Скульптура «Давид» - символ Флоренции

Раннее Возрождение

В XIV-XV вв. в истории европейской культуры происходят кардинальные изменения, которые определят искусство вплоть до XX века. Культура эпохи Возрождения отличалась тем, что в центр мировоззрения она ставила человека, и вновь обратилась к миру реальному, как и античное искусство. Возрождение стремится найти новую форму искусства, объединив античность и Средневековье.

Джотто ди Бондоне (1267-1337)

Его называют предвестником Возрождения. Он вводит в живопись достверную натуру, и его искусство еще связано со средневековым, но в нем уже угадываентся близость нового обновления всех живописных средств.

Самое большое впечатление на современников произвели росписи Джотто капеллы дель Арена в городе Падуя. Капелла (часовня) располагалась на месте античного амфитеатра, отсюда название «капелла при арене». Три ряда фресок рассказывают о жизни Христа, его матери и ее родителей – Иоакима и Анны.

В свое живописи Джотто хочет показать свой нравственный идеал – человек должен быть добр и стоек в борьбе со злом. Эта мысль особенно ясно выражена во фреске «Взятие Христа под стражу» («Поцелуй Иуды»). Предатель Иуда обнимает Христа, чтобы запечатлеть свой лживый поцелуй. Чистый, благородный профиль Христа противопоставлен грубому профилю Иуды, ясный взгляд – бегающему, зло – добру.

О самом художнеке известно немного. Он был другом великого поэта Данте, занимался не только живописью, но и скульптурой и архитектурой. Прославился как художник. Его похоронили с большим почетом в соборе родного города Флоренции.

Джотто. Взятие Христа под стражу (Поцелуй Иуды) Фрагмент. 1310-е гг.

Джотто. Бегство в Египет. Фрагмент.

Филиппо Брунеллески (1377-1446)

Самое знаменитое творение этого архитектора – купол собора Санта-Мария дель Фьоре, который стал символом Флоренции. Когда Брунеллески подключился к работе, собор уже строился почти сто лет. Перед архитектором стояла задача – перекрыть куполом огромный пролет над готовой конструкцией здания. Флорентийцы хотел, чтобы купол собора был самым большим и высоким. Брунеллески блестяще справился с этой задачей. Он придумал сложну систему купольного перекрытия, применив новаторские технические и инжереные находки. Купол имеет форму восьмигранника, и хотя вес его 9000 т, а диаметр 42 м, он не выглядит тяжелым и громоздким. Основные линии восьмигранника, лаконичные и выразительные, создают впечатление упругости и динамичности. Купол словно вырастает из земли гордо и величественно.

Филиппо Брунеллески

Колокольня Джотто, автора проекта и исполнителя части собора Санта-Мария дель Фьоре

Донателло (1386-1466)

Настоящее имя художника Донателло – Донато ди Никколо ди Бетто Барди.

Друг Брунеллески, он участвовал в работах по уркашению собора Санта-Мария дель Фьоре и колокольни.

В скульптурах Донателло подчеркнуты решительность, бесстрашие, простота и благородство.

«Давид»

Библейский Давид – юный пастух, одержавший победу над Голиафом. Давид изображен в момент победы, у его ног – отрубленная голова великана. Это первая нагая статуя эпохи Возрождения. Вслед за античными мастерами

Донателло утверждает, что красота должна соответствовать красоте духа. Прекрасный мальчик-пастух превращается в символ героизма.

Конная статуя Гаттамелаты

Донателло. Давид. 1430 г.

Донателло. Конная статуя Гаттамелаты. 1447-1453 гг.

В 1443 г. Донаттело создает свой знаменитый шедевр – первый конный памятник эпохи Возрождения. Конная статуя кондотьера (наемного предводителя войск) Эразмо ди Нарни, получившего за свою хитрость и ловкость прозвище «Гаттамелата» (пятнистая кошка), должна была прославить его деятельность. Бронзовый конь и величественный, спокойный всадник олицетворяют несокрушимую силу, волю и энергию. Именно эти качества ценила в людях новая эпоха.

Сандро Боттичели (1444 – 1510)

Боттичели, один из самых вдохновенных мастеров итальянского Возрождения, родился в семье кожевника. Скромное происхождение не помешало ему рано добиться успехов в живописи, стать высокообразованным человеком. Он прекрасно знал поэзию, философию, дружил с самыми просвещенным людьми Флоренции.

