Русские народные художественные промыслы

Хохлома.

Хохломская роспись.

Русский народный художественный промысел; возник в 17 веке. Название происходит от села Хохлома (Нижегородская область). Декоративная роспись на деревянных изделиях (посуда, мебель) отличается тонким узором с изображением различных растений, выполненное красным и черным (реже зеленым) тонами и золотом по золотистому фону.

ПАЛЕХ.

Палехская миниатюра.

Вид русской народной миниатюрной живописи темперой на лаковых изделиях из папье-маше (коробки, шкатулки, портсигары). Возникла в 1923 году в посёлке Палех на основе иконописного промысла. Для Палехских миниатюр (бытовые, фольклорные, исторические, литературные сюжеты), выполненных яркими локальными красками по черному фону, характерны тонкий плавный рисунок, обилие золота, изящество удлиненных фигур.

Городец.

Городецкая роспись.

Русский народный художественный промысел; существует с середины 19 века в районе г. Городец (Ныне Нижегородская область). Яркая, лаконичная Городецкая роспись (жанровые сценки, фигурки коней, петухов, цветочные узоры), выполненная свободным мазком с белой и черной графической обводкой, украшала прялки, мебель, ставни, двери. В 1938 г. основана артель (с 1960 г. фабрика Городецкая роспись), выполняющая сувениры.

Жостово.

Жостовская роспись.

Русский народный художественный промысел; возник в начале 19 века в деревне Жостово (ныне Мытищенский район Московской области). Декоративная живопись маслом на металлических подносах, покрываемых затем лаком: букеты, фрукты, исполненные яркими красками на черном или цветном фоне. В 1928 году основана артель (ныне Жостовская фабрика декоративной росписи).

Мстёра.

Мстёрская миниатюра.

Вид русской народной миниатюрной живописи темперой на лаковых изделиях из папье-маше (коробки, шкатулки и др.). Возникла в 1923 году в посёлке Мстёра (Владимирская область) на основе иконописного промысла. Для мстёрской миниатюры (бытовые, фольклорные, литературные, исторические сюжеты) характерны теплота и живописная мягкость колорита, небольшие фигурки, пейзажные фоны.

Холуй.

Холуйская миниатюра.

Вид русской народной миниатюрной живописи темперой на лаковых изделиях из папье-маше. Возникла в 1932 году в поселке Холуй (Ивановская область) на основе иконописного промысла. Сюжетные композиции (современные, фольклорные, исторические, литературные сюжеты) на фоне пейзажа.

Гжель.

Гжельская керамика.

Изделия керамических предприятий в районе села Гжель (Раменский район Московской области) Во 2-й половине 18 века “черные” (простые) и “муравленые” (поливные) гончарные изделия сменяются майоликой с разноцветной росписью по белой поливе. В 19 веке производились фарфор, фаянс и полуфаянс. В наше время традиции гжельской керамики продолжает завод художественной керамики в посёлке Турыгино.

Вопрос 4. Архитектура как вид изобразительного искусства. Выразительные средства архитектуры, монументальной скульптуры. Ее виды и стили. Взаимосвязь архитектуры, монументальной скульптуры и живописи. Архитектура родного края и других стран.

Архитектура (зодчество) в переводе обозначает прочность, польза, красота. В отличие от графики, живописи – архитектура создает из геометрических объемов замкнутую, пространственную сферу в виде различных сооружений, архитектурных ансамблей и городов. Каждое из сооружений, архитектурных ансамблей и городов. Каждое из сооружений имеет определенное назначение. Все они прочны, удобны и необходимы людям, должны создаваться по законам красоты и выражать определенные чувства и настроения. Древнегреческий теоретик Витрувий сказал, что архитектура держится на трех китах: польза, прочность, красота.

К выразительным средствам относятся:

- композиция (от лат. – сочинять, составлять, располагать) – бывает симметричная и антисимметричная;

- масштаб – зависит от общего впечатления, которое он производит на человека. Жилые дома мелкомасштабные, так как много окон, балконов.

- ритм – четкое распределение повторяющегося участка с определенным интервалом. Бывает вертикальным и горизонтальным.

- пластика объемов, пластичность, выразительность, гармония, изящество, фактура и цвет материалов;

- тектоника.

Архитектурный стиль – исторически сложившаяся совокупность художественных средств и приемов, проявляется в способах организации производства, в выборе характерных эпохи форм, пропорций, украшений.

Стили архитектуры:

· Византийский – стремление к пышной зрелищности, условность языка, глубокая религиозность, строгие формы (Церковь Святой Софии в Константинополе, 6 век).

· Классицизм – свойственна строгая организация логичных, ясных образов, четкость, регулярность планировки (Дворцово-парковый комплекс в Версале).

· Античный – Древняя Греция, Рим. Характеризуется богатством, многообразием, свободным расположением комнат, связью с природой (Акрополь в Греции, 1 тыс. до н.э.).

