Пейзаж художника «Сиреневый вечер» (1963 г.) этюдного характера.
На переднем плане, занимая почти две трети холста, изображены красно-сиреневые цветы (флоксы) с высокими стеблями и длинными темно-зелеными листьями с желтоватыми проблесками между ними. Они освещены как будто светом с дороги, с той точки зрения на которой стоял мастер. Верхнюю треть картины занимает бревенчатый дом, с желтым окном, деревянный сруб колодца, а в левом углу – узкий прямоугольничек густо-синего вечернего неба.
Полотно имеет сильно вытянутый вертикальный формат. Первый цветовой и смысловой акцент приходится на нижнюю купу цветов. Взгляд зрителя поднимается по стеблям цветов к колодцу, а оттуда на дом со светящимся окном, которое приковывает внимание, акцентирует его.
Так, зритель как бы вначале оказывается в саду, а потом уже и возле самого дома. Тень, пролегшая в кустарнике, словно намечает полузаросшую тропинку. Тем самым художник нивелирует разделение на передний и задний планы, делая не менее значимым второй.
Крупные, уверенные мазки создают форму. При этом кое-где наблюдается просвечивание холста. Особенно это заметно у самого края внизу. Мазки в разных направлениях накладывались слоями, что достаточно отчетливо видно. Далее краска снималась мастихином.
Фактура фасадов дома показана весьма специфическим способом: похоже что дом обшит тесом, но он все-таки бревенчатый и никакой обшивки не имеет, что видно только на его главном фасаде, где находится окно закрытое ставнями.
Изображение обладает таким качеством как фрагментарность – выхваченность фрагмента действительности, что создает впечатление сиюминутности, это достигается обрезанием рамой дома в верхней части полотна, а слева и внизу – соцветий флоксов. Таким образом, зритель волен домысливать оставшееся за пределами изображаемого эпизода.
По жанру «Сиреневый вечер» – пейзаж, но довольно своеобразный: благодаря изображению деревенской избы со светящимся окном, место конкретизировано, ощущается незримое присутствие человека, да и цветы, выбранные художником, – не дикие растения, а культурные флоксы. Так, в пейзаж привнесен некий жанровый элемент, который позволяет сделать уточнение в отношении жанра картины как «деревенского пейзажа», где присутствует мотив уединения, и лишь светящееся окно создает «жилую» атмосферу.
Необычайно притягателен колорит – от глубоко синего, который взаимодействует с матовым красно-фиолетовым разных оттенков, зеленым и розовым, создавая «сиреневый вечер».
Верхняя часть кустарника по цвету практически сливается с домом, который будто «погружен» в заросли. То, что это вечер, понятно и по темно-синему небу, показанному в левом верхнем углу картины узенькой, буквально трёхсантиметровой полосой-проблеском, и по общему колориту. Крыша дома фиолетово-синяя с серым оттенком, в цвете стен дома преобладает серо-фиолетовый оттенок с желтыми проблесками. Любопытен цвет листвы цветов: зеленый образован сочетанием самых разных оттенков – от бледно-салатового до синего.
Цвет в картине необычайно декоративен. Встречаются совершенно неожиданные сочетания: синего, ярко-зеленого и нежно-салатового; красного, нежно-салатового, ярко-зеленого на желтом фоне, с голубым; мазки зеленого на черном, или оригинальные интересные кляксы синего на красном.
Художник стремился запечатлеть тот краткий миг перехода дневных красок в вечерние, когда все заливается мягким вечерним сиреневым светом. Ярко-красные цветы под этим освещением становятся розоватыми, зеленая листва кустарников отбрасывает синие тени, все это и создает в воображении «Сиреневый вечер», невзирая на практически полное отсутствие традиционного сиреневого.
Таким образом, рассматривая картину, хочется отметить такие качества как сиюминутность впечатления, энергичность и фактурность мазка, сложность колорита, цветовая декоративность, что создает очень живой и живописный образ природного уголка, наполненного радостными красками.
В картине «На Тьмаке» создан несколько иной образ природы – пробуждающейся. Здесь изображена река Тьмака, то место, где сейчас находится гостиница «Волга». Ранняя весна, еще не сошедший снег, но уже растаявший лед на реке. Картина написана очень крупными широкими мазками. Видно что художник работал быстро, стараясь поймать краткий момент переходного состояния природы.
Композиция картины делится на два плана руслом реки. На переднем плане изображен тающий весенний снег, черная земля, и серая сухая трава. Второй план – это высокий берег с черными силуэтами деревьев, жилыми деревянными домами, и серым затянутым небом.