С. Боттичелли. Рождение Венеры. 1483-1484 гг.

Донателло. Давид. 1416 г.

Боттичели одним из первых обратился к античной мифологии. Так, в «Рождении Венеры» мы видим античную богиню красоты и любви. Согласно мифу, она родилась из морской пены близ острова Кипр и добралась до берега на раковине. Боги ветров осыпают ее дождем роз и гонят раковину к берегу, где богиню встречает девушка с покрывалом, украшенном цветами. Это одна из четырех ор – богинь времен года. На ее легком белом платье весны вышиты тонкие сплетения васильков.

 

 

Сама Венера – воплощение красоты духовной. Поза богини повторяет древнеримскую статую целомудренной Венеры. Безупречная чистота линий отличает несколько удлиненную фигуру, прекрасные золотые пряди волос. Но в пленительном лице Венеры затаилась печальная грусть. Это настроение присутствует во многих картинах мастера.

Высокое Возрождение

На рубеже XV-XVI вв. искусство Италии достигло высшей точки расцвета. Этот период называют Высоким Возрождением. Высочайший уровень искусства определялся творческим гением трех великих художников: Леонардо да Винчи, Рафаэля Санти, Микеланджело Буонарроти.

Леонардо да Винчи (1452-1519)

Природа редко создает людей, так щедро одаренных разными талантами, как Леонардо да Винчи. За пятьсот лет до появления самолета он спроектировал летательные аппараты, сделал открытия в математике, физике, ботанике.

Огромное дарование Леонадро раскрылось рано, в годы учебы. Ему было 14 лет, когда он поступил учеником в мастерскую художника Андреа Верроккио, знаменитого на всю Италию. Оценив способности ученика, Андреа позволил ему написать фигуру ангела на картине «Крещение Христа», которая создавалась в мастерской. Ангел оказался намного лучше фигур, написанных Верроккио. Согласно легенде, учитель уже никогда больше не прикасаля к краскам, обидевшись на ученика, который превзошел его в мастерстве.

Мадонны Леонардо

Мадонна Бенуа. 1478-1480 гг.

Ангел на полотне «Крещение Христа» Андреа Верроккио – первая работа Леонардо. Фрагмент. 1473

Совершенное владение рисунком, светотень проявилось в первом шедевре Леонардо – «Мадонна с цветком» (Мадонна Бенуа). Еще задолго до Леонардо итальянские худжники стали изображать Богоматерь (Мадонну) не небесной царицей, как молодую мать с ребенком на руках. Леонардо придал этому образу особую теплоту и непринужденность. Юная флорентийка, одетая по моде последней четверти XV в., забавляет ребенка игрой с букетиком цветов. Мать с улыбкой наблюдает, как ребенок пытается дотянуться до цветка.

 

Тему Мадонны с младенцем Леонардо обогатит новыми находками в других картинах: «Мадонна Литта», «Мадонна в скалах».

Мадонна Литта. 1490-1491 гг.

На картине «Мадонна Литта» (Эрмитаж, Санкт-Петербург) изображена женщина, держащая на руках младенца, которого она кормит грудью. Фон картины – стена с двумя арочными окнами, свет из которых падает на зрителя и делает стену более темной. Яркая образность произведения раскрывается в мелких деталях, которые много рассказывают нам о матери и ребенке. Мы видим ребенка и мать в драматический момент отлучения от груди. На женщине красная сорочка с широкой горловиной. В ней сделаны специальные разрезы, через которые удобно, не снимая платья, кормить младенца грудью. Оба разреза были аккуратно зашиты. Но правый разрез был торопливо разорван – верхие стежки обрывок нити отчетливо виден. Мать по настоянию ребенка изменила свое решение и отложила этот нелегкий момент.

«Джоконда»

Джоконда (Лувр, Париж). 1503 г.