· Романский – монастыри, церкви, замки (10-13 века). Эти каменные сооружения воздвигались на возвышенной местности. Особенности: монолитная целостность зданий и торжественная сила, узкие проемы окон башен. Ведущая роль – монументальные рельефы, покрывающие поверхность фасадной стены, внутри – колонны, столбы (Дамский собор в Риге).

· Готика – соборы (12 – 16 века), небывалые по высоте, обширность интерьеров, огромные окна с витражами, на фасаде соборов – статуи (Собор Парижской Богоматери в Париже).

· Барокко – этот стиль связан с дворцово-церковной культурой. Свойственны смелые контрасты масштабов, совмещение реальности и фантазии. Родился в Италии. В России начал процветать в 18 веке при Петре І (Петродворец, Царское село).

 

Архитектура Беларуси

Минск. Петропавловская церковь (1611 – 1613гг)

План храма в виде прямоугольника, близкого к квадрату, расчленен на три нефа. Средний из них, заканчивающийся граненой абсидой, шире и выше боковых. Главный фасад фланкируется по углам башен. При реконструкции храма в 70-е годы прошлого века фасады его были изменены. Они приобрели формы, распространенные в русской архитектуре того времени. Сейчас Петропавловская церковь реставрирована, башни ее получили шатровые завершения, а фасады освободились от позднейших пристроек.

Кафедральный собор (1642г.)

Постройка имеет базиликанский план. Внутреннее пространство шестью столбами делится на три нефа. Средний неф, как это принято в базиликальных храмах, значительно шире и выше боковых и заканчивается большой пятигранной апсидой.

Главный, западный, фасад церкви завершается двумя высокими многоярусными башнями, оформленными слоями пилястр, арочными нишами и в верхних ярусах – арочными пролетами. Зажатая между башнями средняя часть решена в виде щита с криволинейным контуром. Архитектурное здание имеет выраженный барочный характер.

Церковь Марии Магдалины (1847г.)

Первично однокупольный одноапсидный храм. К прямоугольной в плане основного объема с восточной стороны присоединены не очень выступающая апсида, с западной – большая пристройка. При реконструкции храма апсида закрыта четырехоконным портиком, поставленным на высокий цоколь. В центре основного объема на световом цилиндрическом барабане возвышался большой купол, который поддерживали массивные столбы.

Стены фасадов церкви членены высокими полуцилиндрическими оконными проемами и декорированы пилястрами. По всему периметру здания проходит тонко-профилеванный карниз. Интерьер зальный, трехнефный. Перекрытия крестовые и цилиндрические.

Церковь – памятник архитектуры псевдорусского стиля.

Несвеж. Замковый комплекс Радивилов (16 – 18 в.)

В его архитектуре можно обнаружить смешение разных стилей, что свидетельствует о многоэтапности строительства и использовании художественных достижений разных эпох. Был заложен на месте деревянного укрепления Н. Радивилом Сироткой в 1583г.

Сооружение его, на первом этапе, вел итальянский архитектор Ян Мария Бернандони. На гравюре Т. Маковского 1613 г. Показаны земляные и каменные укрепления: насыпные валы, бастионы и ров, заполненный водой. Через ров со стороны входа в замок был подъемный мост. Попасть же из города к замковому комплексу можно было только по разборному мосту.

За замковыми укреплениями стояло три отдельных каменных корпуса, образующих внутренний двор – палац. Центральный корпус, поставленный напротив въездных ворот, занимал сам Радивил. Это было трехэтажное здание с небольшими восьмигранными башнями по углам. Слева от него – также трехэтажный казарменный корпус с высокой дозорной башней, а справа – двухэтажное хозяйственное здание. Разобщенные корпуса в последующие века перестраивались и объединялись архитектурными вставками, образовав замкнутый парадный двор.

Центральный корпус выделяется своим архитектурно-художественным решением. Фасад его пластичен благодаря применению пилястр, рельефной декорации, скульптурных заставок. Особенно обильна лепка высокого фронта с гербом. В это же время с тыльной стороны корпуса появляется двухэтажная пристройка с террасой и двумя угловыми башенками.

Башня с аркой въезда в замок вынесена вперед к мосту через ров в виде парадной Брамы, характерной для белорусского зодчества. Арка переходит в тоннель со сводами, который прорезает насыпной вал, и выходит напротив центрального корпуса.

Мир. Мирский замок.

Замок в Мире – выдающееся произведение белорусского зодчества. Выполнен из камня и кирпича. Расположен в стороне от поселения. Среди сторон окружен рва ми и земляными валами с бастионами, а с четвертой – прикрыт водоемом.

План замка представляет собой перекошенный четырехугольник, образованный крепостными стенами. По углам, выступая за стены, стоят четыре башни. Пятая башня – главная – с аркой въезда находится в середине западной стены и обращена к поселку. За стенами, возвышаясь над ними, располагается дворец.

