Метод роботи над композицією.

КОМПОЗИЦІЯ

Вступна лекція. (4 год.)

Вступ.

Завдання курсу, матеріали, інструменти.

Теоретичні відомості.

Станкова композиція.

Закони композиції.

Закон єдності, закон рівноваги, закон типізації, закон новизни.

Зображальні засоби композиції.

Лінія, штрих, мазок, пляма, колір, форма, фактура.

Організація композиції.

Формат, симетрія та асиметрія, композиційний центр, ритм.

Виразні засоби композиції.

Контраст.

Композиційні прийоми.

Лінія горизонту в композиції, статика, динаміка.

Види композицій. Композиційні схеми.

Площинна композиція, об’ємно-просторова композиції.

Метод роботи над композицією.

Перший етап – виникнення пластичної (образної) ідеї. Це етап замальовок та начерків;

Другий етап – робота над ескізами;

Третій етап – сбір натурного матеріалу, робота над етюдами;

Четвертий етап – виконання ескізу у розмирі або картону;

П’ятий етап – виконання композиції у розмирі.

 

ТЕОРЕТИЧЕСКИЕ СВЕДЕНИЯ

 

Композиция произведения изобразительного искусства представляет собой сложно организованную конструкцию. Она выражает мировосприятие автора — его внутренний мир, его чувства, его понятие гармонии. Эта конструкция произведения есть комплекс взаимосвязанных элементов (формат, положение и размер изображения, а также размер, расположение, форма, цвет, тон, структура и фактура составляющих его пятен), выстроенных в соответствии с замыслом художника.

Содержание выдающегося художественного произведения открывается нам не сразу. Оно многослойно, полифонично, поэтому мы постепенно постигаем его тайну и смысл. Построение такого произведения требует от его автора глубокого осмысления избранной темы, тончайшей композиторской работы. Зритель же, умеющий воспринимать, получает от такого произведения эстетическое удовольствие.

Станковым называют произведение изобразительного искусства камерных, т.е. небольших размеров (хотя бывают исключения). Его назначение — доверительный диалог со зрителем. Главная цель станковой композиции — создание выразительного образа, передающего мысли, чувства, переживания художника. Мастера живописи в своих творениях достигают огромной силы обобщения, выражая личное понимание жизни, ее ценностей. В их произведениях, звучащих как музыка, мы видим не просто

пейзаж, а образ Родины, не просто человека, а образ поколения, не просто людей, а образ народа. Вложенные в эти произведения сильные чувства делают нас неравнодушными, углубляют и обогащают наше восприятие мира, вдохновляют.

Создание станковой композиции — задача сложная, представляющая собой целый комплекс художественных проблем, для решения которых нужны определенные умения и знания. Талант художника, его интуиция играют, конечно, первостепенную роль при создании произведения искусства. Однако важное значение в этом процессе имеет также знание законов и приемов композиции, умение использовать выразительные средства композиции, последовательно вести работу над композицией.

Эти знания и умения помогают осознаннее работать над художественным образом, кратчайшим путем находить нужное решение, точно выражать свои мысли, добиваться более углубленного прочтения темы. На их основе вырабатывается очень важное для художника умение анализировать. Ведь процесс создания композиции должен сочетать в себе чувство и логику.

 

ЗАКОНЫ КОМПОЗИЦИИ

 

Основными законами композиции являются законы единства, типизации, равновесия, новизны. Эти законы позволяют лучше понять и почувствовать принципы организации изобразительной плоскости, восприятия произведения изобразительного искусства в целом.

Закон единства заключается в том, что произведение искусства должно восприниматься как единое неделимое целое. Все компоненты композиции — тональное или цветовое решение, сочетание основных масс и деталей, смысловое решение и т. д. — должны быть едины и неделимы даже в малой степени. То есть в композиции нельзя допустить, чтобы ее отдельные

части были не взаимосвязаны между собой. Композиция должна строиться таким образом, чтобы никакая ее часть не могла быть убрана без существенного вреда для всей композиции.

Как же строится такое единство, такая взаимосвязанность частей композиции между собой? Единство возможно при согласованности, т. е. при определенном сходстве частей композиции между собой. Во-первых, должно быть конструктивное единство, выражающееся в сходстве, в повторяемости в различных вариантах контуров, объемов, размеров, пятен, интервалов, фактур. Во-вторых, необходимо единство общего тонового состояния композиции или ее колористического строя. В-третьих, все части композиции должны быть связаны по смыслу, дополняя друг друга и выстраивая общее смысловое решение.

В композиции, где существуют главное и второстепенное, распределение акцентов становится задачей достижения единства. Главное — пластическая идея произведения — должно быть ясно выделено и стать центром внимания зрителя. Для этого необходима иерархическая подчиненность главному остальных элементов композиции в соответствии с их значением. Когда все части композиции приведены к взаимосвязи и соподчиненности между собой, композицию можно считать цельной и законченной. В этом случае она становится единым закономерно устроенным организмом.

Важной частью единства произведения является соответствие формы и содержания. Единство формы и содержания заключается в том, что построение композиции должно определяться смысловым содержанием темы. Содержание диктует применение тех или иных композиционных приемов и средств, того или иного пластического и колористического решения. Это единство позволяет точно передать зрителю свои чувства, свое понимание того, что вас заинтересовало и увлекло. И наоборот, нарушение единства формы и содержания не позволяет добиться убедительности изображения. Например, зритель не поверит художнику, изображающему веселый сюжет в мрачных тонах.

Закон равновесия заключается в том, что элементы композиции должны быть сбалансированы между собой таким образом, чтобы создавалось ощущение зрительного равновесия. Неуравновешенная, «однобокая» композиция будет создавать чувство дисгармонии.