Леонардо прекрасно чувствовал и выражал свою эпоху, время научных открытий на море, суше и небе. Леонардо прекрасно выразил эти ощущения в самой знаменитой своей картине – портрете «Мона Лиза», жены флорентийского купца Франческо дель Джокондо. Выражение ее лица загадочно и таинственно. Молодая женщина спокойно и задумчиво, даже несколько холодно смотрит на зрителя. Ее улыбка, затаившаяся в уголках губ, странно не соответствует взгляду. Улыбка служил здесь не для оживления лица, а как знак сложности, таинственности души. За спиной Моны Лизы – голубое небо, зеркальная гладь воды, силуэты скалистых гор, потоки воздуха. Пейзаж безлюден и пустынен, это скорее образ Вселенной, обозреваемой с огромной высоты. И в середине царит образ таинственной и прекрасной женщины. Леонардо словно говорит нам, что в центре мира стоит человек, и нет ничего более величественного и прекрасного.

Рафаэль Санти

Рафаэль прожил всего 37 лет (1483-1520), но и за этот недолгий срок

 

 

Афинская школа. Роспись станц Ватиканского дворца. Фреска. 1510 г.

Афинская школа. Фрагмент фрески (Платон и Аристотель)

сумел оставить многогранное творческое наследие. В 1508 г. по приглашению Папы, главы католической церкви, он переехал из Флоренции в Рим, где полностью расцвел его гений. Там он начинал работать над росписью комнат (станц) Ватиканского дворца. Здесь проявились исключительные качества Рафаэля как живописца: тонкое чувство цвета, мастерство рисунка, и, главное, - умени объединить многочисленные образы в гармонический ансамбль, как на большой фреске «Афинская школа».

«Афинская школа»

Под сводами просторного, величественного храма собрались мудрецы Древней Греции. В центре – Платон и Аристотель. Платон указывает Аристотелю на небо, подчеркивая духовную, божественную основу мира. Аристотель простер руку над землей, утверждая материальную сущность людей. Платон и Аристотель окружены толпой последователей и учеников. На ступенях храма – мудрый Диоген, у подножия лестницы – справа Геометрия и Астрономия, слева- Грамматика и Арифметика, Музыка, в центре группы – погруженный в книгу Евклид. Многих ученых древности Рафаэль наделил чертами своих современников.

«Парнас»

На фреске «Парнас», Рафаэль изобразил покровителя искусств Аполлона в окружении девяти муз. Вокруг них собрались знаменитые греческие и римские поэты, а также великие поэты и писатели Италии, эпохи Возрождения – Данте, Петрарка, Боккаччо, Ариосто. Художник сближает мир античности и современный ему мир и этим подчеркивает свою мечту о величии человека, его дерзаний и свершений в науке, искусстве.

Рафаэль видит своих героев идеальным людьми, он стремится показать лучшее и совершенное в человеке. Эта вера была основой всего мировоззрения эпохи Возрождения.

«Образы Богоматери»

Парнас. Роспись станц Ватиканского дворца. (Данте, Гомер, Вергилий). Фрагмент. 1510 г.

Образ Мадонны был одним из самых любимых в творчестве Рафаэля. Он создал несколько всемирно известных картин, в которых Богоматерь предстает как богиня добра и красоты. Его мадонна то величественно царит в больших алтарных композициях, то как обычная женщина любуется первыми шагами своего сына, как на картине «Мадонна в зелени». Рафаэль настойчиво искал путь воплощения идеального образа Богоматери, и он достиг этого идеала в прославленной «Сикстинской Мадонне». Картина была написана по заказу Римского Папы Юлия II.

Босая, но царственная и величественная, она идет по облакам с младенцем на руках. На нее с благословением смотрят снявший папскую тиару Сикст и святая Варвара. Два ангелочка устремляют вверх мечтательный взор.

Сикстинская мадонна. 1515-1519 гг.

Юная мадонна спокойна и величественна, но в ее взоре, в жесте, с которым она прижимает к себе сына, чувствуется какая-то тревога и обреченность. Она словно предвидит крестный путь сына, свои страдания и страдания всего рода людского. Рафаэль раздвинул над изображением тяжелый занавес, напоминая, что это не реальность, а мечта о лучшем мире, о совершенстве, к которому человек должен стремиться.

Сикстинская мадонна. Фрагмент.

В последние годы своей жизни Рафаэль вместе с архитектором Донато Браменте работал над реконструкцией и росписью лоджий Ватиканского дворца. Это длинная галерея, равномерно пересеченная 12-ю высокими арками. Рафаэль покрыл росписями все лоджии: здсь религиозные и мифологические картины, причудливый орнамент из растений и цветков. Роспись наз-ся «Библией Рафаэля».