Строительство дворцово-паркового комплекса происходило в несколько этапов. Первоначально были возведены крепостные стены, башни, наружные земляные укрепления и одноэтажное каменное здание в юго-западном углу замка. Затем внутри замка с северной и восточной сторон строятся одноэтажные корпуса с подвалами. В конце 16в. Или в первой половине 17в. Эти корпуса были надстроены до трех этажей и получили планировку, свойственную дворцовому зданию. Надстройка потребовала изменения крепостных стен, к котором примкнул дворец: в них были заложены бойницы, пробиты оконные проемы, а верхняя часть стен разобрана и возведена заново.

В архитектуре комплекса преобладают черты готики и только в дворцовой части встречаются отдельные элементы ренессанса.

Вопрос 5. Восприятие произведения искусства. Анализ произведения изобрази тельного искусства. Крупнейшие художественные музеи мира.

Восприятие произведения изобразительного искусства предполагает активную деятельность, для которой требуется соответствующая подготовка. Развитие художественного восприятия включает решение следующих основных учебных задач:

· Развитие отзывчивости к произведениям.

· Развитие способности выразить свое отношение к произведению.

· Расширение объема знаний и представлений об искусстве.

Дети начальной школы еще не могут адекватно рассказать о своих переживаниях. Необходима особая методика знакомства с изобразительным искусством.

Задачи методики:

· развивать у детей умение расспрашивать о произведениях;

· развивать навыки общения по поводу искусства

· учить детей использовать своё умение наблюдать действительность при рассказе о произведениях изобразительного искусства;

· развивать умение сопоставлять произведения изобразительного искусства с аналогичными явлениями из области другого искусства;

· учить графической речи.

Развитие восприятия в школе может быть основано на обширном материале произведений. В 1 классе дети имеют представление о художниках-живописцах, графике. Во 2 классе представления о работе художников расширяются.

Лучший путь изучения искусства — знакомство с подлинными произведениями живописи. Подлинники можно встретить в музеях и на выставках.

Нужно, чтобы вас посетило вдохновение для восприятия искусства. А.С. Пушкин определил вдохновение, как «расположение души к живейшему восприятию впечатлений».

Если нет возможности для посещения музея, можно рассматривать репродукцию картины. Здесь необходимо выполнить следующие условия: репродукция должна быть таких размеров, чтобы ее хорошо видели все дети в классе (можно положить репродукцию каждому на стол). Можно рассматривать репродукцию фрагмента картины, если последняя больших размеров. Обязательно озвучить для детей, каких же размеров картина в оригинале.

Восприятие картины, это познание ее. Педагогу необходимо образ, возникший в голове ребенка, приблизить к образу, воплощенному художником. Для этого необходима внутренняя настроенность детей, особая установка на восприятие картины, педагог должен внушить детям оценку этой картины, в которой убежден сам педагог.

Для детей школьного возраста характерна подвижность восприятия, фантазирование при восприятии. В этом случае фантазирование развивает творческие способности и говорит о заинтересованности детей, их эмоциональном подъеме. И здесь большая роль отводится педагогу, его эмоциям, увлеченности, умению повести детей за собой.

Если ребенок при восприятии картины переживет состояние восторга, то он никогда не забудет этого состояния и, скорее всего, станет постоянным посетителем выставок и музеев.

Смотреть и видеть.., вроде бы одно и то же, а на самом деле смотрят все, а видеть нужно, учиться. Еще нужно учиться наблюдать — питать свой ум и ум детей ЖИВЫМИ впечатлениями и образами. Почти в каждом из детей есть, хоть и незаметный росток, где-то в самой глуби, может быть затаившаяся способность к художественному творчеству.

Вопрос 6. Краткий обзор методов преподавания изобразительного искусства. Обучение рисованию в древности (Египет, Греция, Рим) и в эпоху средневековья (Виллар де Оннекур). Вклад художников Возрождения в методику преподавания изобразительного искусства (Ченнино Ченнини, Альберти, Леонардо да Винчи, А. Дюрер, Микеланджело, Шон, Г. Гольбейн).

Изобразительное искусство прошло длинный и сложный путь своего развития, зародившись с появлением человеческого общества. В течении тысячелетий оно менялось, возникали определенные стили, рождались новые школы.

Во всем мире известно искусство Древнего Египта. Недалеко от Каира на западном берегу Нила, величественно возвышаются знаменитые гробницы фараонов – пирамиды, построенные более четырех тысяч лет назад, самая большая и монументальная из них – пирамида Хеопса. Также одним из самых замечательных произведений древнеегипетского искусства являются два скульптурных портрета Нифертити, созданных ведущим скульптором своего времени Тутмосом.

