Это часть 11 переведенной на русский язык обучающей программы из серии “Справочник репортера по мультимедийному мастерству”, автором которой является американская журналистка, доцент и блоггер Минди МакАдамс. Здесь можно прочитать остальные части.
В десятой части речь шла об использовании программы Soundslides, простой программы для Windows или Macintosh, с помощью которой из фотографий и аудиозаписей можно составлять диафильмы для интернета. В этой части речь идет о критериях, по которым можно определить, стоит ли рассказывать определенную историю в форме слайд-шоу – с фотографиями и звуком – и как их нужно скомпоновать, чтобы история выглядела наилучшим образом.
Чак Фейдли из газеты «The Miami Herald» был прав, когда написал в комментарии к десятой части СРММ: «Цель должна состоять в том, чтобы рассказывать истории визуально. Со звуком, который дополняет изображения, и с темпом и ритмом, соответствующим каждой части слайд-шоу. Никакого прока не будет, если нагромоздить папку с фотографиями на плохую аудиозапись».
Что Вы хотите рассказать?
Это, вероятно, самая частая ошибка, которую допускают журналисты: Мы совсем не стараемся или стараемся мало, чтобы ответить на этот вопрос.
Часто мы идем на какую-то деловую встречу и в нашем (печатном) сообщении речь тогда идет о том, кто там был, что происходило и кто что говорил. В освященной веками традиции людей рассказывать друг другу истории, эта форма сообщения находится в оценочной шкале в самом низу – даже если бы событием была Троянская война (которая конечно была более интересной, нежели обычное благотворительное мероприятие).
Если Вы хотите создать сообщение или репортаж с фотографиями и звуком – что Вы хотите рассказать? Вдобавок к главному (что происходило, кто там был) Вы должны создать у читателей впечатление, что они находятся на месте происшествия. Если это была вечеринка, Ваша аудитория должна услышать музыку, дребезжание стаканов, бормотание голосов и смех. Мы должны видеть, как люди танцуют, если были танцы, и почувствать веселье. Или скуку вечера. Просто это должно быть нечто большим, нежели фотографии одной маленькой группы людей для раздела «общество», снятые с одинакового расстояния и из одной и той же точки.
Если встреча была настолько однообразна с оптической точки зрения, что Ваши фотографии показывают только людей, которые сидят и говорят или смотрят на других, когда те говорят (например, при открытой дискуссии), тогда, вероятно, нет смысла делать из этого мультимедийное слайд-шоу. Это было бы скучно. Напишите лучше интересное сообщение о предмете обсуждения.
В очерке речь обычно идет об одном персонаже (или о нескольких людях), который делает интересные или необычные вещи. (Часто это одно и то же). Записать кого-то, кто собирает почтовые марки- в этом, наверное, мало событийности или эмоций, но, может быть, сами почтовые марки очень необычны или красиво смотрятся. И конечно, предпочтительнее будет история о главном герое, который осуществляет настоящее действие – изготавливает на заказ мотоциклы, создает пестрые витражи, работает с животными, и т. д.
Что Вы хотите сообщить? Почтовые марки необыкновенны – если их рассматривать очень близко. Парень, который изготавливает мотоциклы на заказ, делает это потому, что ему нравится, когда его клиенты получают именно такой мотоцикл, о котором они всегда мечтали. У художника-витражиста есть страсть к свету и цветам. Сотрудница заведения для бездомных животных говорит с каждой собакой и каждым котом так, как будто бы они могли ей отвечать.
Вы должны удостовериться, что каждый раз сообщаете самый интересный аспект – элемент, который отличает Вашу историю от других.
Если бы Вы отправились на встречу для создания истории о мотоциклах и думали бы при этом: “Мотоциклы – это прекрасные объекты для фотографий”, тогда это было бы ОК. Но если бы Вы вернулись назад всего лишь с фотографиями прекрасных мотоциклов – тогда истории бы не было. И если парень на Вашей аудиозаписи говорит: “Почему я делаю все это? Для сияния в глазах клиента, который впервые сидит на сделанной именно для него машине” – а Вы не сфотографировали сияющие глаза клиента, у Вас не будет слайд-шоу.
Вы можете очень просто поймать в объектив дюжину моментов, во время которых сотрудница заведения для бездомных животных возится с собаками и кошками. Но этого не достаточно. Вы должны сопровождать ее при повседневной работе. Вы должны оставаться настолько долго, пока не станете невидимым с камерой и микрофоном, и Ваша героиня забудет о Вас и вернется к своим делам. И это тот самый момент, когда она начнет говорить с животными. И это тот самый момент, когда Вы поймаете звуки и кадры, которые расскажут настоящую историю.