 

 

Микеланджело Буонарроти

Микеланджело (1475-1564) в разные годы своей жизни отдавал предпочтение то скульптуре, то живописи, то в зреные годы занимался архитектурой, в позднее – поэзией.

Скульптура «Давид» - символ Флоренции

Уже в первых скульптурах Микеланджело проявились главные черты его образов: внутренняя сила и драматизм. В 1501 г. он начал работать над мраморной статуей Давида, юноши, который победил великана Голафа и стал царем Иудеи. Скульптуру поставили в центре Флоренции, и жители города увидели в ней образ защитника города. Флорентийцы тогда боролись с тиранией семейства Медичи, правившего городом.

Давид 1501-1504 гг. Статуя была установлена во Флоренции на Палаццо Веккио – самой почетной площади города. В наши дни – в галерее Академии изящных искусств

«Давид» Микеланджело – гигант не только по своим размерам (статую так и называли «Гигант»), но и по своему духу. Легка и свободна поза героя, но внутреннее напряжение чувствуется по всей фигуре, особенно в зорком взгляде. Праща (ремень для метания камней) перекинута за спину. Опущенной рукой он подхватил ее нижний конец с рукояткой в виде короткого круглого стержня. Давид изображен нагим, как это делали скульпторы Древней Греции. Давид собран и сосредоточен перед битвой с Голиафом, и Микеланджело показал эту внутренню готовность героя к подвигу.

Сикстинская капелла

В 1508 г. Римский Папа поручил Микеланджело расписать потолок Сикстинской капеллы – домовой церкви римских пап в Ватикане. Вначале Микеланджело полагалось расписать только люнеты (пространства над арками) и изобразить 12 апостолов. Впоследствии замысел разросся и росписи покрыли весь свод и его боковые стороны. Более четырех лет нечеловеческого труда отдал Микеланджело этой работе. Пришлось расписать около 600 м² площади, да еще на потолке, лежа на лесах на спине. Он подорвал свое здоровье и испортил зрение. Когда работа закончилась, сам Папа и римляне были потрясены увиденным. Перед ними предстал мир тиранов, полный человеческих страстей. Это не был гармоничный, идеальный мир Рафаэля. В героях Микеладжело мы слышим

Страшный Суд. Роспись потолка Сикстинской капеллы.

Сотворение Адама. Фреска плафона Сикстинской капеллы. 1508-1512 гг.

биение сердца людей, становимся свидетелями их чувств и страстей. Каждый сантиметр росписи показывает, что создателем руководили страсть и воображение. Величие личности самого Микеланджело выразилось в титаническом облике его героев. Вот роспись «Сотворение Адама». По бесконечному пространству летит Бог-отец, окруженный ангелами. Его плащ развевается, надутый, как парус. Правая рука Бога, дарующая жизнь, почти вплотную прикасается к руке Адама, и его лежащее на земле тело начинает приходить в движении. Между двумя руками словно пробегает электрическая искра. В этой точке выражен весь пафос сцены, весь его глубинный смысл. Гибкое, сильное тело Адама и его лицо, обращенное к Богу с зовом и ожиданием, - все возвеличено воображением художника.

Гробница Медичи

Почти 15 лет Микеланджело работал над усыпальницей семьи Медичи во Флоренции.

Гробницы расположны у двух противоположных стен капеллы. На гробнице Лоренцо – скульптуры «Вечер» и «Утро», на гробнице Джулиано – «День» и «Ночь». В капелле люди испытывают необъяснимое чувство печали и обреченности.

Микеланджело прожил долгую жизнь – почти 90 лет. У него был неуживчивый характер, он имел малор друзей, жил бурно и страстно, хотя и одиноко. Часто его жизненные планы терпели крах, но он всегда находил силу человеского духа,

 

 

которую он увековечил в своих творениях.

Ночь и День – символы быстротекущего времени, помещенные Микеланджело на саркофаге герцога Джулиано Медичи. 1520-1534 гг.

«Утро» (слева) и «Вечер» (справа). Статуи на гробнице Лоренцо Медичи. 1520-1534 гг.

Герцоги Лоренцо и Джулиано рано умерли и ничем не отличались в знатном роде Медичи. Микеланджело упрекали, что в скульптурах двух военачальников мало сходства с Джулиано и Лоренцо Медичи. Микеланджело говорил: «Кого это будет интересовать через несколько столетий?»