История греческого искусства славится первыми каменными статуями в честь победителей соревнований, также создавались и статуи девушек в пышных, нарядных одеждах. В Древней Греции была выработана особая система – строго установленное, математически точное соотношение несущих частей здания. Следует указать на то, что в отличии от египтян, греки стремились строить свои храмы грандиозными, подавляющими человека. Они тесно связали архитектуру со скульптурой. Высокого развития достигла и живопись. К сожалению ни фрески, ни картины, писавшиеся на деревянных досках, не сохранились. Вместе с тем, о высоком уровне развития живописи можно судить по изображениям на глиняных вазах (вазопись). Появляются портреты, передающие индивидуальные черты людей, жанровые скульптуры, предназначенные для украшения домов и садов богатых граждан. Созданные в Древней Греции замечательные произведения искусства являлись высочайшим достижением человеческого гения и оказали огромное влияние на искусство народов всех последующих веков.

Также грандиозное впечатление оставляет и искусство Древнего Рима. Изобретенный римлянами бетон позволял строить огромные, прочные здания, простирать над широкими пространствами купола и своды (Колизей). Достопримечательностями римских городов были водопроводы, мосты, дороги, общественные бани. В искусстве Древнего Рима высокого развития достиг скульптурный портрет, в котором римские скульпторы стремились передать индивидуальные особенности портретируемых, сходство изображения с оригиналом. Яркого расцвета достигли фресковая живопись, мозаика, прикладное искусство.

Бесконечные продолжительные войны, внутренние распри, восстания рабов ослабили мощь Римской империи, и она не смогла противостоять нашествию пришлых племен (варваров). Римская империя перестала существовать. Классические традиции в искусстве древних греков и римлян были отброшены, каменная архитектура пережила упадок. Но постепенно с развитием у европейских народов феодальных отношений, образованием новых варварских государств начали формироваться средневековая культура и искусство. Культура средневековья полностью находилась под властью церкви, культурными центрами становились монастыри. Развивается романский стиль. Ведущая роль в романском искусстве принадлежит архитектуре. Строения отличаются своей мужественной красотой, внушительной и торжественной мощью. Внешние формы характеризуются четкостью, ясностью очертаний.

В конце 12 века на смену романскому искусству пришел новый стиль – готический. Эпоха готики – это эпоха расцвета новых культурных центров средневековья – городов. Основным видом искусства остается архитектура. Четко выделялись облегченные строительные каркасы, отсутствие толстых стен, обилие легких арок, имеющих стрельчатые очертания, устремленность всего здания ввысь, высокие окна. Внутри высокие и стройные столбы, обилие скульптур. Также в эпоху средневековья строились и светские здания. Значительного развития достигла книжная миниатюра, декоративно-прикладное искусство, резьба по слоновой кости, ювелирное дело. Произведения средневековья пережили свое время, обогатили мировую культуру и сейчас являются для нас бесценными.

Возрождение – новый этап в истории новой мировой культуры. Эта эпоха оценивается как величайший прогрессивный переворот из всех пережитых человечеством. Художники и писатели стремились к правдивому изображению природы и человека. Главным стержнем всей культуры возрождения стал гуманизм. И именно человек становится главным героем произведений писателей и художников Возрождения – Ф. Петрарко, Д. Боккаччо, Леонардо да Винчи, Микеланджело и др. Человека, одаренного безграничными творческими возможностями, способного перестроить окружающий мир, одухотворенного высокими идеалами прекрасного в своем нравственном совершенстве, прославляют в своем искусстве художники Возрождения. Искусство возрождения создало свои особые формы, свой стиль – Ренессанс. Художники Возрождения занимались анатомией, археологией, математикой, физикой. Они дали научное обоснование законов перспективы, светотени, теоретически изложили способы реалистического изображения действительности, восприятия и передачи цвета. В своем знаменитом трактате “Три книги о живописи” Леон Батист Альберти доказывает необходимость для правдивого, реалистичного изображения предметов действительности знания и использования художником точных наук. Он пишет, что эффективность обучения искусству предполагает научную осведомленность художника: “Мне хочется, чтобы живописец был как можно больше сведущ во всех свободных искусствах, но, прежде всего, я желаю, чтобы он узнал геометрию”. Леонардо да Винчи беседовал с лучшими анатомами и математиками своего времени как первый среди равных. Уставший от работы Микеланджело часто засыпал с анатомируемым трупом, а утром снова, используя ланцет, изучал мышцы человека. Альбрехт Дюрер был живописцем, гравером, скульптором, инженером, архитектором, изучал математику, был теоретиком искусства, читал древних автором, сочинял стихи. Такое самозабвенное увлечение наукой, внимательное изучение явлений, фактов действительности дало замечательные результаты – художники итальянского Возрождения создали жизнерадостное реалистическое искусство. Жизненность, правдивость создаваемых образов, глубокое раскрытие психологии внутреннего мира человека, высокий гуманизм - отличительные черты эпохи Возрождения.