Начало и конец
Большинство мультимедийных сообщений длятся от 2 до 2,5 минут. Ограничиваться этим хронометражом требуют законы жанра. Вы должны не только знать, что Вы хотите рассказать; Вы еще должны безжалостно вырезать все, что мешает преподнести именно эту историю. Будьте проще. Не пытайтесь рассказать больше одной истории за 2 минуты.
Если Вы знаете, как должны выглядеть начало и конец Вашей истории, несложно сделать оставшуюся часть. Слайд-шоу, которое имеет сильное начало, сразу захватывает. В противном случае Ваша публика быстро откажется от просмотра.
Чтобы выбрать правильное направление, Вы должны постоянно помнить о запланированном заключительном высказывании. Еще до монтажа оставшегося материала Вы должны точно знать, на чем Вы закончите.
Конец может либо погубить историю, либо поднять ее на более высокий уровень. Иногда конец просто сходит на нет. Иногда история заканчивается слишком внезапно или слишком произвольно. У хорошего, отвечающего требованиям конца репортажа или очерка есть 2 части: кульминация и развязка. Возможно, это звучит немного непропорционально для двухминутной истории. Но если Вы будете думать по этим правилам, Вы создадите более лучшую историю.
Кульминация – этоцель, к которой Вы хотите привести Вашу публику – прямым путем с самого начала. Кульминация находится ближе к концу, но в заключение Вы должны предложить еще и развязку. Она закончит историю и придаст ей чувство завершенности. Развязка – это вишня в вазочке с мороженым.
Очень хороший пример уроки игры на гитаре в Центральном Доме Престарелых. Это очень простая история о нескольких пожилых женщинах, которые берут уроки игры на гитаре. Начальная сцена сильна и ясна – мы слышим игру на гитаре и видим пожилую женщину, которая садится в машину с футляром от гитары. И потом она говорит, что всегда интересовалась музыкой, но у нее никогда не хватало времени научиться играть на музыкальном инструменте.
В кульминации истории одна из женщин говорит: “Мы не торчим все время дома и не смотрим телевизор”, а другая говорит: “После ухода на пенсию начинается самая прекрасная часть жизни.” Мы видим женщину, которая с широкой улыбкой играет на гитаре во время занятия. Затем наступает развязка: Мы слышим, как эти ученицы поют: “I’m back in the saddle again”, и слышим восторженный смех одной из этих женщин.
Мы видим, как 2 ученицы садятся в машину, чтобы ехать домой. Это мирная и веселая сцена, которая дополнительно передает настроение очерка и отражает его до конца истории.
Средняя часть ясно и просто подводит нас к кульминации. Мы видим несколько учениц на занятии. Мы слышим, как они вместе играют на гитаре и поют. Они рассказывают нам, почему они посещают этот курс. Молодой преподаватель рассказывает нам, почему он преподает этот курс. Мы видим их нотные листы и как они оплачивают занятия.
Середина расширяет историю, а ход событий неизбежен, если установлены начало и конец.
Технические тонкости
Требуется время, чтобы собрать достаточно материала для слайд-шоу. Вам придется оставаться на месте события столько времени, сколько понадобится, чтобы отснять примерно 200 фотографий (или больше). Вы должны фотографировать много вариантов (на расстоянии, из различных ракурсов, различные субъекты) и запечатлеть гораздо больше деталей (съемки крупным планом), чем Вам требовалось до сих пор для печатной истории.
В то время как количество фотографий должно быть в избытке, количество аудиозаписей как раз наоборот. Возьмите обычное интервью в качестве генеральной репетиции для сфокусированного “настоящего” интервью, из которого Вы потом выберете аудиосегменты. Решите, что Вы хотите рассказать, начните с нового аудиофайла, и повторно задайте вопросы, ответы на которые Вы хотите использовать. Никогда не говорите респондентам, что или как они должны отвечать – но Вы конечно же можете объяснить им, что Вы еще раз зададите некоторые вопросы для аудиозаписи.
Если Вы запишете слишком много звука, то подарите себе кучу дополнительной работы. Когда я (МакАдамс) готовила слайд-шоу о группе газетных репортеров на мастер-классе по видеосъемкам, я хотела взять интервью у 6 человек (одна треть группы). Я знала, что окончательная версия слайд-шоу будет длится примерно 2 минуты (ее хронометраж был 2:17 min.). Разделите 120 секунд на 6 интервью и Вы увидете, что каждое интервью может длиться самое большее 30 секунд. Поэтому я решила, что буду задавать по 2 вопроса каждому из моих собеседников, и это чрезвычайно облегчило редактирование аудиозаписей. Я записала примерно 25 минут аудиоматериала.