Прошлогодняя трава, раскисшая земля, серый грязный снег, голые деревья – казалось бы, все это должно было бы создать унылое настроение, но этого не происходит. Николай Викторович настолько умело использует цвет, что ощущение сумрачности пропадает. Оживляет эту «серость» фиолетовая крыша дома, белый забор и вербный куст, исполненный пастозными мазками светло-желтого с проблесками нежно-зеленого цвета. Он воспринимается как одно большое желтое пятно. Именно куст является центром всей композиции картины, именно он притягивает к себе внимание цветом, расположением, объемностью, созданной и цветом и характером мазка. Вокруг куста строится и вся цветовая композиция. Являясь цветовым акцентом, он «дает» отсветы желтого и на фасады домов на втором плане, и на жухлую траву под ним.
Настроение создается также контрастом двух противоположных цветов спектра: желтого и фиолетового, с включением белого между ними.
Художник дает цвет большими пятнами, создавая основные массы и прорисовывает стволы и ветки деревьев уже поверх основного слоя. Со слов самого мастера: «когда творишь, полностью погружаешься в изображаемый объект, и не обращаешь внимания, какую технику письма используешь».
Полотно «на Тьмаке» носит этюдный характер, но это полностью законченная самостоятельная работа, в которой можно увидеть те же живописные приемы, что и в «Сиреневом вечере» - энергичность, фактурность, богатство оттенков и сложность их сочетаний. Также следует отметить и оригинальную трактовку пейзажного жанра – здесь снова на дальнем плане присутствует изображение домов, только теперь (мы это знаем) они городские.
На картине «Закат» изображен поздний закат на берегу водоема. Линию горизонта закрывает остров, с находящейся на нем приземистой избушкой. Сквозь растущие на острове деревья видно само солнце и фиолетовый отсвет заката. Солнце в закате и вечернее небо отражаются в воде омывающей остров.
Условно картину можно разделить на три части: нижняя треть – вода, с отражающимися в ней небом и островом, в середине находится сам остров с высокими деревьями, и маленькой избушкой, верхняя узкая полоска – закатное небо играющее всеми цветами теплого спектра. В изображении неба художник использует особо тонкие переходы между цветами и избегает резких контрастов. Обратная ситуация складывается при передаче рефлексов воды. Здесь отдельными мазками присутствуют и сиреневые, и желтые и разных оттенков синие тона. Темная тень острова на воде растекается грязно-синей «кляксой». И в этой «кляксе» мы видим рефлексы ярко-оранжевого отражения заходящего солнца.
Всё ту же трехчастную систему можно увидеть и в колорите. Холодная гамма воды, теплое, почти горящее небо, и широкая темная полоса зеленого острова, отделяющая «холодную» воду и «теплое» небо. Главный цветовой акцент – садящееся огненное солнце. Это одна из тех немногих работ художника, где показано непосредственно само светило. По словам самого автора, он никогда не ставил задачи изобразить солнце: «Ослепнешь ведь, если рисовать будешь! Солнце можно передать только через отраженный предметами его свет».
Художнику очень тонко и точно удается передать ощущение теплого летнего вечера после знойного дня. Полное безветрие, безоблачное небо, и тихая, медленно остывающая, спокойная вода.
Этюдный характер картины, пастозное, энергичное наложение краски на холст, богатство колорита, как мы видели и в предыдущих работах, - самые характерные черты для пейзажных работ Н.В. Дочкина. Мягкая пасторальность, но без сентиментальности, выделяет его произведения из ряда многих других.
На полотне «Вырубка» (1975 г.) изображено место недавней вырубки леса, с успевшей только что вырасти молодой, годовалой порослью деревцев.
На основном пространстве картины – огромная поляна с пнями, практически на самой ее середине – молодое тонкое деревце, с широкими листьями. Словно его продолжением на втором плане вырастает высокая ель. Между пней по поляне скачет сорока. Солнечный день, удачная передача световоздушной среды. Второй план образуют легкие лиственные деревья, растущие рядом с темными елями, которые значительно выше основного массива леса. По небу плывут полупрозрачные медлительные облака.
Смешанный лес освещенный потоками солнечных лучей, отчего зеленая листва кажется голубой, почти небесной. Здесь художнику удалось прекрасно передать световоздушную среду солнечного дня.