Вопрос 7. Обучение рисованию в 17-19 вв. в Западной Европе (Л. Карраччи и его братья, Рубенс, Дидро, Геге, Жан-Жак Руссо, Л. Давид, И. Песталоцци, А. Ивон, Жюльен, Рамзауэр, П. Шмидт, Братья Дюпюи). Художественное образование в конце 19 – начале 20 века (Каве, Л. Тедд, Баунгарт, Ш. Халлоши, А. Ашбе, Г. Кершенштейнер, Дж. Дьюи) и в современной зарубежной школе.

17 век – академическая педагогическая система. В это время предъявлялись четкие требования к педагогам. Над проблемами учебного рисунка работали такие деятели, как Иванов, Егоров, Шебуев.

К началу 19 века академическая школа рисования становится лучшей во всей Европе. В Академии художеств начинается серьезное научное изучение натуры.

Доскональное изучение натуры было основным условием в академическом обучении рисунку. Также большое значение придавали умению видеть большую форму. В этот период начинает получать свое развитие рисунок по памяти.

Развитию рисования во многом содействовал президент Академии художеств А.Н.Оленин. Его заслугой было полное переоборудование академических классов с требованиями современной методики, улучшения преподавания ряда общеобразовательных и специальных дисциплин.

Яркими представителями, благодаря которым обучение рисованию развивалось, стали:

· Л. Карраччи и его братья.

· Рубенс

Современники называли его королем художников и художником королей. По мощи таланта и многогранности дарования, глубине знаний и жизненной энергии Рубенс принадлежит к числу самых блестящих фигур европейской культуры XXVII века. Прижизненная слава Рубенса была так велика, что в отблеске его имени тусклое царствование эрцгерцога Альберта и его жены Изабеллы начало казаться великой эпохой. С той поры в волшебном мире живописи Рубенс занимает одно из самых почетных мест. Рубенс жил с 1577 по 1640 год, в тот период, который обычно историки называют Контрреформацией, так как он характеризовался возрождением римско-католической церкви, предпринимавшей энергичные усилия с целью подавления последствий протестантской реформации. Это было время острых столкновений, в ходе которых человеческий дух и интеллект добивались больших успехов, но оно также известно своей алчностью, нетерпимостью и беспримерной жестокостью. В те годы, когда жил Рубенс, такие ученые, как Галилео Галилей, Иоганн Кеплер и Уильям Гарвей, изменили своими трудами представление человека об окружающем мире и о вселенной, а математик и философ Рене Декарт полагался на силу разума человека, что оказало глубокое воздействие на его мышление. Такие католические святые, как Франциск Сальский и Тереза Авильская, посвятили всю свою жизнь возрождению духовной силы христианства. Мать определила его на некоторое время в пажи к вдове графа Филиппа де Лален, Маргарите де Линь. Так начинался обычно путь молодого человека из хорошей семьи с ограниченными средствами, чтобы, в конце концов, занять достойное положение в обществе. Учтивый паж с хорошими манерами мог рассчитывать на повышение, а с возрастом - и на важный и ответственный пост у какого-либо вельможи, а, следовательно, и на определенную роль в управлении государством. Так начиналась не одна знаменитая политическая карьера. Рубенс научился изысканным придворным манерам в доме графини Лален, но уже тогда он хотел стать художником и несколько месяцев спустя убедил свою мать забрать его со службы у графини и определить учеником к художнику.

Ему подыскивают учителя, который согласился бы взять его к себе в мастерскую. Это Тобиас Верхахт. Питер Пауль перебирается к нему в дом. Первый учитель Рубенса был ничем особенно не выделявшимся пейзажистом - рисовал ландшафты небольших размеров, на которые всегда существовал спрос, но Питер Пауль не мог многому у него научиться. Очень скоро он перешел в мастерскую более универсального художника Адама ван Ноорта, у которого пробыл в учениках около четырех лет. Девятнадцати лет от роду Петер Пауль снова меняет учителя, став учеником одного из самых замечательных антверпенских художников Отто ван Веена. Он был человеком ученым, с превосходным вкусом, одним из членов элитарной группы "романцев", художников, когда-то учившихся в Италии, чьи произведения были пронизаны гуманистическим духом Ренессанса. Работы Отто ван Веена были вдумчивыми, значительными, но почти лишенными жизни. Тем не менее, этот художник оказал серьезное влияние на эстетическое образование Рубенса, он привил своему ученику тщательное изучение композиции, стимулируя у него интерес к интеллектуальным аспектам их общей профессии. Когда Петеру Паулю исполняется двадцать один год, его принимают мастером в гильдию св. Луки, антверпенскую ассоциацию художников и ремесленников, старейшина которой - его бывший учитель Адам ван Ноорт. Хотя у него пока не было собственной студии и он продолжал еще целых два года работать у Отто ван Веена, ему теперь разрешалось брать учеников, что он и сделал, взяв к себе в ученики Деодатуса Дель Монте, сына антверпенского серебряных дел мастера. За всю свою карьеру Рубенс несколько раз рисовал королевскую чету. Он изображал эрцгерцога серьезным, исполненным достоинства мужчиной, к которому, несомненно, питал искреннее уважение и которому выражал свою благодарность, - в конце концов, Альберт дал ему первый важный в его жизни заказ на роспись алтаря в Риме. Но он проявлял еще большую преданность к эрцгерцогине, уважение и любовь к которой с годами росли. Поздние ее портреты, написанные Рубенсом с симпатией и пониманием, помогают нам отметить все высокие качества и добродетели в ее поразительном, прекрасном лице, изображенном с достаточной степенью условности.