Равновесие зависит от расположения основных масс композиции в формате, от их размера, цветовых, тональных и фактурных отношений между собой. В гармоничной композиции эти компоненты изображения составляют единый организм, единое взаимозависимое целое. Даже незначительное изменение свойства одного из компонентов, например его цвета или тона, повлечет за собой потерю равновесия, а значит, во избежание этого — необходимость изменения свойств других компонентов изображения.

Таким образом, для создания гармоничной композиции необходимо тонкое чувство равновесия. Это чувство нужно развивать в себе сознательно, обращая большое внимание на композиционное построение своих работ, ответственно относясь к этапу компоновки.

Закон типизации заключается в том, что произведение должно представлять обобщенный образ, сконцентрировавший в себе наши представления о нем. Обобщенный образ воздействует на зрителя значительно сильнее случайного, сиюминутного. Например, фигура женщины с ребёнком на картине Петрова-Водкина «Мать», обобщенная и типизированная художником, олицетворяет для образ материнства, то есть это не чья то конкретная мать, а образ матери вообще.

 

Кузьма Петров-Водкин

«Мать» [1915] Вариант одноименной картины 1913 года, холст/масло, 107x98.5 см.

 

Работая над произведением, художник должен добиться типичности не только в передаче характеров, окружения, но и обстоятельств, в которых развивается действие, выявить образ времени, эпохи. Научиться обобщать, типизировать вам поможет изучение творческого наследия выдающихся мастеров живописи.

Закон новизны проявляется в том, что художественный образ должен представлять собой новое по восприятию формы и содержания. Каждый художник по-своему видит и трактует увиденное, что и передает в своих произведениях. Он должен создать оригинальный художественный образ, от этого во многом будет зависеть художественная ценность композиции.

Не следует понимать новизну художественного образа как новизну самой темы, пытаясь найти сюжеты, которые еще никто не изображал. Важна именно новизна решения художественного образа. Неожиданное прочтение темы, даже если эта тема является избитой, необыкновенное, но убедительное и обоснованное ее истолкование вдыхает в старый сюжет новую жизнь, делает произведение интересным для зрителя.

Леонардо да Винчи «Мадонна Литта»

 

Кузьма Петров-Водкин «Петроградская мадонна»

 

 

Макс Эрнст «Дева Мария, наказывающая младенца Иисуса в присутствии трех свидетелей: Андре Бретона, Поля Элюара и автора»

 

ИЗОБРАЗИТЕЛЬНЫЕ СРЕДСТВА КОМПОЗИЦИИ

 

К изобразительным средствам композиции относятся технические компоненты, с помощью которых создается изображение — линия, штрих, мазок, пятно, цвет, форма, фактура. Каждое из этих средств обладает различными изобразительными возможностями, которые нужно знать и уметь использовать.

При выполнении натурных зарисовок и этюдов, картонов, графических и живописных эскизов вы будете использовать различные изобразительные средства.

В одних случаях использование определенных изобразительных средств предполагает программа, в других случаях вам нужно будет самостоятельно выбирать оптимальные изобразительные средства для решения конкретных задач. Например, возьмем упражнения на различные виды контраста. Изучая проявления тонального контраста в жизни, вы будете наиболее активно использовать ахроматическое пятно. Для передачи контраста величин хорошо подходит линия. Если вам нужно передать цветовой контраст, используйте цвет. Грамотное использование изобразительных средств при решении различных задач говорит о понимании вами этих задач.

 

 

ОРГАНИЗАЦИЯ КОМПОЗИЦИИ

 

Прежде чем познакомиться со способами построения изображения на плоскости, давайте внимательнее рассмотрим такие характеристики композиции, как формат и размер изображения.

Важной композиционной задачей является нахождение формата изображения. Задуманное изображение можно хорошо разместить только в определенном, точно найденном формате. Иначе вы не сможете с наибольшей полнотой и силой передать свой замысел, композиция потеряет часть своей выразительности. Рассмотрим различные варианты форматов.

Круглый формат придает изображению покой и завершенность, овальный формат — мягкость и женственность. Такие форматы были часто распространены для изображения женских портретов, иногда — для изображения пейзажей и цветов.

Традиционный прямоугольный формат более строг и универсален. Вытянутый вертикальный прямоугольный формат усиливает стройность и монументальность изображения. Вытянутый по горизонтали формат предполагает спокойствие, повествовательность.

Немаловажное значение для восприятия изображения играет его размер. Одно и то же изображение, выполненное в различном размере, может иметь различную степень воздействия на зрителя. Нужно научиться чувствовать, какой размер изображения будет способствовать его максимальной выразительности. В целом можно сказать, что эпические монументальные темы требуют крупный размер, бытовые и лирические — меньший размер.

Для передачи художественного образа большое значение имеет размер изображенного объекта по отношению к изобразительной плоскости. Крупное изображение кажется выступающим из созданного на плоскости пространства, приобретает мощь, монументальность. Мелкое изображение кажется удаленным от нас и чем-то второстепенным, теряет свое значение; окружение при этом начинает играть более важную роль. Художник должен ясно понимать роли объекта и окружения в своем произведении, сознательно строить художественный образ.

Теперь рассмотрим различные способы организации изображения. Оно может строиться симметрично или асимметрично, иметь в основе ярко выраженный композиционный центр или ритмическое чередование элементов.

Симметрия и асимметрия. Построение композиции может быть симметричным или асимметричным.

«Симметрия» — греческое слово, означающее соразмерность, одинаковость сторон. Реальная действительность изобилует симметричными формами. Симметрично устроены человек, животные, насекомые, растения, минералы и т. д. Симметричную форму как гармоничную и совершенную использует человек, производя предметы быта, различную технику, возводя здания.

Асимметрия означает непохожесть, неодинаковость сторон. Асимметричные формы в природе также встречаются часто. Даже симметричные формы (если это не тела вращения) с различных точек зрения воспринимаются нами асимметрично. Асимметричная форма может быть прекрасной, изысканной, если найдены ее гармоничные пропорции.

