Эже́н Анри́ Поль Гоге́н

 

Автопортрет 1885 года

х. м. 65х54

 

Родился в Париже,7 июня 1848 — 8 мая 1903) прожил 54 года— французский живописец, скульптор-керамист и график. Вместе с Сезанном и Ван Гогом был крупнейшим представителем постимпрессионизма. В начале 1870-х годов начал заниматься живописью как любитель. Ранний период творчества связан с импрессионизмом. С 1880 года участвовал в выставках импрессионистов. С 1883 года профессиональный художник. Работы Гогена не находили спроса, художник был беден.

Его отец, Кловис Гоген (1814—1849), был журналистом в отделе политической хроники журнала Тьера и Армана Мара «Насьональ», одержимым радикальными республиканскими идеями;

мать, Алина Мария (1825—1867), была родом из Перу из богатой семьи. Её матерью была известная Флора Тристан (1803—1844), разделявшая идеи утопического социализма и опубликовавшая в 1838 году автобиографическую книгу «Скитания парии».

В 1849 году, после неудавшегося антимонархического переворота, Кловис покидает Францию. Вместе с семьей он отправился в Перу, собирался создать собственный журнал, но этого не произошло. Отец художника по дороге в Перу, умер от сердечного приступа.

В связи с этим, до семилетнего возраста Поль жил в Перу и воспитывался в семье матери. Впечатления детства, экзотическая природа, яркие национальные костюмы, беззаботная жизнь в поместье дяди в Лиме остались в его памяти на всю жизнь, сказавшись в неутолимой жажде путешествий, в тяге к тропикам.

В 1855 году, когда Полю было 7 лет, он с матерью возвращается во Францию, и селятся в Орлеане с дедом. Гоген быстро учится французскому языку и начинает преуспевать в образовании. В 1861 году его мать открывает швейную мастерскую в Париже, а её сын готовится к поступлению в Мореходное училище. Но он не выдерживает конкурса и в декабре 1865 года нанимается в плавание в качестве «курсанта», или ученика лоцмана.

До 1871 года он почти непрерывно будет находиться в плавании по всему свету: в Южной Америке, в Средиземном море, в северных морях. Находясь в Индии, он узнаёт о смерти матери, которая в своём завещании рекомендует ему,цитата «сделать карьеру, так как он совершенно не способен вызвать к себе расположение друзей семьи и может вскоре оказаться очень одиноким». Однако, прибыв в Париж в 1872 году, получает поддержку знакомого ему с детства друга матери Гюстава Арозы, биржевого дельца, фотографа и коллекционера современной живописи. Благодаря его рекомендациям Гоген получает должность биржевого брокера.

В 1873 году Гоген женится на молодой датчанке Мэтте-Софи Гад, вхожей в семью Ароза, Гоген становится и отцом пятерых детей. В 1874 году рождается Эмиль, Алина в 1877, Кловис в 1879, Жан-Рене в 1881 и Поль в 1883. В последующие десять лет положение Гогена в обществе укреплялось. Его семья занимает все более комфортабельные квартиры, где особое внимание уделяется мастерской художника. Гоген, как и его опекун Ароза, «коллекционирует» картины, особенно импрессионистов, и пишет сам.

С 1873—1874 года появляются его первые пейзажи, один из них будет выставлен в Салоне 1876 года.

Примеры: В лесу Сен-Клу. 1873

Пейзаж с тополями, 1875

Дерево во дворе фермы художника 1874

Порт Гренелля 1875

Сад в снегу 1879

 

Гоген знакомится с художником-импрессионистом Камилем Писсарро до 1874, но их дружеские отношения завязываются с 1878 года. Гогена приглашают участвовать в выставках импрессионистов с начала 1879 года: коллекционера постепенно воспринимают всерьёз и как художника. Он проводит лето 1879 года у Писсарро в Понтуазе, где пишет сады и сельские пейзажи, похожие на пейзажи «мэтра», как и всё то, что он будет писать вплоть до 1885 года.

Известные картины этого периода: «Шьющая женщина» 1880. Копенгаген.

В 1880 году Гоген написал обнаженную женщину – позировала ему служанка Жюстина. В этой обнаженной Гоген как нельзя более полно выразил то, что отличало его от импрессионистов. В самом деле, трудно найти что-либо общее между женщиной, сидящей на краю дивана и склонившей безрадостное лицо над тканью, которую она штопает, и обнаженными женщинами Ренуара, с их цветущей и сверкающей плотью!