Общий колорит картины холодный. Синевато-зеленый с присутствующим там, но не смешивающимся голубым и розовато-сиреневым. Как известно – сочетание зеленого и розового не всегда может быть удачным, все зависит от мельчайших оттенков. Здесь же палитра подобрана весьма мастерски. В изображении зеленого массива художник использует близкие по тону цвета, одновременно с соседством чуть ли не противоположных по спектру. Но оттенки он выбирает исключительно холодные. Цветовой акцент картины приходится на оригинальную широкую розовую полосу у кромки леса. На вопрос: «А что это такое?» художник ответил весьма неожиданно: «Попытка показать пространство». Можно сказать, что этот смелый ход был верным решением.
Ощущение от картины двойственное. Одновременно наблюдается с одной стороны вмешательство (и не факт, что положительное) цивилизации в естественный ход вещей, а с другой – несмотря на вырубленный человеком лес, жизнь природы продолжается: среди пней пробиваются ростками молодые деревца, и оставшаяся нетронутой чаща радует жизнью.
Дочкин пользуется живописными приемами, ставшими излюбленными для художника. Снова мы видим пастозные крупные мазки. В данном случае они не накладывались друг на друга, как в «Сиреневом вечере», а ложились рядом, непосредственно на холст.
Пейзаж характеризуется сложностью колористического решения. Однако, от предыдущих работ его отличает то, что картина создавалась художником вдумчиво и неторопливо. Нет той широты и быстроты мазков, которые характерны для пейзажа «На Тьмаке» (1964). Зато присутствует неторопливая выверенность оттенков. И в результате – иной художественный образ, отличающийся повествовательностью.
«Именно такими (правильный рисунок, добротная неяркая живопись) пейзажами были полны городские и областные художественные выставки. Это являлось магистральным направлением тверского искусства» [1].
В искусствоведческой литературе крайне мало написано о живописи конца ХХ в. Это и неудивительно. Легко оценивать то, что видишь издалека, но то среди чего проходит твоя жизнь, то что еще не имеет своего завершения, и непонятно к чему приведет – оценить невозможно. Оценки даются в основном «актуальному искусству», которое вызывает резонанс в массах, неважно положительный или отрицательный. И чаще всего, это просто сообщения о появившихся новых произведениях, выставках, «Новых направлениях». А анализа, как такового, не проводится.
Мы не ставили себе задачу рассмотреть все аспекты художественной жизни в указанный период, ибо Н.В. Дочкин не является художником для массового потребителя, и не занимается «актуальным искусством». Он просто идет своим путём, не оглядываясь на модные тенденции.
В Байкальской серии Николай Викторович немного изменяет своим основным принципам композиции. Обычно его пейзаж – это какая-то конкретная часть окружающего мира. Излучина реки, деревенский дом, стога. Линия горизонта практически всегда закрыта от глаз зрителя. В Байкальской серии пространство картины расширяется, добавляется ощущение особенного воздуха Байкала. «Воздушная линза там другая, - пояснил художник, - от этого воздух намного прозрачнее, чем в наших широтах. Очень далеко видно».
Одна из работ этого цикла – «Яхта» (1985). На полотне изображен берег озера Байкал, с яхтой на суше. Именно на нее приходится смысловой акцент картины. Но долго внимание зрителя на ней не задерживается, переходя ко второму плану, к горам. Величественные и монументальные, они возвышаются над озером, заслоняя собой небо. И именно на них останавливается взгляд. Работая с натуры, художник сумел подметить необыкновенную красочность байкальских гор. Все, что создано человеком – тленно. Горы же вечны. И яхта, изображенная на первом плане, только подчеркивает это. Разработка цвета на изображении тонка, но без «замученности». Николай Викторович сразу «схватил» цветовые нюансы природы.
Композицию картины можно разделить на три части. Это берег и озеро с яхтой в нижней трети; в центре полотна – горы; и в верхней части – небо.
Весьма интересен цветовой контраст неба и гор. Темные, теневые, заросшие зеленью склоны, куда не падают солнечные лучи, и яркий небосклон с освещенными облаками на нем. Хотя внимание художника было привлечено к передаче «неоднотонности» гор, цвет неба он тоже разработал достаточно тщательно. Голубой, лазоревый, розовый, серый, кипенно-белый… Одновременно декоративно и естественно.
Вернемся к основному акценту картины. Вероятнее всего, яхта в оригинале имела типичную черно-белую окраску, и на фотографии бы выглядела именно так. Но Н.В. Дочкин решительно отказывается от локальных цветов, и пишет ее со множеством рефлексов. Черное дно характеризуется зелеными, синими, бордовыми оттенками. А на белом верхе синеватые и зеленоватые тени. И, если присмотреться повнимательнее, то не найдется ни одного мазка черного цвета, и всего лишь несколько тонких полосок белого, которыми обозначались выступающие углы рубки.