В изобразительном искусстве симметрия активно применялась мастерами эпохи Возрождения. В их композициях симметрия символизирует абсолютное совершенство, торжественность происходящего. Выдающимся примером такого построения композиции является «Сикстинская мадонна» Рафаэля.

Рафаэль

Сикстинская мадонна.

 

В дальнейшем в искусстве развивается асимметричное построение композиций. Асимметрия больше подходит для выражения мимолетных впечатлений, передачи движения, изменения, контраста, драматизма.

Симметричное и асимметричное построение композиций связано с задачей достижения в них равновесия. В своем крайнем выражении симметричность изображения — это абсолютная одинаковость двух половин изображения, зеркальность. Равновесие в этом случае очевидно и подчеркнуто. Однако чисто симметричное построение используется редко, так как оно геометризирует изображение. Более художественно воспринимается изображение, построенное на основе симметрии, но с элементами асимметрии.

Симметрично организованная композиция характеризуется уравновешенностью ее половин по размерам форм, их объему, тону, цвету, фактуре. Если какой-либо из этих элементов асимметричен, это будет вносить в симметричную в целом композицию асимметрию.

Асимметричным можно назвать изображение, не имеющее осей или точки симметрии. Асимметричность композиции в своей крайней форме — это подчеркнуто различные половины изображения. В отличие от простого равновесия в симметричной композиции равновесие в асимметричной композиции является менее явным для восприятия. Оно достигается сбалансированностью всех элементов композиции таким образом, чтобы ее половины воспринимались одинаковыми по массе. Например, большой по массе предмет может быть уравновешен несколькими маленькими. Или, например, меньший по размеру предмет, но объемный может уравновесить более плоский крупный предмет. Большой неконтрастный к окружению предмет уравновешивается меньшим, но контрастно воспринимающимся предметом; предмет с четкими краями кажется более весомым, чем предмет с краями размытыми.

Композиционный центр. Любое произведение изобразительного искусства содержит в себе пластическую идею — наиболее ярко выделяющийся объект (часть объекта, группу объектов). Чаще всего пластическая идея занимает не всю изобразительную плоскость, а сосредоточена в какой-либо части изображения. Эту часть изображения называют композиционным центром.

В станковой композиции обычно существует смысловой центр — часть изображения, в значительной степени передающая сюжетное содержание произведения. Смысловой и композиционный центры, как правило, совпадают. Именно они являются главными выразителями идеи произведения и несут основную образно-смысловую нагрузку.

Кроме композиционного и смыслового, изображение имеет геометрический центр — центр изобразительной плоскости. Геометрический центр притягивает наш взгляд, фокусирует на себе наше внимание, воспринимается нами как центр поля зрения. Поэтому композиционный центр обычно располагают рядом с геометрическим центром. Однако строгое

совпадение композиционного и геометрического центров нежелательно, так как это геометризирует изображение. Композиционный центр может быть резко сдвинут в сторону от геометрического в случае, если для создания образа необходимо нестандартное решение.

Композиционный центр нужно уметь выделять — это повышает его выразительность и выразительность произведения в целом. Композиционный центр выделяют не только положением в формате, но и различными видами контрастов — светотеневым, тональным, цветовым, четкостью границ и т. д. Композиционный центр может выделяться также величиной изображенных предметов, полями вокруг них, детальной проработкой, техникой письма. Например, в масляной живописи композиционный центр пишется, как правило, более корпусно. Ярким примером выделения композиционного центра может служить шедевр великого испанского живописца Ф. Гойи «Расстрел повстанцев в ночь на 3 мая 1808 года».

 

Конечно, для выделения композиционного центра не обязательно использовать сразу все вышеперечисленные средства достижения выразительности. Например, композиционный центр может быть выявлен в основном светом или цветом. Отдельные участки границ предметов, составляющих композиционный центр, могут быть мягко списаны, а отдельные участки границ второстепенных предметов — быть четкими. Вам необходимо научиться чувствовать, какие виды контраста и в какой степени применять для выделения композиционного центра в каждом конкретном случае.

В произведении изобразительного искусства могут быть два композиционных центра, как, например, в картине Н. Ярошенко «Всюду жизнь». В ней мы видим противопоставление выглядывающих из окошечка арестантского вагона людей, олицетворяющих неволю, и голубей на перроне, символизирующих свободу.

Композиция может быть и без композиционного центра. Как правило, такая композиция строится на ритме или является декоративной.

Ритм — одно из важнейших проявлений жизни. Цикличны движение планет, смена времен года, ритмично бьются наши сердца. Без ритма не существует музыка, поэзия, архитектура. Нас окружают похожие друг на друга дома, деревья и столбы

вдоль дорог, движущийся поток машин, повторы столов и стульев в помещениях, предметы, чередующиеся на полке.

Итак, ритм — это повтор, чередование. Состоит ритм из акцентов и интервалов. Чередуясь, акценты и интервалы создают ритмический ряд. Наиболее ярко он представлен в орнаменте, где с математической точностью одни и те

же элементы повторяются через равные промежутки.

Ритм обладает определенным звучанием. В изобразительном искусстве ритм используется для создания образа, передачи необходимого настроения. Например, в картине А. А. Дейнеки «Оборона Петрограда» ритмом переданы целеустремленность движения, несгибаемая воля шагающих на фронт рабочих. Ритм и цветовой строй картины здесь создают звучание сурового марша. Ритм может строить и мягкое, мелодичное звучание, как, например, на картинах С. Боттичелли.

Ритм движений человека передает его характер. Но не только. Ритм движений людей выявляет смысл происходящего. В той же картине А. А. Дейнеки «Оборона Петрограда» марш вооруженных рабочих бодр и уверен, а разорванный ритм движений раненых на мосту драматически

нестроен.

 

А. А. Дейнека. «Оборона Петрограда»

 

Сандро Боттичелли «Весна».