Записывайте как можно больше естественных шумов и звуков. Убедитесь, что Вы возьмете с собой самое меньшее одну минуту записанной тишины с места события (она не будет совсем тихой). Она понадобится Вам при редактировании. Запишите все шумы, которые непосредственно относятся к истории – также, например, то, как изготовитель мотоциклов беседует с клиентом.
Если Вы начнете редактировать, запаситесь терпением. Примите во внимание, что это – повторяющийся процесс. Вы можете начать либо с фотографий, либо с аудиозаписей, но Вы будете обрабатывать их по нескольку раз. Определите сначала начало и конец. Выберите подходящие сочетания звука / фотографии для начала и конца.
Ключевым элементом для оформления середины является хорошее смешение фотографий с различных расстояний и ракурсов. Фотографы называют это темпом. Это не указание времени (быстро или медленно) в том смысле, что слайд-шоу длится 2 минуты и нужно одни фотографии показывать 4 секунды, а другие 5 секунд и т. д. Темп означает баланс между съемками крупным планом, с разных ракурсов, средним планом и выбором объекта съемки. Слишком много фотоснимков среднего плана выглядят скучными. То же самое и с фотографиями с одинаковой композицией. Любая форма повторов надоедает публике – поэтому не колеблясь избегайте их.
Использование музыки
Использовать музыку, чтобы замаскировать отсутствие у Вас достаточного количества пригодного аудиоматериала, легко. Это удобная опция, прежде всего, для репортеров, которые не придают большого значения ведению интервью и искусству репортажа. Во многих случаях музыкальная подложка в журналистском слайд-шоу выглядит непрофессионально и я бы отказалась от нее, если музыка не играет никакой роли в истории.
Рассказчик
Рассказчик может быть чудесен, но только при очень очень хорошо написанном тексте и очень хорошем голосе чтеца. Вряд ли есть нечто более скучное, нежели прочитанный рассказчиком текст с листа бумаги. Если герои могут сами рассказать свою историю, то дайте им возможность сделать это.
Текстовые вставки
Вы можете вставлять в слайд-шоу тексты в промежутках и конечные титры как в фильмах, импортируя файлы JPG и интегрируя их на любое место (как, например, здесь в моем слайд-шоу об часе автографов на книгах в Ханое). Убедитесь, чтобы у JPG был точно такой же формат, как и у остальных записей, чтобы шрифт не искажался.
Подписи к иллюстрациям
Многие зрители вовсе не смотрят на подписи к иллюстрациям. Но те, кто заинтересован в этом, ожидают факты и правильные сведения – не только повторы того, что они и без того видят на фотографии. Также как и в печатной журналистике, действующие лица должны быть названы полным именем и с дополнительным отличительным признаком, например, родной город или профессия. Все знаменитые люди должны полностью идентифицироваться в подписях к иллюстрациям.
Указания места и даты
Я все время удивляюсь, сколько аудио-слайд-шоу не дают информацию о месте и времени событий на своих фотографиях. Если дата упомянута, то год зачастую отсутствует. Помните, интернет – это не оберточная бумага для рыбы. Ваше слайд-шоу будет долгое время висеть в интернете, поэтому предоставьте, пожалуйста, необходимый контекст.
Video Editing: Go with the Flow 
Ever been hypnotized? A well-edited movie does exactly that, and it's not a bad thing. It captures the imagination in a way that virtually takes over the brain.
Have you ever been hypnotized? If you've ever been to the movies and found yourself completely lost in the story, you have. A well-edited movie does exactly that, and it's not a bad thing. It captures the imagination in a way that virtually takes over the brain. We surrender to the story and forget about reality until the credit roll brings us back to earth.
In fact, this hypnotic effect is often so powerful, that if the progression of images is interrupted if things don't flow smoothly from one idea to the next we experience a shock.
If you're ever in a movie theater and the film unluckily breaks, you'll know the feeling. From total immersion to a big, blinding white screen in an instant; the groans that follow are the sounds of pure frustration.
So, when you start to edit moving pictures on your own nonlinear editor, it helps if you pay attention to the techniques that have been developed over time that encourage the audience to engross itself in the flow of action.
The Basics
Many techniques that encourage visual flow come under the heading of "matching action." They are really nothing more than a set of simple rules that help keep the viewer oriented and the action flowing from one scene to the next.
One of the most basic types of matching action is simply making sure each shot follows a logical progression.
Consider the traditional sequence of a person walking through a door. The usual progression one would use might be:
Shot 1 - A wide shot of an actor approaching a door.
Shot 2 - A closeup of the door handle and a hand reaching out to grab it.
Shot 3 - A medium shot of the hand pulling the door open and the person walking through.
Shot 4 - A reverse angle from inside the door showing the character entering the new room.