Краски Венеции

Три города Италии: Флоренция, Рим и Венеция – становились по очереди главными центрами культурной жизни эпохи Возрождения. Венеция – блистательно завершает ее историю. Если Леонардо и художники Флоренции считали основой живописи рисунок, то венецианцы отдают пальму первенства цвету, краскам. Они показали выразительную силу цвета, переходы его тонов. Именно цветом, а не линией они прорабатывают рисунок. Основой изобразительного языка художников-венецианцев становится богатства цвета картины.

 

Джорджоне да Кастельфранко (ок. 1477-1510)

Джорджоне да Кастельфранко прожил всего тридцать три года. Он скончался во время эпидемии чумы. Его наследие невелико по объему, но каждая из его картин становилась откровением для современников. Он первым из итальянских живописцев посвятил свое творчество не религиозным, а мирским темам. «Гроза», «Радуга», «Спящая Венера», «Сельский концерт» - в этих полотнах Джорджоне показывает мир, полный торжественной тишины, прекрасный и поэтический. Трудно сказать, что картина Джорджоне «Спящая Венера» написана на религиозный или мифологический сюжет. Зритель видит прекрасную земную женщину. Античных богинь обычно изображали стоящими, закутанными в драппировки.

Джорджоне. Гроза. Фрагмент картины. Около 1506-1507 гг.

Джорджоне «Юдифь». Спящая Венера. 1507-1508 гг.

Тициан Вечеллио

Тициан Вечеллио (1477 или 1480-1576) прожил долгую жизнь, в которой ему было дано многое: здоровье, богатство, благополучие, талант. Он был знатным и состоятельным человеком и славился как гениальный живописец. Влиятельные князья и государи, папы и кардиналы, ученые и писатели – все стремилисть иметь картину, написанную Тицианом.

Великий портретист эпохи

Как портретисту Тициану было мало равных. Он умел раскрыть сложный внутренний мир своих персонажей. В парадном портресте Римского Папы Павла III с внучатыми племянниками он показывает три разных характера: хилого старика – властного и хитрого Папу, согнутого в кресле; его внука, холодного, выжидающего кардинала Александра Фарнезе; льстивого, коварного и уродливого Оттавио. Рассказывают, что Папа испугался, когда увидел, насколько правильно Тициан передал атмосферу папского двора с его интригами.

«Святой себастьян»

Портрет Папы Павла III с племянниками. 1545-1546 гг.

К лучшим произведениям Тициана относится картина «Святой Себастьян». Себастьян – это герой эпохи Возрождения, и никакие мучения не могут победить силы человеческого духа. Себастьян – молодой римский воин – уверовал в христианское учение. Несмотря на истязания, он остался сторонником Христа. На картине Тициана герой, привязанный к стволу дерева и пронизанный стрелой, сохраняет мужественность и самообладание. На его лице читается глубокое страдание. Красные отсветы зловеще заволакивают небо, сообщая всей картине тревожное звучание. Но даже гибель этого прекрасного юноши пробуждает в зрителе не безнадежность, а веру в величие человеческого духа.

Святой Себастьян. Около 1570 г.

Тициан умер с кистью в руках почти 90-летним старцем, завершая работу над картиной «Оплакивание Христа».

 

Оплакивание Христа. 1576 г.

 

Северное Возрождение

Северное Возрождение – эпоха искусства стран, лежащих к северу от Апеннинского полуострова – Нидерландов, Германии, Франции.

 

Между итальянским и Северным Возрождением были значительные различия.

В Италии новое отношение к миру сопровождалось критическим взглядом на Средневековье и находило опору в античности. Культура северных стран, напротив, ощущала средние века родной почвой. Многие формы готического стиля вошли в искусство Северной Европы. Оно острее откликалось на жизненные народные проблемы, было более демократичным. В этих странах широко распространяется гравюра – один из самых доступных видов искусства. На Севере преобладали новые достижения в живописи в графике, архитектуре и скульптуре.

Однако религиозные темы по-прежнему оставались основными, но художники стали по-новому изображать религиозные сюжеты. Художник вглядывается в грешный мир с пристальным вниманием, а человек воспринимается наиболее совершенной его частью.