В зависимости от того, что ритмуется, можно определить следующие виды ритма: ритм величин, ритм тональных пятен, цветовой ритм, ритм форм (пластичных и геометрических, плоских и объемных и т. д.), ритм фактур и материала, ритм интервалов.

Характер построения ритма может быть различным. Ритм может строиться фронтально и пространственно, в глубину. Ритмическое чередование может быть равномерным и неравномерным. Оно может быть нарастающим и убывающим. Ритм может иметь прерывистый характер, быть

зигзагообразным, развиваться по кругу и т. д. Ритм может строиться на одном плане, а может быть разноплановым, т. е. строиться на чередовании предметов, находящихся на разных планах.

Ритм может быть простым и сложным. Если в изображении присутствует только один вид ритма, такой ритм является простым, если сразу несколько видов ритма — это сложный ритм. В одной композиции можно применить сочетание разных видов ритма и даже их контрастное сопоставление.

Ритм может создавать впечатление статичного (спокойного) или динамичного (создавать ощущение движения). Равномерность ритмического чередования, построение ритмического ряда по горизонтали, симметричность ритмующихся форм создают статичность ритма. И наоборот, динамику ритму придают диагональные и волнообразные построения ритмического ряда, неравномерность ритмического чередования, асимметрия.

ВЫРАЗИТЕЛЬНЫЕ СРЕДСТВА КОМПОЗИЦИИ

 

Основным выразительным средством построения композиции является контраст. Для достижения композиционной выразительности применяются различные виды контрастов. Рассмотрим их.

Смысловой контраст — это контраст психологический, контраст характеров. Например, старого и нового, доброго и злого, красивого и уродливого.

Контраст величин — это контраст большого и малого.

Цветовой контраст — это контраст цветов, различных по насыщенности и цветовому оттенку. Цветовой контраст может проявляться между цветами одного цветового оттенка различной насыщенности. Например, ярко-розовый и бледно-розовый. Контрастируют и цвета равной цветовой насыщенности разных цветовых оттенков. Например, ярко-красный и ярко-

синий. Максимальный цветовой контраст достигается противопоставлением дополнительных цветов.

Анри Матисс. «Танец»

 

Тональный контраст — это контраст пятен различного тона, контраст между светлым и темным. Максимальным тональным контрастом будет контраст белого и черного.

Светотеневой контраст — это контраст между освещенными и затененными частями предметов.

Контраст форм (имеются в виду плоские формы) — это контраст между формами различной конфигурации. Например, контраст между геометрическими формами, образованными прямыми и кривыми

линиями (квадрат и эллипс). Или контраст между простой и сложной формами (окружность и силуэт человека).

Контраст объемов — это контраст между плоскими и объемными формами, между различными по характеру объемными формами. Например, плоский лист растения и объемный цветок, шар и куб.

Пабло Пикассо. «Девочка на шаре»

Контраст динамичного и статичного — это контраст между объектом, передающим движение, и объектом, создающим ощущение покоя. Например: стремительно бегущий человек на фоне силуэта небоскреба, гимнастка, выполняющая упражнение у окна.

Пограничный контраст заключается в усилении тонального и цветового контраста поверхностей предметов по мере приближения этих поверхностей к границе друг с другом.

Контраст четкостей границ заключается в различии четкости границ предметов между собой.

Контраст фронтального и пространственного — это контраст между фронтальным развитием композиции и ее пространственным развитием. Например,просвет в арке, пейзаж за окном.

Контраст планов — это контраст между различно проявляющимися планами. Планы всегда отличаются друг от друга, но контрастное сопоставление планов характерно прежде всего для пейзажа. В пейзаже один из планов может быть выхвачен светом, другой может уйти в тень или почти раствориться в тумане и т. д.

Контраст материальности — это контрастное сопоставление предметов, различных по материальности. Контрастно воспринимается, например, сочетание железа и дерева, меха и стекла.

Контраст фактур изображения — это контраст различных частей поверхности изобразительной плоскости, имеющих различную фактуру. Он возникает при различном техническом исполнении различных частей изображения. Этот контраст проявляется в первую очередь в масляной живописи при сопоставлении участков картины, написанных тонким слоем и пастозно, мастихином и торцеванием кистью. Многие художники в своих работах любят применять разнообразную фактуру поверхности, смакуя ее.

В графике художники используют контрастирующие по характеру и направлению линии, штрихи, пятна, т. е. контраст структур.

Контраст придает произведению эмоциональность, напряженность, активно воздействует на зрителя. Сопоставленные контрастные цвета, формы, размеры и т. д. усиливают друг друга, приобретают большую остроту.

Композиция не всегда строится с применением контраста. Произведение может быть построено на нюансе — сближенных отношениях, подобии частей, форм. Нюанс используется для передачи лирических, спокойных, мягких настроений. Некоторые художники, тонко и поэтично воспринимая действительность, предпочитают работать именно на нюансе.

 

 

КОМПОЗИЦИОННЫЕ ПРИЕМЫ

 

Композиционные приемы — это способы добиться определенного впечатления в изображении.

Линия горизонта в композиции. Немаловажную роль в характере эмоционального воздействия композиции на зрителя играет такой элемент композиционного построения, как линия горизонта. Задавая соотношение неба и земли (верха и низа), линия горизонта придает композиции то или иное образное звучание. Поэтому необходимо уметь сознательно пользоваться линией горизонта в работе над образом.

В композиции соотношение размеров неба и земли должно отвечать степени важности каждой из частей. Спокойное впечатление производит композиция с линией горизонта, соответствующей точке зрения стоящего человека. Линия горизонта при этом будет делить изображение почти пополам.

Высоко расположенная линия горизонта (т. е. высокая точка зрения) открывает больше пространства, придает пространству эпическое звучание. При этом значимость объектов, находящихся на земле, снижается, подчиняясь вознесшейся над ними линии горизонта.