Кисть Ренуара ласкает поверхность кожи. Под кистью Гогена сквозь формы тела проступает душа. Ренуар и другие импрессионисты пишут зримое, Гоген, сознательно или нет, пытается писать то, что находится за пределами зримого, то, что зримое в какой-то мере отражает.

Эта обнаженная настолько выделялась на фоне других произведений самого Гогена и его товарищей, что на шестой выставке импрессионистов в апреле 1881 года в доме номер 35 по Бульвару Капуцинок, где висела эта картина, она надолго приковала к себе внимание писателя-натуралиста Гюисманса.

"В прошлом году, – писал Гюисманс, – господин Гоген выставил... серию пейзажей – этакий разжиженный, неокрепший Писсарро.

В этом году г-н Гоген представил произведение воистину самостоятельное, полотно, которое свидетельствует о неоспоримом темпераменте современного художника. Картина называется "Этюд обнаженной натуры". Осмелюсь утверждать, что ни у одного из современных художников, работавших над обнаженной натурой, с такой силой не звучала правда жизни... Эта плоть вопиет. Нет, это не та ровная, гладкая кожа, без пупырышков, пятнышек и пор, та кожа, которую все художники окунают в чан с розовой водицей и потом проглаживают горячим утюгом. Это красная от крови эпидерма, под которой трепещут нервные волокна. И вообще, сколько правды в каждой частице этого тела – в толстоватом животе, свисающем на ляжки, в морщинах под отвислой грудью, обведенной бистром, в узловатых коленных суставах, в костлявых запястьях!.. За долгие годы г-н Гоген первый попытался изобразить современную женщину... Ему это полностью удалось, и он создал бесстрашную, правдивую картину".

Похвалы Гюисманса избавили Гогена от сомнений: он художник, настоящий художник, а не любитель. Но эти похвалы должны были и смутить его. Гюисманс в общем-то хвалил его за реализм, а Гоген, безусловно, испытывал по отношению к реализму то же инстинктивное сомнение, что и по отношению к импрессионизму. По сути, импрессионизм был наследником реализма. В обоих случаях речь шла о том, чтобы изображать "видимые предметы", правда, различными средствами. Обнаженная, восхитившая Гюисманса, с ее тяжелым, непривлекательным телом, с ее выражением печали вовсе не была героиней натуралистического "среза жизни". Она была вестницей внутреннего мира Гогена, того неведомого мира, первым неожиданным проявлением которого и было это полотно..."

Писсарро знакомит Гогена с Эдгаром Дега, который всегда будет поддерживать Гогена, покупая его картины и убеждая это делать Дюрана-Рюэля, торговца картинами импрессионистов. Дега станет владельцем около 10 полотен Гогена, в том числе «Прекрасная Анжела» 1889, которая относится к бретонскому периоду его творчества.

В 1884 году Гоген переехал с семьёй в Копенгаген, где продолжал работать брокером. Однако после того, как стал заниматься живописью всё своё время, Поль оставляет жену и пятерых детей в Дании и возвращается в Париж в 1885 году. В 1886—1890 годах Гоген почти всё время проводит в Понт-Авене (Бретань), где общается с группой художников, близких к символизму. Первый раз художник направился туда в 1886 году, желая отдохнуть от Парижа и немного сэкономить: жизнь там была заметно дешевле. Изменения в живописи Гогена ведущие к трансформации реальности начались именно в Бретани. Портрет «Прекрасная Анжела» был написан Гогеном в 1889 году, под влиянием традиций японской живописи, а именно гравюры. Хотя на первый взгляд найти параллели между гравюрой и портретом бретонки непросто. Как на гравюре, героиня расположена на переднем плане, при этом она максимально приближена к зрителю. Крестьянская девушка, изображённая по пояс, и фон отделены друг от друга рамкой – подобная композиционное решение совсем не соответствует традициям академической живописи. Скорее это явное заимствование у традиционных японских эстампов — демонстрация двойного пространства. Нестандартным является и изображение самой героини – румяное лицо с большим носом, прищур маленьких глаз, крючковатые руки. У героини есть реальный прототип – это жена предпринимателя, будущего мэра, мадам Сартр. Сохранились воспоминания очевидцев, которые утверждают, что когда Гоген преподнёс в дар портрет, мать мадам Сартр воскликнула: «Какой ужас!», а сама портретируемая решительно отвергла подарок. Но несмотря на такую реакцию, Гоген был очень доволен полотном. Живописец не ставил своей целью достигнуть портретного сходства, напротив, он специально «облачил» героиню в традиционный бретонский костюм с вышивкой, исказил черты лица, превратив героиню в некого идола, расхожего прототипа крестьянской женщины. То, что Гоген видел неповторимую, даже дикую, первобытную красоту в простом крестьянском лице подтверждает название картины. Искусствоведы сегодня усматривают в «Прекрасной Анжеле», как и в других бретонских работах, черты примитивизма. Диковинную фигурку в перуанском стиле, и большие заглавные буквы на полотне можно рассматривать как едва уловимые намёки на зарождающийся примитивизм. Другие работы бретонского периода тоже демонстрируют тяготение к примитивизму. Желание заменить сложные вибрации цвета яркими локальными плоскостями, натурный цвет заменить на цвет-символ, цвет-чувство. Бретонские крестьянки 1886 г. Видение после проповеди 1888