За годы после назначения Рубенса придворным живописцем он не только выполнял положенную ему работу при дворе, то есть рисовал портреты придворных и занимался декоративным оформлением дворцов и церквей, но еще и не забывал принимать заказы от других покровителей, как в Испанских Нидерландах, так и из-за рубежа. Придворным художникам обычно предоставлялось жилье либо во дворце, либо рядом с ним, в Брюсселе, но Рубенс добился права жить в Антверпене. Как писал он своему другу в Рим: "Я не желаю снова становиться царедворцем".

Рубенс открыл свою мастерскую. В его мастерской работают десятки учеников, но еще больше просят принять их: "Я до такой степени осажден просьбами со всех сторон, что многие юноши уже несколько лет ждут у других мастеров, чтобы я принял их к себе... я был принужден отклонить более ста кандидатов..."

· Дидро

· Гете

· Ж.-Ж. Руссо

· Л.Давид

· И. Песталоцци

· А. Ивон

· Жюльен

· Рамзауэр

· П. Шмидт

· Братья Дюпюи

Представителями, развивавшими художественное образование в 19 – начале 20 века были:

· Каве

· Л. Тедд

· Баунгарт

· Ш. Халоши

· А. Ашбе

· Г. Кершенштейнер

· Дж. Дьюи

Вопрос 8. Рисование как учебный предмет в учебных заведениях России в 18-19вв. (А. Лосенко, В. Шебуев, А. Егоров, А. Венецианов, А. Сапожников, Г. Гиппиус, П. Чистяков). Влияние пособий А. Скино, В. Пукиерева, А. Саврасова, С. Зарянко, И.Д. Прейслера, А.П. Сапожникова, Г.А. Гиппиус на развитие методики преподавания рисования в общеобразовательных учебных заведениях. Педагогическая система П.П. Чистякова. Работы Д.Н. Кордовского, И.Е. Репина, Э. Грабаря.

Впервые рисование, как общеобразовательный предмет появился в Россия в начале ХУШ в. На него начинают смотреть как на одно из средств, способствующих развитию образного представления в развитии умния, которое можно применять в любой профессии. Большой вклад в методику преподавания рисования был сделан педагогами Академия художеств, основанной в 1858 г. Благодаря им академия стала одной из лучших в Европе; в ней была создана последовательная система худ. образования и методика обучения рисунка. Академия художеств стала научно-методическим центром по вопросам художественной жизни России.

Можно отметить лучшее методическое руководство в мире Ид. Прейслера, в котором разработана система обучения художников и дана методика раскрытия моментов построения изображения. Много нового внес в методику А.П. Лосенко. Он дал научно-теоретическое обоснование каждого положения рисунков. Его труды: “Изъяснение краткой пропорции человека или начертание академической фигуры” учебное пособие по анатомии для художников; руководство по увеличению (уменьшению) фитуры человека; альбом таблиц- оригиналов.

К среди ХIХ в. русская школа академического рисунка достигает небывалой высоты, серьезное внимание здесь уделяется вопросам методики преподавания рисования, совершенствованию техники и технологии. Многое сделали в этом направлении такие художники-педагоги как, В.К. Шебуев. ЛИ Иванов. А.Е. Егох АЯ. Сапожников.

Метод обучения В.К. Шебуева был реалистичным, он стремился приблизить ученика к природе, познанию объективных законов строения формы. Шебуев подходил к делу с научно-исследовательской стороны. В 1822 г. закончил “Полный курс правил рисования и акатомии для воспитанников Академия художеств”.

В 1834 г. выходит первое методическое пособие, но рисованию “Курс рисования” А.Я. Сапожникова. В нем указывались ясные направления в преподаванив рисования. Задачей он видел прнучить рисовальщиков во время работы мыслить и рассуждать. Его метод был успешным - он наглядно и просто раскрывал самые сложные моменты анализа формы предмета при помощи наглядности.