И. Левитан. «Над вечным покоем»

 

Низкий горизонт (т. е. низкая точка зрения), наоборот, сокращает пространство, уменьшая его значимость, и придает значимость, монументальность фигуре или предмету. В картине Э. Делакруа «Свобода, ведущая народ» фигура Свободы, поднявшаяся высоко над домами, приобретает необыкновенную выразительность.

Еще один часто употребляемый композиционный прием достижения монументальности — фрагментарный показ предмета или фигуры. Такое укрупнение в контрасте с незначительной величиной других предметов или фигур производит впечатление значительности. Низко расположенная линия горизонта в пейзаже наилучшим образом подходит для передачи величественного неба.

Линия горизонта не должна делить изобразительную плоскость на две равные части. Нужно избегать такого деления композиции (как нельзя делить ее на две равные части и по вертикали). В противном случае композиция будет зрительно распадаться на две части.

Статика. Статикой в композиции называют состояние покоя, которое достигается устойчивым равновесием форм.

Впечатление неподвижности форм композиции подчеркивается ее симметричным построением, вписыванием форм в устойчивые геометрические фигуры — треугольник, прямоугольник, стоящие на плоскости.

Добиться статичного состояния помогает прием использования горизонтальных и вертикальных направлений. Горизонтали наиболее статичны и устойчивы. Вертикали придают композиции состояние торжественности, возвышенности.

Динамика. Композиция может создавать ощущение движения. Такую композицию называют динамичной. Движение создается асимметричным построением композиции, использованием диагональных направлений, кривых линий, конфигурацией предметов.

Движение имеет характер, скорость, направление. По характеру движение может быть прямолинейным, криволинейным, волнообразным, зигзагообразным, прерывистым, скачкообразным. Наименьшей силой и уверенностью наделены прерывистые и меняющие свое направление движения.

Ощущение скорости движения изображенного предмета зависит от ряда факторов. Движение, построенное по диагональным направлениям, отличается наибольшей динамичностью. Острая форма движется стремительнее тупой, вытянутая стремительнее короткой, легкая (по тону и цвету) стремительнее тяжелой. Выразительность движения зависит от размера изображаемого предмета. Например, предмет небольшого размера по отношению к изобразительной плоскости будет создавать ощущение лишь незначительного движения, как и предмет, тесно закомпонованный в формате. Перед движущимся объектом необходимо свободное пространство, чтобы можно было мысленно продолжить движение. Упор движущегося объекта в другой объект или в край композиции будет гасить движение. Важно чувствовать поле, необходимое для развития движения.

Движения, построенные по различным направлениям (в том числе и диагональным), создают различные ощущения, настроения и имеют символический смысл. Движение слева направо активизирует восприятие движения. Движение справа налево ослабляет восприятие движения, создает ощущение преодоления. Такое восприятие связано с нашей привычкой читать слева направо. Нисходящее движение создает некоторое ощущение поражения, падения, слабости, восходящее — подъема, преодоления, энергии. Движение может развиваться не только фронтально, но и в глубину, и из глубины.

Движение часто бывает связано с ритмом. Оно может ритмически развиваться, ускоряясь или замедляясь, меняя направление.

 

 

ВИДЫ КОМПОЗИЦИЙ. КОМПОЗИЦИОННЫЕ СХЕМЫ

 

По наличию пространственного решения и объемной трактовки форм композиции разделяют на плоскостные и объемно-пространственные.

Плоскостная композиция — это композиция, в которой фиксируется плоскость изображения. Плоскостная композиция широко используется в декоративно-прикладном искусстве (гобелен, роспись по металлу, по дереву и т. д.), в монументальной живописи (мозаика, витраж, фреска и т. д.), в графике. В станковой живописи плоскостное изображение было широко распространено в Средние века (яркий пример — иконопись). Новую силу оно приобрело с начала XX в. на этапе современного искусства.

 

Андрей Рублев. Троица. Кузьма Петров-Водкин.

Купание красного коня.

 

Объемно-пространственная композиция — это композиция, в которой присутствуют объем и пространство, переданные так, как мы их воспринимаем. Пространственная композиция наиболее распространена в станковой живописи. Объемно-пространственные композиции бывают с глубоким и неглубоким пространством.

Композиция может включать в себя одновременно элементы объемно-пространственного построения и уплощения формы и пространства. В современной живописи мы часто встречаем такое сочетание в самых разнообразных вариантах.

В изобразительном искусстве выработались различные схемы построения композиций, формирующие структуру композиции, ее «скелет». Композиция может строиться на основе геометрических фигур — треугольника, ромба, круга, квадрата и т. д., а может строиться на основе

кривых линий.

Композиция может быть построена по принципу кулис, когда правая и левая ее стороны, иногда ее передний план, верхняя часть обобщены и служат входом в композицию, обрамлением, а действие развивается на втором плане.

 

 

 

МЕТОД РАБОТЫ НАД КОМПОЗИЦИЕЙ

Создание произведения — процесс сложный, многообразный, зачастую непредсказуемый, но не бессистемный и хаотичный. Для человека неравнодушного он увлекателен, время от времени сопровождается озарениями, находками, неожиданными открытиями. Работу над композицией нельзя свести к схеме, однако в ней существуют определенные

закономерности. Эти закономерности позволяют выработать метод работы художника над произведением (имеется в виду последовательность творческого процесса).

Творчество художника сегодня базируется на знании объективных закономерностей художественного процесса, организации композиции. Это дает возможность сознательно работать над произведением, шаг за шагом продвигаясь к образному решению, которое бы максимально раскрывало искомый художественный образ.

Прежде чем говорить о процессе создания художественного образа, необходимо сказать об отношении художника к своему делу. Занимающийся искусством человек должен быть беззаветно влюблен в него. Искусство не прощает безразличного и изменчивого отношения к себе. Только тот, кто сможет полностью посвятить свою жизнь искусству, может надеяться на полный успех. Не вложив душу в свою работу, нельзя рассчитывать на то, что твои чувства передадутся людям. Аристотель говорил: «Волнует тот, кто волнуется сам».