Shot 5 - A wide shot showing the door close and the character established in the new room.
This shot progression is basic. We know what it's like to enter a room, so everyone has the same expectation of which scene follows which. What makes the difference between good and bad scene flow is the precise timing of each scene; how much footage you allow before and after each central action.
Look at the sequence in Figure 2A. There is a deliberate error in the In and Out points between the two shots to show a common editing mistake.
Notice that at the Out point of the first shot, the character's hand is just beginning to rise toward the door handle but at the In point of the next shot, the hand is already on the handle. A straight cut at these points in action would yield a jump that would feel rushed.
Instead, an experienced editor would either allow the action in Shot 1 to continue until the hand reaches closer to the door handle, (Figures 2B) or would move the In point of Shot 2 ahead in the action in order to put some buffer between the scenes. Cutting to the door handle prior to the hand entering the frame, then letting the hand enter the scene and grab the handle, would match the action the audience expects, even if the time between those actions is less than real time.
And that's an important point. Cutting between expected scenes in a flow doesn't mean you always have to maintain a real-time relationship between them. The audience often won't notice if you cut time out of a sequence as long as the action is smooth and flows logically from one scene to the next.
Pace Yourself
The overall goal of every editor should be to understand what each scene needs to contribute to the program and to make sure it remains on-screen exactly long enough (and not one frame longer) to accomplish the scene's objective.
One clear sign of amateur editing is scenes that run too long. The rule of thumb for scene pacing is the same as in all good moviemaking: if it doesn't help the audience follow the action or help move the story along, get rid of it.
If you watch first-class editors at work, you'll notice their obsession with trimming scenes to perfection. They'll typically set an initial edit point, then set up a playback loop that runs through the edit point. Then, they'll play the transition over and over while using their Trim Edit keyboard commands to lop frames off the head and tail until the edit feels just right and every unnecessary frame is gone.
Trimming the Action
This is yet another place where modern editors have things much easier than in the old days, when trimming frames meant cutting celluloid strips of film. Today, a couple of taps on the keyboard can manipulate In and Out points and trim individual frames in a scene so that there's really no excuse for not dialing in your edits.
Many of today's leading software packages go even further, providing dual-window displays, so the editor can see previews of both incoming and outgoing shots running in real time. This is a great feature when you want to see how trimming affects the shots on both sides of an edit point.
If you watch the great films of yesterday and today, you'll discover they all have something in common. Whether the pace of the scenes is fast or slow, film editors use these matching action techniques to keep their stories moving along. They align the mood of the performances with the pacing of the edits to give every scene (or sequence of scenes) it's own natural rhythm.
Recognizing and finding the ideal visual rhythm for a sequence of shots, and editing it so that it flows smoothly from scene to scene is the difference between someone who just strings scenes together, and a real visual storyteller.
[Sidebar: Breaking the Line]
Another element of matching action is the understanding that movements taking place on the screen will always have a perceived direction.
If the movie violates that notion, our brains have trouble connecting things. Imagine that you and your video club are videotaping a school play entitled Vegetables Are Our Friends. Since there are lots of volunteers, you decide that in addition to the video cameras in the audience, you'll place a camera upstage, behind the scenery, pointing towards the audience.
It's time for Mr. Tomato's big entrance. He enters from the left, and moves to the right. Both upstage and downstage cameras are rolling and have Mr. Tomato in a loose closeup.
In post-production, you'd notice that if you cut between those two shots, Mr. Tomato would be moving left to right in the audience shots, but moving right to left in the upstage camera shots.
That's what's called "breaking the line." Viewers expect actions on screen to have a directional flow. Keeping the camera perspective on one side of an imaginary line that runs parallel to the action maintains that sense of flow.
If you need to break the line, use a neutral shot with the character facing directly towards or away from the camera as a buffer, so that the scene's directional flow momentarily stops.
[Sidebar: Cutaways]
Another technique that lets an editor keep the program moving is the use of cutaway shots or B-roll.
In our earlier example, instead of cutting from the hand closeup to the reverse angle shot of the character entering the room, you could use a cutaway. A cutaway shot of a person sitting at a desk in the room and looking up at the doorway might keep the scene moving, while efficiently introducing a new character. Using the cutaway again allows you to shorten the scene length, since the audience will expect the door-opening action to have continued during the cutaway.
Scene pacing is always dependent on the content of the scene itself. If you were cutting a scene of a mother rocking a newborn baby to sleep, the scene pacing would typically be much slower than if you were cutting a car chase sequence.
Experienced editors take great care with scene pacing, understanding that it can be the difference between an audience that's fully engaged with the story and one that's fidgeting in their seats.
Issue:
July 2002Bill Davis Mon, 07/01/2002 - 12:00am