Вопросами методики обучения рисунка занимается и А.Г. Венецианов. Основой его метода было рисование натуры. Копирование образцов он считал ненужным. Основополагающее в преводавании рисования - поиски такого метода, который бы ближе подводил ученика к натуре, выработку правил, которые в простой форме раскрывали бы законы искусства и природы.. Он первый подошел к методике преподавания как к творческому процессу.

В 1804 г. рисование вводиться в число обязательных предметов в училищах и гимназиях. В 1825г. училище тех. рисования со специальным отделением по подготовки учителей рисования. В 1834г. – Министерство народного просвещения издает циркулярное предложение о замещении должностей учителей рисования и черчения выпускниками Строгановского училища.

В помощь учителям общеобразовательных школ издаются различные пособия, среди которых капитальный труд в области методики преподавания Г.А.Гиппиуса “Очерки теории рисования как общего учебного предмета”, охватывающий и общетеоретические вопросы и педагогики, ИЗО и методики. Гиппиус обосновывает каждое положение методики научно-теоретических. Много методических советов он дает в своей книге “Первоначальное обучение. О наглядности”. Методику Гиппиус тесно связывает с обеспечением класса оборудованием и материалами.

Таким образом, была подготовлена хорошая почва для дальнейшего развития методики рисования. Однако этого не произошло: снижается уровень методической подготовки учителей, нарастают противоречия между Академией художеств и прогрессивными русскими художниками, рисование получает иное направление: методическая основа – античные образцы.

Много нового внес в методику обучения С.К. Зарянка, который основой считает научно-теоретическое обоснование рисунка. Главные принципы – простота и наглядность. Он впервые предложил метод преподавания перспективы и разработал систему обучения, особенность которой единство рисунка и живописи. В 1864 г. рисование исключено из числа обязательных предметов.

Большое влияние Ра развитие методики оказал П. П. Чистяков. Его система противостояла тем методам, которые были тогда в академии. Педагогические взгляды Чистякова очень ценны, так как они основаны на данных науки. Им была изобретена “Система проверочного рисования”. По его мнению, обучать надо, соблюдая педагогический такт и учитывая индивидуальные особенности учеников.

Все эти идеи не были претворены в жизнь. Более того, во второй половине 19 века в методику стали внедряться схоластика, догматизм, формальный подход к обучению.

Вопрос 9. Совершенствование методов преподавания рисования в советской школе (А.В.Бакушинский, К. Петров-Водкин, К. Юон, В.Н. Яковлев, Е.С. Кондахчан, А.А. Дейнека). Образование методических центров в 50-е и 60-е годы. Научные исследования Е, И. Игнатьева, Н.Н.Ростовцева, В.С. Кузина, Т.Я. Шпикаловой по художественному образованию и эстетическому воспитанию детей в 60-80-е годы. Экспериментальные поиски в совершенствовании методов преподавания изобразительного искусства (Б.П. Юсов, Б.М. Неменский и др.). Передовой педагогический опыт художников-педагогов и его роль в художественном воспитании детей (И.П.Волков, С. П. Катков, В. И. Версоцкий, В. Ф. Сумарев, В.Н. Данилов, Р. Май и др.).

Во второй половине XX века методика преподавания рисования в советской школе начала усовершенствоваться. Главные тенденции в развитии советской живописи, определившиеся во второй половине 50-х начале 60-х гг. были связаны с развитием всенародного энтузиазма, высокого пафоса, развернутого строительства коммунизма.

Живопись успешно преодолевала ложную помпезность, поверхностностное мелкотемье, а также схематизм и предвзятую огрубленность в изображении героев.

После ВОВ в нашей стране была проведена реформа художественного образования. Академия художеств СССР поставила своей целью создать новую систему художественного образования и воспитания в стране, используя традиции дореволюционной реалистической школы. Как указывалось на сессии, новая советская школа не может отказаться от проведенного опыта художников-педагогов прошлого. Сохранившийся материал (черновые записи, письма, высказывания, рисунки мастеров и пр.) содержит немало ценных мыслей о методике преподавания изобразительных искусств, которые могут быть с успехом использованы в современной практике. В эти годы было обращено внимание на разработку методики преподавания рисования. Многие художники работали сугубо над разрешением методический задач.

Наиболее плодотворную работу в научно-методической работе проводили:

· А. М. Соловьев – “Учебный рисунок”

· А. А. Дейнека – “Учитесь рисовать”

Выдающийся художник А. А. Дейнека писал: “Станковое воспроизведение может менять стену, город, но мозаика, фреска, витраж имеют точный адрес. Лишенные своего законного места, эти произведения теряют основные качества, выглядят иногда непонятно и в лучшем случае становятся экспонатами музеев”.