Творчество невозможно без душевных переживаний. Это требует соответственного отношения к работе над композицией. Нужно стараться продвигать свою тему день за днем, чтобы ни один день не пропадал даром, думать о ней постоянно, как мать думает о своем ребенке. Если вы обладаете способностью так работать, получая от этого удовольствие, ваши усилия не

пропадут даром.

Искусство композиции есть искусство нахождения образного решения, выражающего замысел художника. Поэтому все задания и упражнения, включенные в программу по композиции, объединены общей целью — научить учащегося сознательно и системно находить нужное для раскрытия конкретной темы образное решение.

В процессе нахождения этого решения, или, как говорят, в развитии темы и заключается основная польза для вашего творческого роста, для развития вашего творческого мышления. Но чтобы уметь развивать тему от первоначального эскиза или натурной зарисовки до окончательного варианта, необходимо научиться понимать, в чем заключается достоинство

того или иного эскиза, уметь выбрать из различных вариантов лучшее и внести в окончательный вариант.

Работу над образным решением темы можно было бы назвать строительством образного решения. Умение в сравнении вычленять, выявлять удачное в эскизах и натурных зарисовках методом их сравнения между собой позволит вам этап за этапом приближаться к нужному образному решению. Конечно, такой метод работы над композицией предполагает выполнение большого количества эскизов и натурных зарисовок. К тому же умению видеть и выявлять лучшее нужно учиться. Оно приходит постепенно, с работой и опытом. Необходимо подчеркнуть, что в поиске нужного решения темы не следует надеяться на случайность: вдруг какой-то из вариантов окажется удачным во всех отношениях. Даже большое количество сделанных эскизов без поэтапного развития темы не принесет желаемого результата.

Умение вести работу поэтапно необходимо для формирования мышления художника. Оно помогает научиться образно мыслить и планомерно «выстраивать» образ в процессе работы над темой.

Вместе с умением развивать решение темы приходит и умение обобщать. В обобщении заложена суть художественного образа. Имеется в виду смысловое обобщение, типизация, позволяющая на основе конкретных предметов и явлений создавать образы времени, поколения. Ведь искусство художника заключается не в литературном пересказе фактов действительности, а в отборе и выражении наиболее существенного, знакового в явлении или в человеке. Обобщать — значит тонко чувствовать и понимать жизнь. Этому необходимо учиться.

Процесс работы над композицией включает в себя решение целого ряда композиционных задач. Он начинается с возникновения пластической идеи (это уже работа над композицией). На последующих этапах определяются размер и формат композиции, композиционный центр, находятся нужные выразительные средства, колористическое решение и т. д. Рассмотрим эти этапы.

Первый этап — возникновение пластической (образной) идеи. В основе любойкомпозиции лежит пластическая идея —форма сюжета, точнее, ее каркас. Пластическая идея неразрывно связана с сюжетом, она является его образным выражением.

Процесс возникновения пластической идеи может происходить по-разному.Часто идея возникает после периода первоначального накопления впечатлений.Впечатления, постепенно суммируясь,превращаются в идею. Иногда идея рождается просто от увиденной в натуре ситуации. В этом случае набросок, зарисовкас натуры могут стать отправной идеей длякомпозиции.

Художник, придумывающий композицию по воображению, должен обладать определенным опытом и знаниями.Опыт и знания художника складываютсяиз внимательного изучения натуры, выполнения композиционных упражнений,из жизненных впечатлений, разговоровоб искусстве, посещения галерей и выставок, чтения теоретической литературы поискусству и художественной литературы,просмотра альбомов и т. д. Не имея такого творческого багажа, который накапливается годами, невозможно создать убедительную композицию «из головы». Поэтому начинающему художнику работунад каждой темой по композиции нужноначинать с наблюдений натуры, с натурных зарисовок.

Работа с натуры, заключающаяся в этюдах и зарисовках различных жизненных ситуаций, фигур, натюрмортов, интерьеров, экстерьеров и пейзажей, должна стать вашим повседневным занятием. Работая в людных местах, нужно выработать профессиональную привычку не стесняться. Для этого важно уметь полностью сосредоточиться на своем деле, быть увлеченным человеком, иметь цель. Активная работа с натуры неизбежно будет выводить вас на различные мотивы, даст вам возможность выбирать наиболее интересные из них для дальнейшего развития. Стремление к постоянному поиску в окружающей жизни материала для творчества всегда отличает творческую личность.

Качество найденных вами пластических идей во многом будет определяться яркостью и новизной формы, в которую облекается тема. От новизны, оригинальности пластического образа напрямую зависит эстетическая и познавательная ценность произведения искусства. Работая над композициями, надо стремиться к тому, чтобы каждая из них несла в себе новый, неожиданный взгляд на действительность, имела личностную окраску.

В учебном процессе, начиная работу над темой по композиции, лучше одновременно развивать несколько мотивов. В дальнейшем из них выявляется наиболее перспективный, который разрабатывается более внимательно.

Второй этап — работа над эскизами. Этот этап можно назвать этапом сочинения. Конечно, сочинение в той или инойстепени присутствует на всех этапах работы над композицией, но при выполненииэскизов — более всего.

Эскиз — это черновик, проект картины, этюда, графического листа и т. д. Ра-

бота над эскизами заключается в композиционных поисках образного решения темы. Она развивает воображение, умение образно мыслить, совершенствовать решение своих композиций. В эскизах зреет идея художника: одновременно формируется его мысль о том, что он хочет сказать, и пластическое решение темы.

Эскизы выполняются в течение всего предварительного процесса работы над композицией. Поэтому работу над эскизами лишь условно можно выделить как второй этап в работе над композицией, так как именно в это время она обычно находится в наиболее активной своей фазе.

Первоначально выполняются эскизы небольшого размера. Их задача — выявление основной идеи замысла. Нужно обобщенно выразить пластическую идею темы, определить формат изображения, найти тональное и цветовое решение, расположение и размер главного, средства для его выделения.