Ян ванн Эйк (1390-1441)

Ян ван Эйк. Мадонна канцлера Ролена. Масло. Около 1436 г.

Северное Возрождение открывает нидерландский художник Ян ван Эйк. Его самая знаменитая картина «Мадонна канцлера Ролена» изображает Марию с младенцем и поклоняющегося ей заказчика – канцлера Ролена. Гордый, властный человек, не лишенный земных страстей и пороков, представлен лицом к лицу с Богоматерью – воплощением гармонии и покоя. В искусстве Средневековья, которое разделяло небесное и земное, такое и представить было невозможно. Сцена происходит в небольшой капелле, через аркады которой открываются бескрайние дали, разделенные рукой. Этот пейзаж заставляет нас вспомнить о «Джоконде» Леонардо. Только у Леонардо пейзаж отвлеченный, условный, а у ван Эйка населен повозками и людьми, сказочными замками и зелеными холмами. Красота мира реального является в картине таким же действующим лицом, как и мадонна с младенцем.

В другой картине «Чета Арнольфини» каждая деталь имеет особый смысл. Картина создавалась как свадебный портрет итальянского купца Джованни Арнольфини и его жены. Здесь каждый предмет имеет, помимо очевидного,

 

 

еще и тайный смысл. Так, собачка олицетворяет уют домашнего очага, апельсины – райское блаженство, свеча – присутствие Бога, освещающего брачный обет.

Иероним Босх (1460-1516)

И. Босх. Воз сена. Фрагмент

Ян ван Эйк. Портрет четы Арнольфини

В конце XV в. творит один из самых загадочных мастеров – Иероним Босх. Его картины полны иносказаний и метких жизненных наблюдений, они фантастичны и в то же время удивительно реальны. Творчество Босха глубого связано с народным сознанием, недаром некоторые народные пословицы стали содержанием его картин. Например, «Воз сена» иллюстрирует мудрую пословицу: «Мир – это стог сена, и каждый берет из него то, что может унести». На стогу расположились влюбленные. К возу со всех сторон устремляются люди, и каждый стремится урвать побольше сена. Происходят драки, потасовки, и лишь голубое небо, уходящие в даль холмы хранят спокойствие, равнодушие к суетным заботам людей.

И. Босх. Воз сена. Центральная часть триптиха. 1480-1485 гг.

Питер Брейгель Старший (1525-1569)

Линию Босха по своему продолжил гениальный Питер Брейгель Старший. Это был художник-философ. Природа, по мнению Брейгеля, устроена разумно,

П. Брейгель. Фламандские пословицы. 1559 г.

в отличие от суетного мира людей, где все делается вопреки естественным законам. В картине «Фламандские пословицы» множество мелких фигурок разыгрывают народные пословицы, высмеивая нелепости человеческой жизни.

Творчеством Брейгеля заканчивается этот этап нидерландского искусства. Далее оно подразделяется на голландское и фламандское направления.

Фламандские пословицы. Фрагмент.

П.Брейгель. Падение Икара. 1555-1558 гг.

Возрождение в Германии

Немецкое Возрождении дало человечеству много выдающихся мастеров. Однако немецких мастеров, открывших для себя красоту окружающего мира, вдохновляла не героическая античность, а христианские добродетели, оставаясь верными многим идеалам религиозного Средневековья.

Альбрехт Дюрер (1471-1528)

Первое место среди художников немецкого Возрождения бесспорно принадлежит

 

 

Альбрехту Дюреру.

Сын ювелира, переселенца из Венгрии, он оставил отцовское ремесло и в 24 года открыл собственную мастерскую. Художник писал портреты своих сограждан. Однако значительно большие доходы ему приносили тиражи гравюр на дереве. Благодаря им имя Дюрера стало известно по всей Германии.

Славу последних лет жизни художника составила картина «Четыре апостола». Дюрер подарил ее городскому совету Нюрнберга. Святые Иоанн, Петр, Павел и Марк как бы предостерегают людей от ересей, которые вызваны многочисленными страстями и заблуждениями. Картину сопровождают тексты из Священных Писаний. Иоанн и Павел стоят ближе к зрителю, их фигуры ярко освещены. Из темноты видны высокий лоб Петра и горящие глаза Маркса. Четыре апостола – это люди Возрождения, независимые и пытливые, стойкие в борьбе за справедливость и истину.