Общее настроение картины можно расценить как философичное. Вечно небо, вечны горы, вечен сам Байкал. Присутствие людей быстротечно. Но также, тревожной ноткой вступает и другая мысль: не слишком ли человек своеволен в отношении природы? Об этом сообщает маленькая, ранее не упоминавшаяся деталь картины: металлическая бочка (по всей видимости, для горючего). Она стоит прямо на почве, поставленная довольно небрежно, и, как и яхта, производит впечатление заброшенности.
Художник использует пастозный свободный мазок и несколько декоративные приемы в цвете, работает плотным цветом. И именно им он создает композицию. Начиная с этого времени мастера начинает волновать передача световоздушной среды как таковой.
Одно из полотен художника того же периода, «Академичка» (1987 г.) самое показательное в плане его творчества.
На картине изображен берег реки. Зеленое поле, желтеющие деревья, приткнувшийся к торцу сарая стог сена. Картина написана крупными широкими мазками, но без той порывистости, которая была присуща работе «На Тьмаке». Здесь видно, что художник работал вдумчиво и неспешно.
Композиция картины двуплановая. На переднем плане изображен сарай окруженный изгородью. Отчетливо различается по цвету трава. Желтая скошенная стерня, и зеленое колышущееся поле рядом. Коричнево-рыжеватый стог своей теплотой словно оттеняет светло-сиреневую крышу домика.
На втором плане – лес и кустарник спускающийся прямо к руслу реки. Рядом с ним – незаполненное растительностью пространство. И здесь художник снова проявляет незаурядную цветовую смелость. Осенняя трава изображена у него ярко-оранжевой. Разумеется не на всей плоскости, а лишь участками. Рядом с этим цветом присутствуют и красноватый, и желто-зеленый, и серый. И за этим полем стена осенних деревьев.
Интересно на картине показана вода. Практически черная, с серыми полосами, она при этом не выделяется ярким пятном, а весьма органически вписывается в общий колорит пейзажа.
Еще одним традиционным приемом Н.В.Дочкина, является то, что некоторые детали он прорисовывает уже после нанесения основного красочного слоя. В данном случае – это изгородь, которую художник изображает условно и довольно схематично.
Художественный образ этого полотна отличается повествовательностью. Картина очень показательна для творчества художника в целом, здесь прослеживаются практически все его основные тенденции. Это и эскизность, и типичное «проглядывание холста», и принадлежность картины серии.
Картина «Солнечный всплеск в зимний день» (1993 г.), многим отличается от привычной техники художника. В первую очередь, это, конечно, то, что мазки на холсте резкие, отрывистые, практически одинаковой длины друг с другом. Они накладываются один на другой; ложатся в одном направлении. Таким приемом обуславливается восприятие деревьев под порывом ветра. Но, невзирая на это, и на то, что линия леса словно отрезана, изображение не выглядит плоскостным. Глубина цвета, игра рыжих и голубых оттенков, все это создает глубину пространства.
Композиция картины достаточно проста: изображение на холсте двуплановое. На первом плане – лесная опушка со смётанным стожком под шапкой снега. Все оттенки охристого, желтого, голубого. Особенно выразительно смотрятся на этом фоне оранжевый и розовый рефлексы.
Второй план – это сам лес. Стройные деревья с покрытыми снегом ветками изображены прямыми линиями. Только цветом художник показывает глубину пространства.
И в верхней трети холста изображено небо. Николай Викторович, как всегда, мастерски пишет его. Пронзительная синяя высь, зимний холод. Сочетание сиреневого, синего и даже оранжевого, дает практически осязаемый эффект. Прозрачный шорох летящих снежинок. Иней на голых стволах. Кажется, трудно вернуться в реальность, где лишь холст и краска.
Также очень сильным отличием от многих других картин, принадлежащих кисти автора, является то, что именно ее он, в стремлении опробовать новую технику (со слов самого Н.В. Дочкина), покрыл лаком. Пожелтевший со временем он придал полотну еще более «солнечный» колорит.
И еще один, редко использующийся Николаем Викторовичем прием – это не мазки кистью, а тычки. В результате такого воздействия, масло на полотне приобретает губчатую фактуру, и очень достоверно имитирует подтаявшие заснеженные кочки.