На более поздней стадии работы над композицией размер эскизов увеличивается. Их задачей становится совершенствование общего решения композиции, нахождение ее второстепенных элементов. Уточняется формат композиции, ее тональное и цветовое решение, размерные и контрастные соотношения всех ее элементов и деталей.

В процессе поисков пластическая идея, а значит и смысловая трактовка темы, будет постепенно уточняться. Это изменение должно идти в сторону усиления выразительности, углубления содержания композиции.

Эскизы выполняются линией, тоном или цветом в зависимости от поставленных задач. Линия дает возможность экономными средствами определить величины, характер и расположение основных масс композиции. Расстановка тональных акцентов, светотеневое решение уточняются в эскизах, выполненных тоном. При помощи цвета находится нужное колористическое решение.

Работу над эскизом лучше начинать с рамки — легкой карандашной линии, намечающей формат композиции. Заданный формат приучает «видеть» в нем всю композицию сразу, работать методом членения изобразительной плоскости на составные части, а значит, определять соотношения этих частей, размер и место главного в формате. Можно посоветовать также вокруг эскиза оставлять поле. Оно позволит лучше воспринимать эскиз и, если понадобится, увеличить эскиз в любую сторону.

В эскизах сначала необходимо определить пластическое решение композиционного центра, его место и размер в формате, найти выразительные средства для его выделения. Обычно композиционный центр выделяется наибольшими контрастами, четкостью касаний, выразительностью фактуры по сравнению с другими частями композиции. Например, в композиционном центре часто располагают самое темное и самое светлое пятна композиции, самые яркие цвета и т. д. Композиционный центр может быть построен в большей степени на основе цветового, или тонального, или светотеневого контраста. Важно найти наиболее точно выражающее тему сочетание этих контрастов. Эта задача решается одновременно с поиском общего колористического решения, от которого в первую очередь зависит эмоциональное восприятие темы в целом.

Процесс предварительных поисков должен быть гибким. Старайтесь, чтобы каждый новый эскиз был непохож на другие. Пробуйте различные точки зрения, формат, размерные соотношения элементов композиции, цветовое построение и т. д. Только изучив разнообразные варианты решения темы, можно ее глубоко понять и прочувствовать, убедиться в том, что выбранное решение является единственно верным.

В краткосрочных этюдах и эскизах, где опущены детали, в их обобщенно взятых пятнах нужно научиться видеть заложенный образ. Развитое образное восприятие позволит вам делать правильный выбор в поиске решения композиции.

Цветовое решение композиции не должно быть слишком многоцветным. От этого страдает выразительность колорита, ведь условием выразительности колорита является ясность его восприятия.

Общее эмоциональное воздействие колорита во многом определяют доминирующие цвета. Доминирующими цветами считаются наиболее насыщенные цвета композиции различного цветового оттенка. Другие цвета дополняют и обогащают колорит, зачастую являясь менее насыщенными вариациями доминирующих цветов. Обычно колорит строится на сочетании двух доминирующих цветов (на цветовой паре), реже — на основе одного доминирующего цвета или на сочетании трех доминирующих цветов. Доминирующие цвета в колорите, как правило, находятся в определенной иерархии, т. е. имеют разницу в насыщенности и размере цветового пятна.

Важное значение имеет верное тональное решение композиции. Иногда даже при хорошо найденном цветовом решении тональные акценты в композиции бывают неточно выстроены. Поэтому уже на начальной стадии разработки темы полезно выполнять эскизы в технике гризайли.

В процессе композиционного поиска важно не потерять первоначальную идею, вдохновившую вас на разработку темы. С потерей идеи, давшей толчок к работе, интерес к теме часто теряется. Работа над композицией на любой ее стадии должна быть работой над этой изначально вами увиденной, почувствованной пластической идеей. В процессе поисков пластическая тема должна совершенствоваться, обогащаясь новыми гранями, оттачиваясь по форме, становясь более глубокой по смыслу.

Главная польза, а значит и смысл заданий по композиции, заключается в самом процессе поиска решения. Поэтому значение для вашего развития будет иметь и количество выполняемых эскизов, и разнообразие композиционных решений, и их нацеленность на построение образа. Для выполнения эскизов старайтесь использовать различные изобразительные средства, применять различные материалы.

Работа над эскизами основывается в первую очередь на умении рисовать и писать по памяти и по представлению. От этого умения во многом зависит их убедительность. Активно развивайте у себя эту способность, тренируя зрительную память, накапливая профессиональные знания.

Третий этап — сбор натурного материала. Уже говорилось о том, что темы своих композиций начинающему художникунужно искать на натуре, которая имеет неисчерпаемый запас мотивов и может многое подсказать человеку, умеющему замечать, «видеть». В отличие от надуманныхкомпозиций «от себя» композиции, выполненные на основе натурного материала, всегда отличаются убедительностью,живым ощущением мира. Но сейчас мыбудем говорить о сборе натурного материала для уже выбранной темы. Это необходимая и очень важная часть работы над

композицией, которая должна придать композиции достоверность, обогатить ее нужными деталями.

Натурный материал должен быть живым и разнообразным. Наброски, зарисовки, этюды нужно выполнять различного размера, различной длительности, различными материалами. Для нахождения нужного цветового решения эскиза необходимы этюды натуры в различных состояниях. Содержательный натурный материал позволит вам более уверенно работать над эскизами, а привычка собирать натурный материал будет способствовать

накоплению опыта, знаний и впечатлений.

Сбор натурного материала проводится на протяжении всех этапов работы над композицией. Однако он особенно активизируется на этапе, когда становятся ясными основные элементы композиции и их роль в ней. Натурный материал, служащий для уточнения и обогащения найденного в эскизах композиционного решения, должен собираться с учетом этого решения, диктоваться им.