Остров Мартиника, куда Гоген уехал в 1887 году вместе с художником Лавалем, с которым он познакомился в Бретани, помог совершить в творчестве мастера эволюцию, сделав заметными в его работах японские влияния^.

^{Тропический разговор, 1887г.}

В 1887—1888 годах посетил Панаму, где наблюдал строительство Панамского канала, ему даже пришлось подрабатывать чернорабочим на строительстве.

В 1888 году некоторое время жил у Ван Гога в Арле и работал с ним. Пребывание закончилось ссорой, связанной с одним из первых приступов помешательства у Ван Гога.

Портрет Винсента Ван Гога, рисующего подсолнухи , 88г.

 

 

Самая знаменитая работа этого периода:

Ночное кафе в Арле 1888.

Картина интересна с точки зрения композиции и напоминает в своей манере способ изображения Ван Гога. Для полотна характерны цветовые контрасты, яркие насыщенные оттенки, чёрный настойчивый контур, сниженный объём и почти плоскостное рисование.

Рисунок получился примитивным, без детализации и утяжеляющих подробностей.

На переднем плане картины справа изображена женщина, облокотившаяся на белую поверхность стола. Перед нами мадам Жину, жена хозяина кафе. Следует отметить то, что здесь мы можем заметить искажение пропорций, утрирование параметров предметов, их намеренное преувеличение с нарушением перспективного изображения. Предметы на столе перед женщиной смотрятся необычно и отстранённо, точно самостоятельный образ.

Несмотря на очень яркие краски, с помощью которых вылеплено пространство кафе, тем не менее ощущается атмосфера равнодушия и тоски, одиночества, безразличия и забытья.

Автопортрет, посвященный Винсенту Ван Гогу. «Отверженные». 1888г.

Гоген часто писал автопортреты, но этот один из самых необычных. Его Гоген написал поздним летом или ранней осенью 1888г. И был ответом предложению его друга-соперника Винсента Ван Гога, который находился в Арле и хотел быть в курсе событий. Поэтому он попросил Эмиля Бернара, Шарля Лаваля и Поля Гогена написать портреты друг друга, но в конце концов они решили, что автопортрет - это лучший вариант. Но Гоген уделил внимание изначальному заказу, сделав портрет Бернара, который украшает стену, по сути этот необычный автопортрет наполнен символизмом. Наиболее заметно он выражен в подписи "Отверженные» для Винсента Ван Гога от Поля Гогена".

Здесь он идентифицирует себя с героем Жаном Вальжаном из великого романа Виктора Гюго "Отверженные". Гогену нравится, и он идентифицирует с Вальжаном идею негодяя с золотым сердцем "человек полный аристократизма и внутренней борьбы". Но он также видит Вальжана, как аутсайдера и продолжает утверждать это в письме к Гогену - называя импрессионистов Отверженными последних дней, что это люди, отвергнутые обществом. Далее он продолжает говорить, что автопортрет не полностью автопортрет, это изображение жертв общества - скорее всего в этом есть насмешка Гогена. Следующий момент очень яркий, это сумасшедшие обои, цветочный узор которых в двух местах кажется растёт прямо из головы Гогена, дальше просто украшает стену. Гоген говорит, что эти обои можно увидеть в спальне молодой девушки, они символизируют чистоту импрессионистского движения. Его лицо, которое кажется обгоревшим, как он говорит, является результатом слишком близкого пребывания у печи для обжига, но это горит огонь творчества.

В конце концов довольно злой блеск в глазах, отмеченный в письме Ван Гогом, свидетельствуют о том, что пол и кровь берут верх над амбициями в творчестве Гогена.

Желтый Христос 1889 год.