В основе монументально-декоративного произведения лежит единство с архитектурным пространством. Мы вправе выбирать формат своей станковой картины, статуэтки по вкусу, по подрамнику, особенно не согласуя с различными другими картинами. По росписи, отвечают росту архитектурного ритма, по своей цветовой гамме, композиционному срою и размерам. Само собой разумеется, что монументальное произведение не должно быть огромных размеров, - и его размеры вытекают в основном из соображений цельности и целесообразности архитектурного ансамбля и соответствует архитектурным масштабам. Но если монументальный образ в искусстве возможен в пределах больших по своим масштабам размеров, то жанровый или интимный образ невозможно представить в соответственно больших размерах.

А. А. Дейнека серьезное внимание уделял методике обучения. Он старался детально разъяснить каждый этап построения изображения. Дейнека считал, что художник должен работать организованно, для чего педагог предполагал расчленять учебное рисование на отдельные этапы. Он считал, что техника рисунка крайне важна в воспитании начинающего художника.

Кузьма Петров-Водкин (1878-1939) разработал основные принципы композиционного, перспективного и цветного построения своих картин. Художник отказался от классической перспективы и заменил ее сферической. При сферическом построении пространства живописец использует несколько точек зрения, к центру наклоняет вертикальные композиционные оси, разворачивает картины к зрению: “Полдень. Лето”, “Утренний натюрморт”.

Своеобразен и колорит картин Петрова-Водкина. Его картины написаны с помощью трех основных цветов: красного, желтого, синего.

К.Ф. Юон (1875 - 1958) – пейзажист. Его картины представляют собой оригинальный сплав бытового жанра с архитектурным пейзажем.

В 40-е 70-е годы обучение рисунку стало строится на рисовании с натуры, т.к. изображая с натуры, дети одновременно познают ее. Оно основано на наблюдении действительности, поэтому педагог должен правильно видеть предметы и явления окружающего мира и отображать их.

В 1970 году переработаны и утверждены новые учебные программы, где сформулированы цели и задачи преподавания ИЗО, определено содержание учебного материала. Вместо рисования возник такой предмет, как изобразительное искусство. Введены специальные Факультативные курсы для углубленного изучения отдельных предметов, в том числе и ИЗО.

В настоящее время проводиться большая экспериментальная работа целыми коллективами по усовершенствованию и изменению всей системы преподавания ИЗО в общеобразовательной школе, и в частности обучение рисунку.

Вопрос 10. Концепция художественного образования и воспитания (Б. Неменский, В. Кузин, И.Ф.Селезнев и др.). Современные технологии художественного образования (И. Волков, Т.Я.Шпикалова, В.Н. Данилов и др.).

В связи с разработкой нового содержания ИЗО в школе в 1974г. была создана проблемная группа под руководством Б.М. Неменского, которая начала искать принципиально новые пути решения программы Изо, новая концепция отличалась от старых:

1. иной постановки задач, в основе которой лежит четко выработанная системность;

2. иной конструкцией или структурой, где на смену позаимствованному принципу пришла целостная блоково-тематическая система построения кругов познания.

Цель:

1. знания о природе, человеке, технике

2. опыт способов деятельности (умения, навыки)

3. опыт творческой деятельности

4. опыт эмоционально-ценностного отношения к миру

Концепция художественно-эстетического воспитания предусматривает основные пути достижения эффективности художественно-эстетического образования, его целей и задач, а также основные требования к системе научно-методического обеспечения, художественно-эстетического воспитания.

Важнейшие задачи художественно-эстетического воспитания:

· формирование художественного восприятия, воспитания чувств

· развитие сенсорных способностей, образного мышления, творческой деятельности, толерантность оценок общей культуры личности.

Процесс обучения и воспитания художественно-эстетическими средствами является целостной и последовательной системой развития художественного творческого мышления обучаемых при усвоении языков искусства.

Цели образования:

· духовность

· интеллектуальность

· моральность

· национальность

· общечеловеческая солидарность

Система ориентиров в преподавании различных видов искусств

· ориентация в художественной деятельности

· в жанровых основах искусства

· в основных видах художественно-творческой деятельности

· в художественном содержании произведений искусства

Вопрос 11. Дидактические принципы и методы обучения изобразительному искусству и художественному труду.

Основой преподавания изобразительного искусства является органическое единство учебного и воспитательного прочесов: нравственное, эстетическое и художественное воспитание должно быть основано на систематическом усвоении учащимися художественных знаний и освоении практических навыков художественной деятельности. Овладение изобразительными навыками и техническими приемами является не самоцелью, а средством художественного познания и отображения действительности, формирования эстетического отношения к действительности, выработки у них активной жизненной позиции.

Успешное выполнение учебно-воспитательных задач, поставленных перед общеобразовательным предметом возможно при соблюдении в процессе преподавания научно-обоснованных и проверенных практикой дидактических принципов.

Общие дидактические принципы:

· научности

· сознательности и активности

· прочности усвоения знаний

· систематичности и последовательности

· доступности

· наглядности

· учета индивидуальных особенностей