Одна из его работ «В мокром осеннем парке» (1993 г.) наглядно показывает результаты исканий художника. Поиски чего-то нового в живописи выливаются в следующее.
Картина прямоугольного формата, выполнена маслом на холсте. Интересен тот факт, что здесь Н.В. Дочкин практически «отказывается от композиции», основное внимание уделяя колориту и эмоциональному фону.
Общеизвестно, что мокрые деревья осенью выглядят серо, уныло, поддерживая такое настроение и в окружающем мире. Здесь же – напротив. Радостные сочные тона, эмоциональные удары кисти, и безумные сочетания цветов. Яркий красно-оранжевый, рядом с ним иссиня-черный, желтый, сиреневый, красное пятно посередине картины. И при всем этом ни малейшего диссонанса. Все настолько неподдельно, что поневоле проникаешься мыслью, что более естественно и быть не может.
Здесь Н.В. Дочкин уже дает проникнуть в свое творчество некоторому элементу абстракционизма, требующему «всматривания» когда становится затруднительно разобрать какой же элемент окружающего мира изображен. Но это нечастое явление в его живописи. Скорее, при эмоциональной (и быстрой, пленэрной) зарисовке пейзажа художник просто не задумывался о возможном двояком толковании предметов.
Эта работа, как и многие, многие другие также носит этюдный характер. Пастозное энергичное наложение краски на холст, отсутствие цветовых плоскостей, создает динамику. Интересный факт: если на эту картину взглянуть расфокусировав зрение, станет видна центральная линия, обозначенная направлением мазков на этом участке.
Для творчества Николая Викторовича характерно обращение к циклам. Отчасти это обусловлено (со слов самого художника) нежеланием, или невозможностью часто менять место с которого пишутся пейзажи.
- Николай Викторович, а почему вы пишете сериями?
- Ну как… Вот приедешь куда-нибудь, мольберт разложишь и пишешь. Не на один же день приезжаешь, можно многое успеть запечатлеть.
К примеру, серия «Селигер» (2008) яркий образец этого. Серия написана маслом на картоне малого формата. Сюда включены виды знаменитого озера и его окрестностей, практически во всех вариациях. Восходы, закаты, ясное небо, шторма, штиль.
Глубина этих картин просто поразительна. Дочкин и здесь не изменяет своей любимой Московской школе живописи, несмотря на небольшой формат. Удивительно ясно и сочно переданы цвета и элементы пейзажа.
Картина, о которой пойдет речь, относится к этой серии, но не имеет названия.
В пейзаже есть одно традиционное правило: небо и ландшафт по композиционной массе не должны быть равны. Если художник ставит своей целью показать простор, беспредельное пространство, он большую часть картины отдает небу и основное внимание уделяет ему же. Именно так и поступает в этот раз художник. Линия горизонта расположена низко, разделяя плоскость на две части. В верхней изображено небо над озером Селигер, плывущие кучевые облака. Даже в ясной синеве неба, Н.В. Дочкин находит те редкие тональности цвета, которые мы вряд ли когда-нибудь сможем заметить. Зеленые отсветы, серо-зеленые облака, сиреневые оттенки. Небо светлеет к горизонту, что вообще нехарактерно для пейзажей.
Нижняя часть более спокойна и уравновешена. Это зеленое поле, склон холма. Но и здесь основной цвет не остается в одиночестве: присутствуют вкрапления белого, оранжевого, малинового. Но выглядят они столь естественно, что на них можно даже не обратить внимания, если специально не вглядываться.
И, наконец, интересным, но не доминирующим над всем остальным акцентом, в левом нижнем углу изображено дерево. Оно освещено солнцем, и от этого возникает эффект прозрачности краев кроны, что отдельно подчеркивается автором картины.
«Осязая» цветом форму, обретающую свои объем и вес, художник извлекает ее из окружающего пространства, выстраивая его многоплановость, подчиняя его внутреннюю динамику созданию пространственной глубины изображения[2].
В каждом новом случае запечатленный образ природы имеет свой неповторимый психологический настрой, который передается за счет замечательного умения Николая Викторовича цепко «ухватить» и передать через свои работы сиюминутную, ускользающую красоту того или иного состояния природы. Его пейзажи могут быть камерными, лиричными, монументальными и т.д., но в них всегда видно внутреннее эмоциональное чувство.
[1] Грачева Е.А. Рукопись статьи к альбому «Столяров».
[2] Волощенко М.В. Николай Дочкин. Альбом. 2005. С.16.