То ли глубокое философско-религиозное размышление, то ли своеобразный вызов христианскому обществу – «Жёлтый Христос» Гогена до сих пор вызывает споры. Первое что бросается в глаза зрителю – это несопоставимость элементов сюжета, доводящая его до абсурда: распятая худая фигура Христа, традиционный бретонский пейзаж и крестьянки, которые мирно расположились вокруг креста с абсолютно спокойными и безучастными лицами. Лик распятого героя, полный страдания и той степени мучений, которая граничит с безразличностью, не вызывает никакого интереса у присутствующих. Кроме оригинального сюжета, картина привлекает и колористическим решением. Главным цветовым лейтмотивом является жёлтый, при этом он господствует во всей работе, не отвлекая на контрасты и диссонансы. Этот цвет полон и внутренних противоречий – солнечный колер, обычно трактующийся как радостный, спокойный, умиротворённый выбран художником для воплощения такого сложного в эмоциональном и содержательном плане сюжета, как распятие Христа.Ряд искусствоведов считают, что картина является одним из предвестников символизма, и является попыткой мастера обратить внимание на религиозную проблему – общество не помнит той жертвы, которую принёс во имя его Христос.

 

Испытывая с детства, проведённого в Перу (на родине матери), тягу к экзотическим местам и считая цивилизацию «болезнью», Гоген, жаждущий «слиться с природой», в 1891 году уезжает на Таити, где проживал в Папеэте и где в 1892 году пишет целых 80 полотен. После кратковременного (1893—1895) возвращения во Францию, из-за болезни и отсутствия средств он навсегда уезжает в Океанию — сначала на Таити, а с 1901 года на остров Хива-Оа (Маркизские острова), где берёт себе в жены молодую таитянку и работает в полную силу: пишет пейзажи, рассказы, работает журналистом. На этом острове он и умирает. Несмотря на болезни (в том числе проказу), бедность и депрессию, приведшую его к попытке самоубийства, лучшие свои работы Гоген написал именно там. Наблюдение над реальной жизнью и бытом народов Океании сплетаются в них с местными мифами.

Слава пришла к художнику после смерти, когда в 1906 году в Париже было выставлено 227 его работ. Влияние творчества Гогена на искусство XX века бесспорно.

История картины «Таитянки» началась еще в 1891 году, когда Поль Гоген решил сделать аукцион из своих работ, а на вырученные при этом деньги, решил отправиться в путешествие на остров под названием Таити.

Именно на этом острове и началась очередная серия картин Гогена. Он был очень разочарован в колониальном французском строе и поэтому отправился в самую глубь острова, которая была меньше подвержена цивилизации и ее зачаткам.

В этот период был написан ряд картин, которые достаточно удачно были оценены критиками всех времен, но вскоре Гоген был вынужден уехать обратно во французскую столицу, из-за того, что был болен, а денег катастрофически не хватало. Через два года, он возвращается и снова приступает к своей работе. На картине представлены образы двух женщин, которые несмотря ни на что находятся в гармонии с природой, которые находятся в своем раю на земле и не волнуются по поводу цивилизации и изменений окружающего мира в этой связи. В этой работе показана идеальная жизнь этих девушек, которая не зависит ни от пространства, ни от времени.

Работа похожа на фризовые композиции декоративного плана. На лицах этих девушек не заметить ни намека на улыбку, но это совершенно не означает, что они несчастливы, скорее всего, они не знают, что это такое. Они одеты в национальные одежды и по всей видимости просто отдыхают, не думая о чем-то высоком и вечном.

Именно в этом и заключается красота такой картины, запечатлевшей этих двух барышень в бытовой момент их жизни. Благодаря такой самобытности, при помощи этой картины зритель может проникнуться жизнью и обстановкой такой, какая она есть на самом деле, грустной, не имеющей излишеств, но немного странной относительно позиции зрителя.

«Таитянки» Галерея: Музей Орсе, Париж, Франция. 1891

«Женщина, держащая плод» (маорийское название картины — Eu haere ia oe — переводится как «Куда [ты] идёшь?») — картина Поля Гогена, написанная им в 1893 году, в период его первого приезда на Таити. Первоначально приобретённое московским купцом И. А. Морозовым до 1948 года это полотно входило в его собрание живописи.

