левой руки) и др. Этот период отличается смелыми экспериментами, особенно в области балетной музыки. Этому способствовало сотрудничество Прокофьева с Дягилевым и «Русским балетом» в Париже. Годы, проведенные за границей, были долгими и сложными, и в 1934 году Прокофьев возвращается на Родину.

Третий период – советский, вершина творчества. После экспериментов и творческих поисков стиль Прокофьева приобретает уравновешенный характер. Он много и плодотворно работает в различных музыкальных жанрах, создает лучшие свои произведения: балеты «Ромео и Джульетта», «Золушка», «Каменный цветок», оперы «Семен Котко», «Дуэнья» или «Обручение в монастыре», «Война и мир», «Повесть о настоящем человеке», симфоническую сказку «Петя и волк», 6, 7, 8, 9 фортепианные сонаты, ораторию «На стаже мира», 5, 6, 7 симфонии, музыку к кинофильмам «Александр Невский», «Иван Грозный» и т.д.

Творчество Прокофьева, вызывавшее много шумных споров, давно стало классикой 20-го века, а его смелые находки в области музыкального языка стали привычными для слуха и естественно вписываются в музыкальный стиль эпохи.

 

ДМИТРИЙ ДМИТРИЕВИЧ ШОСТАКОВИЧ (1906 – 1975)

 

Шостаковича называют летописцем нашего времени. И действительно, в его музыке отразились все этапы развития советского государства. Музыка Шостаковича наполнена не только личными переживаниями, в ней звучит исповедь целого поколения.

Диапазон его творчества огромен, он охватывает все жанры и формы музыкального искусства от простой бытовой песенки и легкой инструментальной музыки до симфонии, оперы, оратории и других крупных музыкальных полотен.

Также многогранен и круг образов Шостаковича. Это и напряженные раздумья много пережившего человека, и наивный мир детства, жуткие образы зла, насилия и возвышенная лирика, острая сатира, гротеск и мягкий юмор, величественная скорбь и светлая пасторальность. Особое место занимает трагедийность, которая связывает композитора с великими трагиками прошлого – Шекспиром, Гете, Бетховеном, Чайковским и др.

Шостакович никогда не порывал связей с традициями, особенно он любил и чтил Мусоргского, это чувствуется в опере «Катерина Измайлова» и в ряде произведений послевоенного периода. Ему было близко мудрое и высокое искусство Баха, что сказалось в 5, 6, 7, 8 симфониях, цикле прелюдий и фуг и др. Композитор продолжил традиции героического симфонизма Бетховена, лирико-эпического симфонизма Чайковского, многое почерпнул из творчества Малера.

Кроме связей с традицией, музыка Шостаковича отличается глубоким новаторством, что проявляется в новой трактовке сонатно-симфонического цикла, в открытии новой интонационной сферы, новой оркестровке, своеобразных ладогармонических средствах и т.д.

Мелодия. Источники мелоса Шостаковича различны: 1) старинный русский фольклор; 2) революционные песни; 3) советские массовые песни; 4) мелодика русской и зарубежной классики. Многие мелодии носят декламационно-речитативный характер. Встречаются мелодии чисто инструментального склада, с обилием скачков на широкие интервалы. Подобно другим композиторам 20-го века, Шостакович нередко использовал мелодии с квартовыми шагами.

Лад. Продолжая традиции русской музыки, Шостакович часто применял старинные лады. Иногда внутри какой-то темы один лад быстро сменял другой. Композитор любил вводить пониженные ступени, отсюда возникли новые лады, например, минор с пониженной 8-ой ступенью. В некоторых случаях Шостакович использовал битональность, т.е. одновременное звучание 2-х тональностей. Порой в разработочных разделах он вообще уходил из тональной сферы, но неизменно в нее возвращался.

Гармония. Гармонии Шостаковича исключительно разнообразны. Есть гармонии, состоящие из 7 звуков диатонического ряда или из 12 различных звуков. Но наряду с очень сложными созвучиями встречаются примеры простых, ясных аккордов. Многие гармонические комплексы возникли на стыке полифонического сплетения голосов.

Полифония. Шостакович – один из крупнейших полифонистов 20-го века. Как известно, высшей полифонической формой является фуга, поэтому композитор написал множество фуг для разных составов: для оркестра, хора с оркестром, квартета, квинтета, фортепиано. Он включал фуги в балет («Золотой век»), киномузыку («Златые горы») и др. Использовал он и другие полифонические формы и жанры: канон, пассакалью, имитацию, контрастную, подголосочную полифонию, не прошел он мимо и такого современного приема как додекафония.

Трактовка сонатно-симфонического цикла. Сонатно-симфонический цикл характерен для таких жанров, как симфония, соната, концерт, квартет, квинтет и др., а так как Шостакович часто обращался к этим жанрам, то естественно использовал и сон.-симфонический цикл. Композитор по-новому трактовал его. Так, первые части у него не Allegro, а Мoderato. Контраст между главной и побочной партиями, как правило, отсутствует, что компенсируется контрастом между экспозицией и разработкой. Разработки обычно раскрывают образы агрессии, зла, насилия, идут в более быстром темпе, наполнены острым напряженным звучанием. Репризы всегда изменены по сравнению с экспозицией, они динамизированные. Вторые части у Шостаковича – Скерцо. Скерцо он использует 2-х типов:1) традиционное, с преобладанием шутки, юмора, веселья; 2) «злое» скерцо, близкое по характеру и образам разработкам. Третьи части – медленные, наполненные глубокими философскими размышлениями, картинами природы. Четвертые части – самые различные: торжественные, героические, трагедийные и даже лирические.

Оркестровка. Шостакович прекрасно знал специфику каждого инструмента симфонического оркестра и поручал им соответствующие темы.

Струнные инструменты обычно исполняли светлые, лирические темы; медные духовые, наоборот,- жесткие, напряженные, зловещие темы, Деревянным духовым композитор часто поручал соло, особенно любил Шостакович тембр фагота и писал для него различные темы, от гротесковых до трагедийных. Большая роль отводилась ударным инструментам, которые также нередко исполняли соло.