Важно понимать, что картина (или графическое произведение) является синтезом, глубоко и всесторонне передающим впечатления и чувства художника. Набросок, зарисовка, этюд передают краткосрочное впечатление от натуры и не обладают должной силой обобщения. А. И. Куинджи, например, считал даже самый удачный этюд «случайным обрывком

из большой книги природы». Поэтому не стоит пытаться писать картину прямо с натуры или методом простого увеличения удачного этюда. Механическое соединение этюдов к различным частям композиции в одно полотно также не принесет никакого результата. Поэтому необходимо научиться не только собирать натурный материал, но и эффективно, творчески использовать его для построения образа.

Четвертый этап — выполнение картона. Для живописных работ крупного размеравыполняется картон. Картоном называютпредварительный рисунок к живописнойкомпозиции в ее натуральную величину.Приступать к выполнению картона нужнопри определившемся в предварительномэскизе композиционном решении и наличии необходимого натурного материала.

Важно уметь без искажений перенести рисунок из предварительного эскиза вкартон. При увеличении необходимо сохранить найденный в предварительномэскизе формат, т. е. выдержать пропорцииего сторон. Для этого стороны предварительного эскиза увеличиваются в одно ито же количество раз. Самый распространенный способ перенесения рисунка —

по клеткам. Каждую сторону эскиза делят на несколько частей и соединяют точки между собой, создавая прямоугольную сетку. Чем сложнее и мельче рисунок, тем мельче сетка. Подобную сетку с таким же количеством клеток наносят на будущий картон. Затем рисунок из клеток предварительного эскиза переносится в соответствующие клетки картона. Клеточную сетку наносят легко, чтобы впоследствии легко ее удалить. Затратив незначительное время на вычерчивание сетки, вы выиграете в точности рисунка.

В картоне ставится задача выверить и уточнить рисунок, поэтому картон может быть выполнен только линией. Если к этой задаче добавляется задача проверки тонального решения композиции, картон выполняется тоном.

Натуральная величина изображения в картоне позволяет лучше почувствовать, как будет восприниматься будущая картина, и внести соответствующие коррективы. Ошибки, незаметные в небольших по размеру эскизах, в картоне станут явными. Их необходимо исправить. При этом следует пользоваться натурным материалом.

Для выполнения картона используются различные материалы: уголь, карандаш, соус и др. С помощью кальки или по клеткам рисунок с картона переносится на холст.

Пятый этап — выполнение эскиза в размере. Завершающим этапом работы художника над композицией является исполнение самого произведения. Для учащихся не ставится задачавыполнить законченную картину или графический лист. Программами по живописи и композиции не предусмотрено написание картин. Все практические задания по живописи — это этюды различнойдлительности, по композиции — эскизык картине, включая дипломный эскиз. На этапе обучения главное — научитьсяобразно воспринимать увиденное, добиваться выразительного образного решения темы. К задаче написания картиныболее подготовлено подходят студентыстарших курсов. Настоящаяже зрелость в вопросах создания картины приходит позже, в процессе активнойтворческой деятельности.

Найденное в предварительных эскизахи картоне решение важно без потерь перенести в окончательный вариант. В этомпроцессе часто теряется то точность пропорций элементов композиции, то выразительность пятна, то верная расстановка акцентов. Поэтому нужно ответственно относиться к этому этапу работы надкомпозицией, внимательно анализируясделанное. Умение в картине сохранитьи приумножить достоинства найденногона подготовительных этапах решения является признаком профессионализма художника.

После перенесения рисунка на холстработа над картиной (эскизом в размере)вступает в решающую стадию. Важно нетолько перенести с увеличением найденное вами в предварительном эскизе решение. Нужно работать над дальнейшимуточнением этого решения, его выразительностью. Например, с увеличениемразмера композиции требуется, как правило, большая детальность проработки ееформ. Возможно, потребуют некоторого

усиления ее цветовые и тональные контрасты.

Выполняя эскиз в заданном размере, нужно добиться его цельности, ясного выявления в нем основной пластической идеи, которая должна сразу прочитываться. Неумение сохранить в основном эскизе соподчиненность второстепенных элементов главным, увлечение деталями приводят к потере выразительности композиции.

Б. В. Иогансон, анализируя композиционное построение картины художника П. Федотова «Сватовство майора», пишет: «Первый признак совершенства композиции — когда содержание картины читается сразу и на большом расстоянии. Если картина на большом расстоянии превращается в неопределенную серую гамму или дребезжит своей пестротой, это значит, в ней не решен главный профессиональный момент — композиционная декоративность — основа композиционной доходчивости.

Когда мы первый раз видим картину, то сразу нам из всей картины что-то бросается в глаза в первую голову. Вот на этом «что-то» художник строит свой расчет. Конечно, в первую голову бросаются в глаза контрасты, и чем они сильнее и ярче, чем они больше по размеру цветового пятна, чем они сильнее освещены, чем они, короче говоря, резче представляют контраст к остальному в картине, тем в первую очередь они бросаются в глаза зрителю…

 

Композиционный строй «Сватовства майора» таков, что заставляет зрителя остановиться на большом светлом пятне жеманной фигуры невесты в розовом платье. Пропорции светлого силуэта фигуры невесты ко всему силуэту поразительно точно найдены… Дальше глаз зрителя идет по той цепочке фигур, как хотел автор».

В картине необходимо добиться, чтобы каждое пятно, каждый контраст композиции были приведены к их точному месту и силе звучания в общем хоре пятен и контрастов. Глядя на изображение, зритель в первую очередь должен видеть главный элемент композиции, затем второй по важности и т. д. То есть степень выделения каждого элемента композиции должна соответствовать степени его важности. Такая иерархия элементов композиции организует выверенный художником «путь» взгляда зрителя по изобразительной плоскости. Умение точно расставлять акценты возможно лишь при ясном понимании композиционных задач, стоящих перед художником при создании картины, и является показателем его зрелости и мастерства.