События, которые запечатлел художник, разворачиваются в таитянском селении: перед зрителем предстают две простые хижины, крытые травой. На переднем плане картины изображена молодая таитянская женщина, держащая в руках зеленовато-лимонный плод манго, по форме напоминающий сосуд для воды (по иной версии, поддерживаемой крупным исследователем творчества Гогена Даниельссоном, героиня полотна держит за верёвочку специальный сосуд, вырезанный в полости тыквы, и собирается идти по воду). Лицо таитянки серьёзно и выразительно, взгляд — внимателен. Существует версия, что моделью для центрального персонажа картины послужила юная невенчанная жена Гогена, таитянка Техура — этого мнения придерживалась и искусствовед Анн Дистелю. Загорелое, смуглое тело женщины, само по себе напоминающее спелый фрукт, написано красивым золотисто-коричневым тоном и передано намеренно плоскостно. Чёткая непрерывная линия, описывающая контур женской фигуры, делает её более плотной и выразительной, придаёт весомость и объём. Таитянский пейзаж на фоне трактован достаточно обобщённо: на картине нет солнечных лучей или вибрации воздуха, однако зной тропического солнца ощущается и в цвете кожи женщины, и в синеве неба, и в неподвижности ветвей, и в насыщенно-красных пятнах одежды. Жёлтый орнамент на красной юбке вторит узору, который образуют листья деревьев над головой туземки, за счёт чего сама она кажется неотъемлемой частью природы. В настоящее время картина постоянно находится в собрании Государственного Эрмитажа.

«Женщина с плодом манго» Белая лошадь («Хина Тефатоу») 1893. 1898.

 

 

Картина 1891 «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?»

Поль Гоген, имея в крови перуанские корни и с детства тягу к экзотике, в 1891 году уезжает на Таити. На своих картинах он начинает изображать быт и реальность народов Океании. К этому ряду картин относится картина «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?», начатая в 1897 и законченная в 1898 году. Сам Поль Гоген высказывался об этом полотне, как о вершине его собственных размышлений о происхождении мира.

В 1898 году картина попадает в Париж. Её перевозит Джордж де Монфред по поручению самого Гогена. В дальнейшем у картины была непростая судьба: её множество раз покупали и продавали различные торговцы. В 1936 году полотно «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?» покупает Галерея Марии Гарриман в Нью-Йорке. А ещё позднее картину приобретает Бостонский музей искусств.

После окончания работы над картиной, Поль Гоген собирался покончить жизнь самоубийством. Концепция картины такова, как акцентировал внимание сам художник, что прочитывать полотно следует справа налево. Картина делится на три части, и все три части очень символичны, а также отвечают на поставленные вопросы произведения. Три молодых женщины с младенцем как бы говорят нам о начале жизни, центральная группа показывает зрелость и возмужание, и заключительная часть – это пожилая женщина, доживающая свой век, она поглощена размышлениями о безысходности и конечности жизни, а символичным изображением белой птицы у ног старухи, Гоген обесценивает слова, и все размышления. Но изображая голубого идола на заднем плане картины, художник показывает, что он не теряет веры в то, что есть параллельный, высший мир. Гоген считал свою картину «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?» венцом всего своего творчества, придавая ей очень большое значение, полагая, что после этого полотна он не сможет создать что-либо лучшее. Это полотно стало поворотным и новаторским произведением искусства постимпрессионистского стиля Гогена. Его характеризует четкость написания и широкие мазки, но вместе с тем полотно наполнено эмоциями и внутренней силой.

В 1891 году Гоген переезжает на Таити. Оказавшись в неведомых доселе декорациях экзотической Полинезии, живописец неустанно находился в поисках новых сюжетов, открывая для себя и искусства новую эстетику. Как зоркий наблюдатель он подсматривает различные бытовые сцены, чтобы потом перенести их на полотно.

Сюжет «А ты ревнуешь?» также был подсмотрен художником. Однажды он наблюдал за двумя сёстрами, которые купались, а затем вышли на берег, чтобы отдохнуть на тёплом песке. Ведя неспешный разговор, девушки затрагивали тему любви. Сладостные воспоминания о любви прошлой и мечты о любви будущей, прерываются единственной мыслью – а ты ревнуешь? Этот кратчайший момент раздора и уловил Гоген в своей работе. Непринуждённые позы, спокойное настроение героинь, умиротворение, которое они излучают, необыкновенно гармонируют с окружающим пейзажем – Гоген всегда хотел подчеркнуть в какой необыкновенной гармонии с природой живут таитяне. Необычайно ярким является колористическое решение картины – всеми цветами радуги переливается вода, превращаясь в некую фантастическую субстанцию. Остальной пейзаж представлен схематично – в виде расплывчатых силуэтов. Благодаря этому весь окружающий мир девушек предстаёт перед зрителем некой волшебной сказкой, цветной и таинственной. И как лейтмотив над этим сказочным окружающим пейзажем разносится эхом вопрос – «А ты ревнуешь?» Сам художник считал, что «А ты ревнуешь?» - лучшее, что он создал на Таити.

 

 

Материал: Википедия, М. Герман Новая История Искусств, Гоген Поль. Картины и биография. Gauguin Paul, сайт музеи мира.

http://smallbay.ru/gauguin.html